De Lee Sang-il (Japon 2025)

avec Ryo Yoshizawa, Ryusei Yokohama, Ken Watanabe

Adapté du roman Kokuho (2018), (trésor national) de Shuichi Yoshida

Présenté à la Quinzaine des Cinéastes, Festival de Cannes, 2025

 Représentera le  Japon aux Oscars 2026

Nagasaki, 1964 - A la mort de son père, chef d’un gang de yakuzas, Kikuo, 14 ans, est confié à un célèbre acteur de kabuki. Aux côtés de Shunsuke, le fils unique de ce dernier, il décide de se consacrer à ce théâtre traditionnel. Durant des décennies, les deux jeunes hommes évoluent côte à côte, de l’école du jeu aux plus belles salles de spectacle, entre scandales et gloire, fraternité et trahisons... L'un des deux deviendra le plus grand maître japonais de l'art du kabuki.

MAGNIFIQUE

Oui ce film « magnifie » un art traditionnel japonais où les gestes millimétrés et codifiés, les costumes somptueux les maquillages impressionnants, les déclamations des onnagata  (dans le kabuki les rôles de femmes sont interprétés uniquement par des hommes) la musique (les percussions surtout) créent un spectacle visuel grandiose voire hypnotique. Et le cinéaste alterne gros plans sur les visages et plans plus larges et serrés -changement de costumes sur scène, vues en frontal ou en plongée (espace scénique savamment quadrillé avec la répartition acteurs instrumentistes, percussionnistes,) et caméras au sol ou à hauteur du personnage. Une caméra dynamique pour un spectacle « figé » dans ses codes

Tout cela concerne les séquences sur scène…Or, nous pénétrons aussi dans les coulisses : répétitions, exigences du maître dans la recherche du geste et de l’intonation, des mouvements quasi imperceptibles de la nuque, loges et maquillages avant le spectacle ; mais surtout -et c’est la dynamique interne, le film évoque les tensions entre les deux danseurs (l’un Kikuo le plus doué mais fils de yakuza), l’autre Shunsuke, fils unique du maître, seul habilité à perpétuer la tradition –(ce que revendique l’épouse et mère..) Tensions qui iront s’exaspérant sur plusieurs décennies (car le film propose une vaste fresque de 1964 à 2014) depuis l’apprentissage, la formation du duo d’onnagata jusqu’aux séparations forcées et trahisons, (en passant par la décision du maître Hanjiro blessé de voir Kikuo le remplacer) avec frustrations et rebondissements spectaculaires.

Un des intérêts du film est d’entremêler étroitement vie et théâtre (un jeu d’interférences et de mises en abyme trop appuyé parfois…)

Le film s’ouvre sur une séquence de gangsters (affrontement de bandes rivales de yakuzas) puis il nous immerge très vite  dans l’univers des comédiens de kabuki. Etrange ? En fait nous passons d’un monde régi par des lois strictes avec effusion de sang (nous sommes à Nagasaki 1964) à un autre qui obéit lui aussi à des conventions drastiques -mais où le refus des liens du sang va enrayer (définitivement ?) le système….(du moins dans la fiction) 

Oui le kabuki est un  "héritage sacré"; malheur à l’usurpateur ; enfreignant une règle jusque-là inamovible, la promotion d’un danseur ultra doué mais hors conventions aura de douloureuses répercussions MAIS contre l’ordre établi Kikuo sera "sacré"  (2014) meilleur danseur de kabuki -« trésor national »-(c’est le sens littéral du roman dont s’est inspiré le réalisateur)

Oui la perpétuation de cet héritage implique des zones d’ombre qui contrastent violemment avec la magnificence du  "spectacle" et parmi elles la mégalomanie qui dicte à des "acteurs" leur choix de vie inhumains (dont le reniement, le  "pacte avec le diable") ; or par un effet- twist le face à face final entre la fille "illégitime" devenue photographe et le père vieillissant récemment promu semble résonner comme une "réconciliation"…

Et ce hors champ à la fois poignant et prégnant dans son invisibilité même : comment un individu peut jouer sa vie durant le rôle d’un personnage de l’autre sexe, sans ridicule ? (la mini séquence de tabassage homophobe n’étant qu’un épiphénomène …)

Un film où la lenteur calculée a la grâce et l’élégance d’un geste impalpable (idéal car idéalisé ?)

A ne pas rater !

Colette Lallement-Duchoze

De Lav Diaz (Portugal Espagne Philippines 2024)

Avec Gael Garcia Bernal  (Fernand Magellan) Roger Alan Koza : (Afonso de Albuquerque) Ângela Ramos : (Beatriz), Amado Arjay Babon  (Enrique)

Sélection officielle Cannes Première , Festival de  Cannes 2025

Représentant des Philippines aux Oscars 2026

Porté par le rêve de franchir les limites du monde, Magellan défie les rois et les océans. Au bout de son voyage, c'est sa propre démesure qu'il découvre et le prix de la conquête. Derrière le mythe, c'est la vérité de son voyage.

Ce qui frappe d’emblée dans le film du réalisateur philippin Lav Diaz, c’est l’extrême lenteur (malgré ici et là quelques accélérations); les plans fixes prolongés,  la maîtrise (cadrages composition) qui les transforme en tableaux, loin d’hypnotiser les spectateurs, auront eu raison des attentes de certains - ils quittent la salle après 40’ (durée du film 2h40)…Or le film -en dehors de ses qualités formelles indéniables-  adopte un point de vue très intéressant qui fait table rase de certains préjugés coloniaux érigés en force civilisatrice (ici l'évangélisation contre l’ennemi le Musulman mais en fait conquête de territoires, appropriation des richesses par la violence) et qui déconstruit certains « mythes » idéalisant les navigateurs « ces grands conquérants bienfaiteurs » (Magellan blessé à Malacca, méprisé à Lisbonne, le premier d’une circumnavigation dont il ne put  réaliser que la moitié, Magellan et sa folie des grandeurs, instigateur des pires exactions, commises tant sur son équipage que sur les autochtones) Le film ne verse pas pour autant dans le manichéisme. Magellan, malgré son hubris éhontée sa violence forcenée, apparaît aussi comme un être mélancolique (ce dont témoigne la récurrence des mini séquences oniriques en noir et blanc où la parole de l’épouse Beatriz dispense une vision à la fois élargie et intime du pouvoir et de la conquête)

Mon sujet c’est l’histoire philippine proclame le cinéaste. Tout en sublimant les paysages de l’archipel, il met au cœur de son (faux) "biopic"   Humabon (roi de la communauté rencontrée par Magellan à son arrivée sur l’archipel et dont il va sauver le fils) Lapu Lapu (ce chef qui a tué l'explorateur navigateur) et surtout Enrique, l’esclave philippin -acheté par Magellan à Malacca et qui va le suivre en Europe et jusqu’à Cebu- Enrique  témoin et narrateur qui, au final serait la figure de proue de tout le film (?)  Mais  Lav Diaz remet  aussi en cause les "mythes" de son pays (dont le prétendu Lapu Lapu) et partant le pouvoir mystificateur de dirigeants philippins après des siècles de « colonisation » outrancière (dont Magellan fut le pionnier)

Le film s’ouvre sur une séquence assez désarmante…. Voici une femme nue dans une rivière ; hébétée elle voit la  "venue de l’homme blanc" : regard effaré, course effrénée (prévenir les siens) et commentaire dans la langue locale "c’est un signe des dieux ; un signe de notre émancipation" …. Or tout le film qui illustre le "contraire" ne se départira pas de cette cruelle ironie

Refusant le "spectaculaire" (batailles sanglantes par exemple) préférant l’ambiance à l’action, optant pour le format 1,33 Lav Diaz propose une vision parfois hallucinée (corps mutilés, visages crispés de douleur et figés ainsi pour l’éternité,) que sublime la photo d’Artur Tort, réaliste souvent (flots impétueux que renforce la bande son) naturaliste aussi (dans les tons ocre foncé le quotidien d’une communauté et sa ferveur animiste) Une vision esthétisante mais pas toujours convaincante : ainsi les plans fixes sur les membres de l’équipage moribonds ou sur ces corps entremêlés gisant à même le sol suite à une bataille restée hors champ, ou encore sur les lamentations de cette personne suite à la démolition des totems protecteurs, trop prolongés ces plans sont vidés de leur puissance suggestive, de leur force persuasive..

Un film exigeant, âpre et élégiaque  à la fois? Assurément

Un film qui peut tout autant fasciner séduire – l’épisode maritime et ses bateaux "cercueils flottants",  les paysages paradisiaques, les ciels tourmentés par exemple- , que rebuter …

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire réalisé par Thomas Ellis (2025)

Quatre adolescents et une adolescente de 14 à 19 ans ont traversé des déserts et des mers, sans leurs familles. Après leur arrivée à Marseille, ces jeunes portent en eux l’espoir d’une nouvelle vie. Elle et ils apprennent un métier, une langue, un pays, des habitudes et répètent « Tout va bien » à leurs familles. Mais le véritable voyage ne fait que commencer

Voici Aminata Sylva, Khalil Fellague, Junior Tano , et les frères  Tidiane Bane et Abdoulaye Cissé. Ce sont des MNA (mineurs non accompagnés) qui viennent de Guinée d’Algérie ou de Côte d’Ivoire. Thomas Ellis journaliste et producteur les a rencontrés à Marseille à son retour d’Inde. Plutôt que "raconter" un parcours il propose une immersion dans le quotidien de ces 5 adolescents en mettant l’accent sur leur courage, leur "soif de vivre " . Et cela passe par la volonté d’oublier tout ce qui a précédé leur arrivée à Marseille. Et si lors de conversations avec des travailleurs sociaux, des éducateurs  on peut deviner les souffrances endurées - "il faisait très froid, c’était très dur"  tous les 5 refusent de se lamenter, tous les 5 sont animés par cette volonté d’aller de l’avant  "Tout va bien"  c’est ce qu’ils affirment régulièrement lors de conversations téléphoniques avec leurs parents. ( propos conjuratoires?)

Certes le film s’ouvre sur les remous verdâtres de profondeurs abyssales avec un corps comme silhouetté entre mort et vie; certes l’aspect cauchemardesque d’une "traversée" est mis en exergue... Désormais l'omniprésence de la mer, des vagues spécifiques de la cité phocéenne est traitée comme  un  personnage à part entière. Marseille, la cité  de  tous les possibles ne sera pas "tombeau", elle est filmée avec délicatesse en surplomb  ou en contre plongée, en plan large ou plus serré 

Raconter  "autrement" la migration, donner un visage en lieu et place de chiffres (censés alarmer les partis qui prônent l’exclusion ou dicter les politiques des gouvernants) c'est le parti pris du  documentariste ; il prend le temps d’écouter ces adolescents, de leur donner la parole dans un montage alterné, tout comme il salue avec une admiration non feinte la sollicitude des travailleurs qui les prennent en charge, encadrent leurs activités. Rendez-vous à la préfecture, démarches administratives, préparation au bac, entraînement au foot, stage en restauration, etc Toutes les activités illustrent 5 trajectoires certes différentes mais chaque parcours va marquer le passage à l’âge adulte.

Adolescence et immigration  se répondent comme des métaphores l’une de l’autre. Devenir adulte et arriver dans un nouveau pays relèvent d’une même construction, avec hésitations et désirs La peur (situation irrégulière, maîtrise de la langue, suspicion,) est chevillée au corps et le voyage terrifiant qu'ils réalisent révèle un comportement ordalique. Ces adolescents mettent en jeu leur vie : si je passe cette épreuve, cette aventure, comme ils disent, ma vie vaut le coup d'être vécue. Et puis ils arrivent seuls, sans parents, ils n'ont pas d'autres options que celle de réussir."(propos du réalisateur)

La longue conversation d’Aminata avec sa mère (désormais "majeure" elle veut décider SEULE de son avenir),  la lecture par Junior d’un extrait d'une lettre de St Paul (?) lors de la venue du pape François à Marseille en septembre 2023, moments intenses qui échappent à la fugacité de l’instant

Un documentaire sensible, à hauteur d'ados, drôle parfois, à ne pas bouder; utile il devrait être proposé dans les établissements  scolaires mais aussi à ceux qui siègent  dans  l'hémicycle de l’Assemblée …

Colette Lallement-Duchoze

PS une séance par jour jeudi 16h (salle 2) vendredi 18h20 (salle 2) samedi 16h (salle 3) dimanche 18h20 (salle 2)  lundi 16h (salle 2) et mardi 18h20 (salle 2)

De Huo Meng (Chine 2024)

Avec Shang Wang, Chuwen Zhang, Zhang Yanrong

75e édition de la Berlinale, Ours d'argent de la meilleure réalisation

Chuang doit passer l’année de ses 10 ans à la campagne, en famille mais sans ses parents, partis en ville chercher du travail. Le cycle des saisons, des mariages et des funérailles, le poids des traditions et l’attrait du progrès, rien n’échappe à l’enfant, notamment les silences de sa tante, une jeune femme qui aspire à une vie plus libre.

Ce qui frappe c’est la précarité et l’archaïsme d’une existence, celle d’une famille (4 générations) celle d’un village et par extension celle d’une région, celle d’une Chine rurale, province du Hénan, à la fin du XX° siècle. Une chronique de la vie quotidienne dans sa vérité nue, vue à hauteur d’enfant, où l’âpreté le dispute à une forme de soumission, où le geste (dans les champs et à la maison) mobilise autant les femmes que les hommes (même quand ils sont blessés) où l’on respecte les rites - mariage enterrement (entendons croyances et comportements bien étranges pour un spectateur occidental ; la séquence où la jeune épousée est ballottée sans égard aucun, tel un objet, prouverait la pérennité de son asservissement). A cela il convient d’ajouter des « procédures » administratives indignes (contrôle des naissances) ou cette intrusion de la prospection pétrolière, qui ne respecte ni les individus ni l’environnement … Le tout prouverait (si besoin) que ce « peuple » attaché à la terre est encore en esclavage…(et la plupart sont illettrés). Dans ce milieu l’enfant sympathise avec une jeune tante, éprise de liberté mais contrainte à un mariage forcé, avec un jeune cousin Jihua (Zhou Haotian), « simple d’esprit » qu’il « protège », avec la mémé (ô la chaude complicité !) En dévoilant le réel son regard l’illumine (cf les ébats des jeunes gamins dans la rivière, leurs piaillements, filmés avec une savante répartition de l’espace, les gestes de tendre complicité dans des plans rapprochés tout comme les apprentissages teintés d’ironie - le premier tracteur embourbé …)

En ressuscitant ses souvenirs, le cinéaste Huo Meng mêle avec intelligence (et sans nostalgie) les violences du quotidien dont les villageois sont victimes et la beauté sublime d’un environnement (le dernier plan, une vue en plongée sur une immensité faite de sinuosités d’eau et de vert bleuté, est d’une beauté sidérante) Un contraste saisissant ! il parcourt cette ode que le cinéaste  dédie à ces villageois (cf générique de fin) à leur terre (titre original  Shengxi zhi di, la terre où l’on vit).  Une terre qui garde précieusement ses morts -même avec le passage obligé à l’incinération…(l’ocre brun a envahi l’écran quand le jeune Chuang (Shang Wang) (r)appelle Jihua d’outre-tombe) Une terre d’avant la modernisation, l’exploitation du pétrole, et l’exode. Une terre où l’on a appris que Seule la patience a raison des difficultés.

Et dans cette narration sur la "disparition" d'une époque, scandée par le passage des saisons, le cinéaste accorde une attention toute particulière à la lumière (cf le soleil couchant au début et sa connotation, les paysages ennuagés comme nimbés d’une aura ou aux lumières plus vives et diffractées) de même qu’il soigne la composition des plans, (certains ont le pouvoir suggestif de toiles impressionnistes), l’alternance entre scènes au réalisme assez cru et envolées plus poétiques tout en privilégiant le plan séquence.

Un film - (encore) Interdit de diffusion en Chine-,  à ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze

De Jim Jarmusch (USA Europe 2024)

avec Tom Waits Adam Driver, Charlotte Rampling, Cate Blanchett, Vicky Krieps, Mayim Bialik, Indya Moore, Françoise Lebrun, Sarah Greene, Luka SabbatCalete 

 Musique originale composée par Jim Jarmusch et Anika (Annika Henderson)

Lion d'Or Mostra de Venise

Un long-métrage de fiction en forme de triptyque. Trois histoires qui parlent des relations entre des enfants adultes et leur(s) parent(s) quelque peu distant(s), et aussi des relations entre eux

La mélancolie est l’illustre compagne de la beauté. Elle l’est si bien que je ne peux concevoir aucune beauté qui n’ait pas de mélancolie

3 sketches (cf  le titre et l'affiche) 3 lieux différents (New Jersey, Dublin, Paris) 3 types de famille, 3 tonalités différentes (humour nostalgie et mélancolie)  et 3 façons de filmer (positionnement de la caméra surtout) En fait 3 volets d'un triptyque…  Outre des situations et conversations récurrentes (la vraie fausse rolex, la blague sur l’oncle Bob, la qualité de l’eau, la question de trinquer avec du thé de l’eau…), outre ces clins d’œil allusifs (déjà présents dans Coffee and cigarettes 2003 où des bribes de conversation se faisaient écho) il est d’autres similitudes plus subtiles. De sorte que ces 3 histoires (formellement) indépendantes sont complémentaires Tout d’abord la récurrence des skateurs filmés à chaque fois au ralenti alors que les « personnages » sont dans l’habitacle d’une voiture : marqueur de temporalité? D’universalité ? d’opposition ?  Le deuil aussi qui imprime une connotation crépusculaire (le portrait de l’épouse et mère disparue, en I, les photos de parents  anti conventionnels   broyés à jamais dans un crash en III) Et surtout la thématique des faux semblants des cachotteries au sein de la famille, ce qu’il est convenu d’appeler les « fêlures familiales »…Car quelle que soit la situation (Jeff et Emily en visite chez leur père "ruiné";  Timothea et Lilith, si dissemblables, invitées chez leur mère écrivaine pour un rituel annuel du thé, les jumeaux Billy et Skye se retrouvant à Paris suite à la perte tragique de leurs parents) il s’agit bien de non-dits et/ou de désillusions que découvre(nt) soit le spectateur (métamorphose du père après le départ de ses enfants et Tom Waits si épatant dans ce rôle de père qui flatte berne extorque , les mensonges de Lilith pour maquiller sa relation amoureuse avec une femme) soit les protagonistes (les jumeaux en feuilletant l’album d’une vie ont la soudaine révélation d’identités « cachées » et de faux …)

Famille je ne vous hais point…Mais…

Famille dysfonctionnelle en I et II, famille orpheline -symboliquement- recomposée en III ; mais dans les trois cas un questionnement : quid de l’éducation reçue ? bribes de conversations (oncle Bob) qui perdurent avec humour ? construction vs déconstruction ? apprentissage individuel par-delà des déterminismes sociaux ? éloignement géographique et distance mémorielle ?? Le traitement de chacune des trois approches n’est-il pas révélateur de ces questionnements à défaut de leur donner une réponse ?

Le déplacement en voiture et la durée du trajet (plus ou moins longue surtout en I et III) frappent par une certaine lenteur -malgré des "accélérations" de vitesse -mais non de rythme. Non pas lenteur comme antonyme de vélocité  non pas lenteur propice à la contemplation d’un environnement (routes enneigées du New Jersey en I, enfilade de rues dans un Paris comme déserté par ses habitants en III) mais plutôt lenteur qui fait surgir à partir des propos échangés (filmés simultanément) les  "portraits"  des locuteurs, des absents-présents et des disparus dans un  "être là" : ce que renforceraient d’ailleurs la proximité de la caméra dans l’habitacle et la diversité des plans. Alors qu’à l’intérieur de la maison -celle du père, celle de la mère, ou dans un bar parisien, voici que trône un plateau -avec ses tasses ou ses verres, - plateau porteur vu en plongée (surtout en II où on a l’impression qu’il est filmé du plafond) (clins d’œil à Coffee and cigarettes ?) ; sa fixité imposée déclenche en fait des  "gestes"  ritualisés.  A cela s’ajoutent une bande musicale discrète et la chanson Spooky …

Tout cela semble s’inscrire dans la problématique sur l'absence, la distance et la mémoire familiale

A ne pas manquer !

Colette Lallement-Duchoze

Vu en avant-première dimanche 28 décembre

le film sortira en salles le 7 janvier 2026