De Charline Bourgeois-Tacquet (2026)

Avec Léa Drucker (Gabrielle), Mélanie Thierry (Frida la romancière), Charles Berling (le mari de Gabrielle), Erri De Luca (lui-même), Marie Christine Barrault (la mère) Laurent Capelutto (Kamyar) Yumi Narrita (Setsuko)

Présenté en Compétition officielle au Festival de Cannes 2026

Vu en avant-première en présence de la réalisatrice, à l' Omnia mardi 1 septembre

Gabrielle, 55 ans, se consacre corps et âme à son métier. Chirurgienne et cheffe de service dans un hôpital public, elle court et se démultiplie, assaillie de responsabilités. Il lui reste peu de temps pour sa vie privée — un mari qui l’aime et une mère dont elle doit s’occuper. Lorsqu’une romancière vient passer quelques semaines dans son service pour les besoins d’un livre, son équilibre vacille. Dans le quotidien que Gabrielle s’est construit, y a-t-il de la place pour l’inattendu

Cheveux emmêlés, musique à fleur de peau, de visage,  qui murmure le plaisir. Cette mini séquence liminaire met comme en exergue la délicatesse de la sensualité ! Avant que ne se déploie en 12 chapitres le portrait d’une femme. 12 mois de la vie de Gabrielle, chirurgienne et cheffe de service dans un hôpital, parisien, qui a fait le choix de se consacrer tout entière, par passion, à son métier (où le contact humain est imparable) un choix qui parfois contrarie son épanouissement sexuel

Les titres calligraphiés en rose, ne se réduisent pas à une fonction programmatique certains sont fortement individualisés, ou réduits à un terme (non), alors que d'autres  tels des clins d’œil ont  l’élégance d’une connivence, (colloque sentimental Verlaine; l’abandon) ironiques ils le sont parfois (fin d’un couple …)  On serait tenté de voir dans les longs plans séquences qui suivront, des fragments de  la vie d’une femme , celle de Gabrielle : dans l’exercice de ses fonctions -au bloc opératoire, en réunion, en consultation -, dans la gestion de sa vie de couple (Henri l'époux interprété par Charles Berling sobre et convaincant ) dans sa relation à la mère atteinte de la maladie d’Alzheimer (Arlette, épatante Marie-Christine Barrault) ; avec un changement de  perspective notoire‘ (échappée dans la montagne en compagnie de Frida, la romancière  venue  interviewer Erri De Luca -dont on retiendra le distinguo entre solitude et isolement!) . L’épisode alpin propose une autre respiration,  hors du cadre urbain « À ce moment-là de l'histoire, Gabrielle n'est plus du tout sur son terrain, elle est déplacée, et j'ai voulu traduire cela visuellement à travers les paysages »

Le cloisonnement que semblait induire la fragmentation chapitrée n'est qu'apparent.  Voici que prend corps la complexité d’un personnage dont la rigidité  contraste avec la fluidité dans les passages d’un chapitre à l’autre (pertinence de la musique choisie) avec  la sensualité de Frida (une Mélanie Thierry solaire) Et c'est bien une chorégraphie -dans le contexte d'Eros et Thanatos- qui préside  aux gestes tout autant qu'aux paroles  (rodomontades et silences,  précision du scalpel,  annonces de cancer à des patients déjà fragilisés, micro chirurgie faciale et ses déclinaisons technique, scientifique et symbolique,  mère à la recherche d'un moi dispersé,  corps caressés, désir exalté) 

Chorégraphie et mémoire du corps !

Et la séquence où l’on voit des danseuses et danseurs investir un espace clos avec ces effets de clair- obscur qui accentuent leur élan oblatif, alors que simultanément les mains de Gabrielle et Frida sont contraintes à se « désunir » (laisser le passage au cortège, à la danse) ne serait-elle pas comme l’acmé du film et du parcours de Gabrielle?.  La rencontre avec la romancière Frida d’abord purement professionnelle se pare d’une beauté épiphanique. Celle de toute révélation ! Sensuelle et presque  mystique à la fois. Gabrielle découvre au contact d’une autre peau, une autre forme de sensualité et de jouissance jusque là insoupçonnée - elle choisit de s’y abandonner 

Un long métrage à la densité romanesque évidente, à la sensualité dévorante, servi par la prestation exemplaire de Léa Drucker -mais aussi par celle de tous  les acteurs-  et qui insère dans le portrait d’une femme tant de problèmes très contemporains ( Alzheimer, familles recomposées, entre autres )

Un film à ne pas manquer - quand bien même  certains spectateurs déplorent  une forme de didactisme dans la mise en scène, des longueurs ou un épilogue déceptif  à Turin....

Colette Lallement-Duchoze

D'Helen Walsh (G-B 2025)

Avec Barry Ward (Jack) Lorne MacFadyen (Daniel) Liz White (Maggie) Henry Lawfull (Tom)   

Musique  Félix Rösch  

Festival international du film de Thessalonique 2026 : mention spéciale pour la musique

Festival du film Lovers 2026 : prix du public

Jack est marié à Maggie depuis plus de la moitié de sa vie. Il travaille comme ramasseur de moules dans les bancs du nord du Pays de Galles avec son jeune frère, Dyfan, et ses trois fils. Jack a toujours pensé que son fils, Tom, rejoindrait l’entreprise familiale à la fin de ses études, mais la réticence de Tom à suivre ses traces provoque des tensions familiales. Celles-ci sont encore exacerbées par l’arrivée d’un matelot itinérant, Daniel, qui avoue ses sentiments à Jack. Dans cette communauté rurale isolée où la vie tourne autour de l’Église et de la pêche, Jack est confronté à un dilemme insurmontable.

Ne pas réduire ce film à une énième variante (et variation)  de la relation homosexuelle -ici sur la côte sauvage d’un village de pêcheurs. au Pays de Galles. La cinéaste aborde cette thématique certes mais en l’intégrant dans le traitement à la fois frontal et elliptique des forces qui oppriment  cette communauté isolée du nord du Pays de Galles -religion, homophobie, virilisme patriarcal. Ainsi Jack (interprété par Barry Ward que nous avions vu dans le rôle-titre de Jimmy’s Hall de Ken Loach) incarne un quinquagénaire ( ?)  qui apparemment ne remet pas en question ni son couple (il connaît Maggie depuis l’adolescence) ni son dur labeur (il est associé avec son frère dans l’entreprise de ramassage de moules) ni les rites séculaires de son village.(dont la présence à l’Eglise et la transmission de son « savoir ») Or sa société connaît des difficultés financières (ce qu’accentue la relation peu courtoise avec le frère…) et son fils oppose une fin de non-recevoir à toutes ses demandes…La cinéaste dans un premier temps le filme au travail en décomposant ses gestes répétitifs tout comme elle démonte par de très gros plans certains mécanismes (câble tendu, énormes roues des véhicules tracteurs,  engins de levage,  ) qu’elle embrasse dans l’évocation d’une côte à la beauté à la fois sidérante et angoissante -comme si ce paysage maritime devenu personnage agissait sur tous les autres dans la rudesse partagée avec la violence du vent et des flots (et la musique confronte le stoïcisme des travailleurs aux déchaînements des éléments maritimes)

La présence de Daniel matelot itinérant (regards furtifs et attirance) va ressusciter des tendances enfouies, des pulsions qu’il avait combattues (la rare discussion sans filtre avec Maggie le dira explicitement). Et tout un cheminement intérieur (que l’on peut comparer à un tiraillement) va précéder l’acceptation de "l’interdit" sa concrétisation. La relation  " amoureuse" est vécue avec une sensualité délicate- dans la nudité des corps enlacés et au plus fort de la jouissance…. mais aussi dans ces mains caressantes et la tendresse des baisers. Ce qui aura frappé c’est la "dialectique" fermeture/ouverture : quand Jack était filmé en extérieur ( plans larges ou resserrés) -milieu ouvert- la réalisatrice simultanément nous conviait à  "explorer"  son monde intérieur (fermé)  alors que le huis clos où se retrouvent les deux amants (un extérieur fermé) facilite l’ouverture de ce monde intérieur vers l’insoupçonné jusqu’alors refoulé

Dommage que la "maladie" de Jack (ou plutôt la récidive) oriente le film - après la rupture des deux "amants" - vers le mélo   ou du moins joue le rôle de ressort narratif    Toutefois, les dernières minutes ont la puissance suggestive des non-dits (voici simultanément le corps gisant d’un père qui se sait condamné et le sursaut inattendu d’un fils Tom ...jusqu'alors farouchement hostile à toute forme de contrainte)

Sans fulgurances ni aspérités, Face à la mer se laisse approcher comme une romance sobre et discrète… sans plus ….

Colette Lallement-Duchoze

De Manuela Martelli (Chili 2025)

avec Maya O’Rourke (Inès) Maia Rae Domagala (hanna) Saskia Rosendhal (Lina la mère de Hanna) Jacob Gierszal (Alexander l’entraîneur) Paulina Urratia (Techa la grand-mère)

Présenté au festival de Cannes 2026 section Un certain regard

Chili, 1992. Le pays reste marqué par des années de dictature. Alors qu'elle est gardée par ses grands-parents dans leur hôtel en station de ski, Inès, 9 ans, se lie d'amitié avec Hanna, une jeune sportive venue d'Allemagne. Lorsque celle-ci disparaît sans laisser de trace, l'enfant cherche à comprendre.

Inès, gamine au regard magnétique et scrutateur tout à la fois, au visage impavide, est notre guide et témoin dans ce film Dégel. Un film atmosphérique qui tient à la fois du thriller (recherche de la jeune skieuse allemande Hanna mystérieusement disparue) et du politique -Chili 1992 début de la période dite de "dégel";- combien d’être échoués de dépouilles ensevelies, pendant la dictature de Pinochet, mais .combien de tentatives d’effacement par enfouissement, en refusant  de demander des comptes aux assassins"  Les objurgations de la grand-mère font écho à ces silences…

Le film s’ouvre sur une image saisissante (image d’archive en noir et blanc?), le transport à Séville -pour l’Exposition universelle- d’un énorme morceau de banquise de l’Antarctique …Ce fut la participation du Chili en 1992  et dans le film Dégel, les parents d’Inès, en Espagne avec la délégation, ont confié la garde de l’enfant à leurs parents propriétaires d’un hôtel dans une station de sport d’hiver au sud du Chili

Cette image liminaire va encoder tout le film. … La cinéaste « exploite » les deux aspects indissociables de tout iceberg:  sa partie visible émergée et sa partie invisible immergée, entraînant le spectateur de l’une à l’autre On voit le père d'Inès interviewé (TV) évoquer le « succès d'une transition ordonnée; simultanément on voit le grand-père pactiser avec les militaires, et le chef de la brigade opposer - avec outrance et condescendance- une fin de non- recevoir aux "fureteurs" En 1992 le bloc de glace maquille les crimes commis au Chili, dans le film, la glace et la neige -par la blancheur ou le flou sont censées accentuer la noirceur des desseins avoués ou non – Mais elles peuvent céder la place au feu -à la fois dévastateur et libérateur (lenteur du geste de Lina, la mère d'Hanna, venue enquêter, elle a recours aux braises pour allumer sa cigarette, lenteur et symbole ; sous ou dans la braise les reliques d’un lambeau du passé broyé par l’incandescence de la  flamme)

Les deux premiers plans d’ouverture - blanc et transparence du bloc transporté, intérieur mordoré en clair-obscur- sont d’autant plus saisissants qu’ils sont accompagnés par une musique qui « prend aux tripes »!

Parfois (comme dans Chili 1976) de très gros plans prolongés sont trop appuyés (les débris de verre, le rouge du sang qui sinue dans le lavabo) et ce faisant perdent leur puissance suggestive; il en irait de même pour des références trop « visibles» à Psychose ou Shining   Mais peu importe ! L’essentiel est  le rôle dévolu à la gamine de 9 ans- qu’interprète avec un mélange d’aplomb et de retenue l’actrice Maya O’Rourke. En quête de tendresse et de complicité elle s’était liée d’amitié avec Hanna, dévastée par sa disparition elle voit en Lina une mère de « substitution » (au point de souhaiter la suivre en Allemagne !)  

Voyez-la se faufiler dans les couloirs de l’hôtel, côtoyer le personnel, fureter, partager le lit d’Hanna, dérober une clef et pénétrer dans la chambre d’Alexander,  s'emparer du "journal intime" d'Hanna...Elle la toute jeune traductrice (c’est qu’elle maîtrise  castillan et anglais) décode les messages oraux et écrits. Après la disparition d’Hanna (qu’elle a vue partir avec son cousin Sébastian) elle obéira aux injonctions comminatoires de sa grand-mère (tu te tais sinon toute ta famille ira en prison…) … Ô ce silence relayé par le regard ! ou ce minimalisme des dialogues - quand ils ne seront pas « relayés » par un storytelling ( ?)

Forêt et montagne après la saison hivernale se recouvrent d’un tapis vert, promesse d’une « renaissance » ??? (or les événements récents au Chili laissent présager … )

Si la vérité ne sort pas de la bouche des enfants, elle reste dans les entrailles d’une nature inviolée (étonnante Inès impassible malgré LA découverte)

La dernière scène est tout simplement glaçante dans l’apparente fusion (osons cet oxymore… sans spoiler)

Un film à ne pas manquer !

Colette Lallement-Duchoze

de Ryūsuke Hamaguchi (France Japon)

avec Virginie Efira (Marie-Lou Fontaine) Tao Okamoto (Mari Morisaki ) Kyözö Nagatsuka (Goro Kiyomiya) Kodai Kurosaki (Tomoki Kuboder) Marie Bunel (Sophie) Marie Denarnaud (Laurence) Jean-Charles Clichet (Olivier) Romain Cottard (Damien) Gabriel Dahmani (Djibril)

Adapté librement d'un recueil de lettres échangées entre la philosophe Makiko Miyano et l'anthropologue médicale Maho Isono,. Soudain, je me sens mal 

Festival de Cannes 2026 : Prix d'interprétation féminine (ex-æquo pour Virginie Efira et Tao Okamoto)

Directrice d'un établissement pour personnes âgées, Marie-Lou tente d'y instaurer une philosophie de soins innovante basée sur l'écoute et la dignité des résidents, malgré la réticence d'une partie de ses équipes. Sa rencontre avec Mari, une metteuse en scène japonaise qui se bat contre un cancer, va bouleverser sa trajectoire. En nouant une amitié profonde, les deux femmes vont faire de l'établissement un symbole de résistance et d'humanité.

Comment passer de l’écrit (correspondance entre la philosophe Makiko Miyano atteinte d’un cancer qui s’interrogeait sur la notion de hasard et l’anthropologue médicale Maho Isono) à l’image tout en restituant la puissance intellectuelle et émotionnelle du premier ? une gageure que le cinéaste japonais relève avec l’élégance que nous lui connaissons…Et la longue séquence sur le capitalisme sur ses effets pernicieux qui poussent le Japon vers la « mort » et dans laquelle Virginie Efira et Tao Okamoto échangent en japonais n’a pas la lourdeur du didactisme (quand bien même certains spectateurs auront déploré l’aspect « plaqué » d’une « récitation apprise par cœur »)

Marie Lou directrice d’un établissement pour personnes âgées tente de concilier la méthode de l’humanitude et les impératifs financiers propres à toute gestion (qu’illustrent les réunions animées par Olivier (Jean Charles Clichet)  les interpellations/dissensions dont celle de Sophie (Marie Bunel), la « visite des financeurs  les bras encombrés de dossiers » visite  guidée par Laurence (Marie Denarnaud) Cette directrice (deux plans la surprennent ensommeillée) va trouver en Mari la personne idéale à une révélation tant espérée. Et le film reposera en effet sur l’« amitié » nouée avec la metteuse en scène japonaise,(dont la rencontre pourrait s’apparenter à un « hasard objectif » ).Une amitié qui va au-delà de la sororité (mot trop galvaudé)  au-delà de l’amour (l’agapé et non l’eros), elle va au-delà des mots (tout en sachant que le mot, véhicule de la pensée, aura scellé l’authenticité de la même vision de la vie et des valeurs)  la relation est, existe, elle résiste(ra) à l’imprévisibilité- si « soudaine » soit-elle  

Deux pays (quelques allers et retours) deux paysages (encore que les deux « collines » filmées à Paris et au Japon se répondent en écho comme par un effet spéculaire troublant) deux langues (dont le japonais) mais un seul monde, désespéré !  or ce désespoir Mari le revendique au moment même où sentant sa mort prochaine elle va le quitter– on ne peut écarter ici la pensée camusienne du mythe de Sisyphe

Quand s’impose à l’écran la séquence,  théâtrale, où résidents et personnel soignant devenus acteurs sous l’égide de Goro (Kyözö Nagatsukaà), entremêlent leur corps et lentement « massent » qui la plante des pieds qui un bras - s’opère le « miracle » (du verbe mirari s’étonner) du « tourbillon sensoriel », l’humanitude incarnée palpée dans ce Jardin des libertés (ex hôpital psychiatrique) Rarement les « vieux » auront eu un tel droit de cité à l’écran (le visage de Micheline le regard vert happé vers l’infini, le dos de cette femme qui envahit l’écran et qu’une main vigilante toilette de ses soins, le corps comme hébété de cet homme mutique sondant l’insondable) Et simultanément la sérénité (apparente) est souvent traversée par des « cassures » qu’incarne le jeune autiste Tomoki (cassures qui affectant autant le cadre que l’ambiance sont toujours inattendues…et pourtant si fécondes en enseignement !)

Scandé par des indices temporels (encarts calligraphiés) le film suit ainsi la trajectoire de deux femmes sans verser dans le biographique (quelques bribes seulement sur leur passé réciproque) Jamais désincarné (et ce malgré la toute-puissance de la parole cardinale) il s'inscrit dans la corporéité, le toucher, dans l’espace autant que dans les relations humaines.

Par-delà il convie le public à Marcher, rester vertical Rendre possible l’impossible -malgré toutes les formes de déliquescence

A ne pas manquer !

Colette Lallement-Duchoze

ps: Humanitude: ' méthode qui "vise à replacer l'humain et la bientraitance au cœur de l'accompagnement des personnes fragilisées, âgées ou dépendantes, en évitant toute déshumanisation et tout soin brusque ou forcé"

De Cristian Mungiu (Roumanie Norvège 2025)

Avec Sebastian Stan (Mihai Gheorghiu), Renate Reinsve (Lisbet Gheorghiu),  Vanessa Ceban (Elia Gheorghiu, leur fille aînée ); Jonathan Ciprian Breazu (Emmanuel Gheorghiu,  leur  fils aîné) Lisa Carlehed  (Mia Halberg, leur voisine ), Markus Tønseth  (Mats Halberg, mari de Mia et directeur de l'école ) Henrikke Lund-Olsen  (Noora Halberg, fille de Mats et Mia) 

Présenté en Compétition au Festival de Cannes 2026  

Palme d'or  Prix du Jury œcuménique et  Prix François Chalais

Les Gheorghiu,- un couple roumano-norvégien très pieux, et leurs 5 enfants-  s’installent dans un village au bout d’un fjord où ils se lient rapidement d’amitié avec leurs voisins, les Halberg. Les enfants des deux familles deviennent très proches, malgré des éducations différentes. Lorsque le corps enseignant découvre des ecchymoses sur le corps d’Elia, l’aînée des enfants Gheorghiu, la communauté se demande si l’éducation traditionnelle que les enfants Gheorghiu reçoivent de leurs parents pourrait en être la cause.

"Nous sommes là pour aider" “Nous devons protéger l’intérêt supérieur de l’enfant.”

"Alors pourquoi cela ressemble-t-il à un enlèvement approuvé par l’État ?

Voici un film qui  "met mal à l'aise"  qui dérange sans pour autant dérouter Pourquoi ? insidieusement (frontalement aussi) il met le spectateur face à une alternative tendancieuse, transformée en dilemme : absoudre des parents (présentés comme des victimes) qui inculquent une idéologie évangéliste (et frapper la femme et les enfants n’est-il pas inscrit dans la Bible..):  ou s'insurger contre une décision inique émanant d’un organisme social dit progressiste ? Dérangeant Fjord l’est tout simplement dans la "façon " de traiter chacun des deux clans ( ?)  Dans   cette fiction aux allures de documentaire sur les difficultés du  "vivre ensemble"   la charge est trop  souvent caricaturale: impavidité des représentants de l’Aide à l’Enfance d’une part (impavidité si inhumaine dans son mépris affiché assumé revendiqué de qui ne partage pas ses "convictions progressistes"), et d’autre part  "apparente"  souffrance des parents (on les devine habités par une force supérieure qui la transcende) ou alors frénésie vengeresse (le père plante sa "hache" avec violence sur le billot telle une hache de guerre, il alerte l’opinion internationale; délégation de fonctionnaires et de religieux roumains, manifs aux relents de trumpisme…) L’intervention de Mia Halberg (femme du directeur d’école et mère de Noora,) qui plaide en faveur des Gheorghiu et l’amitié entre Noora et Elia, seront frappées d’inanité!

Dérangeant ce film, car à aucun moment les enfants n’auront "dit"  explicitement ce qu’ils ont "subi" ni ce qu’ils ont  "vécu" dans la famille provisoire. Or les deux clans ( ?), incarnant deux modèles d’éducation opposés sont mus par le même souci de bienveillance -sens étymologique "vouloir le bien" .(hélas l’enfant  dit "souverain" reste une "abstraction" ) Les témoignages "écrits" ?…Mais on sait la "trahison"  de toute traduction, on sait la trahison du langage en général, la polysémie des mots, leur usage dans telle ou telle culture

On est ballotté au milieu de  paradoxes,  contraint d'avoir  pitié de Lisbet la mère (admirable Renate Reinsve -vue entre autres dans Valeur sentimentale et Julie en 12 chapitres- )…Qui serait insensible à cet arrachement ? ( 5 enfants -dont un bébé qu’elle allaite…- placés d’office le temps de l’enquête dans des familles d’accueil) ! Mais aussi à son prosélytisme  qui s’insinue -discret- dans le "courage"  auprès des moribonds et dans la consolation aux survivants (à noter ici que l'impotent  Ake, entravé sur son fauteuil, n’en représente pas moins la figure de la "conscience" tout comme le fauteuil silhouetté sur la jetée  a la puissance suggestive   d'une allégorie)

Le spectateur aura assisté -dans la première partie- à l’intégration dans le « groupe » scolaire (accueil chaleureux du directeur, naissance d’une amitié entre sa fille et celle des Gheorghiu,) de même qu’il s’était immiscé dans ces cours de gym (séquences assez violentes de placage au sol). Le réalisateur roumain avait eu soin de baliser un chemin auréolé de certains symboles (les remous de l’eau, la ville portuaire isolée d’Ålesund, le fjord tel un rempart, le drapeau norvégien flottant à l’arrière-plan, une toilette mortuaire, des mains qui se croisent pour les prières à heures fixes, des baisers de circonstance) et la scène liminaire surtout - Elia semoncée par son père  Tu dois apprendre à admettre tes erreurs ! Oui de tout cela le spectateur doit se souvenir quand témoin clandestin il assiste au "procès civil", aux interrogatoires ….dans un huis clos étouffant (deuxième  partie) 

On retrouve chez Cristian Mungiu (deuxième palme d’or après Quatre mois, trois semaines, deux jours) ce goût prononcé pour les longs plans séquences et cette prédilection pour les questionnements, -à partir des problèmes de société-, culturels politiques sociétaux-, hélas sans réponses : une fois de plus on est face à des fractures qui vont perdurer -le cri d’amour de Noora n' est-il pas  suspendu à jamais inaudible, hors du temps? 

Illustrer  par une mécanique qui se veut implacable l’impossible "communication entre des groupes d’individus convaincus du bien- fondé de leurs principes", tout en prônant en creux les vertus d’un  "vivre ensemble"  débarrassé de cette tare. c'est le propos de ce film dérangeant à défaut d’être convaincant...

Colette Lallement-Duchoze