de Sarah Arnold   (2025)

Avec Alexis Manenti (Fulda),  Elia Rumpf (Stéphane) Bertrand Belin (Marchal) Vincent Dedienne (Victor)  Jean Louis Coulloc'h (Brun) Thierry Godard (Brochier) Bernard  Blancan  (LaTige) 

Musique  Florencia Di Concilio 

Présenté au Festival de Cannes 2026 Quinzaine des cinéastes et récompensé par le  Label Europa cinémas

Dans le Nord-Est de la France, agriculteurs et chasseurs se font la guerre. Les sangliers, trop gros et trop nombreux, dévastent les cultures. Brun, céréalier au bord du gouffre, craque et disparaît. Un an plus tard, Fulda, un gendarme explosif et Stéphane, une psy en crise, enquêtent. Ce qu'ils découvrent les dépasse. Ce qui naît entre eux aussi.

Le film -outre l'espèce humaine ou animale– sera explosif lui aussi ou ne sera pas !!!

Deux communautés qui s’affrontent de manière explosive (agriculteurs et chasseurs), la force "indomptable"  du sanglier (et la métaphore du désir refoulé) un flic déglingué victime d'un  burn out et misogyne, une psy (qui exercera dans un placard à balais) ... tout cela au service  d’un film  "indomptable" -du moins est-ce le projet de Sarah Arnold (dont c’est le premier long métrage)

Voici un film à la structure ciselée avec ses échos et la progression des étapes/découvertes  (au début focale sur Brun céréalier qui pète les plombs, tue et disparaît,  un an après focale (et ce sera l’essentiel du film) sur un gendarme corse, nouvelle recrue, dépressif, alcoolo  qui subodore un complot ; progression de l’enquête (sur Brun et les vandalismes)  -alors que le" boss"  est réfractaire aux empêcheurs de "tourner en rond" - mais qui aboutira (?) : clouer au pilori tous les prédateurs autres que la gent animale ravageuse? Ce que  suggère le hors champ final lors de la venue du ministre de l’agriculture dans cette région des Ardennes.

Ce film est en outre traversé par des scènes aussi improbables que vertigineuses (l’enquête menée par le duo Orsini /Dinger sous effets hallucinogènes restera dans les annales)

Et la métaphore du désir -depuis celui inavoué de la scène d’ouverture jusqu’aux gestes franchement assumés (alors que les deux personnages sont entravés …), aura bel et bien fonctionné (le sanglier ou la matérialisation de nos pulsions et un symbole de liberté affirme la cinéaste)

La prestation d’Alexis Menenti est magistrale -sinon "explosive" quand un silence inattendu ou une remarque déplacée font sortir de leurs gonds les autres acolytes, quand en transe il "danse" à moitié nu sur une table ;  à la fois louche et  bizarre,  il est capable de passer d’une tonalité à l’autre et il va former avec Dinger (interprétée par Elia Rumpf que nous avions vue et appréciée dans le théorème de Marguerite) un couple déjanté qui fera exploser en éclats  (libérateurs) certains attendus  

Hélas ce film a le défaut de ses qualités; et les interprétations  -incarnations d'archétypes- sont trop dissemblables! est-ce intentionnel ?

 "qui trop embrasse " (ici: contexte politique, polar rural, conte fantastique psychanalyse, féminisme) … on connaît la suite… du proverbe

Colette Lallement-Duchoze

d'Andreï Petrovitch Zviaguintsev  (France Allemagne Lettonie 2025)

Avec Iris Lebedeva (Galina) Dmitri Mazourov (Gleb) Vladimir Friedmann (le maire) Boris Kudrin

Musique Evgueni Galperine et Sacha Galperine

Festival de Cannes 2026 Grand prix

 Choisi par la commission le 16 septembre 2026 pour représenter la France aux Oscars 2027 du meilleur film international  

Vu en avant-première dimanche 11 octobre

sortie 14 octobre 

Russie, 2022. Gleb, chef d’entreprise prospère, vit avec sa femme Galina et leur fils dans une ville de province. Il se retrouve confronté à des problèmes professionnels croissants, dans un monde de plus en plus instable. L’effondrement d’une vie soigneusement construite bascule rapidement dans la violence.

Cinéaste russe (exilé en France) choyé par la critique occidentale (il mêle étroitement politique -notamment son opposition à Poutine- et son esthétique hautement cinématographique- dont les plans séquences les cadrages savants une caméra chirurgicale et ses choix musicaux) Andreï Zviaguintsev fait son retour avec Minotaure (en compétition au festival de Cannes 2026 le film a reçu le Grand Prix ). Après un coma dû au covid long, après "faute d’amour" le cinéaste désirait "adapter" la femme infidèle de Chabrol en la "transposant' dans l’histoire contemporaine. L’invasion de l’Ukraine par la Russie en 2022, la mobilisation et l’exode massif vont nourrir le scénario de son film tourné en Lettonie (où les bâtisses rappellent celles de la Russie).

Les slogans (propagande et enrôlement) qui s’afficheront à intervalles réguliers, les contrastes entre les habitats (clivages sociaux), les longues discussions (premier tiers) les jeux de miroirs et reflets, -et parfois des brisures-fissures comme autant de fêlures, le système patriarcal et ses cloisonnements, son emprise, les violences verbales et physiques, les non-dits ou tout au contraire le trop explicatif (signatures et tampons qui cautionnent l’innommable) le meurtre froidement pensé et exécuté (dans les moindres détails glaçants) la timidité apparente des sous fifres - complicité et crainte des représailles- oui tout cela va illustrer  un double effondrement (celui d’un couple et celui d’un pays) double effondrement qui est bien au cœur de ce film choisi pour les Oscars 2027 même si ce n’est pas le plus percutant (nous lui avons préféré Le retour Helena ou Léviathan…)

Minotaure ? On connaît la légende. Fruit de l’accouplement monstrueux entre un taureau et Pasiphaé épouse de Minos, caché dans un palais/labyrinthe construit par le talentueux Dédale,  "monstre" à qui on donnait en pâture des jeunes garçons et jeunes filles, avant d’être terrassé par Thésée (fils d’Egée)  grâce au fil d’Ariane. Or tout cela -dans le mythe- est dû à la colère de Poséidon-(qui pour se venger de la trahison de Minos, insuffle à son épouse une passion contre nature pour le taureau blanc, et  Pasiphaé  a pu se "cacher" et s'accoupler, grâce à la duplicité de Dédale qui a fabriqué une génisse de bois.. )  … Poutine, Minotaure des temps modernes ? (cf la séquence où de très jeunes Russes -"chair à canon" -en partance pour le front sont arrachés aux étreintes d’adieux de leurs proches, ) et la Russie,  Poséidon ? Gleb le chef d'entreprise, et l’exécutant de basses besognes ? Gleb avatar du Minotaure qui se nourrit de corruption, de mensonges, Gleb un mari qui tue froidement, maquille le meurtre ? lui qui impose ‘(en pâture à la sainte Russie de Poutine ) des employés pour la conscription militaire ? Quoi qu’il en soit, Russie Poutine et Gleb sont enfermés tous trois dans "le labyrinthe de leurs contradictions."  et le battement de tambour qui traverse le film ne serait-il pas similaire à un métronome sacrificiel reliant mythe et violence de l’Etat (Etat qui dépasse les frontières de l’ex Russie)

Qui  sera Thésée ?

Le dernier plan -nuages noirs qui envahissent l’écran, nuages captés par le fils de Gleb et Galina -apparemment réconciliés –(dans la conclusion étrangement "apaisée" d’un Mal, momentanément déplacé en exil en Crête?) nuages captés à partir du hublot de l’avion qui entame sa descente sur Héraklion- nuages ligne de démarcation ou écran? Ces nuages noirs, alimenteront immanquablement les gloses à venir,- à cause précisément de l’au-dessus et de l’en-dessous, de l’avers et de l’envers, d’une préscience du futur ???

Un film à ne pas manquer !

Colette Lallement-Duchoze

De Bruno Dumont (2025)

avec Kaylon Lancel (Géo ) Kelsie Verdeilles (Ève) Louise Podolski  (Manon)Mohamed Coly (Rouben) Alessandro Piquera (B) Meryl Pires (Do)

Présenté au festival de Cannes 2026 section Quinzaine des cinéastes 

Sur la Côte d’Azur, deux bandes d’enfants s’affrontent à leur jeu favori : sauter des rochers rouges de la Méditerranée. Géo, 5 ans à peine, découvre le temps d’un été un monde où l’amitié se mêle à la rivalité, et où les premiers élans du cœur deviennent source de tensions.

 Bruno Dumont peut agacer, énerver, dérouter; il n'en reste pas moins un grand cinéaste qui sait dégager la puissance parfois explosive des "choses" la beauté sidérante des paysages, qui se plaît à les confronter aux corps des humains   En témoigne son dernier film  présenté au Festival de Cannes 2026 Les roches rouges. qui frappe par  sa puissance évocatrice. Celle inhérente au paysage maritime ; à ces roches, à cette immensité de la mer – Paysage  qui contient tous les éléments (le feu du soleil qui tétanise, l’eau de l’immensité marine, le vent et l’air)  Paysages  filmés en plans larges. -où dominent le bleu de la mer et de l’azur, le rouge de la roche volcanique de l’Esterel et le vert d’une végétation qui fait corps avec le minéral. Puissance liée aussi à cette façon d’appréhender le corps de ces gamins,  filmés eux en plans serrés en gros plans ((visages comme déformés) en contre plongée (corps alignés en haut d'une falaise, jambes vues de dos comme déformées elles aussi,  corps de  Géo censé escalader la paroi)  . Un film à hauteur d’enfant. Car il s'agit bien  de très jeunes gamins (de 5 à 8 ans). Et paradoxalement -malgré le contraste , l'opposition si criante entre la petitesse de l’enfant et le gigantisme de l’environnement), l’imposante robustesse des roches, le vide abyssal (mer qui peut vous engloutir) l’immense viaduc d’Anthéor (Var), -qui vu d’en bas rejoint les cieux dans sa verticalité vertigineuse et sur lequel glissent régulièrement les trains vers l’Italie -   tout cela forme un ensemble paradisiaque, une aire de jeux où évolue en toute liberté le groupe, –vite scindé en bandes rivales.. : sauter de la falaise, nager, prendre un train en partance pour Vintimille, arpenter en quad les rues et les routes.  Et c’est bien dans ce contexte que Géo éprouve ses premiers émois amoureux  -.très  jeune Roméo vivant dans un mobile home attiré par Juliette, Eve enfant de nantis  

Paradis de l’enfance ? et simultanément promesses d’une aube nouvelle? Passer outre les clivages sociaux? illustrés par cette grille  qui clôture une propriété (Géo saura l'escalader...de même que l'étreinte d'amour se fera dans l'entrave même)  Enfreindre? certaines règles du "vivre ensemble" (chapardage entre autres) tout comme le film semble s'accommoder des "perturbations" qui le traversent  -dont  la présence astucieuse et comique de lévriers sur le court de tennis

Certains détracteurs reprochent des invraisemblances s’offusquent de l’absence d’adultes -guides et protecteurs- ou de leur représentation furtive et  caricaturale donc sujette à caution. Ah la magie du cinéma qui donne l’illusion de…(ces gamins n’ont bien évidemment jamais sauté des falaises ….mais filmer le saut dans le vide aura coupé le souffle…)

Un film en tout cas qui va à l’essence même de l’enfance (son énergie sa sensualité mais aussi son insolence transgressive (cf l’envie de « tuer » le rival) et qui aura filme les enfants avec singularité (choix du 20 mm, recours à l’oreillette)

Un conte cruel ? peut-être                             

En tout cas un film irrigué par la philosophie héraclitéenne "On ne se baigne jamais deux fois dans le même fleuve (…) c'est comme les enfants qui sautent dans l'eau "

Un film que je vous recommande 

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire réalisé par Sylvie Meyer (2025)

avec Isild Le Besco, Sandrine Bonnaire, Marianne Denicourt Cyrille Mairesse (Nina) et Muriel Salmona 

Les blessures de l'enfance ne s'effacent pas, elles se réparent. Muriel Salmona, psychiatre de renom et spécialiste des violences sexuelles, consacre sa vie à soigner celles et ceux que l'enfance a brisés. Incarnée à l'écran par Sandrine Bonnaire, Marianne Denicourt et Isild Le Besco, elle accompagne des patients qui affrontent leur passé et ouvrent, pas à pas, le chemin de la réparation

Pour rendre hommage à la psychiatre Muriel Salmona (dont un gros plan sur sa plaque professionnelle ouvrira la quatrième séance, dernière partie) Sylvie Meyer a recours à un dispositif hybride qui mêle fiction et documentaire, scènes rejouées, romans-photos et images générées par l’IA,. Son film-documentaire se déploie en 4 séances thérapeutiques -dans les trois premières Muriel Salmona (psychiatre et présidente de l’association mémoire traumatique et victimologie) est "interprétée" successivement  par Isild Le Besco, Sandrine Bonnaire et Marianne Denicourt ; la psychiatre interviendra en personne dans la quatrième. De plus les patients interprètent leur propre rôle, hormis Nina (,en I) qui sera jouée par Cyrille Mairesse. Alors que le présent, temps de la thérapie, est filmé au plus près des patients, le passé temps de l’enfance est "reconstitué"  "raconté "  en images -roman photos ou IA.  Ajoutons le choix formel du plan fixe, du champ contre champ répété d’une séance/séquence à l’autre - ou le raccord comme passage obligé entre l’intérieur d’un huis clos (cabinet de la psy)  et l’extérieur, -élément de paysage, masse végétale au feuillage voletant

Un tel dispositif peut surprendre, dérouter, déconcerter…et au final ne pas convaincre Quand bien même le choix de l’IA créerait une distance avec le spectateur et illustrerait la porosité de la frontière entre monde réel et virtuel.

Certes Le monde à l’endroit n’est pas un énième documentaire qui dénonce les violences sexuelles, les horreurs de l’inceste familial. Il se présente comme une approche (démonstrative) sur ce que ces violences laissent comme impacts sur les corps et les psychismes, Le parcours de Franck Demules (face à Marianne Denicourt en III) serait à cet égard exemplaire. Victime dans la vraie vie d’un journaliste de Libération, Franck avoue le tragique du trouble existentiel qui le taraude ("je fais chier tout le monde" je suis une "merde" car Christian me l'a inculqué ) il ne voulait plus entendre parler de thérapeutes jusqu’à la rencontre déterminante avec Muriel Salmona.

Sidération, dissociation, mémoire traumatique, amnésie traumatique Termes répétés -certains expliqués- d’une séance à l’autre, seront désormais  "familiers" grâce aux travaux de la psychiatre..

Mais cette volonté de tout embrasser par la scénarisation, la confier à trois comédiennes -au jeu fort dissemblable d’ailleurs -, ne porte-t-elle pas ses propres limites ? (l’entrée en scène de la psychiatre frappera par ce  "naturel" qui aura fait cruellement défaut)

Dans une interview (cf dépliant disponible dans le hall de l’Omnia) la réalisatrice justifiait ses choix : 3 comédiennes ? Restituer le plus fidèlement possible le discours thérapeutique de Muriel Salmona   Rejouer sa propre thérapie ? Entrer avec douceur dans le sujet avec la distance qu’amène la fiction. Puis de vrais patients apparaissent face aux actrices; enfin Muriel Salmona entre dans le film face à une jeune patiente déterminée à témoigner publiquement   

Aura-t-elle convaincu ? pas sûr….

Colette Lallement-Duchoze

D’Emmanuel Marre (2025)

Avec Swann Arlaud (Henri) Sandrine Blanck (Paulette)

Festival Cannes 2026 prix du scénario et prix des cinémas art & essai

Vu en avant-première  en présence du réalisateur le vendredi 11 septembre

Septembre 1940, le régime de Pétain se met en place. Henri Marre, 49 ans, débarque à Vichy sans le sou, sans contact, loin de sa femme et ses enfants. Il voit dans la nouvelle administration l'opportunité de trouver enfin la place qu'il mérite. Dans sa valise, son traité politique édité à compte d'auteur, Notre Salut, où il défend ses convictions patriotiques et ses méthodes d'ingénieur. Son credo : "gagner en efficacité" pour relever la France de la débâcle

S’inspirant du parcours de son arrière-grand-père, pétainiste convaincu, de ses échanges épistolaires (avec sa femme) le réalisateur Emmanuel Marre va montrer de l’intérieur (en nous immergeant dans les ministères du gouvernement installé à Vichy) l’emprise nauséeuse de la collaboration… Il évoque le  parcours du fonctionnaire, Henri Marre. Débarqué à Vichy (d’abord seul sans sa femme et ses enfants) avec comme seul bagage son livre « notre salut » -traité de technocrate pour « redresser » la France ou comment « rationaliser le travail » ; l’adjectif possessif « notre » inclurait -il à la fois le « nous » de l’Histoire et celui plus intime du couple ???

Le jeu de Swan Arlaud est tout simplement désarmant de justesse et de sobriété. Il incarne cet ingénieur raté mais opportuniste un salaud, Il joue comme en retrait, illustrant avec une placidité parfois mielleuse toutes les « nuances » de l’embrigadement consenti et la fierté d’y adhérer. Alors que gravite autour de lui toute une cohorte de « technocrates » encore plus inféodés au pétainisme (corruption inhumanité seront les maîtres mots) mais « apparemment » ils n’ont rien de « monstrueux »…

Déroutante aussi (mais ô combien efficace) cette façon singulière d’aborder la question de la reconstitution historique. En optant pour l’anachronisme (choix musicaux surtout), le cinéaste renoncerait-il à la « sacro sainte rigueur historique » ? la réponse est évidente…Or, associer la réalité de la bureaucratie provinciale de 1940 à des musiques des années 1970 et 1980, n’est-ce pas établir à la fois une distanciation (par rapport à l’obscénité des fonctionnaires dans leurs fêtes propagandistes) et une sorte de continuum ‘(la foule en liesse salue le Maréchal sur la musique de Live is life) La projection de l’Eternel retour -de Delannoy 1943- ne serait-elle pas un autre indice ? Les bureaux ont bien moins changé que les champs de bataille 

Dès lors le contenu authentique des lettres échangées entre Hanri et Paulette, -elles sont lues (voix off) par Sandrine Blancke et Swann Arlaud - va ainsi jouer le rôle de « contrepoint » (l’intime du couple, de la famille, mis à nu face au cynisme ambiant ;  et simultanément les griefs formulés par l’épouse sur la dilapidation de la fortune complètent le portrait du « salaud »  )

Emmanuel Marre peut procéder aussi par saut d’image, cadrer un visage et le flouter donnant l’impression de l’abandonner avant de ..(cf le plan d’ouverture, un cadrage qui isole le visage de Sawann Arlaud et quand le plan s’élargit celui-ci semble comme « perdu dans un groupe » (or si ces hommes et femmes n’ont pas -du moins pas encore- les pouvoirs suprêmes même si le système hiérarchique en promeut certains – ils n’en constituent pas moins par leur nombre une force sur laquelle le Maréchal va pouvoir compter…) filmés de près en plans serrés ou en duos ils sont comme hors sol et ressemblent étrangement à « nos » technocrates modernes. L’appellation « ministère du chômage » a de terribles résonances avec notre temps … (cf les mesures prises récemment à l’encontre des chômeurs ou la banalisation du mal qui s’est opérée par le déplacement de « l’arc républicain »)

Filmant caméra à l’épaule dans des décors et lumière naturels, (cf Vichy) empruntant à Godard les fameux jump cuts, mêlant habilement dilatation et instantanéité rapide du temps, Emmanuel Marre a été récompensé à Cannes, par le « prix du scénario » que ne le fût-il pour celui de la mise en scène…..

Un film à ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze