De Pablo Larrain (Chili USA 2024)

avec Angelina Jolie (Maria Callas) Haluk Bilginer (Aristote Onassis) Pierfrancesco Favino (Ferrucio Maezzadri) Alba Rohrwacher (Bruna) Valeria Golino (Yakinthi Callas) Caspar Phillipson (J Fitzgerald Kennedy) Vincent Macaigne (Dr Fontainebleau) Kodi Smit-McPhee (Mandrax)

Présenté en avant-première à la Mostra de Venise (août 2024)

Angelina Jolie nommée aux Golden Globes pour son interprétation 

Présenté en avant-première à l'Omnia dimanche 26 janvier (festival Télérama)

Sortie le 4 février 2025

La soprano américano-grecque Maria Callas se retire à Paris après une vie glamour et tumultueuse aux yeux du public. Dans ses derniers jours, la diva s’interroge sur son identité et sa vie ; elle se remémore ses plus grands succès, entre solitude et nostalgie Pablo Larraín dresse ainsi le portrait d'une femme à la fois adulée et profondément vulnérable.

Troisième volet d’une trilogie consacré au féminin blessé, après Jackie et Spencer ce film s’intéresse aux 7 derniers jours de la Callas en septembre 1977. Voici une femme désespérée d’avoir perdu sa voix, une femme bourrée de médocs, une femme blessée dans ses amours, une femme recluse dans son appartement parisien et qui « s’interroge sur sa vie et son identité ».

Maria est structuré en trois parties annoncées par les « claps » et se donne(rait) à voir comme un film dans le film La Callas : the last days. Mais très astucieusement le personnage de Mandrax (Kodi Smit-Mcphee) censé être le documentariste n’est qu’une projection de l'esprit de la chanteuse, ce qui accentue l’enfermement mental de Maria. 
La séquence liminaire qui nous introduit avec lenteur dans l’appartement luxueux peut s’apparenter à une marche funèbre : silhouettés seront les personnages (dont le médecin Fontainebleau interprété par V Macaigne) qui se penchent sur le corps de la défunte gisant à même le parquet. Cette scène d’ouverture est reprise en écho à la fin : une telle circularité, certes formelle, s’inscrit en fait dans une volonté de désacralisation et d’ailleurs le plan fixe qui clôt le film est dédié au couple de serviteurs fidèles (Alba Rohrwacher, et Pierfrancesco Favino) alors que vont défiler en même temps que le générique de fin, des images d’archive en couleurs avec ….la Callas… loin de ses rôles de diva …

Pénétrant sa psyché (le visage d’Angelina Jolie filmé en très gros plan étant le miroir à traverser), Pablo Larrain déploie ses talents incontestés de cinéaste : éclatement de la chronologie, enchâssement des épisodes revisités en images réelles ou mentales, présentes et remémorées tout à la fois; récurrence de certaines scènes, agencement des couleurs avec passage du clair-obscur, du noir et blanc à la couleur, variations des cadres et angles de vue ; à cela il convient d’ajouter ces dialogues (certains assez drôles) la somptuosité des décors (et des costumes…). Et c’est bien pour « restituer » la « voix » (l’actrice américaine aurait suivi des cours de chant) que le cinéaste use des artifices qui « brouillent » les pistes - (de loin sur scène la Callas (la vraie?) mais voici entremêlés les rushs du film faussement vieillis… - dans la même séquence voici un extrait d’un concert aussitôt revisité ou fantasmé par… Angelina Jolie)

Cinéma et opéra, cinéma et intériorisation théâtrale

En contrepartie certains épisodes tombent à faux, à moins qu’il ne s’agisse d’auto dérision (revisitant son passé Maria peut le travestir) rencontre avec le président Kennedy, ultime visite à Onassis mourant;  et que penser de ces flash-back sur les « dérives » de la mère qui a prostitué ses deux filles ? faire du personnage une « victime » ? 

Certes le cinéaste refuse l’hagiographie tout en faisant de Maria la seule maîtresse de son « nouveau » destin (ce dont témoignerait la scène d’autodafé) mais force est de constater que la virtuosité formelle l’emporte créant ainsi une paroi de verre entre l’écran et le public….

Dommage

Colette Lallement-Duchoze
 

Long métrage d'animation réalisé par Adam Elliot (Australie 2024) 

Voix de  Jacki Weaver (Pinky) Eric Bana James (The Magistrate) Sarah Snook (Grace Pudel)  Kodi Smit-McPhee (Gilbert Pudel) Dominique Pinon (Percy) Magda Szubanski (Ruth )

Festival d’Annecy  Prix Cristal du long-métrage

À la mort de son père, la vie heureuse et marginale de Grace Pudel, collectionneuse d’escargots et passionnée de lecture, vole en éclats. Arrachée à son frère jumeau Gilbert, elle atterrit dans une famille d’accueil à l’autre bout de l’Australie. Suspendue aux lettres de son frère, ignorée par ses tuteurs et harcelée par ses camarades de classe, Grace s’enfonce dans le désespoir. Jusqu’à la rencontre salvatrice avec Pinky, une octogénaire excentrique qui va lui apprendre à aimer la vie et à sortir de sa coquille…

Petit corps trapu avec une propension à l'adiposité, grosse tête avec de gros yeux globuleux et tombants cernés de noir, une cicatrice balafrant le bas du visage,  c’est Grace (ô l’antiphrase…) le personnage marginal dont nous allons entendre les  "mémoires "  Sa  voix off  sera relayée par celles de tous les intervenants :  parents,  témoins,  religieux , amis,  ennemis   

Même si sa vie fut marquée par des drames à répétition le film ne versera pas pour autant dans la "noirceur"; certes la palette est  "sombre" (dominante marron ou gris) mais Adam Elliot égrène çà et là des touches de lumière plus rougeoyante (une bougie un radiateur une boîte à musique) telle la chaleur lénifiante de promesses( ?) Et surtout l’humour quasi omniprésent (en ses diverses nuances) et la tendresse vont tempérer -pour ne pas dire annihiler- l’angoisse et la douleur ; d’ailleurs le public rit souvent de bon cœur, jamais au détriment de Grace -Nous suivons son  parcours quasi initiatique depuis la séduction pour les gastéropodes et leur coquille protectrice jusqu’à l’émancipation, grâce au personnage fantasque de l’octogénaire aux savoureuses métamorphoses et au langage fleuri d’audaces… (un bémol pour le final en forme d’épilogue,  twist? ou capillotracté ? )

Grace évolue dans l’univers animé en stop motion où sans conteste Adam Elliot affirme un sens de la plastique et du détail. Le procédé de l’accumulation qui s’impose dès les premiers plans (travellings sur les objets entassés dans la chambre encombrée de Grace, et dont certains sont étiquetés comme prélude au générique) va présider à toutes les étapes, jusqu’à la pléthore. Le cinéaste dénoncerait-t-il un trouble du comportement, la syllogomanie ? ou accumulation compulsive ? 

Dans ce passé recomposé : handicap de naissance (le bec-de-lièvre) objet de risée, perte des parents, séparation d’avec le frère jumeau (or Grace et Gilbert ne formaient qu’un seul cœur) placement en famille d’accueil (et les dures conditions imposées par Ruth à Gilbert), attentes fébriles des retrouvailles, mariage raté (Ken plus séduit par la graisse de Grace, membrane à gaver de saucisses) …autant de désillusions, de désenchantements  "accumulés"  qui d’ailleurs vont de pair dans leur traitement avec la profusion de métaphores autour de la  "coquille"  (symbole de nos traumatismes ? ou/et de nos cicatrices intérieures ? du repli sur soi ?) ; la multiplicité des thèmes  abordés (misère, alcoolisme, deuil, travail forcé des enfants, homophobie, harcèlement scolaire, les clins d'œil réitérés aux problèmes de "notre temps" etc… ) est en outre soutenue par un rythme rapide – jusque dans le débit du locuteur 

Or une telle accumulation -sous forme d'empilement le plus souvent- ne risque-t-elle pas de nuire au propos ? ? ou du moins de détourner l’attention du spectateur ?? 

Colette Lallement-Duchoze
 

De Walter Salles (Brésil 2024)

avec Fernanda Torres  Fernanda Montenegro  Selton Mello 

Prix du meilleur scénario Mostra de Venise (septembre 2024) 

Golden Globe Awards de la meilleure actrice dans un film dramatique (janvier 2025)

Rio, 1971, sous la dictature militaire. La grande maison des Paiva, près de la plage, est un havre de vie, de paroles partagées, de jeux, de rencontres. Jusqu'au jour où des hommes du régime viennent arrêter Rubens, le père de famille, qui disparaît sans laisser de traces. Sa femme Eunice et ses cinq enfants mèneront alors un combat acharné pour la recherche de la vérité.

Tu adorerais être ici avec nous aujourd'hui (disait en 2009 Dilma Rousseff lors d’un meeting s’adressant à Carlos Alberto Soares de Freitas, alias Beto « tombé dans la fleur de l’âge » )
je suis toujours là semble répondre Rubens Paiva ….dans le film que lui dédie Walter Salles

Dès le premier plan -alors que le visage d’Eunice émerge de l’eau, le ciel s’est légèrement zébré – une alerte ? une menace ? ce que confirmerait la scène où une des filles, toujours caméra au poing, est arrêtée (manu militari) avec ses amis pour un « contrôle »  (les visages du chauffeur et des passagers sont confrontés avec ceux figurant sur une liste de « suspects »…) Dans la première partie (1971 Rio Plage(Copacabana ? Ipanema ?) qui se veut solaire lumineuse (entente familiale, insouciance des plus jeunes enfants, musique, réceptions) la dictature militaire -mise en place par les USA dès le coup d’état de 1964 qui sévira jusqu’en 1985 - est prégnante (l’extrême droite fût-elle habillée en Prada comme dans certaines démocraties occidentales actuelles et d’autres en passe de le devenir… n’en reste pas moins extrême dans sa chasse aux « suspects » (de « gauche » et en 1971 en Amérique latine ce sont les communistes  …rappelons que dès 1968 un code de procédure pénale militaire autorise l'armée et la police à arrêter, puis à emprisonner, hors de tout contrôle judiciaire, tout « suspect  )

Walter Salles qui s’inspire de faits réels et qui a connu la famille Palva, adopte le point de vue de l’épouse et mère Eunice (magistralement interprétée par Fernanda Torres relayée pour la dernière partie par sa propre mère Fernanda Montenegro l’actrice principale de Central do Brasil 1998 du même cinéaste  ) 
Sa mise en scène classique, dont la linéarité est ponctuée par les repères Rio de Janeiro 1971,   Sao Paulo 1996,  2014), et qui fait fi du « spectaculaire » (nous sommes dans la tragédie et non dans le mélodrame) est scandée  par des « indices » comme autant de signaux -certains récurrents- qui mettent en exergue une hantise celle de la transmission, celle de la mémoire, une mémoire qui ne doit pas « refaire » l’histoire ( le récit historique n’est-il pas celui des "vainqueurs" ?) afin de "regarder le passé en face"  (et non comme l’aurait souhaité le « bolsonarisme »)
Le titre lui-même est l'aveu d'une permanence (le "je" de l'énonciation renvoie tout aussi bien à la mère qu'à l'ex député enlevé de façon arbitraire et dont le corps ne fut jamais retrouvé, qu'à la "démocratie" !) .  Voici en outre des films de famille, des photos, (enjeux identitaires fortement ritualisés et pour le présent et pour le futur) des coupures de presse (à commenter critiquer)  voici les meubles et cartons, empreintes/témoins que l’on emporte avec soi vers un « ailleurs », voici le livre du fils Marcelo (qui a d’ailleurs servi de « déclic »)  Voici cette dent que le père avait faussement enterrée dans le sable (mais comment être sûr de la retrouver ? s’interrogeait la gamine ; Il suffit de compter le nombre de pas depuis la maison ….)

Oui le sable aussi mouvant soit-il ne doit pas être  synonyme d’effacement. Sodade sodade murmure Cesaria Evora…

Un film récompensé à Venise, accueilli très favorablement au Brésil? Certes l’interprétation qui a valu un prix à Fernanda Torres est formidable, certes les changements d’ambiance de lumière de grain, d’une partie à l’autre , sont déterminants dans leurs contrastes (cf lumière explosive en I - l’effervescence comme force de résistance ? ombres ténébreuses après l’arrestation de Rubens et les « dépositions » lors d’interrogatoires, le sourire exemplaire  censé illuminer la "survie"  après la perte) Et pourtant….ce film  "devoir de mémoire" (de remise en cause de la politique d’amnistie « synonyme d’amnésie ») n’a pas la force convaincante des films chiliens ou argentins sur les dictatures (Guzman P Larrain entre autres) 
Est-ce parce que ce docu-fiction (cf l’album de famille au générique de fin) se donne à voir essentiellement comme une  "chronique familiale" ? ou comme le portrait d’une mère courage qui imprime sa pulsation de bout en bout et impose une  version  "trop hiératique  de la souffrance et du sacrifice de soi"  ??? 

Colette Lallement-Duchoze
 

Documentaire réalisé par Pierre Creton et Vincent Barré (France 2024)

2024 • FIDMarseille - Festival International de Cinéma de Marseille • Marseille (France) • Prix du Centre National des Arts Plastiques (CNAP) - Première mondiale
2024 • IDFA - International Documentary Festival Amsterdam • Amsterdam (Pays-Bas) • Paradocs

À la recherche de plantes indigènes, nous suivons le botaniste Mark Brown, depuis Aizier jusqu'à Sainte-Marguerite-sur-Mer, chez lui. De la vallée de la Seine, suivant le littoral cauchois en sept promenades, nous filmons les plantes jusqu'à son projet botanique fou : reconstituer une forêt primaire à L'Aube des Fleurs.

Une structure en deux « volets » comme les deux « faces » d’un herbier que l’on va feuilleter avec délicatesse 

La première -sorte de making of- nous invite à suivre pendant 7 jours -et pour 7 balades sur le littoral cauchois, en 7 lieux différents-, cette équipe avec laquelle P Creton nous a déjà familiarisé (cf Le prince  et Toto)  Mais surtout nous entendons la voix du maître paléobotaniste décrypter, décliner pour le profane, la vie et l’histoire des plantes «indigènes » (certaines datant de plusieurs millions d’années cf l’ophioglosse, fougère primitive datant d’avant les dinosaures) chacune sera immortalisée grâce à l’opérateur Antoine Pirotte (que nous voyons ajuster capter l’angle de vue mesurer la lumière, placer son cadre, comme pour stariser l’élément floral, végétal) alors que Pierre Creton - caméra numérique au poing- filme l’équipe isolant en gros plan la main de Mark Brown, le filmant de dos -solitaire mains croisées- ou intégré au groupe ; une petite famille happée par le paysage au point de se fondre en lui, un tapis de velours tel un écrin pour le repos de leurs corps allongés
Une promenade bucolique prolégomène à …Car dans la seconde partie voici que l’écran offre au regard ce qui a été filmé en I ; plantes fleurs tiges se succèdent en plans fixes  (selon le même schéma chapitré); la voix off de Mark Brown égrène noms savants noms vulgaires, espèce, historique alors que chaque fleur chaque plante gagne en couleurs sensualité éblouissement. 

Le commentaire savant certes jamais ne vire au pédantisme (et parfois il a les accents d'une mélopée)  la voix susurre elle dote chaque plante d’une « histoire » qui peut avoir  la saveur de l’érotisme (cette prairie tapissée de fleurs blanches n’est-elle pas idéale pour faire l’amour ? se rappelle Mark Brown). Pédoncules pistils corolles tiges (que caressent les doigts de l’expert) autant d’organes qui exultent de vie en l’exaltant. Une vie, école d’humilité, que l’homme hélas de par son activité même menace dangereusement ; le simple promeneur d’ailleurs peut l’écraser de ses pieds maladroits et son regard l’ignorer… Constat amer que renforce le son grave sensuel et mélancolique de la clarinette…
 

Sept promenades ou le temps retrouvé; sept  promenades ou la révélation d’un monde insoupçonné 
 

Un documentaire à ne pas rater !!

Colette Lallement-Duchoze
 

 d’Alexandros Avranas. (film allemand, estonien, finlandais, français, grec et suédois 2024)

avec Chulpan Khamatova, Grigoriy Dobrygin, Naomi Lamp, Miroslava Pashutina, Eleni Roussinou

Suède, 2018. Un syndrome mystérieux affecte les enfants réfugiés. Dans l'espoir d'une vie meilleure, Sergei, Natalia et leurs deux filles ont été contraints de fuir leur pays natal. Malgré tous leurs efforts pour s'intégrer et incarner la famille modèle, leur demande d'asile est rejetée. Soudainement, Katja, leur plus jeune fille, s'effondre et tombe dans le coma. Ils vont alors se battre, jusqu'à l'impensable, pour que leur fille puisse se réveiller.

Inspiré de faits réels.

Ce film d’une glaçante sobriété aura à n’en pas douter ses détracteurs. Car pour s’être inspiré de « faits réels » le cinéaste n’en choisit pas moins une forme déshumanisante déstabilisante, -proche de la SF ou de la dystopie-, où les personnages sont comme désincarnés  (apparemment sans affect)  ils évoluent dans des décors vides aseptisés,  des espaces impersonnels aux couleurs froides et ternes (blanc gris beige )  quand ce n’est pas le vert qui recouvre tel un linceul les corps des enfants alignés à l’hôpital ou le point rouge tel un signal , tout cela accentue l’effet clinique revendiqué. 
 

Or, ce parti pris formel n’est-il pas en étroite adéquation avec l’impitoyable ? Réfugiés adultes déclassés, enfants victimes du « syndrome de résignation » -maladie expliquée dans un carton -générique de fin-, parcours kafkaïen, administration pointilleuse vétilleuse et inhumaine. Mais un impitoyable qui n’exclut pas le burlesque (cf les séances « obligatoires » de thérapie où l’on apprend à « sourire » sous l’égide d’une coach au rire forcé…) ou l’humour noir (cf l'épisode en voiture dans un parking -tel un simulacre de  départ en "vacances"-, où les quatre membres de la famille arborent des  lunettes noires -alors que les paupières des filles sont … closes-)

Voici face à l’écran une puis deux gamines en socquettes au garde à vous ; le tableau se complète avec l’arrivée de la mère puis du père ; bloc soudé dans un silence minéral regard vide face à la caméra ,c’est le plan d’ouverture. Il  s’élargit avec la visite de deux représentants de l’Office de l’immigration ; pas qui claquent , couvercles que l’on soulève à la cuisine  pour s’assurer de la qualité de la nourriture, l'inspection est minutieuse … Bilan positif malgré des ricanements ou des allusions grimaçantes …Mais la demande d’asile sera refusée, pour insuffisance de preuves. Première conséquence : Katya (la seule d’ailleurs à pouvoir témoigner de l’agression subie par le père en Russie), tombe .....dans le coma, nécessité d’une prise en charge par le personnel hospitalier, sevrage affectif. Elle sera cette endormie traitée à coup de médocs. Puis ce sera le tour de la sœur aînée (elle a témoigné …à la place de Katya ; le jury n’est pas dupe…et l’on pense ici à Souleymane -qui apprenait par cœur une version des faits auxquels il était  étranger mais son "témoignage" devait  émouvoir et convaincre )….

A partir du moment où les parents "récupèrent"  leurs filles endormies  tels des bébés auxquels on va tout (ré)apprendre, le film bascule vers plus d’humanité laquelle triomphera dans la séquence à la piscine ! 

Un film à ne pas rater! 

Colette Lallement-Duchoze