Documentaire réalisé par Alexander Murphy (Irlande 2025)

avec  Pa O’Reilly (le père) Lisa O’Reilly (la mère) et leurs dix enfants

Musique Kevin O'Leary et Mathias Levy Valensi.

Le long d'une route oubliée, la famille O'Reilly vit dans une vieille caravane échouée au milieu des champs. Pa, Lisa et leurs dix enfants traversent les saisons dans ce fragile château de tôle, héritiers d'un mode de vie en sursis. Menacés d'expulsion, leur équilibre de fortune vacille mais ils résistent, fidèles à leurs traditions. Les enfants rient, les chiens aboient, la caravane tient encore, mais pour combien de temps ?

Le documentariste (dont nous avions beaucoup apprécié "Au-delà de Katmandou") nous immerge dans le quotidien d’une communauté (qui vit dans un mobil home) le clan O’Reilly une famille de 10 enfants dont la vivacité l’amour de la liberté la solidarité scandent les jours et les saisons. Divisé  en 4 actes, -chaque saison est annoncée par un encart et les couleurs modifient l’immensité du pré environnant, – ce film documentaire semble plutôt s’attacher au passage du temps, à la transmission (une photo au début lors de la communion et en écho vers la fin celle de la famille agrandie) Comme se plaît à le rappeler le père (patriarche filmé comme un bloc minéral  apparemment inerte, victime toutefois de dépression et dispensant avec pudeur son amour paternel) et la répartition des "tâches" (que récite la fille aînée ou que recommande la mère à Sean le fils aîné qui à 16 ans va se marier) semble aller de soi dans ce contexte patriarcal et hyper catholique…la communauté des " travellers "

Tout commence ici avec cette porte ouverte d’un mobil-home (et le passage successif des enfants), avant de pénétrer à l’intérieur où la promiscuité et l’exiguïté supposées ne seront pas "palpables"……) et tout nous y ramène comme une évidence. Les activités nocturnes (chasse au lapin), les balades en sulky, les jeux sur la barrière de la route ou dans le pré, la visite d’un appartement/témoin, l’apprentissage de la boxe "à mains nues", les baignades dans la rivière, la lessive et le séchage en extérieur, etc  toutes les activités, occupations des O’Reilly nous rappellent que s’ils ne sont plus vraiment nomades ils ne sont qu’à demi sédentarisés (les enfants sont scolarisés certes le fils aîné va occuper une autre caravane avec sa jeune épousée), mais malgré les déboires techniques (vétusté du "château de tôle"   panne de générateur) le clan O’Reilly ne saurait s’installer dans un secteur  "où les maisons sont accolées"  tant est patent le besoin d’espace…vital 

Ainsi le documentariste franco-irlandais (il a partagé le quotidien de la famille) au lieu de mettre en évidence l’ostracisme et la précarité d’une "communauté" (les travellers sont discriminés, vilipendés et les O’Reilly "vivent à la double marge"), au lieu d’opter pour une "enquête ethnographique" a choisi le charme de la chronique "intimiste" Il a su capter la spécificité de chacun des membres de la famille, -il filme d’ailleurs les enfants à leur hauteur.

Les cadrages, les jeux de lumière, l’alternance entre plans d’ensemble (quelques panoramiques) et plans plus serrés, mais aussi les ellipses (la condamnation du père ?, la rencontre entre Sean et sa "promise" ? ) et la musique (:dont ces variations sur un air de Schubert) tout concourt à faire de Irish Travellers un film bouleversant d’humanité … à ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze

j’ai tenté de faire en sorte que la caméra devienne le onzième enfant des O’Reilly. Au fur et à mesure, je ne filmais plus des voyageurs mais une famille. Je me suis rendu compte que ce que je captais, c'était quelque chose d'essentiel et de très simple : c'était de l'amour à l'état brut.

De Marine Atlan (2026)

avec  Colas Quignard (Toni) Suzanne Gerin (Suzanne) Mitia Capellier-Audat (James) Antonia Buresi (Madame Mercier)

Festival de Cannes 2026 : Grand prix de la Semaine de la critique

Festival du cinéma américain de Deauville 2026 : Prix d'Ornano-Valenti

Festival international du film Nouveaux Horizons 2026 : Prix du public

Vu en avant-première en présence de la réalisatrice dimanche 18  octobre 

sortie le 21

Des jeunes lycéens en classe de terminale partent en voyage scolaire à Naples avec leurs professeurs. Au cours de ce périple, ils découvrent Pompéi, ses fresques et ses corps pétrifiés par l'éruption du Vésuve. C'est l'année du bac et ils attendent ce que l'oracle Parcoursup va leur annoncer pour leur avenir. À l'orée d'une nouvelle vie qui s'ouvre à eux, ces jeunes gens sont aussi à l'âge des amitiés indéfectibles, des doutes, des questions, des premiers émois sexuels et amoureux…

Laissez l’expérience et vos émotions s’exprimer, observez les corps les visages les mouvements les couleurs.(Mme Mercier à ses élèves)

Marine Atlan (cheffe opératrice de l’Engloutie entre autres) signe avec La Gradiva son premier long métrage. Le propos?  Faire entrer en collusion , en collision aussi la fougue d’une jeunesse contemporaine -lors d’un voyage scolaire organisé en 2025- avec la beauté "immuable " de Naples, avec les tragédies du passé (dont l’éruption du Vésuve en l’an 79) avec les vestiges de la Douleur (dont les corps pétrifiés) mais aussi avec une certaine  contemporanéité (le bord de mer, les ruelles grouillantes, les fêtes religieuses) Elle mêle habilement cinéma vérité (cf les résultats de Parcoursup vers la fin du séjour qui scelleront définitivement le futur de ces élèves de Terminale!!)    et une approche plus sensorielle, qu’elle transforme bien vite  en une "odyssée existentielle" (fatum -déterminisme social, besoin de reconnaissance et désirs, appels de la chair illustrés entre autres (dans) par "le rêve de Suzanne") Le titre ? Si pour certains la référence a la clarté de l'évidence (une nouvelle de Jensen dans laquelle un archéologue est hanté par la sculpture de "la femme qui marche" récit dont s'est emparé Freud  pour élaborer sa théorie du fantasme) elle n'a pas d'incidence quant à la compréhension du déroulé narratif  et  à sa progression vers la tragédie. Titre clin d'œil?  La réalisatrice dit avoir voulu insister sur le "déterminisme social"  … Le cas de Toni (sa quête d'identité liée à un double ancrage, à un passé napolitain)   est exemplaire! 

Les premiers plans de La Gradiva contiennent les "motifs" (photos circulation de regards et différentes dialectiques) qui seront amplifiés, telles des variations (ce n’est pas pur hasard si la musique de Satie accompagnera par deux fois ce film choral)

Au tout début, se succèdent  des photos (d’abord en noir et blanc puis en couleurs) celles d’une villa, des membres  d'une famille  et le portrait de la grand-mère de Toni (en écho nous reverrons  ces clichés stockés dans son téléphone tout comme ils habitent sa mémoire et son imaginaire); personnages figés pour l’éternité mais si vivants, d’ailleurs la dialectique du vivant et du pétrifié va s’emparer de toute la narration

Première séquence; dans le train.. Dans le couloir d’un wagon voici Toni qui "regarde" son ami James en ses ébats sexuels avec Angela ; un gros plan sur son visage à travers la vitre et s’impose à notre regard le portrait du jeune homme du Corrège ?);  dans ce même couloir Suzanne regarde Toni; circulation de regards et désirs inavoués  (?) Chacun désire quelqu’un qui regarde ailleurs… Ressort de la tragédie racinienne et dynamique du film ? Puis passage dans un tunnel (Noir qui occulte(rait) momentanément cet obscur objet du désir…)

La dialectique du "sacré" et du "profane", du sociologique et du mythologique, du vivant et du pétrifié (cf l’analyse du moulage de cette femme morte,  longtemps identifiée -mais à tort -comme  "la femme enceinte" et préfiguration de la tragédie de Toni?) cette dialectique s'inscrit aussi dans les choix musicaux ‘(Théodora côtoie Satie)  

Le film frappe  par sa construction et sa mise en scène où les ellipses n'entravent pas la fluidité   (comme  un continuum entre passé et présent, entre  magma en fusion et éveil de tous les sens?)  Echos intérieurs, connexions non métaphoriques,  contrastes/ confrontations -fixité de l’éternel/mobilité fugace du présent) L'alternance scènes de groupes et solos ou duos, scènes d'extérieur et séquences d'intérieur, groupe "scolaire" et groupe social urbain scande la narration crée un tempo, alors que  simultanément se dessinent les étapes vers...  Cadrés souvent comme des tableaux, les plans marient les "jeux d’échelle" (sculptures monumentales /regardeurs minuscules),  les jeux de lumière et de couleurs (dont l'ocre rouge des façades ou des fresques),

Ce film frappe tout autant  par le saisissant portrait d’une jeunesse; Portrait qui se lit dans ces mêmes plans devenus paysages intérieurs, Portrait qui s’écoute dans cette soirée discussion politique, ou dans les conversations  plus intimes au dortoir;  Portrait qui invite(rait)  à un parallèle avec les événements récents (révolte des lycéens)

Un film à ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire réalisé par  Nicolas Wadimoff (2025 coproduction Suisse Palestine France)

avec dans leur propre rôle Adel Al Taweel, Haneen Harara, Eman Shannan, Mahmoud Jouda, Ghada Al Masri, Jawdat Khoudary, Hana Al Aiwa, Feras Elshrafi, Malak Khadra

Présenté en avant-première mondiale le 3 septembre 2025 dans la section des Giornate degli autori de la 82^e Mostra de Venise

Choisi pour représenter la Suisse dans la catégorie du meilleur film international lors de la 99° cérémonie des Oscars (en 2027)

Présenté en avant-première dans le cadre du 7^ème festival de cinéma palestinien à l’Omnia le 3 octobre

quelques traits blancs sur le sol: 9 exilés gazaouis dessinent les contours de leur maison et de la vie d'avant. Pas une image de dévastation. Leur seule parole porte l'espoir d'un retour à Gaza et à la vie

Alors que le "discours" sur Gaza et ses habitants s’inscrivait dans un narratif israélien qui invisibilisait les victimes ou les déshumanisait (avec un cynisme éhonté certains ministres du gouvernement Netanyahou en étaient venus à nier leur existence ou à les ravaler au rang de bêtes) narratif que s’empressaient de "reproduire" nos médias mainstream (prompts en revanche à donner la parole aux survivants israéliens du 7 octobre en les individualisant)  alors que  l’armée israélienne s’est empressée de tuer « sciemment » des journalistes palestiniens et que la presse internationale est toujours interdite d’accès, on ne peut que saluer et admirer le travail du cinéaste suisse Nicolas Wadimoff (rappelez-vous L'Apollon de Gaza  J Ziegler l'optimisme de la volonté ) Il donne la parole à des Gazaouis ayant "réussi" à quitter Gaza en mai 2024 avant la fermeture du poste frontière de .Rafah  La Suisse ayant refusé leur entrée sur le territoire, le tournage de Qui vit encore a finalement eu lieu  en Afrique du Sud, "rare pays à accepter les Palestiniens sans visa" .(ce qui est rappelé  dès le début du film ) Avec l’aide d’un des participants (l’artiste Adel Al Taweel) il crée un "espace" dépouillé fait de traits à la craie sur le sol, blanc sur noir,(quand défile le générique d’ouverture on assiste à ce tracé)

Dans ce studio en Afrique du sud où domine le noir, nous les voyons d’abord tous debout- autour d’une table. Chacun est invité à dessiner  avec un marqueur qui son jardin qui son immeuble et ses étages qui sa chambre qui son quartier qui son bureau …  et voici reconstituée une topographie, paradoxalement concrète qu’accompagne la parole celle qui "raconte" un quotidien, hélas à jamais anéanti. Puis    voici la bande de Gaza dessinée à même le sol,,  une "carte"  avec 9 carrés (comme autant de « cases ») du nord au sud, de l’est à l’ouest, et la "présence" de la mer que délimite une ligne continue. Chacun va "prendre possession" de "son espace de vie " (un participant y accède les yeux fermés tant la lumière de la connaissance/connivence perdure dans l’obscur? ) Espace/temps formel qui sera l’écrin du verbe, d’une parole qui libère un vécu des plus atroces…Alors que les protagonistes font corps avec leur  "case"  la récurrence d’un plan en plongée scande le « mouvement tempo » tel un métronome -. Et dans un troisième temps voici les témoignages de ces rescapés de l’enfer. Un visage apparait en gros plan puis s’affiche l’identité du locuteur (ii sera filmé en plan très serré) Son témoignage peut être interrompu par les larmes du souvenir douloureux et/ou par l’étranglement de la voix. Le musicien s'accompagne de son qanun; un extrait de vidéo (portrait d’un enfant souriant avant la tragédie alignement de corps revêtus de blanc suaire) et c'est la puissance mémorielle qui est convoquée, l'insoutenable de la mort …en filigrane  les liens forts de la famille  de la transmission des  valeurs.  Flux de ce qui a été anéanti détruit (au public d’imaginer cette extermination programmée, ce génocide,  qui a perduré et qui perdure). Détails douleurs, atrocités, bombardements à répétition, destruction des services  de santé, des lieux d'une culture millénaire,  exil forcé,  morts,  gravats décombres, paroles des aimés (voix chères qui se sont tues) voilà ce qu'ont vécu dans leur chair leur corps leur âme ces neuf "survivants exilés"  

Ces neuf Palestiniennes et Palestiniens— médecin, architecte, musicien, dessinatrice travaillant dans le cinéma d’animation, journaliste, mère au foyer, influenceuse, écrivain, entrepreneur — en quittant  leur maison, leur quartier, leur travail, leurs familles, leurs amis, leur vie, leurs morts. SAVENT qu’ils ont laissé derrière eux une partie d’eux-mêmes.

Que valent les empreintes de ce qui fut ? 

Ô flux mémoriel de la Douleur !

L'espoir d'un retour? (cf l'affirmative incluse dans le titre)

Un documentaire bouleversant  à ne pas rater (sous aucun prétexte)

Colette Lallement-Duchoze

d’Alejandro González Iñárritu (US G-B Mexique 2025)

Avec Tom Cruise, John Goodman, Riz Ahmed, Sandra Hüller, Michael Stuhlbarg, Jesse Plemons

Musique Cosmo Sheldrake

L’homme le plus puissant au monde se lance dans une mission effrénée pour s'ériger en sauveur de l’humanité avant que la catastrophe, qu’il a lui-même déclenchée, n’anéantisse la planète.

Nous voici tout d’abord dans  l’intimité de Digger (interprété par un Tom Cruise méconnaissable vieillissant et ridicule dans son accoutrement)  il prodigue mots d’amour et caresses à Maggie sa chatte de 38 ans Ce magnat du pétrole feint de solliciter l’avis de ses collaborateurs, mais n’en fait qu’à sa guise jusqu’au jour où il apprend que ses forages ont décroché un glacier au Groenland  dont la dérive vers l’Europe risque d'anéantir les humains .. Responsable d’avoir trop tété le lait maternel de la terre ? il se doit de démontrer qu’il est le  "sauveur du monde"  CQFD

Pour dénoncer les  "dérives"  des irresponsables, qui nous gouvernent  Iñárritu refuse les facilités du film catastrophe (tout en s’en  inspirant) il lui préfère les enchâssements et les mises en abyme, la création et ses fonctions cathartiques, le contraste entre la réalité et sa représentation fictionnelle, (image) entre le réel et les mots qui vont l’appréhender (discours sirupeux auphémisants) Tom Cruise interprète précisément cette dualité   ( avec le "panache" outrecuidant qui sied) il est   Digger Rockwell magnat du pétrole aux allures "trumpiennes" , et Curtis l’acteur  (lequel dans sa vie est torturé par l’attente de sa fille…)  

Le film est encadré par un plan où des bulles sous-marines font miroiter un ciel étoilé. Alors qu’au tout début ce plan est suivi par un autre en trompe l’œil qui va s’étrécir aux dimensions d’un lever de rideau, au final (donc après le "spectacle") le rideau tombe et le public  …(mais ne pas spoiler)

 Film dans le film, pièce de théâtre dans le "théâtre" (terme décliné dans ses nombreuses acceptions et connotations) comédie (absurde ?) avec une surenchère de faux semblants, de contre plongées, avec des allers et retours entre le devant de la scène et les coulisses , entre abysses et air qui était... libre, une comédie pamphlétaire qui brouille (délibérément) les repères spatio-temporels (scène, gradins, catastrophes réelles et à venir)

Le cinéaste cherche-t-il à entraîner le spectateur (de sa fiction fossil fools)  tout autant que les regardeurs de la fiction "Digger", dans le gouffre, les apnées, les abysses, les rebondissements -alors que la prise de conscience ne serait plus la bienvenue quand le pire est déjà advenu… ????. et Cosmo Sheldrake qui signe la musique a su créer une atmosphère à la fois onirique et anxiogène  

Ambitieux "projet" , aura-t-il convaincu ?

L’humour ravageur omniprésent (cf le cancer colorectal du président)  l’auto dérision, le rythme virevoltant, les couleurs délibérément comme aquarellées (dont le bleu cendré)  contrastant avec la magnificence des décors et la munificence affichée du protagoniste, l’opposition entre la compacité d’une foule hystérisée et la solitude orgueilleuse du protagoniste , tout cela ne tempère-t-il pas le message assez "déprimant" ? (cf le tout dernier plan, cf aussi la thématique de l’auto destruction) Tout comme avoir fait jouer un acteur archi connu,  à contre-emploi (mais qui sera toujours au CENTRE du cadre … comme Digger est au centre du monde)…

Un film boursouflé et indigeste pour certains, passionnant et jubilatoire pour d’autres

Je vous laisse juge…

Colette Lallement-Duchoze

De Charlotte Dauphin (2025)

avec elle-même (Marthe) Pascal Greggory  (Docteur Rozère) Marisa Berenson (la grand-mère) Aurélia Petit (la tante) Violaine Gilibert (la cousine) Robert Pires (le cousin) Anouk Grinberg (Hanah)  Andy MacDowell (Lady Rain)

Musique Michel-Ange Merino

Trente ans après la mort mystérieuse de sa mère, Marthe revient dans le sud de la France pour faire éclater la vérité. Mais plus elle s'approche de son passé, plus le réel semble lui échapper

Melpomène ! dans la mythologie grecque elle est la Muse de la tragédie, la "gardienne des récits où le destin et la douleur façonnent les existences"  La cinéaste -pour sa mythologie personnelle- va convoquer les fantômes du passé en les faisant cohabiter avec nos fantômes intérieurs 

Costumée en chasseresse amazone, Marthe participe à une chasse à courre vise et tue l’animal traqué – après un plan fixe sur le regard de la bête (si doux dans son imploration?) ; c’est le prologue; -cauchemar/réalité- il va encoder le film.

Professeur d’arts cette jeune femme (interprétée par la cinéaste) dispense un cours sur la représentation de la Mélancolie. C’est la première séquence. Ellipse  Les Roches Rouges. Repos "reconstruction" après le trauma -suggéré- d’un cancer du sein et simultanément enquête sur les "circonstances réelles" de la mort de sa mère -30 ans auparavant Comme tu lui ressembles refrain mantra plein de sous-entendus entonné  par  tous les membres de la famille;   Et si sa propre maladie était héréditaire ? (

Bienvenue à Melpomène formule de politesse du patron de la clinique de psychiatrie ( Pascal Gregory à la redoutable sobriété). Avec ses modules ses bassins suspendus ses terrasses son eau qui serpente ou descend en cascades jusqu’à la Méditerranée, le  "Palais Bulles" (manifeste architectural d’Antti Levag) transformé pour la circonstance en clinique, Charlotte Dauphin le transforme en paysage mental- celui de l’enfermement  avec ses pièges ( une prison dorée),  celui du labyrinthe de notre  conscience ? Le thriller apparent (enquête) se double d’une exploration de la maladie -détectée analysée et soignée par les hommes exerçant leur "emprise" de "sachants" sur les patientes (votre mère  avait des "intuitions" elle confondait "cauchemars et réel," il valait mieux la garder" affirme avec aplomb le spécialiste). Marthe elle-même, angoissée est sommée de prendre des "anxiolytiques" 

La caméra exploite ce fleuron d’architecture ainsi que le paysage alentour (végétation, roches volcaniques, criques mer) avec une habileté  telle que le cadre va devenir le seuil entre visible et invisible et que chaque plan est conçu comme un tableau. Marthe évolue dans ce nouveau "territoire" qui entremêle mythe mémoire et maladie.  La partition de Michel-Ange Merino met en relief son "vertige sensoriel" et la dialectique déconstruction reconstruction! 

Un film à la beauté sidérante, un film à la construction magistrale (scènes en écho, théâtralisation avec les  -choreutes et le coryphée, progression de la narration, et cheminement intérieur ) Un film où les silences et les regards ont la puissance suggestive de la parole

Un film contemplatif certes, mais qui interroge l’insoutenable solitude des femmes dans leur "reconstruction"  suite à un trauma ainsi que l'emprise exercée par les hommes/ psychiatres  A la fin, la lettre lue en voix off -celle écrite par la mère 30 ans auparavant destinée à ses parents, lettre  précieusement conservée par Miss Rain,  sculptrice, (le rouge de sa robe rouge contraste avec le noir de la meute des "chasseurs/ poursuivants" -réelle ou fantasmée,? la lettre   donc en révélera l’insidieux pouvoir mortifère ;(on pense à 4,48 psychose de Sarah Kane.. )

Un film à ne pas bouder (le reproche ’d’esthétisation n’est qu’un prétexte fallacieux qui ne saurait résister à une analyse critique  …)  

Un film à ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze

NB  une seule séance par jour : vendredi 1830 salle 4, puis en salle 8 samedi 16h15  dimanche 18h  lundi 13h45 et mardi 20h15)