Documentaire réalisé par Philippe Béziat (2025)

• Grand Prix 2026 du Documentaire musical à Biarritz
• Prix du public 2025, Œillades

Comment jouer ensemble sans se sentir disparaître dans la masse ? Comment cohabiter si longtemps sans que le groupe explose ? Quel rôle joue vraiment le chef d’orchestre ? Pour la première fois, caméras et micros se faufilent parmi les 120 musiciens de l’Orchestre de Paris, à la Philharmonie, sous la baguette de leur jeune chef prodige, Klaus Mäkelä

Filmer une matière sonore en train de s’élaborer en étant au plus près de ce « nous » qui compose un orchestre tel est l’enjeu de ce film documentaire aussi passionnant que novateur dans sa forme. – Une forme qui tout en respectant la règle de 3 du cinéma montage mixage cadrage se démarque de certains attendus.

Certes le spectateur est convié à des séances de répétition sous la direction   du charismatique Klaus Mäkelä (nous verrons aussi Elim Chan et Herbert Blomstedt). Ainsi  au tout début lors de la répétition de Stravinsky la caméra saisit en quelques plans sa maestria, l’originalité de ses gestes (à décrypter car porteurs de signes pour celui qui regarde tout autant qu’il est à l’écoute) et l’expressivité de son visage. Hé ben, il n'est pas venu faire de la figuration, celui-là ! (remarque un musicien, un propos plein de sous-entendus… …Rappelons ici que ce jeune « prodige » né en 1998 est directeur musical de l’Orchestre de Paris depuis septembre 2021).

Mais la caméra va individualiser le "collectif" inclus dans le "nous" multiforme sans jamais toutefois dévoiler une identité propre. Voici en gros plan tel musicien interrogé ; l’originalité sera double : d’une part pénétrer sa pensée et la restituer par un encart à lire sur fond noir alors que les lèvres s’animent muettes…(rappel du cinéma muet ?) ; et d’autre part donner à entendre comme a postériori le "son" qu’il a produit avec son instrument ; se dessine à chaque fois sur le visage de l’interviewé la même émotion. Le-nous du titre englobe ainsi des individualités : avec leur vie: hors les murs nous les voyons immergés dans « notre » quotidien familier, à l’intérieur du bâtiment de la Philharmonie ils forment un  "corps" dans l’exercice de leur  "métier", mais avec des  egos  plus ou moins surdimensionnés,  des ressentiments,  des aspirations…(certains envient -ou déplorent- les privilèges des solos ; d’autres ont la douloureuse impression   de « ne servir à rien » …)

A la diversité des individualités répond celle des instruments -avec une prédilection pour le cor anglais ? (de très gros plans sur l’anche et des lèvres, sur des mains et leur archet par exemple vont alterner avec des plans d’ensemble sur l’orchestre) On tourne une page de partition, on annote, on nettoie une embouchure, on change une anche, chaque geste est ainsi valorisé   On se réunit, on échange lors d’audition pour le recrutement d’un violon. Interroger l’instant tout en l’inscrivant dans un continuum !  c’est une autre dynamique de ce film Et quand la caméra filme le bâtiment dans son environnement extérieur le style architectural perd de sa minéralité pour se fondre dans la fluidité du trafic du périph…

Un film documentaire musical ? le cinéaste préfère l’appellation« documentaire symphonie » écoutons-le Ne pas trop me poser la question du récit, mais penser en termes de mouvements, comme pour une œuvre musicale. D'abord quelque chose de très puissant, très énergique. Puis un ralenti, plus extatique, qui va nous amener ailleurs. Puis là, tout d'un coup, le petit solo de quelqu'un qui s'exprime..."

 Un film sur la Vie de musiciens ? oui mais dans  leur rapport à la musique, à leur instrument

Un film qui par la maîtrise et la diversité des cadrages, par l’originalité du montage invite le spectateur -mélomane ou non- à vibrer de concert … au point de se sentir inclus dans le « nous » du « vivre ensemble »

UN FILM A NE PAS MANQUER

Colette Lallement-Duchoze

De Graham Swon (USA 2023)

avec Deragh Campbell, Hannah Gross, Peter Vack   

(inédit en France ainsi que The world is full secrets 2018)

1939, quelque part dans le Midwest américain : Barbara Fowler, ancienne enfant prodige de la littérature et son mari, Richard, auteur de romans pulp, s’installent à la campagne, où ils se retrouvent pris dans un triangle amoureux avec leur servante profondément religieuse, dans cet examen envoûtant d’un monde voué à disparaître.

Voici trois personnages Barbara -autrice empêchée d’écrire depuis ses jeunes années, Richard son mari auteur de romans de gare au succès mitigé et Martha leur servante très pieuse dévouée dont le visage et le corps sont marqués par des cicatrices (comme autant de stigmates de ??) Trois personnages, trois voix qui vont s’entrelacer dans un chant du soir tel un chant du cygne ?

 Certes le cinéaste situe son film à la fin de l’été 1939  mais an evening song (for three voices) n’en sera pas pour autant un « film d’époque » tout au plus l’année choisie 1939 « est une année de transition : après la Grande Dépression, l’industrialisation bat son plein et dans le domaine culturel le système des grands studios hollywoodiens est à son apogée alors que le modernisme littéraire touche à sa fin et la seconde guerre va bouleverser le monde ; le film se déroule entre « la fin » et le « commencement » (Propos du réalisateur)-  L’histoire colportée d’un loup garou qui rôde et dévore des animaux mais aussi des humains en serait-elle la métaphore ? 

Le  "trio", triangle amoureux, où chacun aime les deux autres ? Graham Swon l’exploite certes mais au service d’une expérience cinématographique fort singulière qui n’a rien à voir avec le " naturalisme" du mélo provincial  -même si à la toute fin le film semble renouer avec cette veine (Martha la récitante fait part du sort de tous les protagonistes comme dans un épilogue;  propos non denués d'ironie)

L’essentiel (soit les trois quarts)  frappe par une atmosphère envoûtante diaphane ou nocturne, et l’émotion feutrée qu’elle dégage ! fondus enchaînés, surimpressions , superpositions (des image et des voix) , choix des plans séquences, le flou et son corollaire : le primat de la sensation sur l’histoire, la lenteur hypnotique, la musique de Rachel Evans qui de bout en bout accompagne les textes récités, (successivement, en alternance ou simultanément comme des échos qui se répondent avant de se confondre (qu’il s’agisse des pensées profondes -inavouables ?- des trois personnages de leurs désirs de leurs rêves, ou des extraits des œuvres écrites par le couple, de leurs commentaires, ou encore  de rumeurs qui circulent au village), tout concourt à rendre délicat palpable évanescent et charnel à la fois un univers de signes où le Verbe se fait chair et sa puissance incantatoire aussi fluide que les flux des trois consciences

Un envoûtement

A ne pas rater

Colette Lallement-Duchoze

De David Roux (France Belgique 2025)

avec Mélanie Thierry, Eric Caravaca, Arnaud Valois, Jérémie Rénier  Sarah Le Picard  Alexandra Stewart , Jérôme Deschamps

Festival du Film Francophone d’Angoulême 2025,

Hors compétition, au Festival International du Film de Saint-Jean-de-Luz 2025.

Voilà Marianne aujourd’hui : femme d’un riche industriel, enviée et admirée, épouse modèle et mère de famille dévouée. Elle va avoir 40 ans et le confort de la vaste demeure familiale a lentement refermé sur elle son piège impitoyable. Prisonnière d’un inextricable réseau d’obligations sociales, familiales et conjugales, complice de son propre effacement, elle a, sans même s’en apercevoir, renoncé à elle-même. Alors, quand resurgit l’ombre de son passé, une brèche s’ouvre. Une autre vie serait-elle possible ? Et à quel prix ?

Adapté du roman d’Hélène Lenoir  Son nom d’avant (1998),  le film de David Roux fait la part belle à ces bâtisses cossues (cf les plans d’ouverture) comme écrins de l’hypocrisie bourgeoise d’un autre temps (XIX°) et qui a perduré .Bâtisse que le couple Marianne/Antoine va habiter (suite à la mort de sa belle-mère, Marianne avait pourtant répondu par la négative à la demande de son mari …mais  dès le plan suivant le couple a emménagé ; la succession rapide de ces deux plans illustre le manque (ou l'absence) de considération de la femme  au sein de la bourgeoisie catholique de province   Ce sont les quelques  confidences « lucides » de Marianne au photographe, les fredaines apparentes de l’aînée en pension qui, par-delà les invectives du beau-père omnipotent (tout en étant physiquement diminué) qui le diront explicitement. Oui Marianne et Antoine Casella font chambre à part, oui Antoine a « prié » pour que le premier enfant soit un garçon digne héritier des Casella, oui Marianne s’étiole … engluée dans des obligations sociales familiales conjugales dont elle semble complice. Mais un regard à l’église, une discussion, des photos (le prologue rappelait cette circulation de regards, lorsque adolescente Marianne fut agressée en pleine rue, traitée de « putain » et que réfugiée dans un bus, elle scrutait (en vain ?) la bienveillance d’autrui...) tout cela conjugué "ouvre une brèche; une autre vie est-elle possible? (cf le pitch)

Récit d’une émancipation, d'une "reconstruction" à partir de …porté par le talent de Mélanie Thierry dont la délicate sensualité affleure à chaque plan

Certes les promenades dans les sous-bois, avec les déclinaisons de vert et les multiples fonctions du pont, les teintes ocres et parfois flamboyantes, la douceur quasi angélique de Jérémie Renier (qu’accentue la coupe de cheveux) les cloisons d'intérieur balisant un parcours obligé , alanguissent un récit au rythme déjà nonchalant (quand bien même l’espace est souvent saturé des invectives colériques du beau-père patriarche) . Et même quand la décision semble prise (définitive) la rupture ne sera pas immédiate -moins pour donner le temps au temps- que pour annihiler une  "dépossession"  jusque-là assumée la transformer  en une plénitude (dont les détails resteront hors champ)

Surtout ne pas comparer avec Chabrol… car David Roux en s’intéressant à l’emprise morale ne choisit pas le cynisme corrosif …Son huis clos n’en reste pas moins troublant, de l’indolence peut naître une forme de sublime (qu’accompagne cette voix plaintive dans le quatuor, tel un appel à la liberté)  

Et voici sur l’écran TV (que regarde la famille réunie…) des extraits de Peau d’âne de Jacques Demy (1970), Delphine Seyrig prodigue ses conseils de Fée des lilas  Ecoutons-la

Colette Lallement-Duchoze

De Gus Van Sant (USA 2025)

Avec Bill Skarsgärd (Tony Kiritsis) Diacre Montgoméry (Richard Hall) Colman Domingo (Fred Temple) Cary Elwes (détective Michael Grable)  Al Pacino (M L Hall) John Robinson (le cameraman)

Mostra de Venise Sélection officielle hors compétition

festival Polar Reims 2026

festival international de Toronto 2025

Ceci est l’histoire vraie de Tony Kiritsis, un homme ruiné à cause d’un emprunt. A Indianapolis, le 8 février 1977, il kidnappe le fils du courtier responsable de sa situation. Il réclame 5 millions de dollars et des excuses. La prise d’otage va durer 63 heures, sous les yeux de la télévision locale, puis nationale. L’Amérique se passionne pour cette affaire. Chacun choisit son camp. Tony est-il un criminel, ou simplement une victime qui réclame justice ?

Plus que le récit d’une prise d’otage - qui a d’ailleurs réellement eu lieu à Indianapolis en février 1977- , le film de Gus Van Sant transforme un fait divers hypermédiatisé en une  comédie humaine panachée de thriller, lui-même étant -pour le traitement des images- comme le double du DJ du film -auquel s’adresse avec courtoisie le "ravisseur"…

Alors que Tony Kiritsis (admirablement interprété par Bill Skarsgärd) contrôle avec un certain brio la  "narration de son geste" -grâce à une radio locale  et au basculement  exigé sur l’échelle nationale, le cinéaste lui, ne se contente pas de "restituer"  l’événement (cf les étapes depuis le ravissement à la Meridian Mortgage Company jusqu’à l’appartement de Kris,  les tractations) il se plaît surtout à multiplier les points de vue en les " manipulant" (au sens de triturer) dans un jeu d’alternance -cf l’air ébahi de la journaliste soucieuse avant tout de sa propre carrière, les gros plans sur le visage de l’animateur radio, sur le fils du courtier, sur les policiers obséquieux, etc) tout en utilisant les techniques de l’époque, les formats (dont le 1,66 :1 ) De ce fait il transforme assez vite un acte (désespéré ?) en immersion dans une Amérique qui souffre de ses inégalités et d’une violence latente -laquelle ne demanderait qu’à exploser ? (cf ces plans d’ensemble sur la foule qui semble se "reconnaître" dans le ravisseur -du moins dans ses motivations : œuvrer pour plus de justice sociale quand on a cru en toute bonne foi au "rêve américain"  Oui Tony Kiritsis a été trahi… …Oui Tony serait la victime d’un système "pourri" Oui la vengeance est possible et précisément le cinéaste touché par la solitude d’un homme qui ose se dresser contre le système rend palpable la solitude dans le huis clos de l’appartement même si sa caméra alterne les points de vue (comme pour un face à face ravisseur/otage séquestré), et la peint dans sa nudité sans les oripeaux de la morale

La séquence d’ouverture rappelle les fondamentaux et du banditisme et des polars (on entre par effraction, on ouvre une mallette qui contient un manuel ….pour monter un fusil… et très rapidement le fils du banquier (alors en Floride) est  "attaché"  à l’arme par un fil de fer enroulé autour de son cou… Sortie (triomphale ?) impuissance du service d’ordre ! Début des "négociations" Or progressivement s’opère un glissement, à cause de la "métaphore" de la  "corde" -sens propre et sens figuré ; Qui a les jugulaires prises en étau ?? Or le titre original Dead Man’s Wire. Le fil de l’homme mort dit explicitement ce qui lie ravisseur et otage (quel que soit le cas de figure envisagé le dispositif meurtrier engage la vie de chacun simultanément)

Quoi qu’il en soit, en "adaptant" ce fait divers de 1977 Gus Van Sant ne fait-il pas "entendre" les tintements (affreux et dissonants) de l’Amérique actuelle ???

A voir (et pour les fans de Gus Van Sant à comparer avec ses autres films !)

Colette Lallement-Duchoze

De Francesco Sossai (Italie 2025)

Avec Filippo Scotti, (Giulio) Sergio Romano (Carlobianchi), Pierpaolo Capovilla (Doriano)

musique Krano

Festival de Cannes 2025 Un Certain Regard

Mention spéciale accordée par le jury de la critique au festival du cinéma italien de Villerupt (2025)

Carlobianchi et Doriano, deux cinquantenaires fauchés, errent la nuit en voiture de bar en bar, obsédés par l’idée d’un dernier verre, lorsqu’ils croisent la route de Giulio, un étudiant en architecture aussi timide que naïf. Entre confidences et gueule de bois, cette rencontre inattendue avec ces deux mentors improbables va bouleverser la vision que Giulio porte sur le monde, l’amour… et son avenir.

Buddy movie aussi cabossé que les deux pieds nickelés, ce duo de cinquantenaires dont les ravages du temps sont accentués par le choix de plans rapprochés et de très gros plans (yeux bouches) ? Peut-être.

Si des références aux devanciers de la comédie italienne (le fanfaron de Risi par exemple) sont plus ou moins évidentes les allusions aux films d’Ozu méritent un détour dans cet itinéraire imbibé où l’asphalte de la route que l’on suit par deux fois à un rythme débridé dans ses virages où insidieuse guette une embardée… semble dessiner une cartographie mentale !

Et d’abord la visite de la tombe Brion conçue par l’architecte Scarpa, enterré là lui aussi : les explications de l’étudiant sont étincelantes de beauté sans érudition forcée et le jeune cinéaste italien a recours au « plan tatami » Mais aussi le jeu verticale /horizontale (assis dans un bar les trois compères mettent à plat les composantes d’une « carte » qui s’en viendrait relayer une carte officielle pour aller d’un point à un autre puis ces « papiers » comme les pièces d’un puzzle auront la force vivante du « reliquaire » tout comme -mutatis mutandis – leur pote creuse une terre qui se dérobe à la recherche d’un trésor. Enfin (mais d’une façon plus générale) le choix d’un étudiant en architecture (Giulio -Filippo Scotti), et la découverte d’un « palais » opèrent un glissement vers une forme d’épure (certes de courte durée) et qui s’inscrit aussi dans un jeu de contrastes et de strates (une dynamique du film d’ailleurs dont le dernier verre n’est que prétexte)

Le titre original - Le città di pianura-(les villes de la plaine) rend mieux compte des intentions du cinéaste. Traversant une Vénétie loin des rutilances des cartes postales nous serons ce passager « clandestin » découvrant des paysages comme en friche (et c’est un des messages : les crises économiques successives ont transformé l’environnement et la Vénétie en terre de désolation « Tout ce qui n’est pas lié au commerce disparaît, les écosystèmes sont pollués, les vieilles maisons sont abandonnées » constate Francesco Sossai.

Dès lors ces quinquas si imbibés à la recherche réitérée du dernier verre remontant sans nostalgie mais avec un peu de mélancolie le « temps » voient encore les vestiges …à réenchanter ? c’est du moins la leçon qu’emporte avec lui l’étudiant quand son sourire complice les laisse sur le quai au petit matin…

La séquence inaugurale (un improbable hélicoptère, la remise d’une Rolex pour fêter le départ en retraite d’un certain Sossai, les visages faussement étonnés de la foule, la gêne apparente ou perplexe de Genio) n’était-elle pas sortie de l’imagination de ces compères en train de cuver affalés dans la voiture arrêtée au milieu de la chaussée ; -plan d’ouverture-…Ou l’illustration d’une légende ou la clé d’une énigme … ?

Nimbés ou non de brume éthylique, ils sont à même d’accueillir la Sérénissime …..

Un film à ne pas bouder

Colette Lallement-Duchoze