De Maryam Moghaddam et Behtash Sanaeeha  (Iran 2024)

avec Lili Farhadpour  Esmaeel Mehrabi

Prix du Jury Œcuménique 74e Festival international du film de Berlin 

Mahin a 70 ans et vit seule à Téhéran. Bravant tous les interdits, elle décide de réveiller sa vie amoureuse et provoque une rencontre avec Faramarz, chauffeur de taxi. Leur soirée est inoubliable

Tu dois te défendre ! Plus tu es docile, plus ils en profitent. J’ai compris ça depuis peu».( Mahin à la jeune fille incriminée .... )

2022 éclate le mouvement Femme, vie, liberté (suite à la mort de Mahsa Amini); Maryam Moghaddam et Behtash Sanaeeha sont alors en plein tournage -sans autorisation- de mon gâteau préféré ; certains de l’équipe sont dans la rue et manifestent, d’autres sont arrêtés et emprisonnés ; le couple décide de terminer coûte que coûte ; ce sera leur soutien au mouvement. Car ce que "montre"  ce  film est précisément interdit voire condamné par le régime: : des femmes sans hidjab, l’arrestation, par la police des mœurs, de jeunes filles "mal voilées" et on entend l’injonction de Mahin qui "ose" affronter la police  'Tu dois te défendre ! Plus tu es docile, plus ils en profitent. J’ai compris ça depuis peu" On danse, on boit du vin, on s’exprime sans fard (politique mariage raté) tout en se sachant "épié" on contourne, on brave certains interdits.   …

Après la sélection en compétition de la Berlinale, en février 2024 ce sont les mesures de rétorsion: confiscation des passeports, perquisition (chez le monteur) et le couple est interdit de « quitter le territoire » mais grâce à des copies piratées le film aura son public en Iran…

Tenir compte de ce contexte influera inévitablement sur le commentaire et la critique sera bienveillante….saluant avant tout le courage (exemplaire) des cinéastes

Ce film que l’on peut assimiler à une  comédie romantique du troisième âge  joue sur la dualité opposant forme et fond (soit légèreté et gravité); la fausse innocence, l’apparence ludique voire inoffensive maquille en fait des problématiques douloureuses (bien imbibés les deux septuagénaires se gaussent de leurs mini forfaits (distiller… malgré la loi sur l’abstinence ; remettre  en cause le mariage imposé). 

Plans fixes (intérieur de la maison) et  cloisonnement sont en harmonie avec  la lenteur des déplacements de Mahin (Lili Farhadpour) son corps se meut avec difficultés, son sommeil est fortement perturbé (elle s’endort au petit matin et à midi elle est encore alitée). Mais ses rondeurs -accumulées par l’âge et la gourmandise- séduisent ce chauffeur de taxi qu’elle a osé inviter chez elle pour la soirée et pourquoi pas ....la nuit ?

Ce corps Mahin le pare de plusieurs atours dans un élan oblatif tout comme elle maquille son visage dans un élan de séduction ; ce corps elle l’accorde au chant et à la danse tout comme ses mains cherchent celles de Faramarz , et si l’épisode de la douche tient du burlesque on ne se moque pas, car la pudeur est toujours aux aguets 

Justesse du ton (même paradoxalement dans l’onctuosité); on rit de bon cœur, on partage tendresse et …audaces…dans la montée du désir !  

Mais quand l’amour naissant (?) bascule dans le conte tragique (dernier quart du film) on s’interroge ; on peut déplorer qu’un tel choix n’ait pas permis d’explorer tous les possibles de la transgression, à moins que le "virilisme" ne serve de repoussoir ou encore que l’épilogue renoue avec ce qui était précisément dénoncé…(cf  le lamento de Mahin et le très gros plan final sur son dos qui envahit l’écran…)

A vous de juger !!!

Colette Lallement-Duchoze

On s'attendait à un film tire-larmes et un peu "déjà vu" sur la solitude de deux septuagénaires iraniens, de sexe opposé. Il n'en est rien. Efficace témoignage de de la réalité de la vie en Iran aujourd'hui pour cette infirmière veuve d'un mari militaire, et un chauffeur de Taxi, ancien militaire lui aussi, désespérément seul, confrontés au mal universel de la solitude des vieux, de la difficulté d'une rencontre ; cette réalité se croise avec les préjugés sociétaux, religieux, de la population iranienne, alliée du régime Tout est parfaitement juste et surprenant. Un film romantique, drôle, au beau et riche contenu joué par des acteurs vent debout contre la dictature, et terriblement touchants à l'écran.

A ne pas manquer ! En ce moment au cinéma.

Serge Diaz  

dimanche 9 février

Programme de quatre courts métrages de Man Ray réalisés entre 1923 et 1929 (USA) 

Avec  Kiki de Montparnasse (Alice Prin), André de la Rivière, Robert Desnos, Jacques Rigaut, Rose Wheeler, Man Ray, Jacques-André Boiffard, Georges Auric..

Célébrant le 100ème anniversaire du premier film de Man Ray "retour à la raison" est la première restauration des films muets du photographe cinéaste  avec une nouvelle bande originale composée et interprétée par Jim Jarmusch et Carter Logan , groupe Sqürl 

L’étoile de mer Emak Bakia Retour à la raison Les mystères du château du Dé soit quatre « films insolites » regroupés sous le titre « retour à la raison » et qu’accompagne la superbe bande-son minimaliste du duo Sqürl, (Jim Jarmusch et Carter Logan)

Le résultat ? Un envoûtement ! Quand l’avant-garde musicale new yorkaise rencontre la beauté -qui sera convulsive ou ne sera pas (André Breton manifeste du surréalisme) 

Se faire voyant, appliquer le précepte rimbaldien à l’image à la singularité d’un regard, en allant au-delà de l’apparence des mots, Tout en se laissant guider par une étoile de mer ? Un gros plan sur ses piquants alors qu’elle est enfermée dans son bocal semble symboliser ces « dents des femmes ». Le sous-titre de ce premier court métrage « l’étoile de mer » est explicite « poème de Robert Desnos tel que l’a vu Man Ray 

Obtenir une image sans appareil en posant l’objet entre le papier et la source de lumière (cf clous punaises ressorts dans « retour à la raison ») poser des morceaux de verre cathédrale devant l’objectif : les personnages nous apparaissent flous (dans l’étoile de mer Kiki de Montparnasse André de la Rivière et Robert Desnos qui apparaîtra furtivement vers la fin). Démarche de qui pratique un cinéma expérimental et simultanément le rêve éveillé (et les paupières closes sur lesquelles l’artifice de ces yeux peints donne l’illusion de la vie …) 

Des gymnastes des baigneurs aux débardeurs rayés s’en viennent peupler le « château » de la comtesse de Noailles (villa conçue réalisée par l’architecte Mallet-Stevens à Hyères) Dans cet hommage à Mallarmé « un coup de dés jamais n’abolira le hasard » (cf l'affiche) et qui clôt notre  voyage » la confondante unité des personnages de l’architecture du ciel et de la mer a remplacé la "plume solitaire éperdue" du Maître (qui avait vu s’effondrer dés, vagues, mots) Le duo Jarmusch Carter Logan en décuple l’onirisme 

Inviter le spectateur à constamment se mouvoir comme l’a analysé Yannick Lemarié ? Oui certainement  Marche. Danse. Voiture. Train. Bateau. Rêverie d’une dormeuse, peut-être, qui s’élance vers des espaces infinis, depuis les abîmes marins jusqu’au ciel des poètes. L’étoile de mer ne conjugue-t-elle pas les deux ? Emak bakia n’évoque-t-il pas le « bassin de Neptune » et l’aviateur Marcel Doret ? Les Mystères du château de Dé ne propulse-t-il pas les nageurs dans les airs ?

A ne pas rater !

Colette Lallement-Duchoze
 

de Déa Kulumbegashvili (Géorgie 2024)

avec Ia Sukhitashvili,(Nina) Kakha Kintsurashvili,((David) Merab Ninidze (médecin-chef)

Musique Matthew Herbert

Mostra de Venise 2024 Prix spécial du Jury

Nina, une obstétricienne de la Géorgie rurale aide les patientes souhaitant avorter malgré l'interdiction légale. Elle doit défendre ses valeurs et ses actions lorsqu'elle est accusée de négligence et est soumise à une enquête1

"Explorer une société où la désobéissance féminine est jugée comme le pire des péchés, une société où la femme est forcément liée à son statut de mère ou d’épouse, où rester célibataire est suspect" tel est le pari de la réalisatrice;  lutter contre les « préjugés » c’est le quotidien de Nina. Mais ce sera avec une "singularité déconcertante" 

Oui April est un film étrange déroutant voire dérangeant. Un film choc (on sort de la séance comme sonné après un uppercut). La mise en scène est radicale, le réalisme cru, le format (1,3) et la lenteur de certains plans fixes enserrent dans une forme d’étouffement, que vient amplifier une bande son qui fait la part belle à un souffle une respiration,  celle  d'un double -vivant ou mort-vivant (à l’instar de l’alter ego de Nina humanoïde à la combinaison couleur chair et ocreuse, boueuse).

On ne peut rester insensible à l'esthétique de ce film (au service d’ailleurs d’un plaidoyer en faveur de l’avortement) Certains spectateurs vont déplorer un excès de rigueur formelle ; j’en conviens il y a un étirement qui va (parfois) au-delà du « nécessaire » Cela étant …. 

Les trois premières séquences resteront gravées dans les mémoires  D’un point de vue purement narratif elles encodent le film -que l’interprétation soit naturaliste ou symbolique- , d’un point de vue esthétique (plastique) elles « dérangent » par leur anti conformisme (silhouettée une femme nue semble s’enfoncer dans les marécages, et sa chair se drape d’une viscosité flasque ; un accouchement filmé en un long plan fixe comme en surplomb léger  avec l’accroche de cette lampe froide, l’œil du spectateur rivé sur le sexe de la parturiente ; le frémissement de l’eau qui se métamorphose en crépitement mugissement insolite et qui envahit l’écran au son tonitruant du tonnerre foudroyant) 
 

L’alternance entre scènes à l’hôpital et en extérieur (on imagine Nina au volant de sa voiture qui zigzague de nuit s’octroyant des « pauses » susceptibles de satisfaire une libido contrariée,) qui est aussi une alternance entre cadres fixes et mouvements, exprime cette volonté de « capturer » l’instabilité constante d’un monde. A la froideur des architectures de ces longs couloirs désertés par l’humain (et souvent les personnages sont vus de dos ou restent hors champ) s’opposent si contrastés un champ de coquelicots inondé de lumière, des fleurs en gros plan vibrant sur des branchages gorgés de soleil, un ciel qui « se noie dans son sang qui se fige » Avril et le renouveau 
 

Le plan final (opacité gluante dans l’effacement par engloutissement … ) n’est-il pas empreint  de cet onirisme  aux multiples interprétations ? 
 

A ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze
 

De Pablo Larrain (Chili USA 2024)

avec Angelina Jolie (Maria Callas) Haluk Bilginer (Aristote Onassis) Pierfrancesco Favino (Ferrucio Maezzadri) Alba Rohrwacher (Bruna) Valeria Golino (Yakinthi Callas) Caspar Phillipson (J Fitzgerald Kennedy) Vincent Macaigne (Dr Fontainebleau) Kodi Smit-McPhee (Mandrax)

Présenté en avant-première à la Mostra de Venise (août 2024)

Angelina Jolie nommée aux Golden Globes pour son interprétation 

Présenté en avant-première à l'Omnia dimanche 26 janvier (festival Télérama)

Sortie le 4 février 2025

La soprano américano-grecque Maria Callas se retire à Paris après une vie glamour et tumultueuse aux yeux du public. Dans ses derniers jours, la diva s’interroge sur son identité et sa vie ; elle se remémore ses plus grands succès, entre solitude et nostalgie Pablo Larraín dresse ainsi le portrait d'une femme à la fois adulée et profondément vulnérable.

Troisième volet d’une trilogie consacré au féminin blessé, après Jackie et Spencer ce film s’intéresse aux 7 derniers jours de la Callas en septembre 1977. Voici une femme désespérée d’avoir perdu sa voix, une femme bourrée de médocs, une femme blessée dans ses amours, une femme recluse dans son appartement parisien et qui « s’interroge sur sa vie et son identité ».

Maria est structuré en trois parties annoncées par les « claps » et se donne(rait) à voir comme un film dans le film La Callas : the last days. Mais très astucieusement le personnage de Mandrax (Kodi Smit-Mcphee) censé être le documentariste n’est qu’une projection de l'esprit de la chanteuse, ce qui accentue l’enfermement mental de Maria. 
La séquence liminaire qui nous introduit avec lenteur dans l’appartement luxueux peut s’apparenter à une marche funèbre : silhouettés seront les personnages (dont le médecin Fontainebleau interprété par V Macaigne) qui se penchent sur le corps de la défunte gisant à même le parquet. Cette scène d’ouverture est reprise en écho à la fin : une telle circularité, certes formelle, s’inscrit en fait dans une volonté de désacralisation et d’ailleurs le plan fixe qui clôt le film est dédié au couple de serviteurs fidèles (Alba Rohrwacher, et Pierfrancesco Favino) alors que vont défiler en même temps que le générique de fin, des images d’archive en couleurs avec ….la Callas… loin de ses rôles de diva …

Pénétrant sa psyché (le visage d’Angelina Jolie filmé en très gros plan étant le miroir à traverser), Pablo Larrain déploie ses talents incontestés de cinéaste : éclatement de la chronologie, enchâssement des épisodes revisités en images réelles ou mentales, présentes et remémorées tout à la fois; récurrence de certaines scènes, agencement des couleurs avec passage du clair-obscur, du noir et blanc à la couleur, variations des cadres et angles de vue ; à cela il convient d’ajouter ces dialogues (certains assez drôles) la somptuosité des décors (et des costumes…). Et c’est bien pour « restituer » la « voix » (l’actrice américaine aurait suivi des cours de chant) que le cinéaste use des artifices qui « brouillent » les pistes - (de loin sur scène la Callas (la vraie?) mais voici entremêlés les rushs du film faussement vieillis… - dans la même séquence voici un extrait d’un concert aussitôt revisité ou fantasmé par… Angelina Jolie)

Cinéma et opéra, cinéma et intériorisation théâtrale

En contrepartie certains épisodes tombent à faux, à moins qu’il ne s’agisse d’auto dérision (revisitant son passé Maria peut le travestir) rencontre avec le président Kennedy, ultime visite à Onassis mourant;  et que penser de ces flash-back sur les « dérives » de la mère qui a prostitué ses deux filles ? faire du personnage une « victime » ? 

Certes le cinéaste refuse l’hagiographie tout en faisant de Maria la seule maîtresse de son « nouveau » destin (ce dont témoignerait la scène d’autodafé) mais force est de constater que la virtuosité formelle l’emporte créant ainsi une paroi de verre entre l’écran et le public….

Dommage

Colette Lallement-Duchoze
 

Long métrage d'animation réalisé par Adam Elliot (Australie 2024) 

Voix de  Jacki Weaver (Pinky) Eric Bana James (The Magistrate) Sarah Snook (Grace Pudel)  Kodi Smit-McPhee (Gilbert Pudel) Dominique Pinon (Percy) Magda Szubanski (Ruth )

Festival d’Annecy  Prix Cristal du long-métrage

À la mort de son père, la vie heureuse et marginale de Grace Pudel, collectionneuse d’escargots et passionnée de lecture, vole en éclats. Arrachée à son frère jumeau Gilbert, elle atterrit dans une famille d’accueil à l’autre bout de l’Australie. Suspendue aux lettres de son frère, ignorée par ses tuteurs et harcelée par ses camarades de classe, Grace s’enfonce dans le désespoir. Jusqu’à la rencontre salvatrice avec Pinky, une octogénaire excentrique qui va lui apprendre à aimer la vie et à sortir de sa coquille…

Petit corps trapu avec une propension à l'adiposité, grosse tête avec de gros yeux globuleux et tombants cernés de noir, une cicatrice balafrant le bas du visage,  c’est Grace (ô l’antiphrase…) le personnage marginal dont nous allons entendre les  "mémoires "  Sa  voix off  sera relayée par celles de tous les intervenants :  parents,  témoins,  religieux , amis,  ennemis   

Même si sa vie fut marquée par des drames à répétition le film ne versera pas pour autant dans la "noirceur"; certes la palette est  "sombre" (dominante marron ou gris) mais Adam Elliot égrène çà et là des touches de lumière plus rougeoyante (une bougie un radiateur une boîte à musique) telle la chaleur lénifiante de promesses( ?) Et surtout l’humour quasi omniprésent (en ses diverses nuances) et la tendresse vont tempérer -pour ne pas dire annihiler- l’angoisse et la douleur ; d’ailleurs le public rit souvent de bon cœur, jamais au détriment de Grace -Nous suivons son  parcours quasi initiatique depuis la séduction pour les gastéropodes et leur coquille protectrice jusqu’à l’émancipation, grâce au personnage fantasque de l’octogénaire aux savoureuses métamorphoses et au langage fleuri d’audaces… (un bémol pour le final en forme d’épilogue,  twist? ou capillotracté ? )

Grace évolue dans l’univers animé en stop motion où sans conteste Adam Elliot affirme un sens de la plastique et du détail. Le procédé de l’accumulation qui s’impose dès les premiers plans (travellings sur les objets entassés dans la chambre encombrée de Grace, et dont certains sont étiquetés comme prélude au générique) va présider à toutes les étapes, jusqu’à la pléthore. Le cinéaste dénoncerait-t-il un trouble du comportement, la syllogomanie ? ou accumulation compulsive ? 

Dans ce passé recomposé : handicap de naissance (le bec-de-lièvre) objet de risée, perte des parents, séparation d’avec le frère jumeau (or Grace et Gilbert ne formaient qu’un seul cœur) placement en famille d’accueil (et les dures conditions imposées par Ruth à Gilbert), attentes fébriles des retrouvailles, mariage raté (Ken plus séduit par la graisse de Grace, membrane à gaver de saucisses) …autant de désillusions, de désenchantements  "accumulés"  qui d’ailleurs vont de pair dans leur traitement avec la profusion de métaphores autour de la  "coquille"  (symbole de nos traumatismes ? ou/et de nos cicatrices intérieures ? du repli sur soi ?) ; la multiplicité des thèmes  abordés (misère, alcoolisme, deuil, travail forcé des enfants, homophobie, harcèlement scolaire, les clins d'œil réitérés aux problèmes de "notre temps" etc… ) est en outre soutenue par un rythme rapide – jusque dans le débit du locuteur 

Or une telle accumulation -sous forme d'empilement le plus souvent- ne risque-t-elle pas de nuire au propos ? ? ou du moins de détourner l’attention du spectateur ?? 

Colette Lallement-Duchoze