Programme de quatre courts métrages de Man Ray réalisés entre 1923 et 1929 (USA) 

Avec  Kiki de Montparnasse (Alice Prin), André de la Rivière, Robert Desnos, Jacques Rigaut, Rose Wheeler, Man Ray, Jacques-André Boiffard, Georges Auric..

Célébrant le 100ème anniversaire du premier film de Man Ray "retour à la raison" est la première restauration des films muets du photographe cinéaste  avec une nouvelle bande originale composée et interprétée par Jim Jarmusch et Carter Logan , groupe Sqürl 

L’étoile de mer Emak Bakia Retour à la raison Les mystères du château du Dé soit quatre « films insolites » regroupés sous le titre « retour à la raison » et qu’accompagne la superbe bande-son minimaliste du duo Sqürl, (Jim Jarmusch et Carter Logan)

Le résultat ? Un envoûtement ! Quand l’avant-garde musicale new yorkaise rencontre la beauté -qui sera convulsive ou ne sera pas (André Breton manifeste du surréalisme) 

Se faire voyant, appliquer le précepte rimbaldien à l’image à la singularité d’un regard, en allant au-delà de l’apparence des mots, Tout en se laissant guider par une étoile de mer ? Un gros plan sur ses piquants alors qu’elle est enfermée dans son bocal semble symboliser ces « dents des femmes ». Le sous-titre de ce premier court métrage « l’étoile de mer » est explicite « poème de Robert Desnos tel que l’a vu Man Ray 

Obtenir une image sans appareil en posant l’objet entre le papier et la source de lumière (cf clous punaises ressorts dans « retour à la raison ») poser des morceaux de verre cathédrale devant l’objectif : les personnages nous apparaissent flous (dans l’étoile de mer Kiki de Montparnasse André de la Rivière et Robert Desnos qui apparaîtra furtivement vers la fin). Démarche de qui pratique un cinéma expérimental et simultanément le rêve éveillé (et les paupières closes sur lesquelles l’artifice de ces yeux peints donne l’illusion de la vie …) 

Des gymnastes des baigneurs aux débardeurs rayés s’en viennent peupler le « château » de la comtesse de Noailles (villa conçue réalisée par l’architecte Mallet-Stevens à Hyères) Dans cet hommage à Mallarmé « un coup de dés jamais n’abolira le hasard » (cf l'affiche) et qui clôt notre  voyage » la confondante unité des personnages de l’architecture du ciel et de la mer a remplacé la "plume solitaire éperdue" du Maître (qui avait vu s’effondrer dés, vagues, mots) Le duo Jarmusch Carter Logan en décuple l’onirisme 

Inviter le spectateur à constamment se mouvoir comme l’a analysé Yannick Lemarié ? Oui certainement  Marche. Danse. Voiture. Train. Bateau. Rêverie d’une dormeuse, peut-être, qui s’élance vers des espaces infinis, depuis les abîmes marins jusqu’au ciel des poètes. L’étoile de mer ne conjugue-t-elle pas les deux ? Emak bakia n’évoque-t-il pas le « bassin de Neptune » et l’aviateur Marcel Doret ? Les Mystères du château de Dé ne propulse-t-il pas les nageurs dans les airs ?

A ne pas rater !

Colette Lallement-Duchoze
 

de Déa Kulumbegashvili (Géorgie 2024)

avec Ia Sukhitashvili,(Nina) Kakha Kintsurashvili,((David) Merab Ninidze (médecin-chef)

Musique Matthew Herbert

Mostra de Venise 2024 Prix spécial du Jury

Nina, une obstétricienne de la Géorgie rurale aide les patientes souhaitant avorter malgré l'interdiction légale. Elle doit défendre ses valeurs et ses actions lorsqu'elle est accusée de négligence et est soumise à une enquête1

"Explorer une société où la désobéissance féminine est jugée comme le pire des péchés, une société où la femme est forcément liée à son statut de mère ou d’épouse, où rester célibataire est suspect" tel est le pari de la réalisatrice;  lutter contre les « préjugés » c’est le quotidien de Nina. Mais ce sera avec une "singularité déconcertante" 

Oui April est un film étrange déroutant voire dérangeant. Un film choc (on sort de la séance comme sonné après un uppercut). La mise en scène est radicale, le réalisme cru, le format (1,3) et la lenteur de certains plans fixes enserrent dans une forme d’étouffement, que vient amplifier une bande son qui fait la part belle à un souffle une respiration,  celle  d'un double -vivant ou mort-vivant (à l’instar de l’alter ego de Nina humanoïde à la combinaison couleur chair et ocreuse, boueuse).

On ne peut rester insensible à l'esthétique de ce film (au service d’ailleurs d’un plaidoyer en faveur de l’avortement) Certains spectateurs vont déplorer un excès de rigueur formelle ; j’en conviens il y a un étirement qui va (parfois) au-delà du « nécessaire » Cela étant …. 

Les trois premières séquences resteront gravées dans les mémoires  D’un point de vue purement narratif elles encodent le film -que l’interprétation soit naturaliste ou symbolique- , d’un point de vue esthétique (plastique) elles « dérangent » par leur anti conformisme (silhouettée une femme nue semble s’enfoncer dans les marécages, et sa chair se drape d’une viscosité flasque ; un accouchement filmé en un long plan fixe comme en surplomb léger  avec l’accroche de cette lampe froide, l’œil du spectateur rivé sur le sexe de la parturiente ; le frémissement de l’eau qui se métamorphose en crépitement mugissement insolite et qui envahit l’écran au son tonitruant du tonnerre foudroyant) 
 

L’alternance entre scènes à l’hôpital et en extérieur (on imagine Nina au volant de sa voiture qui zigzague de nuit s’octroyant des « pauses » susceptibles de satisfaire une libido contrariée,) qui est aussi une alternance entre cadres fixes et mouvements, exprime cette volonté de « capturer » l’instabilité constante d’un monde. A la froideur des architectures de ces longs couloirs désertés par l’humain (et souvent les personnages sont vus de dos ou restent hors champ) s’opposent si contrastés un champ de coquelicots inondé de lumière, des fleurs en gros plan vibrant sur des branchages gorgés de soleil, un ciel qui « se noie dans son sang qui se fige » Avril et le renouveau 
 

Le plan final (opacité gluante dans l’effacement par engloutissement … ) n’est-il pas empreint  de cet onirisme  aux multiples interprétations ? 
 

A ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze
 

De Pablo Larrain (Chili USA 2024)

avec Angelina Jolie (Maria Callas) Haluk Bilginer (Aristote Onassis) Pierfrancesco Favino (Ferrucio Maezzadri) Alba Rohrwacher (Bruna) Valeria Golino (Yakinthi Callas) Caspar Phillipson (J Fitzgerald Kennedy) Vincent Macaigne (Dr Fontainebleau) Kodi Smit-McPhee (Mandrax)

Présenté en avant-première à la Mostra de Venise (août 2024)

Angelina Jolie nommée aux Golden Globes pour son interprétation 

Présenté en avant-première à l'Omnia dimanche 26 janvier (festival Télérama)

Sortie le 4 février 2025

La soprano américano-grecque Maria Callas se retire à Paris après une vie glamour et tumultueuse aux yeux du public. Dans ses derniers jours, la diva s’interroge sur son identité et sa vie ; elle se remémore ses plus grands succès, entre solitude et nostalgie Pablo Larraín dresse ainsi le portrait d'une femme à la fois adulée et profondément vulnérable.

Troisième volet d’une trilogie consacré au féminin blessé, après Jackie et Spencer ce film s’intéresse aux 7 derniers jours de la Callas en septembre 1977. Voici une femme désespérée d’avoir perdu sa voix, une femme bourrée de médocs, une femme blessée dans ses amours, une femme recluse dans son appartement parisien et qui « s’interroge sur sa vie et son identité ».

Maria est structuré en trois parties annoncées par les « claps » et se donne(rait) à voir comme un film dans le film La Callas : the last days. Mais très astucieusement le personnage de Mandrax (Kodi Smit-Mcphee) censé être le documentariste n’est qu’une projection de l'esprit de la chanteuse, ce qui accentue l’enfermement mental de Maria. 
La séquence liminaire qui nous introduit avec lenteur dans l’appartement luxueux peut s’apparenter à une marche funèbre : silhouettés seront les personnages (dont le médecin Fontainebleau interprété par V Macaigne) qui se penchent sur le corps de la défunte gisant à même le parquet. Cette scène d’ouverture est reprise en écho à la fin : une telle circularité, certes formelle, s’inscrit en fait dans une volonté de désacralisation et d’ailleurs le plan fixe qui clôt le film est dédié au couple de serviteurs fidèles (Alba Rohrwacher, et Pierfrancesco Favino) alors que vont défiler en même temps que le générique de fin, des images d’archive en couleurs avec ….la Callas… loin de ses rôles de diva …

Pénétrant sa psyché (le visage d’Angelina Jolie filmé en très gros plan étant le miroir à traverser), Pablo Larrain déploie ses talents incontestés de cinéaste : éclatement de la chronologie, enchâssement des épisodes revisités en images réelles ou mentales, présentes et remémorées tout à la fois; récurrence de certaines scènes, agencement des couleurs avec passage du clair-obscur, du noir et blanc à la couleur, variations des cadres et angles de vue ; à cela il convient d’ajouter ces dialogues (certains assez drôles) la somptuosité des décors (et des costumes…). Et c’est bien pour « restituer » la « voix » (l’actrice américaine aurait suivi des cours de chant) que le cinéaste use des artifices qui « brouillent » les pistes - (de loin sur scène la Callas (la vraie?) mais voici entremêlés les rushs du film faussement vieillis… - dans la même séquence voici un extrait d’un concert aussitôt revisité ou fantasmé par… Angelina Jolie)

Cinéma et opéra, cinéma et intériorisation théâtrale

En contrepartie certains épisodes tombent à faux, à moins qu’il ne s’agisse d’auto dérision (revisitant son passé Maria peut le travestir) rencontre avec le président Kennedy, ultime visite à Onassis mourant;  et que penser de ces flash-back sur les « dérives » de la mère qui a prostitué ses deux filles ? faire du personnage une « victime » ? 

Certes le cinéaste refuse l’hagiographie tout en faisant de Maria la seule maîtresse de son « nouveau » destin (ce dont témoignerait la scène d’autodafé) mais force est de constater que la virtuosité formelle l’emporte créant ainsi une paroi de verre entre l’écran et le public….

Dommage

Colette Lallement-Duchoze
 

Long métrage d'animation réalisé par Adam Elliot (Australie 2024) 

Voix de  Jacki Weaver (Pinky) Eric Bana James (The Magistrate) Sarah Snook (Grace Pudel)  Kodi Smit-McPhee (Gilbert Pudel) Dominique Pinon (Percy) Magda Szubanski (Ruth )

Festival d’Annecy  Prix Cristal du long-métrage

À la mort de son père, la vie heureuse et marginale de Grace Pudel, collectionneuse d’escargots et passionnée de lecture, vole en éclats. Arrachée à son frère jumeau Gilbert, elle atterrit dans une famille d’accueil à l’autre bout de l’Australie. Suspendue aux lettres de son frère, ignorée par ses tuteurs et harcelée par ses camarades de classe, Grace s’enfonce dans le désespoir. Jusqu’à la rencontre salvatrice avec Pinky, une octogénaire excentrique qui va lui apprendre à aimer la vie et à sortir de sa coquille…

Petit corps trapu avec une propension à l'adiposité, grosse tête avec de gros yeux globuleux et tombants cernés de noir, une cicatrice balafrant le bas du visage,  c’est Grace (ô l’antiphrase…) le personnage marginal dont nous allons entendre les  "mémoires "  Sa  voix off  sera relayée par celles de tous les intervenants :  parents,  témoins,  religieux , amis,  ennemis   

Même si sa vie fut marquée par des drames à répétition le film ne versera pas pour autant dans la "noirceur"; certes la palette est  "sombre" (dominante marron ou gris) mais Adam Elliot égrène çà et là des touches de lumière plus rougeoyante (une bougie un radiateur une boîte à musique) telle la chaleur lénifiante de promesses( ?) Et surtout l’humour quasi omniprésent (en ses diverses nuances) et la tendresse vont tempérer -pour ne pas dire annihiler- l’angoisse et la douleur ; d’ailleurs le public rit souvent de bon cœur, jamais au détriment de Grace -Nous suivons son  parcours quasi initiatique depuis la séduction pour les gastéropodes et leur coquille protectrice jusqu’à l’émancipation, grâce au personnage fantasque de l’octogénaire aux savoureuses métamorphoses et au langage fleuri d’audaces… (un bémol pour le final en forme d’épilogue,  twist? ou capillotracté ? )

Grace évolue dans l’univers animé en stop motion où sans conteste Adam Elliot affirme un sens de la plastique et du détail. Le procédé de l’accumulation qui s’impose dès les premiers plans (travellings sur les objets entassés dans la chambre encombrée de Grace, et dont certains sont étiquetés comme prélude au générique) va présider à toutes les étapes, jusqu’à la pléthore. Le cinéaste dénoncerait-t-il un trouble du comportement, la syllogomanie ? ou accumulation compulsive ? 

Dans ce passé recomposé : handicap de naissance (le bec-de-lièvre) objet de risée, perte des parents, séparation d’avec le frère jumeau (or Grace et Gilbert ne formaient qu’un seul cœur) placement en famille d’accueil (et les dures conditions imposées par Ruth à Gilbert), attentes fébriles des retrouvailles, mariage raté (Ken plus séduit par la graisse de Grace, membrane à gaver de saucisses) …autant de désillusions, de désenchantements  "accumulés"  qui d’ailleurs vont de pair dans leur traitement avec la profusion de métaphores autour de la  "coquille"  (symbole de nos traumatismes ? ou/et de nos cicatrices intérieures ? du repli sur soi ?) ; la multiplicité des thèmes  abordés (misère, alcoolisme, deuil, travail forcé des enfants, homophobie, harcèlement scolaire, les clins d'œil réitérés aux problèmes de "notre temps" etc… ) est en outre soutenue par un rythme rapide – jusque dans le débit du locuteur 

Or une telle accumulation -sous forme d'empilement le plus souvent- ne risque-t-elle pas de nuire au propos ? ? ou du moins de détourner l’attention du spectateur ?? 

Colette Lallement-Duchoze
 

De Walter Salles (Brésil 2024)

avec Fernanda Torres  Fernanda Montenegro  Selton Mello 

Prix du meilleur scénario Mostra de Venise (septembre 2024) 

Golden Globe Awards de la meilleure actrice dans un film dramatique (janvier 2025)

Rio, 1971, sous la dictature militaire. La grande maison des Paiva, près de la plage, est un havre de vie, de paroles partagées, de jeux, de rencontres. Jusqu'au jour où des hommes du régime viennent arrêter Rubens, le père de famille, qui disparaît sans laisser de traces. Sa femme Eunice et ses cinq enfants mèneront alors un combat acharné pour la recherche de la vérité.

Tu adorerais être ici avec nous aujourd'hui (disait en 2009 Dilma Rousseff lors d’un meeting s’adressant à Carlos Alberto Soares de Freitas, alias Beto « tombé dans la fleur de l’âge » )
je suis toujours là semble répondre Rubens Paiva ….dans le film que lui dédie Walter Salles

Dès le premier plan -alors que le visage d’Eunice émerge de l’eau, le ciel s’est légèrement zébré – une alerte ? une menace ? ce que confirmerait la scène où une des filles, toujours caméra au poing, est arrêtée (manu militari) avec ses amis pour un « contrôle »  (les visages du chauffeur et des passagers sont confrontés avec ceux figurant sur une liste de « suspects »…) Dans la première partie (1971 Rio Plage(Copacabana ? Ipanema ?) qui se veut solaire lumineuse (entente familiale, insouciance des plus jeunes enfants, musique, réceptions) la dictature militaire -mise en place par les USA dès le coup d’état de 1964 qui sévira jusqu’en 1985 - est prégnante (l’extrême droite fût-elle habillée en Prada comme dans certaines démocraties occidentales actuelles et d’autres en passe de le devenir… n’en reste pas moins extrême dans sa chasse aux « suspects » (de « gauche » et en 1971 en Amérique latine ce sont les communistes  …rappelons que dès 1968 un code de procédure pénale militaire autorise l'armée et la police à arrêter, puis à emprisonner, hors de tout contrôle judiciaire, tout « suspect  )

Walter Salles qui s’inspire de faits réels et qui a connu la famille Palva, adopte le point de vue de l’épouse et mère Eunice (magistralement interprétée par Fernanda Torres relayée pour la dernière partie par sa propre mère Fernanda Montenegro l’actrice principale de Central do Brasil 1998 du même cinéaste  ) 
Sa mise en scène classique, dont la linéarité est ponctuée par les repères Rio de Janeiro 1971,   Sao Paulo 1996,  2014), et qui fait fi du « spectaculaire » (nous sommes dans la tragédie et non dans le mélodrame) est scandée  par des « indices » comme autant de signaux -certains récurrents- qui mettent en exergue une hantise celle de la transmission, celle de la mémoire, une mémoire qui ne doit pas « refaire » l’histoire ( le récit historique n’est-il pas celui des "vainqueurs" ?) afin de "regarder le passé en face"  (et non comme l’aurait souhaité le « bolsonarisme »)
Le titre lui-même est l'aveu d'une permanence (le "je" de l'énonciation renvoie tout aussi bien à la mère qu'à l'ex député enlevé de façon arbitraire et dont le corps ne fut jamais retrouvé, qu'à la "démocratie" !) .  Voici en outre des films de famille, des photos, (enjeux identitaires fortement ritualisés et pour le présent et pour le futur) des coupures de presse (à commenter critiquer)  voici les meubles et cartons, empreintes/témoins que l’on emporte avec soi vers un « ailleurs », voici le livre du fils Marcelo (qui a d’ailleurs servi de « déclic »)  Voici cette dent que le père avait faussement enterrée dans le sable (mais comment être sûr de la retrouver ? s’interrogeait la gamine ; Il suffit de compter le nombre de pas depuis la maison ….)

Oui le sable aussi mouvant soit-il ne doit pas être  synonyme d’effacement. Sodade sodade murmure Cesaria Evora…

Un film récompensé à Venise, accueilli très favorablement au Brésil? Certes l’interprétation qui a valu un prix à Fernanda Torres est formidable, certes les changements d’ambiance de lumière de grain, d’une partie à l’autre , sont déterminants dans leurs contrastes (cf lumière explosive en I - l’effervescence comme force de résistance ? ombres ténébreuses après l’arrestation de Rubens et les « dépositions » lors d’interrogatoires, le sourire exemplaire  censé illuminer la "survie"  après la perte) Et pourtant….ce film  "devoir de mémoire" (de remise en cause de la politique d’amnistie « synonyme d’amnésie ») n’a pas la force convaincante des films chiliens ou argentins sur les dictatures (Guzman P Larrain entre autres) 
Est-ce parce que ce docu-fiction (cf l’album de famille au générique de fin) se donne à voir essentiellement comme une  "chronique familiale" ? ou comme le portrait d’une mère courage qui imprime sa pulsation de bout en bout et impose une  version  "trop hiératique  de la souffrance et du sacrifice de soi"  ??? 

Colette Lallement-Duchoze