Documentaire réalisé par Alice Odiot et Jean Robert Viallet (France 2025)

2025 • FIPADOC - Festival International Documentaire • Biarritz (France) • Documentaire national - Première mondiale

2025 • Festival 2 Cinéma de Valenciennes • Valenciennes (France) • Compétition documentaire

Une grande porte en métal qui coulisse pour laisser entrer les fourgons de la police. Des hommes en sortent, avec leurs histoires. Des murs, des geôles, des escaliers en pierre, des salles d'audience, des coulisses, des larmes, des cris, des regards. Le tribunal de Marseille est débordé par les affaires de stupéfiants. Ceux qui sont jugés là sont les gérants d'une économie du chaos

Les geôles sont le ventre du tribunal, un lieu qui contient toutes les peurs et les regrets. Filmer cet endroit à Marseille n'avait jamais été fait"(Alice Odiot)

Ceux que nous avons filmés sont des esclaves au sens littéral du terme, ils travaillent gratuitement",( Alice Odiot)

Rigueur et justesse, bienveillance et humanité telles sont les qualités indéniables de Stups, qualités que nous avions déjà tant appréciées dans le documentaire Des hommes 2019 Des Hommes - Le blog de cinexpressions

Stups ou l’Anatomie d’un système, le trafic de drogue et sa dévoration (sens propre et figuré) des plus « faibles » . Témoignages bouleversants (mais la part de mensonges ou le déni réitéré n’échappent pas aux juges à la procureure et au spectateur), avec une gradation quasi dramatique depuis l’attente dans les coulisses jusqu’à la dernière comparution,  celle qui illustre le mieux l’état d’esclavage dans lequel risquent de sombrer tous ces trafiquants exploités … et une importance inégalée accordée au hors champ.. Ecran noir quand on passe d’une séquence à l’autre, visage embué et comme terrorisé capté derrière une vitre,  bande son minimaliste (hurlements ou frénésie des coups de poing après le couperet de la sentence) impassibilité des gardiens (immobilité typique de la statuaire), 

Tout cela contribue à l'excellence d'un documentaire qui aura exigé beaucoup de "doigté" en amont et une forme d'empathie On a filmé des destins qui sont en train de se jouer, des gens qui arrivent de garde à vue, qui ont passé 48h sans dormir, sans manger, sans se laver, et qui dans les minutes voire les heures qui suivent vont être jugés. Ce sont ces moments-là qu'on saisit, des moments d'espoir, d'humanité, de puissance et de force",  explique Jean-Robert Viallet,

La caméra nous immerge dans le huis clos du palais de justice (Marseille) en filmant les audiences de ceux qui vont rejoindre (ou non) un établissement pénitentiaire afin de purger leur peine. Dans l’antichambre c’est l’attente angoissée (dont témoigne dès la première séquence un gros plan sur le visage de profil puis de face, sur le regard, sur les mains entravées d’une jeune femme). Interrogatoires réquisitoires et plaidoiries pour 30' de comparution (deux interventions d’avocats en dénonçant l’inanité de la "purge"  signalent la reproduction systématique des "déterminismes sociaux" »récitée telle une litanie comminatoire ). Filmé de dos (ce jeune homme récidiviste) ou en frontal (ce revendeur qui a entraîné dans son trafic sa progéniture ou cette toxico violentée), le prévenu -quelle que soit sa "fonction" -nourrice guetteur transporteur vendeur - n'hésite pas à battre sa  coulpe, aux accents graves de la sincérité, tout en usant  de roublardises....

La parole- la maîtrise ou non du langage-, à l’intérieur du huis clos oppose deux mondes, l’exploitation à l’extérieur dans ce hors champ si prégnant malgré les non-dits c’est le lot quotidien de ces ouvriers du shit (où dans certains quartiers de Marseille, la tentation de l’argent "facile" débute dès l’enfance) (on sait que les véritables responsables et bénéficiaires, ne passeront jamais la porte ni du tribunal, ni de la prison)

Montrer comment une organisation sociale "voue une frange de sa population à la prison"  tel est bien l’intérêt majeur de ce documentaire à ne pas rater

Colette Lallement-Duchoze

De Pierre Schoeller (France Belgique 2024)

Avec Camille Cottin (Claire Lescure)  Romain Duris (Yves Lescure) Céleste Brunnquell (Salomé Lescure)  Denis Podalydès (Grégoire) , Bruno Podalydès (Terrence), Myriem Akheddiou (Anne Gomez-Taddei) Joël Ödmann (Gunnar) )

Claire et Yves, physiciens de formation, travaillent dans le nucléaire depuis toujours. Lors d'une visite à la National Gallery, Claire va être bouleversée par trois toiles de Rembrandt. Cette rencontre avec ces trois œuvres magistrales va les changer à jamais.

Dénoncer les ravages du nucléaire en s’appuyant sur le syndrome de Stendhal, après tout pourquoi pas ? assigner à l’art (en l’occurrence la peinture) des vertus épiphaniques voire prophylactiques (le regardeur en allant au-delà de la simple apparence, de la représentation, pénètre dans un monde jusque-là inconnu qui le met en garde, le prémunit  contre les méfaits du présent) pourquoi pas ? Mais à condition que la fiction ne verse pas dans une dystopie hasardeuse brumeuse et racoleuse ….

Or c’est précisément l’écueil de Rembrandt alors que Pierre Schoeller nous avait habitué à plus d’ingéniosité (cf L’exercice de l’état)

Et si l’on reprend la typologie des 5 films dans un film, les 5 approches dans Rembrandt (politique, scientifique, sentimentale, artistique, paranormale- alogique) manquent de fluidité entre elles, contraignant le spectateur à "patauger" 

Claire a contemplé, s’est approprié en les pénétrant, trois toiles de Rembrandt (Vieil homme assis dans un fauteuil Un homme âgé comme St Paul et Portrait of Hendricke Stoffels) lors d’une visite à la National Gallery (son mari et sa fille décomptant, perplexes,  les heures d’attente…) D’abord un évanouissement (syndrome de Stendhal) puis une prise de conscience, et enfin un changement radical d’idéologie et de mode de vie… tout plaquer (portable, famille) vivre à l’ancienne (sans électricité) Mais ce cheminement est traité de façon parfois si caricaturale qu’il en devient ridicule (cf l’épisode d’isolement, de retour aux "fondamentaux" et un épilogue assez racoleur…)

Certes les reproductions ( ?) des toiles de Rembrandt quand elles sont agrandies aux dimensions de l’écran ou qu’elles trouvent leur écho (clair-obscur, position des personnages, ambiances mordorées) dans certains plans du film sont soudainement exhaussées quittant la fixité théâtrale de la National Gallery Mais comparées plusieurs fois -comme mises en parallèle- aux vagues mortifères (démonstration par infographie animée des risques du changement climatique ) ou à des paysages quasi lunaires, comme inviolés, elles engloutissent le propos au moment précisément où celui-ci aurait dû être convaincant.

Certes la façon de filmer le visage, le regard, l’allure de Camille Cottin s’inscrirait dans la transcription  d’un paranormal (à l’opposé, les interventions, les remontrances de Romain Duris l’engluent dans un engoncement revendiqué, du moins jusqu’à l’épilogue) mais est-ce suffisant pour appréhender cet illisible qu’elle seule Claire serait censée approcher ?

Quant au mot magique gardé un temps secret et qui s’en viendra au final commenter la vastitude des  panoramiques, alors que l'humain est rapetissé, nanifié, il laisse perplexe… ou fait sourire...

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire réalisé par Andrei Ujicà (Roumanie France 2024)

présenté hors compétition à la Mostra de Venise 

Une chronique de la ville de New York entre le 13 et 15 août 1965, date de l'arrivée des Beatles dans la ville et de leur premier concert à guichets fermés au Shea Stadium du Queens.

Et si la venue des Beatles aux USA en août 1965 pour leur concert au Shea Stadium du Queens n’était qu’un prétexte pour le documentariste roumain?  . Du  "fameux" concert nous ne verrons que l’arrivée de la foule hystérique…Andrei Ujicà semble  plus intéressé par l’effet médiatique d'un tel événement, par le lien (peut-être ?) entre certains idéaux du groupe et la réalité "quotidienne" vécue aux USA. Il lui aura fallu 12 ans de travail – dont 100 heures de films d’actualités 16mm, 100 heures de séquences amateurs 8mm  -,  pour  "replacer l’histoire du groupe dans celle, plus vaste, de la musique populaire et de son influence sur la société américaine"

Certes , au tout début de TWST nous assistons à l’arrivée des quatre musiciens sur le tarmac de l’aéroport JFK , puis nous les  suivons  dans le hall du Warwick Hotel pour   leur conférence de presse assez tumultueuse au demeurant. Mais en s’appuyant sur des images tirées de la presse locale ou de films d’amateurs, le documentariste propose d’emblée une autre « vision » que celles auxquelles le public  fut habitué… à l'échelle planétaire d'ailleurs...(les images familiales et personnelles frappent souvent par leur simplicité,  leur spontanéité)

En faisant la part belle aux écrits d’O’Brien, Andrei  Ujicà va en outre, établir un « lien » entre ses déambulations et les images convoquées. Ainsi, des incrustations à même les archives  "animent" le  personnage (dessiné)   : il marche aux côtés de la foule de passants, il s'installe   à l’intérieur d’un taxi, il prend la parole, etc...

Voici donc Geoffrey O’Brien (journaliste) fils du jockey Joe O’Brien et Judith Kristen (écrivaine) ; adolescents, ils ont été les témoins de ce week-end effervescent. Leurs déambulations vont révéler au public de 2025 d’autres aspects de la vie  newyorkaise  en particulier et américaine en général. Et nous nous laissons embarquer dans un voyage temporel assez original où certaines saynètes restituent des ambiances typiques des années 60 ( le twist frénétique dans un club, le réalisme du marché aux poissons (Fulton) l’envol amusé de la Foire du futur) , la découverte de la Statue de la Liberté, alors que d’autres mettent en évidence la dure réalité des Afro-Américains de Harlem, ou les violences policières à Los Angeles -émeutes de Watts, en 1965 visualisées  sur petit écran.

Quand Judith prend le relais  -en voix off elle aussi- quand  elle évoque son arrivée à New York (pour assister au fameux concert), mais aussi sa relation amoureuse  il faut avouer que l’espace sonore est saturé par le trop plein de cette voix off et l’espace visuel par la métaphore filée  du papillon …

On pourra donc  être séduit par une approche singulière (sorte de « greffe » tous azimuts où s’interpénètrent mémoire collective et imagination) et simultanément en signaler les défauts majeurs : voix off par trop envahissante et recours peu convaincant aux images générées par l'IA…

Colette Lallement-Duchoze

De Lucile Hadzihalilovi (France 2024)

Avec Marion Cotillard (Cristina) Auguste Diehl (Max)  Clara Pacini (Jeanne) Gaspar Noé (Dino le réalisateur) Dounia Souchov (l’assistante du réalisateur)

Berlinale  Ours d’argent pour la meilleure contribution artistique

Dans les années 1970, Jeanne, orpheline, fugue de son foyer perché en altitude, pour atterrir dans les lumières d’une petite ville au creux de la nuit, avec sa patinoire à ciel ouvert… Elle finit par échouer dans l’entresol d’un immeuble où elle s’endort, épuisée. Au petit matin, elle découvre qu’elle a atterri dans un studio de tournage, une équipe s’activant autour de la sublime et imprévisible Cristina, que l’on sent prête à claquer la porte. Une relation trouble s’installe entre les deux femmes.

Un conte un rêve qui rejoint le réel : Jeanne fait un rêve inspiré d’un conte qu’elle lisait à une jeune orpheline pour l’endormir et voici qu’il se confond avec la réalité laquelle est elle-même fiction car nous sommes sur un plateau de cinéma où l’on tourne une adaptation de La Reine des neiges  Ainsi va le cinéma,  ainsi va le film de Lucile Hadzihalilovic :  jouer avec les apparences et les niveaux de réalités (le studio de tournage comme mise en abyme, le choix du film dans le film, le double (je)  jeu de Jeanne et de Cristina, deux femmes en miroir (Cristina se revoyant en Bianca à une croisée de sa vie; Jeanne/Bianca comme médusée par la beauté d’une actrice fétiche (gros plan sur un visage aux  cils englués de paillettes) interprétant un personnage de son conte fétiche) ; jouer avec les doubles  - l’emprise fonctionnera dans les deux sens : la Reine des Neiges a une emprise sur l’actrice qui l’interprète ; l’actrice a une emprise sur la jeune fille laquelle exerce une emprise sur l’actrice…Emprise réciproque donc qui culminera dans la séquence du baiser et  son aspiration vampirique 

Mais les effets beaucoup trop appuyés et la lenteur "calculée"  risquent d’aller à l’encontre des intentions ou du moins de les galvauder  -givre et glace en tous leurs fragments éclatés, miroitement de la patinoire (Bianca la patineuse représentant un autre modèle pour Jeanne),  effets spéculaires ad nauseam (dont le cristal qui figurant la lentille de la caméra que traverse la lumière  devient la métaphore  de l’essence du cinéma …)

Du conte d’Andersen la réalisatrice pousse à l’extrême la donnée initiale ("qui traite d'un miroir et de ses morceaux "); elle est surtout intéressée par la figure ambivalente  de la Reine des Neiges (cf la voix  off), par le monde du froid et des miroirs. Est-ce   le regard émerveillé de Jeanne / Bianca qui procèdera aux  transfigurations ? Le "coupez"  du réalisateur,  la pseudo- contemplation des rushes comme passage  d'un irréel (ré)inventé à un "faux" réel? 

S’il est vrai que trop de métaphores tuent la métaphore, l’excès dans les "superpositions" comme autant de surimpressions, et dans les surgissements (saugrenus parfois) du fantastique ou de l’onirisme tuera à la fois les  intentions de la cinéaste (conte initiatique) et les attentes du spectateur (qui avait tant apprécié Innocence 2004)

Que penser aussi de ces références qui saturent le dispositif (ambiances à la Hitchcock à la Hopper ou Lynch) de ces gros plans prolongés sur le corbeau (prédateur) ses croassements et le sang qui macule le blanc d’un visage ou d’un costume, sur ces baisers qui vampirisent …On pourrait multiplier les exemples

Hélas!  trois fois hélas!  Qu’il est loin le temps de l’Innocence !!!

Mais il y a le "son"  dans le silence sépulcral

Mais il y a la musique de Messiaen La Fête des Belles-eaux (ondes Martenot) et la Turangalîla-Symphonie  

Colette Lallement-Duchoze

De Nadav Lapid (France Israël 2024)

Avec  Ariel Bronz (Y), Efrat Dor (Yasmine), Naama Preis (Leah) Alexeï Serebriakov (le milliardaire) Sharon Alexander ( Avinoam) Idit Teperson (la "banquière")

Cannes 2025 Quinzaine des Cinéastes 

Israël au lendemain du 7 octobre. Y., musicien de jazz précaire, et sa femme Jasmine, danseuse, donnent leur art, leur âme et leur corps aux plus offrants, apportent plaisir et consolation à leur pays qui saigne. Bientôt, Y. se voit confier une mission de la plus haute importance : mettre en musique un nouvel hymne national.

Ce n’est ni un brûlot ni, j’ajoute ce terme qui revient souvent même si c’est sous la forme d’un compliment, une satire.

Face au feu, le film choisit de sauter à l’intérieur de l’incendie pour le regarder de très près 

Désormais -soit après le 7 octobre 2023- le seul  "rêve" qui habite les détenteurs du pouvoir, (et tous ceux qui profitent de la guerre) serait d’anéantir "l’autre" "le monstre"; anéantissement que Y (le clown de service) doit mettre en musique…Anéantissement/vengeance qui ira de pair avec la gloire et la survie d’Israël. La mère de Y (morte à 69 ans d’un cancer des poumons et que le fils implore à plusieurs reprises) aurait été scandalisée -, comme l’explicite une voix off-, par cette propension à dire "oui" en léchant les bottes, le cul des plus offrants ; et plusieurs saynètes "montrent" une langue bien pendue dans l’exercice de cette servitude, exercice pris au pied de la lettre… Car c’est bien l’acquiescement à la servitude que fustige le cinéaste dans ce film de bruit et de fureur.  Y.  avait décidé de tout accepter (ce dont témoignerait cette litanie de "il est bon" qu’il décline en se promenant à vélo avec son fils dans une rue de Tel Aviv)

Structuré en 3 chapitres, le film s’ouvre sur une fête orgiaque emplie de tous ces dirigeants, de ces millionnaires et milliardaires ; le couple Y /Yasmine est payé pour les distraire goulûment, voracement jusqu’à l’écœurement. (lui Y pianiste de jazz, elle Yasmine danseuse) Nadav Lapid excelle dans ces mouvements de caméra qui virevolte qui capte l’obscène avec une forme de cynisme endiablé, un déchaînement de tous les sens. Il nous avait habitué (cf Le genou d'Ahed - Le blog de cinexpressions) à des décadrages violents et à ces dépenses d’énergie chez les comédiens…

A l’outrance orgiaque -et immanquablement au tournis provoqué -va se substituer dans le deuxième acte (le chemin) une autre forme de violence, mais lovée sous les apparences de la mélancolie. Traversant un paysage ocre et pierreux, aux côtés de son amour de jeunesse, Y (cheveux teints) payé par un oligarque russe, compose la musique de l’épuration ethnique ; face aux fumées noires dévastatrices, face à l’embrasement de Gaza il embrasse Leah (Naama Preis)  –Un baiser qui scelle le futur de la vengeance -Leah qui travaille pour Tsahal avait récité en les psalmodiant les atrocités commises le 7 octobre et aux spasmes de sa voix répondaient les cahots/soubresauts du véhicule-, baiser qui scelle aussi l’impossible retour vers le passé et la rupture définitive entre les deux personnages

On a entendu le 7 octobre et simultanément on a vu Gaza . C’est il me semble l’acmé de cette composition en trois mouvements..

Revenu au foyer familial Y.  accepte, résigné, sa propre servitude (la décision de Yasmine - soustraire leur fils Noah au carcan de la malédiction, serait-ce pure velléité ?) Or cet acte 3, qui signe la capitulation, met aussi en évidence la puissance comminatoire et dévastatrice de tous les détournements éhontés (dont celui d’un texte originellement composé à la gloire de la fraternité, devenu l’hymne de la destruction, comme expliqué au final avant le générique et dont s’est inspiré le cinéaste qui a d’ailleurs bandé de noir les yeux des jeunes choristes)

Oui, on sort un peu sonné et comme abasourdi par ce film survolté (souvent) par sa musique tonitruante, par une forme d’hystérie capable de transformer la tête d’un personnage en transe en écran de télévision  et comme dans le film de 2021 de transfigurer un décor urbain par de rapides anamorphoses ; un film où triomphe la trivialité -Y. carbure au viagra.- où le geste supplante très souvent  la pensée 

"Oui," un film qui joue presque constamment sur la "déstructuration" à l’instar de la peinture de George Grosz? (Artiste d’ailleurs cité)

"Oui", un film que je vous recommande (malgré de nombreux malgré....)

Colette Lallement-Duchoze

PS Le personnage principal n’a ni nom ni prénom il est désigné (comme celui du Genou d’Ahed 2021) par la lettre Y. Aux glosateurs exégètes d’interpréter ce choix -quand on sait que le « yod » hébraïque est à la fois l’initiale du tétragramme YHWH et celle du juif (yehud) ….