Documentaire réalisé par José Luis Guerin (Espagne France 2024)

Prix spécial du jury au festival de San Sebastián 

En marge de Barcelone, Vallbona est une enclave entourée par une rivière, des voies ferrées et une autoroute. Antonio, fils d'ouvriers catalans, y cultive des fleurs depuis près de 90 ans. Il est rejoint par Makome, Norma, Tatiana, venus de tous horizons… Au rythme de la musique, des baignades interdites et des amours naissants, une forme poétique de résistance émerge face aux conflits urbains, sociaux et identitaires du monde.

Chacun crée son propre monde, et celui qui le construit avec égoïsme est perdu  (parole d’un habitant)

Comme le titre le dit explicitement, le documentaire de José Luis Guerin nous invite à être l’écoute, entendre une, des paroles, celle(s) des « habitants » de Vallbona leurs souvenirs (plus ou moins douloureux) leurs interrogations, leurs commentaires, leurs désarrois, la perte de leurs proches, sinon avec gouaille du moins avec un naturel qui emporte souvent l’adhésion de celui qui « écoute ».

Témoignages et instantanés de la vie, pour une approche humaine souvent poétique plus qu’expérimentale quand bien même cette « communauté » multiculturelle (telle une tour de Babel) est présentée comme le microcosme de l’Europe contemporaine, quand bien même la dialectique société/nature irrigue la narration

La construction (cf la rivière comme épicentre, les échos entre la séquence d’ouverture et la scène finale, l’enchevêtrement gestes paroles (parfois récits) et images en un réseau très «organique »  ) les cadrages, et les effets de la lumière, les alternances (entre nature comme inviolée et constructions urbaines bétonnées, entre groupes et duos ou soli, ou intergénérationnels, entre détente et travaux horticoles, etc) tout concourt à exhausser ce documentaire sur Vallbona -village hors du temps tout en étant ancré en lui-  en une œuvre éminemment cinématographique . Tel gros plan sur un visage, sur un arbre que l’on déracine, sur un plongeon qui magnifie l’eau en force vive, tel plan rapproché sur un couple qui danse, tel zoom sur un pleur qui sillonne les rides …Un temps comme suspendu à l’instar de cette enclave…

La dimension politique serait plus manifeste dans la préservation d’une « beauté= » séculaire (Vallbona terre d’accueil, et mémoire vivante des migrations) que dans une attaque frontale

A ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze

(attention il reste deux séances dimanche 10h30 et mardi 15h30 salle 8)

De Louise Hémon (2024)

avec Galatéa Bellugi (Aimée)  Matthieu Lucci : (Enoch) Samuel Kircher :( Pépin) Oscar Pons : (Daniel) Sharif Andoura : (père de Pépin)

musique Emile Sornin

Quinzaine des Cinéastes Cannes 2025

Prix Jean-Vigo 2025 Prix André-Bazin 2025

1899. Par une nuit de tempête, Aimée, jeune institutrice républicaine, arrive dans un hameau enneigé aux confins des Hautes-Alpes. Malgré la méfiance des habitants, elle se montre bien décidée à éclairer de ses lumières leurs croyances obscures. Alors qu’elle se fond dans la vie de la communauté, un vertige sensuel grandit en elle. Jusqu’au jour où une avalanche engloutit un premier montagnard…

le temps passe différemment pour chacun

Avec le prologue s’impose d’emblée la singularité de la bande-son. Un écran quasiment noir -hormis les points lumineux vacillants des lanternes -, mais un accompagnement sonore troublant et vertigineux, une musique faite de frottements de « fausses » dissonances. Ces mugissements du vent. président  à l’arrivée d’une jeune institutrice censée transmettre à la fois la langue (ici on s’exprime en occitan alpin) le savoir (contre les croyances ?) dans un paysage sinon englouti du moins hostile …La musique sera souvent obsédante et le son en continu à l’instar du vent…(Emile Sornin s’inspirant des chants scandés de Morricone, a composé quelque chose de polysémique, la voix d’Aimée, du chœur des enfants, de l’âme sauvage de la montagne et le sabbat de sorcière)

Tout au long de ce long métrage la réalisatrice va jouer sur l’opposition entre deux atmosphères deux tonalités :  le blanc de la neige (et la déclivité du paysage est si impressionnante que la verticalité a englouti l’horizontalité) les clairs obscurs des intérieurs aux tons froids et terreux souvent (avec de lents travellings sur les visages les objets) et la force suggestive de leurs mystères. Blancheur quasi immaculée, blancheur mortifère aussi ; flamboiement des braises, flammes des bougies, chaleur et désir ? . Blanc et noir aussi :vêtements d’Aimée telle une ombre maléfique dans le blanc hivernal ? robe noire de l’Amazone dans le vert printanier alors que de la vallée monte la théorie des épouses au regard interrogateur C’est que la ferveur républicaine qu’incarnait Galatéa Bellugi (avec la même fougue d’ailleurs que pour l’Apparition) s’en est définitivement allée, en même temps que le personnage…! Pourquoi ? Et c’est un des enjeux majeurs du film que ce basculement subreptice vers le fantastique

C’est bien du réel que naît l’étrange. Un réel qui par son immensité sidérante, ses strates insoupçonnées provoque le malaise chez cette « étrangère » Aimée -et son « double » le buste de Marianne- incarne le savoir républicain ; la certitude que le monde est intelligible- sa lisibilité est là évidente avec cette loupe sur le planisphère Vidal-Lablache , sur les « frontières », sur cette Algérie plusieurs fois mentionnée. Les habitants du village eux sont pénétrés de croyances (cosmogonie animisme certaines authentifiées par des écrits cf générique de fin).

A partir de la danse folklorique, des fissures lézardent le monde (apparemment) si lisse d’Aimée. Une scène de bascule, on passe d’un siècle à l’autre, de la nuit au jour, un vertige temporel en harmonie avec celui de la montagne, un vertige très physique aussi et le film va « basculer » vers le « sombre » Déjà dans une même et confondante unité , dehors et dedans pouvaient s’entremêler. Aimée s’adonne aux plaisirs solitaires (que la cinéaste illustre avec pudeur ; même pudeur quand guidée par des couinements Aimée est censée découvrir à l’intérieur d’une anfractuosité deux corps masculins Enoch et Pépin ?

Aimée serait-elle un succube ? Le jeune amant d’une nuit disparaît à jamais et d’autres hommes succomberont-ils à son charme au point de disparaître ?  Conspuée jusqu’à l’enfermement … Avant de  réapparaître -... au muletier

On peut déplorer une  fâcheuse (et complaisante ?) tendance à aligner des impressions, (ce que renforcent les ellipses le format 4,3 et une certaine redondance), d’autant que la cinéaste multiplie les thématiques (désir, sorcellerie, appréhension du temps,  mission civilisatrice de la République, féminisme, ) et fait côtoyer les genres (ethnographie du réel, naturalisme,  et fantastique)

L'engloutie n'en reste pas moins un film que je vous recommande.

Colette Lallement-Duchoze

De Jérôme Bonnell (France 2024)

avec Swann Arlaud, Galatéa Bellugi, Louise Chevillotte, Emmanuelle Devos

Libre adaptation du roman de Léonor de Recondo Amours paru en 2015

C’est l’histoire de Céleste, jeune bonne employée chez Victoire et André, en 1908. C’est l’histoire de Victoire, de l’épouse modèle qu’elle ne sait pas être. Deux femmes que tout sépare mais qui vivent sous le même toit, défiant les conventions et les non-dits

Déclinant presque ad libitum le terme "condition" le réalisateur met les femmes à l’honneur à partir de leur "condition" d’épouse, de servante, de mère- soit trois "conditions" d'asservissement-,  et démontre comment une "condition" - le pacte imposé par Victoire  à son mari qui l’a cocufiée-- va enclencher un processus d’affranchissement de certaines "conditions"  (contraintes extérieures ou luttes intérieures) en l’ancrant dans notre contemporanéité MAIS simultanément il veut prouver que le violeur c’est parfois un type sympathique, sensible, drôle, poli, Un violeur pleure, un violeur s’excuse, un violeur fait culpabiliser ses victimes » (propos du cinéaste) Tel serait le parti pris de Jérôme Bonnell dans cette très  libre adaptation  du roman de Léonor de Recondo Amours paru en 2015

Le cinéaste a soigné les ambiances (cf les jeux si multiples de clairs obscurs - photo de Pascal Lagriffoul- dans le huis clos de la propriété où les montées et descentes d’escalier vont faire voler en éclats des clivages (répartitions spatiales bien cloisonnées) tout en rythmant le cheminement intérieur de Victoire -l’épouse- et celui de Céleste -la servante, victimes toutes les deux des abus du maître de céans.  Il privilégie souvent les plans rapprochés , serrés ou les gros plans sur le visage (en frontal ou de profil) la nuque les mains des principaux protagonistes préférant le discret non-dit et le hors champ à l’explicite, préférant la circulation des regards à la parole (seul le mari aviné laissera exploser sa rage de mâle prédateur non satisfait, ses éructations et ses propos comminatoires se heurtent à l’impassibilité des deux femmes ou au mutisme d’une mère " encombrante " Parque des temps modernes ? (’Emmanuelle Devos évite de justesse le piège du cabotinage…)

Les mini séquences se succèdent sans un support didactique -ou explicatif- trop prononcé- comme autant de « tableaux » (dont certains évoquent la peinture sans verser pour autant dans une reconstitution historique trop léchée ) et les rares séquences hors les murs (en calèche, sur le quai d’une gare, dans la plaine ou le sous -bois )  évoquent elles aussi une approche picturale. L’interprétation frappe par sa justesse (Swann Arlaud en salaud bienveillant et mention spéciale à Galatéa Bellugi dont la simple présence impose  la force suggestive des non-dits)

Et pourtant quelque chose empêche cette Condition (quel que soit le sens) de décoller  et ainsi d’entraîner l’adhésion…Faisons fi des faux rebondissements, de l’artificialité de certains gestes (la mère impotente et ses coups de canne, Victoire et sa flûte traversière, Céleste et le corset) de certaines paroles récitées et comme plaquées (lors de réceptions) du déterminisme (André le fruit d’amours extra conjugales, reproduirait le schéma imposé par le père éducateur mais de son père géniteur aurait hérité de ...)

Académisme feutré dans le traitement ? Manque de souffle ? "Mornitude" ? 

Dommage !

Colette Lallement-Duchoze

De Hlynur Pälmason (Islande 2024)

avec Saga Garðarsdóttir, (Anna) Sverrir Gudnason, (Magnus)  Ída Mekkín Hlynsdóttir, (Ida) Þorgils Hlynsson (Þotgils) Grímur Hlynsson (Grimur) Ingvar Eggert Sigurôsson (Palmi)

Musique : Harry Hunt

Festival de Cannes 2025 : sélection officielle, Cannes Première

Palme Dog

Anna en pleine séparation, est en quête de sens. Son cheminement se juxtapose à celui de Magnus, son ex-conjoint, le père de ses trois enfants. Ce derner a du mal à comprendre ses  propres sentiments

Un toit qui s’ébranle avant d’être arraché -un temps suspendu entre ciel et terre - d’emblée s’impose la métaphore de la « dislocation » Car il s’agit bien de l’usure du couple dans ce quatrième long métrage de l’Islandais, Hlynur Pälmason plasticien de formation…Tout comme sur le plan formel le cinéaste a opté pour une forme de fragmentation : suite d’images  dont certaines oniriques fantastiques prolongent "comme allant de soi’" celles (plus carte postale) des paysages islandais, en changeant d’ailleurs de format d’image.

Chapitré en saisons l’amour qu’il nous reste s’étale sur un an -Voyez l’épouvantail se parer des couleurs ancrées dans la saisonnalité tout comme le passage du vert à l’ocre mordoré, du roux au blanc neigeux scande la narration. Voici Anna la mère l’épouse mais surtout l’artiste -d’immenses toiles (celles du cinéaste d’ailleurs) qu’elle « souille » de rouille par des plaques métalliques ; la scène qui l’oppose au galeriste suédois vaut son pesant de "mansplaining". Voici Magnus (dit Maggi) le père souvent absent -il travaille sur un chalutier (la décomposition en gros plans de tous les mécanismes  du bateau a la beauté de l’art brut). Un couple « séparé » à défaut d’être divorcé. Les trois enfants (des jumeaux et une fille) partagent repas (en présence du grand-père éleveur de brebis interprété par Ingvar Eggert Sigurôsson  le personnage principal d’Un Jour si blanc) ils s’exercent aux jeux de tirs à l’arc (attention à la flèche mortifère ( ?)  regardent alanguis sur un canapé un programme TV glissent sur la mare gelée, etc.  Panda (palme Dog à Cannes)  fait partie intégrante de cette famille. Des  "petits riens" qui constituent une existence. Apparente banalité ? …

Très vite le quotidien (du moins l’image censée l’illustrer) se métamorphose par l’insert de digressions ou l’intrusion de l’étrange. Parfois grâce à l’humour du cinéaste regardeur (lors d’un pique-nique le mari allongé, le visage sous la robe d’Anna, voit sa petite culotte, et celle-ci se transfigure en astre illuminant tout l’écran ; le documentaire sur des baleines que regardent les enfants met en avant la taille du sexe des mâles plus de 3m !!!) Mais plus on avance dans la narration, plus le réalisateur introduit onirisme et fantastique parfois cauchemardesque.  Ainsi le mari sera « puni » pour avoir tué le coq (après la semonce de sa fille dans la voiture, Magnus dans son « rêve » est tué par le volatile /dinosaure) Le plus évident est le rôle joué par l’épouvantail au casque médiéval ; si la récurrence du plan a une fonction narrative, le « réveil » du pantin peut surprendre … Or un extrait de L’étrange créature du lac noir qu’à un moment sur le bateau est censé visionner Magnus sur l’écran de son ordinateur avant de s’écrouler de …fatigue n’apporte-t-il pas une explication ?? Ici un réel déréglé (sous les eaux dormantes, présence d’un monstre) et là un couple en rupture ; dans les deux cas une forme d’anomalie de dérégulation. La nature figée en des paysages somptueux peut être explosive, tout comme les vagues et leur déferlement…

Magnus chavire sur les flots – un « océan de solitude » -image galvaudée certes mais qui ici joue sur les sens propre et figuré- un cri primal une imploration « pardon »  

Un film déroutant à ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze

(Winter Brothers - Le blog de cinexpressions)

 (Un jour si blanc - Le blog de cinexpressions)

Godland - Le blog de cinexpressions

De Julia Kowalski (France 2024)

avec Maria Wróbel (Nawojka), Roxane Mesquida (Sandra), Wojciech Skibiński (Henryk), Kuba Dyniewicz (Bogdan), Przemysław Przestrzelski (Tomek), Raphaël Thiéry (Badel), Jean-Baptiste Durand (Franck), Eva Lallier Juan (Alice) Laurence Côte

Festival de Cannes 2025 Quinzaine des Cinéastes

Festival International du Film Fantastique de Neuchâtel 2025 : Compétition Internationale - Mention du jury

La jeune Nawojka, qui vit avec son père et ses frères dans la ferme familiale, cache un terrible secret : un pouvoir monstrueux, qu'elle pense hérité de sa défunte mère, s'éveille chaque fois qu'elle éprouve du désir. Lorsque Sandra, une femme libre et sulfureuse originaire du coin, revient au village, Nawojka est fascinée et ses pouvoirs se manifestent sans qu’elle ne puisse plus rien contrôler

L’écran est noir mais on entend une grande inspiration tel un halètement. D’emblée le spectateur est intrigué :Obscurité (celle qui préfigure toutes les zones d’ombre ?). Un chalumeau qui s’allume (jeux de clair-obscur propices aux rituels ?) Puis, alors que défile le générique voici en quelques plans toute la rudesse de la ruralité mise en exergue.

La dualité sera au cœur de ce film - dichotomie ou dialectique pour le fond, oscillation entre réalisme naturalisme crus et surréalisme fantastique glissant vers l’horreur pour la forme. Le feu -dont la récurrence s’apparenterait à un leitmotiv- est décliné dans sa polysémie mais surtout dans son ambivalence : dévastation et purification Les personnages ? Dans cette famille d' émigrés Polonais : voici le père aimant mais qui « freine » l’émancipation de sa fille ; deux fils rustres machos odieux mais animés par une fureur vengeresse quand on  "blesse" leur sœur Nawojka. Elle-même dispensant ses caresses félines, ses œillades ses prières ses implorations mais régulièrement sujette à une cruelle métamorphose - distorsions convulsives du visage et du corps dévasté par un trop plein de désir, L’actrice Maria Wröbel est surprenante dans ces séquences de  "possession"

Nous voici propulsé avec elle dans un univers fantastique qui mêle onirisme et horreur. Des masses visqueuses au confluent du liquide et du solide dégoulinent en anamorphoses, se parant de l'incandescence du feu, elles envahissent le réel qui s’évanouit en filigrane - et la musique de Daniel Kowalski le frère de la cinéaste, accentue ce phénomène : Nawojka possédée par ce qu'elle croit être le Mal -que lui aurait légué sa mère - peut commettre l’irréparable. La "venue" (plutôt la réapparition) de Sandra (étonnante Roxane Mesquida en blonde décolorée) va  "cristalliser"  les attentes et les désirs ; elle qui porte déjà les stigmates du "sacrifice"  sera le bouc émissaire. Ange salvateur -pour Nawojka-?  ange exterminateur?   c'est le credo des villageois. La forêt, la nuit, la boue, le feu, les animaux insidieusement malades (ah cette façon de les filmer en très gros plans comme pour expurger le Mal qui les dévore avant leur effondrement) tout participe de cette atmosphère étouffante jusqu’à l’épouvante (parfois)

La longue séquence du banquet de mariage restera dans les annales (discours du père interrompu par les paysans autochtones avinés, humiliations racistes, virées avec tentatives de viol sur la personne de Sandra, éprouvante chasse à la biche….. ) Mais aussi la dernière séquence où la jeune fille nue - couverte de boue- traverse le village ébahi ; renaissant de ses  "cendres" elle s’est débarrassée de tous les oripeaux, entraves à son émancipation.

Car le film est sans conteste le récit d’une émancipation. Ce qu’affirmait d’ailleurs la réalisatrice présente samedi 13 à l’Omnia, réalisatrice qui revendiquait en outre ses accointances avec Mandico (explosion des couleurs des sensations et des sons dans un univers fantasmagorique du cru  -celui de la dévoration par exemple)

La pellicule de 16 mm confère un relief très particulier à l’image, comme l’a expliqué le directeur de la photographie Simon Beaufils présent lui aussi lors du débat qui a suivi la projection. La matière est mieux capturée dans tous ses tons.

Un film à ne pas manquer !

Colette Lallement-Duchoze**

PS le film a été tourné dans une exploitation de vaches laitières en Vendée et la complicité des agriculteurs aura transformé la ferme en « studio à ciel ouvert »