De Hur Jin-Ho (Corée du sud 2024)

avec Sul Kyung-Gu (Jae-Wan) Jang Dong-Gun (Jae Kyu) Kim Hee-AE (Yeon Kyeonog) Soo-Hyun (Ji Soo)

Deux frères, un avocat matérialiste et un chirurgien idéaliste, se retrouvent régulièrement avec leurs épouses pour dîner dans un restaurant chic de Séoul. Lorsqu’une affaire criminelle qui les implique explose sur la scène médiatique, leur sens de la morale va être mis à l’épreuve.

Une introduction fracassante : scène de rue, altercation entre deux chauffeurs, invectives d’une violence inouïe (encore que…sous d’autres cieux…) et passage à l’acte, l’un des conducteurs écrase volontairement l’autre qui le menaçait de briser le pare-brise : mort brutale, fille/ gamine gravement blessée-, mère désemparée.

Scène de déflagration qui va  encoder le film ?

Oui nous irons de rebondissements en rebondissements, dont la cruauté affecte propos et agissements, avec des retournements notoires dans les prises de position… (en écho à cette séquence liminaire répondra d’ailleurs la toute dernière scène).

Mais d’un point de vue purement narratif le prologue va mettre au premier plan le rôle éminent de deux frères (ennemis…), l’un avocat véreux, âpre au gain  défend le chauffard tueur (arguments fallacieux au cynisme implacable); l’autre chirurgien « idéaliste » met tout en œuvre pour  "sauver" la gamine…Entre les deux une mère sénile et ingrate. Eux-mêmes parents de jeunes désorientés (le fils du chirurgien est victime de harcèlement au lycée, la fille de l’avocat conspue sa belle-mère et considère son père comme un "tiroir-caisse") Une famille normale…. (la toute dernière image après le générique de fin,  image qu’auront ratée les spectateurs pressés de quitter la salle,  remet à l’endroit ce qui aurait dû être mais qui restera cliché pour les générations à venir, le film s’étant ingénié à craqueler puis faire voler en éclats un vernis de façade, sourires de gens liés par le sang…)  Famille(s)  je vous hais !

La mise en scène est léchée avec ses longs plans fixes, ses découpages tranchants, ses décors froids et glacés . Les dîners rituels (fil rouge du roman du Néerlandais Herman Koch dont s’inspire le cinéaste coréen) dans l’espace aseptisé d’un restaurant ultra chic de Séoul tournent vite au pugilat ; paroles comminatoires arguments spécieux; et quand les enfants sont impliqués dans le meurtre d’un SDF les parents affrontent leurs démons intérieurs ; entraînant le spectateur dans la valse des "bons et mauvais sentiments" . L’astuce du cinéaste est d’avoir d’abord insisté sur les faux airs de famille (hypocrisie dévastatrice de l’intérieur) avant d’impliquer les mêmes protagonistes face à des choix qui opposent morale justice et liens du sang

Las ! après le basculement - changements de prises de position-  le film patauge s’embourbe dans l’accumulation de  "clichés" (sur la rédemption la culpabilité le pardon la violence) et l’on en vient à proférer des "menaces de mort" (je te tuerai si… dit explicitement l’épouse à son mari, le  chirurgien, puis ce  même  chirurgien à son frère…)

Reste le portrait glaçant d’une jeunesse qui loin d’être déboussolée (comme le pense la génération des aînés) incarne décomplexée, une dérive morale Non ce ne sont pas les délinquants (stéréotypes attendus), mais à la fois les produits d’un environnement privilégié ultra sécurisé et  les acteurs d’une sauvagerie inexplicable…   Dans mon pays, les enfants et les adultes ne se parlent plus beaucoup, Mais c’est la faute des adultes. Ils ne voient pas les enfants comme des personnes à part entière ; les adultes, les parents, sont persuadés d’avoir toujours raison puisqu’ils ont l’expérience. Les enfants, eux, sont éduqués en grande partie par YouTube par eux-mêmes 

Oui derrière les clichés (dans les deux sens du terme) d'une  normal family se cachent  des monstres.

Constat philosophique qui s’enrichit d’une approche plus sociétale.

Constat politique qui hélas dépasse les frontières (hiérarchisation des individus ; pouvoir macabre de l’argent-roi)

En tout être sommeille un chauffard …barbare ! était-ce  la "leçon" du prologue ???

Colette Lallement-Duchoze

De Shinji Sômai (Japon 1994) film inédit en France

avec Rentarô Mikuni (Kihachi Denpô) Naoki Sakata (Atsushi Kiyama) Yasutaka Oh (Kawabe) Ken'ichi Makino Yûji Yamashita) Naho Toda (Shizuka Kondô) Ritsuko Nemoto (Tomomi Kiyama) Tsurube Shôfukutei An undertaker

Kobe, en été  Pendant leurs grandes vacances, trois jeunes écoliers en mal d'aventures se questionnent sur la mort  et se passionnent peu à peu pour le jardin abandonné d'un ermite qui les fascine

Espionner un vieillard pour voir comment un homme meurt, tel était le projet initial de Kiyama, Kawabe et Yamashita trois écoliers de Kobe, habités par cette curiosité morbide : Comment ça fait de toucher un cadavre ? …Mais après une période d’apprivoisement réciproque, les trois vont s’ingénier à métamorphoser la bicoque, le jardin en friche du vieil homme solitaire, mais surtout de confidences en confidences c’est tout un pan du passé qui est restitué capable de transformer un futur aussi bref soit-il… (en organisant "d’improbables retrouvailles"… !!)

Surnommés Sumo, Lunettes et Sac d’os, ils entraînent le spectateur dans leur connivence avec Grand-Père (une voix off parfois nous guide) le font pénétrer dans un univers qui tient à la fois du réalisme et de la magie (cf le puits et l’envol au final de ces myriades de papillons). Sueurs et cris d’enthousiasme, mouvements vibrionnants alternant avec poses (et pauses) contemplatives, questions sur l’intime, impression d’accomplir une mission, rien ne semble échapper à leur précoce sagacité

Conscience d’une finitude, la mort est omniprésente dans ce film. Soit dans la figuration métaphorique du jardin abandonné, de la perte des idéaux -rappel du trauma dû à la guerre du Pacifique – soit dans le rouge flamboyant du ciel comme illustration d’une incinération, soit dans cette façon si provocatrice de la défier -quand Kawabe (Lunettes) est sur un muret comme happé par le vide ; alors qu’au final les trois « gamins » seront confrontés à la douleur de la perte -leur tentative désespérée de ranimer le « mort » est tout simplement poignante

Jardin d’été, un récit d’apprentissage, un conte initiatique où la cruauté et le morbide s’effacent au profit de la délicatesse, où l’émerveillement a vite remplacé la rudesse initiale (cf la séquence d’ouverture, un match de foot avec ces tacles qu’accentue le visqueux tourbeux de la pluie).

Tout ce qui était en friche (maison jardin mais aussi espace mental et psyché du vieillard) miraculeusement se transforme…La musique du guitariste et compositeur brésilien Sérgio Assad, l’interprétation des quatre personnages principaux, les ruptures de rythme et d’ambiance (chaleur torride, typhon), le recours aux panoramiques ou aux plans séquences, tout dans ce film (jamais diffusé en France jusqu’à cette année) concourt à cette métamorphose filmée à hauteur d’enfant…

Jardin d’été un film à ne pas manquer !

(quand bien même certains -détracteurs invétérés-, vont déplorer les "figures" du  puits- tombeau- réservoir de toutes les âmes … de la mémoire oubli et promesse  …de l’éros- thanatos  dans leur connexion conjuguée,  ainsi que la lenteur calculée de certaines séquences )

.Colette Lallement-Duchoze

De Piero Messina (Italie France G-B 2024)

avec Gael Garcia Bernal, Bérénice Béjo, Renate Reinsve

Festival de Berlin 2024

Après avoir survécu à l'accident qui a coûté la vie à la femme qu'il aimait, Sal ne vit plus que dans ses souvenirs. Il s'engage alors dans l'expérience Another End, qui promet d'atténuer le deuil en réanimant temporairement la conscience des personnes disparues. Sal retrouve ainsi l'âme de Zoé au travers d'une autre femme. Ce qui était brisé semble pouvoir reprendre vie.

Une technologie post mortem pour atténuer la souffrance du nevermore…Pourquoi pas ? c’est presque devenu un "marronnier" (mythologie, littérature et cinéma de science-fiction) avec ce questionnement ô combien existentiel  "que reste-t-il de l’amour lorsque l’être aimé n’est plus, mais que son souvenir persiste, réincarné et artificiellement prolongé"  Et voici que s’impose la figure de la femme aimée  disparue "ressuscitée" "(Eurydice Béatrice Rebecca ou Vertigo) même si dans ce film de Piero Messina la femme a un autre corps …

Une scène d’ouverture comme promesse augurale? . Une porte un judas un dos qui envahit l’écran et quand la porte s’ouvre la voisine accueille Sal avec déférence ; il va réparer la douche,  le  "mari" que l’on voit comme figé dans une lumière orangée, assis sur un fauteuil, n’y parvient pas…. Sal est décontenancé, le spectateur aussi quand quelques instants plus tard ce "mari" est dénudé emporté par des infirmiers, recouvert de la housse mortuaire, -l’épouse aura baisé tendrement ses lèvres. Profondeur de champ de l’obscur désormais, mélange de réalisme et de fantastique, comme si tout allait de soi…….

Dévasté par la douleur Sal acceptera le marché (dont sa sœur est la convaincante vrp )…mais en exigeant plus que le contrat …Bienvenue dans Another end cette entreprise commerciale, qui permet à une personne dévastée par la mort d’un proche d’atténuer sa douleur en réanimant temporairement la conscience et les souvenirs des personnes disparues en les transplantant dans des corps d’employé·es loués pour l’occasion

Las ! Malgré les belles interprétations de tous les acteurs - mention spéciale à Philipp Rosch dans le rôle du père de Zoé -,-malgré une mise en scène très "léchée", malgré la netteté et la rigueur des "cadres", malgré cette recherche d’une harmonie entre les décors aseptisés, les lumières diffuses, les mouvements feutrés et l’aspect flottant des personnages, malgré une tendance esthétique à la  " corporalité /corporéité"  dans l’épisode de Zoé/Ava en putain stripteaseuse, - on taira le twist final, prévisible et alambiqué à la fois,  malgré……l’ensemble peine à transmettre le frisson attendu, ou du moins à faire accepter l’invraisemblance dans un réel  revisité ou dans un réel devenu irréel (que la séquence liminaire avait illustré...)

Que dire par exemple de ces lits mortuaires à la verticale qui au début envahissent l’écran ? de ces couleurs mordorées des intérieurs avec ce filet de lumière sur les cheveux ou une partie du visage ? de ces propos du psychologue de pacotille (mais dont les contreplongées sont censées renforcer le rôle, le pouvoir du verbe ….dans les limites du contrat, bien entendu) de la trop grande importance accordée aux scènes "dissertatives" ? de ces "faux jeux de piste" que déclinent les angles droits croisés ou les effets spéculaires? une surenchère qui nuit au propos?

En voulant faire cohabiter conte philosophique, thriller sentimental et récit d’un désenchantement (sur l’amour ?) le film restera celui d’un paradoxe (à tel point que dans la seconde partie la traque nocturne s’épuise fébrile dans le grotesque après ….une apparition toute en lucioles de la stripteaseuse sortant des "ténèbres" )

Dommage !!

Colette Lallement-Duchoze

De Wes Anderson (2024 USA) 

Avec Benicio Del Toro, Mia Threapleton, Michael Cera, Richard Ayoade, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Rupert Friend,  Bill Murray, Mathieu Almaric

Compétition Festival de Cannes 2025

Le riche homme d'affaires Zsa-zsa Korda désigne sa fille unique, une religieuse, comme seule héritière de son patrimoine. Alors que les Korda se lancent dans une nouvelle entreprise, ils deviennent rapidement la cible de magnats intrigants, de terroristes étrangers et d'assassins déterminés.

Le pitch rend compte uniquement de la « trame » générale (1950 Korda industriel puissant et véreux victime d’attentats ciblés sentant sa mort prochaine veut faire de sa fille, une nonne, l’unique héritière de son empire…Son projet pharaonique Phoenician scheme -développer un territoire oublié mais hautement stratégique, la Phénicie- est  perturbé à cause de la flambée des prix des rivets nécessaires à la construction du chantier … …Comment combler le gap ?  Comment convaincre les partenaires financiers (tous aussi véreux …)

Or dès le prologue nous pénétrons dans un univers très particulier :  décor-intérieur d’un avion- au cadre millimétré, aux couleurs dénaturées,  statisme apparent (comme une vignette de BD) puis l’explosion du cadre (l’assistant de Korda est éjecté tout comme va l’être le pilote,… de son siège) ellipse sur le crash de l’avion particulier ….avant qu’une superbe lumière zénithale ne nous montre Korda - comme ressuscité- immergé dans son bain,  alors que défile le générique….

Bienvenue dans ce nouvel opus de Wes Anderson où le discours logorrhéique est à l’image de la pléthore du casting, où les "rebondissements" dans ce parcours méditerranéen qu’entreprend l’homme d’affaires (avec sa fille et son acolyte l'entomologiste) auprès de ses partenaires financiers a les allures d’une comédie noire stylisée au récit sinusoïdal …où triomphe le goût  pour la symétrie (plans) et où se mêlent habilement critique de l’affairisme à l’échelle planétaire et crise familiale

Oui chaque rencontre a ses transactions plus ou moins grotesques  ou burlesques (transfusion de sang, demande en mariage, points marqués au basket ) Oui les "résurrections" successives de Korda justifieraient ces passages au paradis en noir et blanc (avec Bill Murray dans le rôle de Dieu) Oui l’espace vital et professionnel après moult déboires et fracas se resserre, au final, sur le duo père fille (où paradoxalement l’exiguïté du bar restaurant sera saturée d’objets)

Oui la grammaire cinématographique si originale de Wes Anderson (où chaque plan est travaillé avec méticulosité) a son égal dans le sens évident du rythme et les ambiances sonores signées Alexandre Desplat

Oui… Mais.. On peut déplorer l’absence notoire d’émotion, la froideur et l’hermétisme

Un film à voir,, c’est une évidence,  avec ces réserves déjà évoquées ici même

(https://www.cinexpressions.fr/2021/11/the-french-dispatch.html  https://www.cinexpressions.fr/2023/06/asteroid-city.html 

Colette Lallement-Duchoze

Girl in the Hallway  Canada, 2019, 11 minutes

• Réalisation : Valerie Barnhart Écriture : Valerie Barnhart, Jamie DeWolf
• Image, animation et montage : Valerie Barnhart Son : Pat Mesiti Miller
• Voix off : Jamie DeWolf Musique originale : Alex Mandel
• Production : Valerie Barnhart

À l’occasion du festival d’animation d’Annecy qui débute le 8 juin, Mediapart et Tënk vous proposent de découvrir le puissant film de Valerie Barnhart, primé en 2019. Illustration d’un fait divers qui interroge l’inaction et le poids de la culpabilité.

https://www.mediapart.fr/studio/documentaires/culture-et-idees/la-fille-dans-le-couloir-quand-le-silence-est-violence

"C'estC’est l’histoire d’une porte fermée. Un conte de bêtes affamées et d’ogres. Un souvenir de loups armés. Le récit d’un artiste qui se retrouve au cœur d’un fait divers. Il témoigne des circonstances qui entourent la disparition d’une enfant et porte avec difficulté le lourd poids de son silence et de son inaction. « Parce qu’il y a des petites filles qui ne reviennent jamais de la forêt. »

Quinze ans après, la petite fille du couloir le hante toujours. Cet homme, c’est Jamie DeWolf. Il était le voisin de Xiana Fairchild, âgée de 7 ans au moment de sa disparition. C’est son récit qu’on entend du début à la fin du film. Écrivain, cinéaste, performeur, il est réputé pour ses slams poétiques, dont celui qui sert les dix minutes de bande-son du film.

Un texte qu’il jouait depuis longtemps sur scène et dont la réalisatrice Valerie Barnhart s’empare pour son premier court métrage. Elle utilise le tout premier enregistrement public, le plus fragile, le plus torturé, chancelant et âpre. La jeune illustratrice canadienne le sublime à l’image par une animation en stop motion 2D, une technique qu’elle a apprise en réalisant ce film. Confrontant la mémoire douloureuse de Jamie DeWolf avec un travail au fusain et au pastel sur papiers découpés qui s’autodétruisent au fur et à mesure. Un chaos cauchemardesque d’ombres et d’éclats rouges qui collent parfaitement avec la scansion de la voix et la noirceur du texte. 

« Les aveux de Jamie sont incroyablement intimes. J’ai senti qu’en disant ces mots pour la première fois, Jamie avait créé quelque chose de brut et imparfait. Et qui permet de se projeter. C’est très facile de voir le background de cette histoire et pourquoi il a, malheureusement, pris ces décisions. Il y a un peu de nous tous en Jamie. Le silence et l’inaction sont une forme passive de violence. Le mal devient banal lorsqu’il est toléré par ceux qui le rencontrent », détaille la réalisatrice dans un entretien avec Nicolas Bardot.

Si l’histoire personnelle est terrible et dépeint une réalité très (trop) sombre, habitée par la peur de l’autre, la crainte générale du monde extérieur, dénuée de toute lueur d’espoir, de foi dans une humanité minée par la violence, sa grande force est d’être un avertissement contre nous-mêmes. Contre les dynamiques du silence, contre toutes les souffrances à côté desquelles nous passons sans y prêter attention ou, pire, en les ignorant sciemment. C’est ce sentiment qu’on ressent dans l’urgence de la voix à dénoncer le loup qui sommeille en nous.

Mediapart et Tënk

Le festival international du film d’animation d’Annecy se déroule cette année du 8 au 14 juin, retrouvez ici l’intégralité de la programmation 2025.