De Jafar Panahi  (France Iran Luxembourg 2024)

Avec Vahid Mobasseri, Maryam Afshari, Ebrahim Azizi, Hadis Pakbaten

Palme d’Or Cannes 2025

Les années 2020, en Iran. Chargé d'effectuer des réparations sur un véhicule endommagé, Vahid, mécanicien d'origine azerbaïdjanaise, pense reconnaître en son client un des tortionnaires qui l'a malmené lors d'un séjour en prison. Mais face à cet homme qui nie farouchement avoir été son bourreau , face à ce père de famille, le doute s'installe...

Film réquisitoire -contre les tortures que pratique un régime totalitaire et le cinéaste qui a connu les geôles d’Evin sait de quoi il parle -(le hors champ s’invite dans les diatribes, la rage, les rappels de détails qui après avoir torturé la chair continuent à torturer l’être tout entier); film qui mêle drame, comédie, absurde…Film d’un résistant qui, condamné à vingt ans d’interdiction de filmer et de sortie de territoire, emprisonné à deux reprises, aura préféré retourner dans son pays et continuer à « militer » de l’intérieur …Ne prenez pas ça pour du courage, c’est de la faiblesse : je n’ai pas la capacité de vivre ailleurs qu’en Iran. J’ai passé trois mois en France pour la postproduction de mon film, cela m’a tellement angoissé que l’on m’a mis sous morphine. Dit-il non sans ironie

Un simple accident a été auréolé de la Palme d’or au festival de Cannes 2025

Dans le concert de louanges osons une voix légèrement discordante…

Certes Jafar Panaha s’efforce d’opposer à la barbarie du régime la dialectique vérité vs aveuglement -avec la métaphore des yeux bandés – surveillance vs liberté ( le comique de situation avec les policiers) ou encore l’humour  -celui de tous les  dérapages  (la panne l’interruption d’une cérémonie, les désaccords entre les protagonistes, la corruption par pots-de-vin interposés etc..) Certes le message empli d’humanisme se devine dans ces déplacements cahoteux qui nous conduisent du coffre scellé aux régions désertiques épousant les questionnements sur la justice immanente,  sur l'humanité profonde des individus;  sur  la "conscience" qui s'acquitte à bon compte en  effaçant  le corps du tortionnaire Eghbal, dont le grincement de prothèse rythmait  le tic-tac du temps,  etc...

Mais…

Le scénario est lourdement lesté de charges démonstratives et les personnages souvent réduits à des stéréotypes s’en viennent déclamer (à tour de rôle et peu convaincants d'ailleurs) ou éructer leur besoin de vengeance (surtout Hamid qui interprète tout à l’aune du complotisme…) comme si nous assistions  à un tribunal "moral" ;  même dans le dernier "acte" où la problématique concerne le pouvoir et les effets de la répression... La tension dramatique attendue en est comme phagocytée,

Un mini huis clos (celui du van) avec son mini conclave (le kidnappeur, la photographe, le couple de jeunes mariés, et Hamid ivre de vengeance) s’interrogeant sur "le chemin"  à parcourir, cela ne crée pas pour autant une ambiance beckettienne, il ne suffit pas de citer « en attendant Godot » dans la solitude aride et la présence d’un arbre sénescent pour rendre palpable l’attente absurde 

Les propos d’Hamid « Il (la Guibole ex tortionnaire) a perdu sa jambe en Syrie dans leur guerre sainte de merde », censés prouver la montée d’une insolence blasphématoire -mais cathartique -  sont vite étouffés …

Le jeu du champ contrechamp qui prévalait au tout début et créait une forme de suspense menaçant (Vahid le garagiste, terrorisé, se cache du "chauffeur" en contrebas à la recherche d'une boîte à outils) s’émousse bien vite  

Force est de reconnaître que Jafar Panahi a été plus inspiré et plus novateur par le passé et que cette Palme d’Or est essentiellement  politique  et non  cinématographique

Colette Lallement-Duchoze

Long métrage d'animation réalisé par  Félix Dufour Laperrière (Canada France 2025)

Avec les voix de Zeneb Blanchet (Hélène) Karelle Tremblay (Manon) Mattis Savard Verhoeven (Marc) Barbara Ulrich (la vieille dame) Françoise L. (l’enfant)

Musique Jean L'appeau (alias Gabriel Dufour-Laperrière) 

Présenté à la Quinzaine des Cinéastes Cannes 2025

Lors d'un attentat contre de riches propriétaires, Hélène abandonne ses compagnons et s'enfuit dans la forêt. Manon, son amie et complice lors de l'attaque, revient la hanter, pour lui offrir une seconde chance. Ensemble, elles affrontent le choix impossible entre violence et inaction. Si c'était à refaire, jusqu'où Hélène irait-elle cette fois au nom de ses idéaux ?

Autant on sera sensible à la beauté formelle de ce film d’animation autant on pourra être déçu par le propos trop sentencieux – ce qui ne remet nullement en cause le questionnement  sur les enjeux climatiques face à l’imminence d’une catastrophe …

Le graphisme, les aplats de couleurs et leurs métamorphoses (du vert à l’ocre, de l’ocre au noir charbonneux)  les ambiances spectrales ou sombres, la diffraction par démantèlement craquèlement et les « résurrections » -censées illustrer les orientations et les choix politiques envisageables ( ?), les analogies entre la meute des loups (noir et rouge sang opposés à la blancheur virginale d’un ovin) et celle des révolutionnaires solidaires dans l'élimination des responsables du mal qui contamine la planète, (un couple prédateur propriétaire richissime ), la forêt comme théâtre de tous les enjeux et surtout le procédé de la réitération (le spectre  de Manon propose à Hélène une seconde chance) tout cela au service d’un double questionnement intime et politique -qu’accompagne une musique censée donner corps à la psyché d’Hélène-, fait que l’intérêt suscité s’émousse assez vite …. 

La problématique engagement ou immobilisme, action violente ou repli petit-bourgeois, choix de société, et sur le plan strictement personnel -le repentir, le sacrifice de ses amours (cf les appels désespérés à Marc …) problématique en elle-même intéressante, (et bien ancrée historiquement) tourne vite hélas ! au didactisme déclamatoire  (Même quand Hélène désabusée fait le constat "on a été naïfs", auquel un personnage rétorque "plutôt romantiques")

Entraîné dans le voyage  mental  d’Hélène, (revivant la scène inaugurale qui provoqua la mort de ses amis, elle convoque réminiscences souvenirs, est en proie à des visions hallucinées), ballotté dans cette sorte d’espace-temps qui mêle réalisme et fantastique, (cf les métamorphoses et résurrections), le spectateur ne saurait adhérer pour autant à toutes ces bifurcations dans cette forêt aussi luxuriante que moribonde…

Dommage !

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire réalisé par Andrei Ujicà (Roumanie France 2024)

présenté hors compétition à la Mostra de Venise 

Une chronique de la ville de New York entre le 13 et 15 août 1965, date de l'arrivée des Beatles dans la ville et de leur premier concert à guichets fermés au Shea Stadium du Queens.

Et si la venue des Beatles aux USA en août 1965 pour leur concert au Shea Stadium du Queens n’était qu’un prétexte pour le documentariste roumain?  . Du  "fameux" concert nous ne verrons que l’arrivée de la foule hystérique…Andrei Ujicà semble  plus intéressé par l’effet médiatique d'un tel événement, par le lien (peut-être ?) entre certains idéaux du groupe et la réalité "quotidienne" vécue aux USA. Il lui aura fallu 12 ans de travail – dont 100 heures de films d’actualités 16mm, 100 heures de séquences amateurs 8mm  -,  pour  "replacer l’histoire du groupe dans celle, plus vaste, de la musique populaire et de son influence sur la société américaine"

Certes , au tout début de TWST nous assistons à l’arrivée des quatre musiciens sur le tarmac de l’aéroport JFK , puis nous les  suivons  dans le hall du Warwick Hotel pour   leur conférence de presse assez tumultueuse au demeurant. Mais en s’appuyant sur des images tirées de la presse locale ou de films d’amateurs, le documentariste propose d’emblée une autre « vision » que celles auxquelles le public  fut habitué… à l'échelle planétaire d'ailleurs...(les images familiales et personnelles frappent souvent par leur simplicité,  leur spontanéité)

En faisant la part belle aux écrits d’O’Brien, Andrei  Ujicà va en outre, établir un « lien » entre ses déambulations et les images convoquées. Ainsi, des incrustations à même les archives  "animent" le  personnage (dessiné)   : il marche aux côtés de la foule de passants, il s'installe   à l’intérieur d’un taxi, il prend la parole, etc...

Voici donc Geoffrey O’Brien (journaliste) fils du jockey Joe O’Brien et Judith Kristen (écrivaine) ; adolescents, ils ont été les témoins de ce week-end effervescent. Leurs déambulations vont révéler au public de 2025 d’autres aspects de la vie  newyorkaise  en particulier et américaine en général. Et nous nous laissons embarquer dans un voyage temporel assez original où certaines saynètes restituent des ambiances typiques des années 60 ( le twist frénétique dans un club, le réalisme du marché aux poissons (Fulton) l’envol amusé de la Foire du futur) , la découverte de la Statue de la Liberté, alors que d’autres mettent en évidence la dure réalité des Afro-Américains de Harlem, ou les violences policières à Los Angeles -émeutes de Watts, en 1965 visualisées  sur petit écran.

Quand Judith prend le relais  -en voix off elle aussi- quand  elle évoque son arrivée à New York (pour assister au fameux concert), mais aussi sa relation amoureuse  il faut avouer que l’espace sonore est saturé par le trop plein de cette voix off et l’espace visuel par la métaphore filée  du papillon …

On pourra donc  être séduit par une approche singulière (sorte de « greffe » tous azimuts où s’interpénètrent mémoire collective et imagination) et simultanément en signaler les défauts majeurs : voix off par trop envahissante et recours peu convaincant aux images générées par l'IA…

Colette Lallement-Duchoze

De Lucile Hadzihalilovi (France 2024)

Avec Marion Cotillard (Cristina) Auguste Diehl (Max)  Clara Pacini (Jeanne) Gaspar Noé (Dino le réalisateur) Dounia Souchov (l’assistante du réalisateur)

Berlinale  Ours d’argent pour la meilleure contribution artistique

Dans les années 1970, Jeanne, orpheline, fugue de son foyer perché en altitude, pour atterrir dans les lumières d’une petite ville au creux de la nuit, avec sa patinoire à ciel ouvert… Elle finit par échouer dans l’entresol d’un immeuble où elle s’endort, épuisée. Au petit matin, elle découvre qu’elle a atterri dans un studio de tournage, une équipe s’activant autour de la sublime et imprévisible Cristina, que l’on sent prête à claquer la porte. Une relation trouble s’installe entre les deux femmes.

Un conte un rêve qui rejoint le réel : Jeanne fait un rêve inspiré d’un conte qu’elle lisait à une jeune orpheline pour l’endormir et voici qu’il se confond avec la réalité laquelle est elle-même fiction car nous sommes sur un plateau de cinéma où l’on tourne une adaptation de La Reine des neiges  Ainsi va le cinéma,  ainsi va le film de Lucile Hadzihalilovic :  jouer avec les apparences et les niveaux de réalités (le studio de tournage comme mise en abyme, le choix du film dans le film, le double (je)  jeu de Jeanne et de Cristina, deux femmes en miroir (Cristina se revoyant en Bianca à une croisée de sa vie; Jeanne/Bianca comme médusée par la beauté d’une actrice fétiche (gros plan sur un visage aux  cils englués de paillettes) interprétant un personnage de son conte fétiche) ; jouer avec les doubles  - l’emprise fonctionnera dans les deux sens : la Reine des Neiges a une emprise sur l’actrice qui l’interprète ; l’actrice a une emprise sur la jeune fille laquelle exerce une emprise sur l’actrice…Emprise réciproque donc qui culminera dans la séquence du baiser et  son aspiration vampirique 

Mais les effets beaucoup trop appuyés et la lenteur "calculée"  risquent d’aller à l’encontre des intentions ou du moins de les galvauder  -givre et glace en tous leurs fragments éclatés, miroitement de la patinoire (Bianca la patineuse représentant un autre modèle pour Jeanne),  effets spéculaires ad nauseam (dont le cristal qui figurant la lentille de la caméra que traverse la lumière  devient la métaphore  de l’essence du cinéma …)

Du conte d’Andersen la réalisatrice pousse à l’extrême la donnée initiale ("qui traite d'un miroir et de ses morceaux "); elle est surtout intéressée par la figure ambivalente  de la Reine des Neiges (cf la voix  off), par le monde du froid et des miroirs. Est-ce   le regard émerveillé de Jeanne / Bianca qui procèdera aux  transfigurations ? Le "coupez"  du réalisateur,  la pseudo- contemplation des rushes comme passage  d'un irréel (ré)inventé à un "faux" réel? 

S’il est vrai que trop de métaphores tuent la métaphore, l’excès dans les "superpositions" comme autant de surimpressions, et dans les surgissements (saugrenus parfois) du fantastique ou de l’onirisme tuera à la fois les  intentions de la cinéaste (conte initiatique) et les attentes du spectateur (qui avait tant apprécié Innocence 2004)

Que penser aussi de ces références qui saturent le dispositif (ambiances à la Hitchcock à la Hopper ou Lynch) de ces gros plans prolongés sur le corbeau (prédateur) ses croassements et le sang qui macule le blanc d’un visage ou d’un costume, sur ces baisers qui vampirisent …On pourrait multiplier les exemples

Hélas!  trois fois hélas!  Qu’il est loin le temps de l’Innocence !!!

Mais il y a le "son"  dans le silence sépulcral

Mais il y a la musique de Messiaen La Fête des Belles-eaux (ondes Martenot) et la Turangalîla-Symphonie  

Colette Lallement-Duchoze

De Nadav Lapid (France Israël 2024)

Avec  Ariel Bronz (Y), Efrat Dor (Yasmine), Naama Preis (Leah) Alexeï Serebriakov (le milliardaire) Sharon Alexander ( Avinoam) Idit Teperson (la "banquière")

Cannes 2025 Quinzaine des Cinéastes 

Israël au lendemain du 7 octobre. Y., musicien de jazz précaire, et sa femme Jasmine, danseuse, donnent leur art, leur âme et leur corps aux plus offrants, apportent plaisir et consolation à leur pays qui saigne. Bientôt, Y. se voit confier une mission de la plus haute importance : mettre en musique un nouvel hymne national.

Ce n’est ni un brûlot ni, j’ajoute ce terme qui revient souvent même si c’est sous la forme d’un compliment, une satire.

Face au feu, le film choisit de sauter à l’intérieur de l’incendie pour le regarder de très près 

Désormais -soit après le 7 octobre 2023- le seul  "rêve" qui habite les détenteurs du pouvoir, (et tous ceux qui profitent de la guerre) serait d’anéantir "l’autre" "le monstre"; anéantissement que Y (le clown de service) doit mettre en musique…Anéantissement/vengeance qui ira de pair avec la gloire et la survie d’Israël. La mère de Y (morte à 69 ans d’un cancer des poumons et que le fils implore à plusieurs reprises) aurait été scandalisée -, comme l’explicite une voix off-, par cette propension à dire "oui" en léchant les bottes, le cul des plus offrants ; et plusieurs saynètes "montrent" une langue bien pendue dans l’exercice de cette servitude, exercice pris au pied de la lettre… Car c’est bien l’acquiescement à la servitude que fustige le cinéaste dans ce film de bruit et de fureur.  Y.  avait décidé de tout accepter (ce dont témoignerait cette litanie de "il est bon" qu’il décline en se promenant à vélo avec son fils dans une rue de Tel Aviv)

Structuré en 3 chapitres, le film s’ouvre sur une fête orgiaque emplie de tous ces dirigeants, de ces millionnaires et milliardaires ; le couple Y /Yasmine est payé pour les distraire goulûment, voracement jusqu’à l’écœurement. (lui Y pianiste de jazz, elle Yasmine danseuse) Nadav Lapid excelle dans ces mouvements de caméra qui virevolte qui capte l’obscène avec une forme de cynisme endiablé, un déchaînement de tous les sens. Il nous avait habitué (cf Le genou d'Ahed - Le blog de cinexpressions) à des décadrages violents et à ces dépenses d’énergie chez les comédiens…

A l’outrance orgiaque -et immanquablement au tournis provoqué -va se substituer dans le deuxième acte (le chemin) une autre forme de violence, mais lovée sous les apparences de la mélancolie. Traversant un paysage ocre et pierreux, aux côtés de son amour de jeunesse, Y (cheveux teints) payé par un oligarque russe, compose la musique de l’épuration ethnique ; face aux fumées noires dévastatrices, face à l’embrasement de Gaza il embrasse Leah (Naama Preis)  –Un baiser qui scelle le futur de la vengeance -Leah qui travaille pour Tsahal avait récité en les psalmodiant les atrocités commises le 7 octobre et aux spasmes de sa voix répondaient les cahots/soubresauts du véhicule-, baiser qui scelle aussi l’impossible retour vers le passé et la rupture définitive entre les deux personnages

On a entendu le 7 octobre et simultanément on a vu Gaza . C’est il me semble l’acmé de cette composition en trois mouvements..

Revenu au foyer familial Y.  accepte, résigné, sa propre servitude (la décision de Yasmine - soustraire leur fils Noah au carcan de la malédiction, serait-ce pure velléité ?) Or cet acte 3, qui signe la capitulation, met aussi en évidence la puissance comminatoire et dévastatrice de tous les détournements éhontés (dont celui d’un texte originellement composé à la gloire de la fraternité, devenu l’hymne de la destruction, comme expliqué au final avant le générique et dont s’est inspiré le cinéaste qui a d’ailleurs bandé de noir les yeux des jeunes choristes)

Oui, on sort un peu sonné et comme abasourdi par ce film survolté (souvent) par sa musique tonitruante, par une forme d’hystérie capable de transformer la tête d’un personnage en transe en écran de télévision  et comme dans le film de 2021 de transfigurer un décor urbain par de rapides anamorphoses ; un film où triomphe la trivialité -Y. carbure au viagra.- où le geste supplante très souvent  la pensée 

"Oui," un film qui joue presque constamment sur la "déstructuration" à l’instar de la peinture de George Grosz? (Artiste d’ailleurs cité)

"Oui", un film que je vous recommande (malgré de nombreux malgré....)

Colette Lallement-Duchoze

PS Le personnage principal n’a ni nom ni prénom il est désigné (comme celui du Genou d’Ahed 2021) par la lettre Y. Aux glosateurs exégètes d’interpréter ce choix -quand on sait que le « yod » hébraïque est à la fois l’initiale du tétragramme YHWH et celle du juif (yehud) ….