De Sophy Romvari (Canada Hongrie 2025)

avec Iringó Réti (la mère) Edik Beddoes (Jérémy) Ádám Tompa (le père) ) Eylul Guven (Sasha 8 ans ) Amy Zimmer (Sasha adulte)   Liam Serg et Preston Drabble (les frères)

Festivals ; Locarno, San Sebastian 2025

Un été à la fin des années 90. Une famille, dont la mère est d’origine hongroise, s’installe sur l’île de Vancouver, au Canada. Parmi les quatre enfants, il y a Sasha, la petite fille de 8 ans, les deux jumeaux, tout juste adolescents, et le grand frère, Jeremy, la plupart du temps mutique. Les actions de ce dernier, parfois agressives, parfois complices, souvent incompréhensibles, inquiètent de plus en plus les parents

Je pense qu’il y a beaucoup de choses dont tu ne te souviens pas” (une des rares paroles de Jérémy )

Le film s’ouvre (et se clôt) sur l’écran d’un I Phone ; Sasha trentenaire, documentariste, agrandit l’image  -c’est la  cartographie de l’île de Vancouver, réalisée avec précision -noms lignes courbes- par Jérémy son frère aîné ;  elle le tutoie (voix off), dit aller à sa rencontre grâce à ces/ses souvenirs, tout en signalant leur impuissance notoire

Tout l’art de la réalisatrice (dont c’est le premier long métrage) sera précisément d’entremêler mémoire familiale documentaire et fantastique, confronter passé et présent, pour « redonner » un semblant de vie (comme dans Aftersun ?) aux êtres chers …disparus…tout en étant consciente des  limites d’une telle démarche

Voici une famille recomposée (-Jérémy l’aîné est né d’un premier mariage)- installée sur l’île de Vancouver- C’est l’été. Le contraste est très net entre la vitalité l’énergie des enfants (courses rires baignades ) et le mutisme et  l'isolement de Jérémy, . dont le mal être de plus en plus prégnant va contaminer les relations familiales ; il incarne  la détresse adolescente,  face à laquelle la sollicitude des parents, la complicité apparente (ou l'indifférence) des frères et sœurs, sont impuissantes, idem en ce qui concerne  les "services sociaux" . Jérémy  menotté -il a été pris en flagrant délit de « vol »- Jérémy sur le toit du pavillon et la tentative quasi désespérée de la mère, de son bras suppliant; Jérémy et ses scarifications sa tentative de suicide...  On apprend que la famille a dû déménager plusieurs fois, et  que , immigrée,  elle est victime de la réprobation du voisinage

Le film - regard rétrospectif- interroge : aurait-on pu aider Jérémy ? comment ? La séquence où sont réunis des  "professionnels" et que filme Sasha (telle une mise en abyme elle renvoie à toutes les images prises par le père) sera le prélude à l’intrusion du « fantastique » : la même Sasha en revisitant le pavillon de son enfance va côtoyer l’enfant qu’elle était, et même lui susurrer à l’oreille, et dans un long discours à l’irréel du passé elle dit, éplorée, face à "ses" parents, ce qu’il serait inévitablement advenu si… alors que l’irréparable a déjà eu lieu….

Jérémy le héron bleu  ?  Blue Heron  ou le souvenir comme  lieu que l’on visite? Blue Heron ou la puissance cathartique du cinéma? 

Blue Heron  un film à ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze

De Naomi Kawase (Japon France 2025)

avec Vicky Krieps (Corry) Kan'ichirô (Jin), Ojiro Nakamura (Hisashi), Midori Matsuo (la mère de Hitomi), Misaki Kakano (Hitomi), Haruto Tsuchiya (Kakeru), Ukyo Todoshi (Ukyo), Rei Okamoto (la mère de Hisashi)

Musique : Koki Nakano

Festival de Locarno 2025

Corry, une jeune femme française, est infirmière coordinatrice de transplantation cardiaque pédiatrique. Formée dans les hôpitaux parisiens, elle a été envoyée dans un hôpital au Japon pour améliorer le fonctionnement d'un service de transplantations où les greffes d'organes sont encore largement un sujet tabou. Corry se bat au quotidien pour réussir la greffe d'un jeune patient d'une douzaine d'années et vit avec Jin, un photographe originaire de l'île de Yakushima, à l'extrême sud du Japon.

Deux lignes narratives qui s’entrelacent dans l’exaltation quasi panthéiste de la nature (une constante dans la filmographie de la cinéaste japonaise ?) deux approches culturelles de la vie et de la mort (dont la transplantation serait l’illustration avec le questionnement sur ce qui entrave au Japon les greffes d’organes)  deux interrogations sur la disparition (Jin, photographe rencontré dans la forêt de Yakushima et devenu l’amant de Corry serait-il un  johatsu, ces individus qui disparaissent volontairement sans laisser de traces ? ) oui à l’instar de tous ces embranchements végétaux, tout cela mêlé est au service d’une narration non seulement  "croisée" mais non linéaire (comme si la chronologie éclatée avec des flash-back  autorisait des variations - approches et ambiances-  et surtout une volonté informative voire  explicative

Mais le spectateur peine à « retrouver » chez Naomi Kawase le traitement d’antan (cf la nature mystique  de Hanezu l’esprit des montagnes; le rapport à la mort de la forêt de Mogari)  alors que tous les thèmes chers à la cinéaste  sont abordés -dont l’œil du photographe et la caméra subjective, les mystères de la « nature »  leur dévoilement si on sait contempler, écouter  -les mains … en cornet ? - les réseaux inextricables foisonnants, exaltés d’ailleurs dans et par la poésie. Alors que le passage récurrent du métro en ville (Kobé) est censé s’opposer au bruit cristallin de l’eau que le couple avait su capter dans la forêt

Facticité ? symbolisme appuyé ? redondances ? dans la déclinaison de la thématique de la  "greffe" - ses dénotations clinique et culturelle et toutes ses connotations ad libitum…

Isolons la dernière séquence aux allures de thriller. L’instant est sacré (les parents ont accepté de "donner" le cœur de leur enfant mort prématurément) tout est savamment mis en place (autant la liturgie des comportements que les prémices au bloc opératoire) Mais un typhon géant (et la bande son accentue sa force  dévastatrice) risque de compromettre l’intervention (le transport du greffon rappelle pour un spectateur occidental le roman de Maylis de Kérangal adapté d’ailleurs  par Katell Quillévéré) Avion ,taxi, routes embourbées  le temps est minuté chaque seconde est décisive, précieuse …Et ce sera la scène de la transplantation filmée en gros plan (là encore le circuit tubulaire et les pulsations du  "cœur qui bat " renvoient mutatis mutandis au tout début, plongée dans les arcanes de la forêt de Yakushima)

Et d’ailleurs la tempête menaçante était-elle réelle ou mentale ? en tout cas ne serait-elle pas la preuve in fine que la vie continue ? (c’est le credo de Corry…elle l’a fait sien après la disparition du père, et celle de Jin ; elle a tenté de convaincre enfants et parents)

Un film que porte de bout en bout Vicky Krieps éclatante de justesse, un film à voir (malgré quelques réserves)

Colette Lallement-Duchoze

de Derek Jarman (G-B 1989) version restaurée 

avec Laurence Olivier (le vieux soldat)  Tilda Swinton (l’infirmière) Nathaniel Parker (Wilfred Owen) Sean Bean (le soldat allemand)  Alex Jenning (soldat aveugle)

Musique  War Requiem de Britten (1962)

Wilfred Owen, poète anglais très connu dans son pays, décide de s'engager volontairement sur le front lors de la Première Guerre mondiale. Basé dans les tranchées de Flandres, ce qu'il voit l'horrifie et le pousse à écrire un long poème décrivant son expérience avec une amertume acerbe et des mots poignants. Il mourra le 4 novembre 1918, une semaine seulement avant l'armistice mettant fin au conflit...

Car par ma joie beaucoup d’hommes auraient ri./ Et de mes sanglots quelque chose est resté, /Qui doit mourir à présent. J’entends la vérité celée, /L’horreur de la guerre, l’horreur qu’elle distille

Seule la partition de Britten comme bande-son -les personnages articulent mais la voix ne nous parviendra jamais- seuls les vers du poète Wilfred Owen déclamés en voix off par Laurence Olivier au tout début - seront la matière sonore de cette condamnation sans appel de la guerre

Et voici que dans la « fiction » vont s’entremêler visions cauchemardesques et images d’archives (avec passage du noir et blanc à la couleur ; de la première guerre mondiale largement représentée au Rwanda en passant par la guerre du Vietnam)  Ainsi la violence des horreurs dénoncées en se heurtant à la musique liturgique de Britten en sera plus insoutenable

Si le film peut rappeler le collage (et en cela dérouter) avec sa chronologie fragmentée sa reprise de plans identiques (celui d’ouverture avec un Laurence Olivier en ex soldat hyper médaillé et qui va se remémorer … Tilda Swinton en infirmière dispensatrice de soins) il se donne moins à lire, à déchiffrer qu’il ne s’adresse à l’émotion à la sensation. Même le choix de plans fixes très théâtralisés -comme autant de tableaux vivants dont un rappelle Piero della Francesca - s’inscrit dans cette perspective : l’impact sur le spectateur doit être quasi identique à celui laissé par les voix leurs tessitures leurs vibrations sur le spectateur qui vient d’assister à un opéra

Oui chaque plan sera chargé d’une empreinte émotionnelle (même si certains réfractaires dénoncent une forme de maniérisme)

Oui une telle approche sera beaucoup plus convaincante que le sensationnalisme le spectaculaire propres aux vastes fresques - reconstitutions (qui se veulent naturalistes ou réalistes) L’explosion nucléaire vers la fin du film dit ô combien la guerre non seulement est multiforme mais s’inscrit dans la permanence (que le semblant de retour à la gloire ne saurait contrarier…tant il est ironique…)

Oui War requiem est un film A NE PAS RATER

Colette Lallement-Duchoze

PS Un film d’autant plus « poignant » que son réalisateur se savait condamné (sida)

Séances salle 8 vendredi 15h45, samedi 18h, dimanche 15h45, lundi 14h et mardi 15h45

D'Agnès Jaoui (2025)

avec Eye Hadaïra (Cora/ Chérubin) Daniel Auteuil (Igor)  Claire Ghust (Mirabelle) Agnès Jaoui (la Comtesse) Jacques Weber (le père de la Comtesse) Patrick Mille (Nicolas Poirier) Vincente Amato  (Piazzoni / le comte Almaviva) Tifaine Daviot (Sophie / Suzanne )

Présenté hors compétition Festival Cannes 2026

Dans les coulisses d'une ambitieuse production de l’opéra "Les Noces de Figaro", les tensions montent lorsqu’une accusation d’agression sexuelle éclate, mettant en péril la production et forçant chacun à prendre position. Les conflits d’opinion et de génération se font jour, et comme toujours chez Agnès Jaoui, le rire n'est  jamais loin du drame.

Un film choral pour proposer une vision à la fois globale et nuancée ( ?) du milieu de la création, où sévit le système décomplexé de l’emprise, du pouvoir, des attouchements faciles et impunis pourquoi pas ? Bien plus le choix de l’opéra Les Noces de Figaro autorise(rait) une mise en abyme des  rapports de classe  (un comte et son pouvoir sur une soubrette au temps de Beaumarchais ; un producteur et son emprise sur une "inférieure", un siècle plus tard). Et le nom d’Agnès Jaoui -dont on connaît par ailleurs les engagements en tant que femme et le goût pour la satire sociale en tant que réalisatrice (le film est dédié à Jean-Pierre Bacri son ex compagnon et co-scénariste) était « prometteur »  Hélas

Les enjeux de MeToo Agnès Jaoui les "ausculte" par le clivage générationnel- d’un côté l’ancienne génération relativiste ou sur la défensive (cf Igor qui redoute figurer sur la liste balance ton porc) de l’autre la nouvelle génération,  porteuse d’autres valeurs dénonçant avec vigueur l’extrême gravité de certains gestes restés impunis  et entre les deux la comtesse (assez réac) qui s’insurge contre le maccarthysme de la seconde et tente une réconciliation  ……Mais  -et c’est là où le bât blesse- l’"objet du délit" y serait minimisé (après tout, le chanteur est homo…la nouvelle génération n’est-elle pas parano ? Il suffirait de partager les torts… )

On l’aura compris filmer les coulisses, les répétitions des Noces de Figaro, les traiter par la caricature (cf la metteuse en scène Mirabelle qui se lamente de ne pas avoir su faire le safe space  et qui est convaincue que les phallus dégonflables signeront la déchéance du patriarcat …) tout cela n’est qu’un prétexte !

Mais les enjeux sont trop importants…

Aborder trop de thématiques superficiellement ne peut que nuire au propos

Un film décevant

Colette Lallement-Duchoze

De Lila Pinell (2025)

avec Eva Huault, Inès Gherib, Anaïs Monah, Bettina De Van Geneviève Krief Sekoiba Doucouré

Quinzaine des cinéastes Cannes 2026 prix de la SACD (Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques)

Shana traverse les galères du quotidien avec une énergie débordante et le soutien de sa bande de copines. Lorsque sa grand-mère décède, elle hérite d'une bague censée protéger du mauvais œil. Shana a bien besoin de ce coup de pouce. D'autant qu'avec la sortie de prison de son compagnon toxique, les mésaventures s'accumulent !

Le film s’ouvre sur des « images »  illustrant les 10 plaies d’Égypte;  une telle référence n'est pas anodine; images  que l’on retrouvera d’ailleurs réduites aux dimensions d’un livre que feuillettent des enfants de la famille juive à laquelle appartient Shana,  La séquence liminaire elle aussi donne le ton :  dans un bar où les personnages sont filmés de très près voici une partie de Loup-garou , Shana, t'es morte cette nuit !" engueulades insultes fusent de plus en plus violentes…Shana se casse.

Et nous allons la suivre de galères en galères…(sentimentales financières familiales) Parfois plus mature que sa propre mère (un face à face violent en dit long sur le « purgatoire » qu’elle a subi préadolescente …Présente auprès de sa demi-sœur -qui  prépare sa Bat Mitzvah.  Lila Pinel ne verse ni dans la dentelle ni dans une approche psychologisante; or son personnage (la caméra semble faire corps avec Eva Huault) suscite assez vite l’empathie Pourquoi ?  comme dans diamant brut une même volonté de filmer une jeune femme souvent jugée avant d’être regardée un même refus du mépris de classe. Et si les thématiques abondent dans Shana (depuis l’emprise amoureuse jusqu’à l’identité juive marocaine en passant par l’héritage migratoire  l’ode à la sororité, les trafics de drogue) elles servent à démonter tous les mécanismes qui fabriquent ces féminités hypercodées (outrance des maquillages et excès de la sexualisation comme si le corps était l’unique capital disponible ) mécanismes à l’œuvre tant dans les discours, que dans les faits

Ce fut paraît-il une des « bonnes surprises » de la Quinzaine des cinéastes à Cannes. On comprend aisément pourquoi…Osmose totale adéquation parfaite entre le personnage de Shana et son interprète Eva Huault. Une jeune femme au franc parler parfois gouailleur, les lèvres siliconées (une bouche de suceuse lance-t-elle provocatrice à sa mère) les sourcils dessinés avec excès, poitrine sexualisée, sous l’emprise de Moïse, incarcéré, autant que des réseaux sociaux, oui Eva Huault qui est de tous les plans (parfois le visage en très gros plan envahit l’écran de sa détresse) aura su donner "corps"  à toutes les nuances du  personnage 

Le tableau final -- idylle quasi champêtre -en fait périphérie de verdure où triomphe la sororité- est le contre-pied apaisé à la tourmente qui a failli engloutir …Shana. (cf l'affiche) 

Certes on a parfois la fâcheuse impression de tourner en rond  tout comme on peut déplorer l’inefficacité de la voix off (dédoublement inutile superfétatoire ?) et une tendance à la caricature   Shana n’en reste pas moins un film (à la fois chronique et récit initiatique) que je voue recommande !!

Colette Lallement-Duchoze