De Mahdi Fleifel (2024 Grèce Palestine)

Avec Mahmood Bakri (Chatila), Aram Sabbagh (Reda), Mohammad Alsurafa (Malik), Angeliki Papoulia (Tatiana), Mouataz Alshalton (Abu Love), Mohammad Ghassan (Yasser), Monzer Reyahnah (Marwan). Manal Awad (La tante de Malik)

Festival Cannes 2024 La Quinzaine des Cinéastes

Festival Angers Premiers Plans 2025 Grand Prix 

Chatila et Reda sont deux cousins palestiniens réfugiés à Athènes. Ensemble, ils multiplient les combines pour rassembler une importante somme qui leur permettra d'acquérir de faux passeports, sésame vers l'Allemagne où ils rêvent de pouvoir enfin construire leur vie. Mais cette quête les pousse à franchir leurs limites, laissant derrière eux une part d'eux-mêmes dans l'espoir d'un avenir meilleur.

Le film s’ouvre sur une citation dont la résonance dans le contexte actuel fait frémir   Le destin des Palestiniens est en quelque sorte de ne pas finir sur leurs terres d’origine, mais plutôt dans un endroit inattendu et lointain » (Edward Saïd 1935- 2003).

Le film s’inscrira ainsi dans le tragique du sort palestinien, depuis la Nakba 

Voici un « tandem » (clin d’œil à Macadam cowboy ?)  d’origine palestinienne -le finaud Chatila la tête pensante  au prénom si révélateur et son cousin Reda --premier skateboarder de Palestine-  et ici un accro de la drogue.  Un duo qui croupit dans un squat miteux à Athènes…attendant le moment propice pour émigrer en Allemagne. (ce que promet régulièrement Chatila à son épouse restée dans le camp de réfugiés au Liban) Mais il faut de l’argent ! Comment s’en procurer ?

 La structure  du film semble obéir aux plans successifs imaginés par Chatila pour l’obtention de faux passeports, avec un crescendo vers l’innommable (d’un point de vue strictement  "moral"  ) et procéder par sauts ( qui  rappellent sans leur ressembler ceux  de Reda si alerte sur son skate, dont il ne se sépare jamais ) avec un jeu d'embardées, de caches, de cache-cache, de courses,  dans les ruelles aux murs tagués 

Dans un premier temps nous assistons à leurs larcins (vol à l’arraché) à leurs combines (passes dans le jardin public)  mais Reda a dilapidé la cagnotte. -astucieusement planquée  Puis ce sera le (trop) long épisode qui implique le jeune gazaoui Malik et Tatiana (séduite par Chatila …)  ou comment soutirer de l’argent à la tante en Italie ; et après un échec retentissant le dernier mouvement -ou la "traite" d’êtres humains (des réfugiés syriens) …

Chaque mouvement a une coloration et une dynamique particulières : réalisme social en I qui rappelle le documentaire, thriller sordide en III ; et dans chacun un bilan sans concession un aveu  nous sommes des monstres, nous sommes devenus des animaux 

La lumière et le bleu du ciel s’en sont allé.es. Nouvelle plongée dans les abysses du cauchemar…Et si le désespoir était le seul horizon ? Ce que confirmeraient les propos du poète Mahmoud Darwich (1941-2008)? cité par Abou Love le pourvoyeur de drogue -Tu n’as pas de frère mon frère, pas d’ami mon ami, pas de citadelles, (…) pas de front, pas d’arrière, (…) fais de chaque barricade un pays

Ne nous leurrons pas. Les deux cousins savent que leurs actes sont immoraux (cf les réticences réitérées de Reda et les confessions de Chatila)  et le réalisateur ne cautionne pas leurs actes. 
 En revanche son film ne propose-t-il pas une lecture plus politique (comme le suggérait d'emblée la citation en exergue) où l'inconnu de la destination que mentionne le titre désigne précisément l'immoralité d'une situation historique à la brutalité indépassable ?

A ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze

De Maura Delpero (Italie 2024)

avec  Giuseppe di Domenico (Pietro), Tommaso Ragno (Cesare Graziadei le père) , Martina Scrinzi  (Lucia) Sara Serraiocco (Anna Pennisi) Roberta Rovelli (la mère) Rachele Potrich (Ada) Anna Thaler(Flavia) Patrick Gardner : (Dino) 

Grand Prix du Jury de la Mostra de  Venise 2024

Dans les derniers mois de la Seconde Guerre mondiale, Pietro, un déserteur sicilien, trouve refuge auprès d’une grande famille de Vermiglio, une bourgade du Trentin nichée au cœur des Alpes. Cesare, le patriarche et instituteur du village, accepte d’abord d’héberger l’étranger qui a sauvé la vie de son neveu. Or, l’arrivée de Pietro bouleverse la dynamique familiale lorsqu’il s’éprend de Lucia, la fille aînée.

Vermiglio ou la chronique d’une famille (les Graziadei)  d’un village (Vermiglio) enclavé dans la rudesse des montagnes du Trentin, d'une  microsociété au lendemain de la seconde guerre mondiale.

Hiver 1944 retour du neveu accompagné de son sauveur Pietro -un déserteur sicilien -… accepté par le "patriarche" mais sa présence  va tout bouleverser ! 

Ce qui frappe d'emblée est la lenteur du rythme. Rythme scandé par les saisons (les 4 de Vivaldi ?). Saisons qui sont aussi des états d’âme (le printemps et la liesse du mariage par exemple ) . Etats d'âme des personnages que l’on verra souvent filmés en des postures théâtrales voire figées en plans fixes. Rythme scandé aussi par les naissances et les départs, par les allées et venues du facteur. Les plans traités comme des tableaux se succèdent en tableautins (Cesare et l'école, le café du village, l'église, les intérieurs de la maison familiale) , tableaux  à la composition très soignée, (cadrage répartition dans l'espace effets de la lumière premiers et arrière plans) mais qui rappelle trop souvent (hélas !) le chromatisme des cartes postales. 

Les trois plans qui se succèdent en ouverture- chambre où repose dans un même lit la sororité- Lucia l’aînée trayant la vache -petit déjeuner partagé, illustrent de façon explicite une façon de filmer et de « raccorder » : la  constance dans l’implicite; fluidité dans la succession malgré une ellipse temporelle ;et le raccord sera assuré soit par un personnage, soit par  la musique (le père aime Chopin et Vivaldi…quitte à investir son argent dans les nouveautés plutôt que "nourrir" sa smala comme le lui reprochera sa femme) soit encore par un commentaire (à noter que les  "infos" venues de l’extérieur sont souvent lues, paraphrasées ou expliquées par les enfants ; quête de savoir ( ?) ou forme de métalangage qui s’incorporerait à celui de l’image (image à lire à deux niveaux ?) 

Ce film peut ainsi se lire comme un album de famille que l’on feuillette (certaines photos le seront en catimini à l’instar de celles cachées dans un tiroir du bureau du père, à l’instar des non-dits, des « désirs » inavoués,  comme autant d'appels de la chair 

Certes on devine la tendresse de Maura Delpero pour ses personnages (sa caméra caresse le ventre arrondi, surprend des regards furtifs, accompagne la révolte de Dino toujours blâmé par le père (excellent Tommaso Ragno, en Cesare omnipotent) ou le retour à l’animalité fangeuse de Lucia (Martina Scrinzi) la mariée… outrageusement trompée ! Certes la cinéaste accorde un rôle  majeur  aux femmes (la mère et les trois sœurs), certes par-delà l’histoire d’une famille c’est bien l’Italie mussolinienne rurale qui est suggérée

Toutefois ce drame familial et historique à la fois, se présente plus comme un «enchaînement » (parfois entremêlement) de cartes postales où la froideur de l’environnement (linceul de neige en hiver , verticalité dévorante des arbres dans leur compacité émeraude au printemps, etc..)  et la « distanciation » des interprètes le disputent en âpreté à la succession de souffrances et/ou de désillusions ; mais surtout et c’est là où le bât blesse , ce film tant vanté –il concourait d’ailleurs pour les Oscars -,  n’a-t-il pas tendance à s’enliser dans une forme de facilité voire de complaisance ? 

A vous de juger !!

Colette Lallement-Duchoze
 

 De Kazuya Shiraishi (Japon 2024)

avec Jun Kunimura, Takumi Saitoh, Tsuyoshi Kusanagi, Kaya Kiyohara, Masachika Ichimura,  Kioko Koisumi

Ancien samouraï, Yanagida mène une vie modeste avec sa fille à Edo et dédie ses journées au jeu de go avec une dignité qui force le respect. Quand son honneur est bafoué par des accusations calomnieuses, il décide d’utiliser ses talents de stratège pour mener combat et obtenir réparation...

Le Joueur de go, ou la guerre psychologique sur damier noir et blanc ?

Le joueur de go c’est Yanagida, (Tsuyoshi Kusanagi) samouraï déchu -suite à une fausse accusation de vol- joueur au visage impénétrable, joueur aussi redoutable avec ses "coups tranchants et inattendus"  qu’il le fut sans doute avec son sabre, forçant admiration et envie de la part des regardeurs ou des adversaires…Mais comme il aura gardé intact au profond le  code de l’honneur , gare à celui qui l’enfreint !!!, les " coups tranchants" Yanagida les portera sur  l’infâme. Et c’est précisément la dynamique de ce film qui débute par la quiétude (apparente placidité) se prolonge par la colère la soif inextinguible de vengeance et s’accomplit en acmé dans une forme d’ataraxie 

Rivalités et malentendus, trahisons et faux semblants (-et l’apparente linéarité du récit se double de flashback sans autre raccord que la "parole du récitant" qui révèle à Yanagida par exemple tout un pan de son passé, le "suicide" de sa femme, les accusations non fondées) quand se mettent en place la  "quête de vengeance"   (honneur bafoué)-  et le respect coûte que coûte de la parole donnée (argent retrouvé, décapitation acceptée), c’est bien la marque du virilisme du machisme qui perdure chez certains samouraïs (Yanagida va jusqu’à  "donner en gage"  sa propre fille  auprès de la tenancière d’une maison close, Okou (Kioko Koisumi)

Or la bande-son qui accompagnait le geste du joueur de go - transformait déjà la position de la pierre en « assaut quasi militaire »

On appréciera la beauté plastique de ce film, souvent proche de l’épure - et simultanément cette impression d’un ralenti poétique envoûtant !! même les parties de go pour un non initié ont le charme languide de l’attente

Costumes, coiffes, chaussures d'époque (début de l'ère Meïji?), les gros plans et leur fonction dramatique, les zooms qui isolent ou au contraire enserrent: la reconstitution ne peut que séduire  Le cinéaste  accorde  une attention particulière aux ambiances (dans une salle dédiée au jeu de go,  en tête à tête chez Yorozuya (Jun Kunimura ) et son luxueux plateau , dans l’intimité du modeste chez soi que Yanagida -devenu graveur de sceaux-, partage avec sa fille Okinu (Kaya Kiyohara),  les intérieurs sont traités tels des décors de théâtre aux lumières feutrées, parfois même telles des estampes « vivantes » comme si le cinéaste était aussi calligraphe.

Et ce, même quand un très gros plan met en évidence le doigt qui avance le pion (pierre) le pose sur le goban, le plateau quadrillé …

Et ce, même quand le luxueux plateau volera en éclats, éclats qu’un léger ralenti transforme en message « calligraphié »… Celui où les antagonismes apparents et bien réels (ceux des pierres, inhérents au jeu, ceux des humains adversaires ou ennemis) sont comme dépassés par une forme de transcendance (d’ordre métaphysiqu) -ce qui n’exclut nullement les dénonciations criantes d’ordre politique et social (dont le machisme forcené d’un autre âge( ?)

Un film à voir ! 

Colette Lallement-Duchoze
 

Documentaire réalisé par  Thierry Frémaux (2024)

Thierry Frémaux, après avoir réalisé un premier documentaire sur les frères Lumière intitulé 'Lumière, l'aventure commence', propose ici un second, rempli de courts-métrages inédits (environ 120 de  50 secondes chacun) et entièrement rénovés.

Le cinéma domina le XXe siècle : que deviendront les films, les salles et les spectateurs de son deuxième centenaire ? En célébrer la mémoire, c’est prendre soin de lui. Veiller à son avenir, c’est prendre soin de nous-mêmes. » Thierry Frémaux 
 

« Avec des films de Lumière voici UN film de Lumière »

D’emblée le spectateur est informé à la fois sur le sujet -compilation de 120 mini-films, les fameuses "vues photographiques animées" sur les 1 500 environ réalisées par Louis, Auguste Lumière et leurs équipes- ainsi que  sur l’accompagnement sonore (Fauré, un contemporain des « frères Lumière ») 
 

Un film chapitré en 10 thématiques, commenté -voix off- par Thierry Frémaux lui-même. Las ! la raucité de sa voix le ton monocorde souvent hormis quand il se permet quelque facétie et surtout une tendance fâcheuse à « pontifier » - ou à proférer des  "tautologies" (ça c’est le cinéma) seront perçu.es par certains spectateurs -dont je suis -comme de « lourds handicaps » auxquels il convient d’ajouter le « rendu sonore » souvent crispant de la bande-son  (problème d’acoustique ?)

Nous connaissons tous bien sûr La Sortie de l'usine Lumière à Lyon. (et pourtant il en existerait plusieurs versions que le montage en split screen permet de comparer et cette comparaison telle une mise en perspective est un document précieux sur la France qui travaille en 1895). De même s’il « reprend » certaines « vues photographiques animées » (en affirmant avec cette insistance bien inutile « nous voici de nouveau en présence de ».) c’est pour mieux les contextualiser ou insister sur un aspect (avec humour parfois) 
 

La diversité des thématiques (famille Lumière, monde du travail, militaires, paysans, ouvriers, enfants, paysages)  et des lieux (rappelons que les techniciens Lumière ont arpenté plusieurs continents -de New York à Alger en passant par le Japon)-, preuve d’une appétence à TOUT filmer,  est commentée avec une admiration sans borne, la  "composition"  d’un plan quant à elle, l'est avec l’enthousiasme propre au cinéphile qu’est Thierry Frémaux (délégué général du Festival de Cannes et directeur de l’Institut Lumière de Lyon) 
 

L’hommage qu’il rend aux inventeurs du cinématographe, se double d’une certitude (incluse d’ailleurs dans le titre du film documentaire « l’aventure continue » outre sa référence - ou continuum- au précédent documentaire Lumière : l’aventure commence) à savoir que les bases du cinéma moderne sont déjà -ô confondante évidence !-, dans l'œuvre des industries Lumière : "Lumière et ses opérateurs se posent des questions de mise en scène, celles de milliers de réalisateurs qui viendront après eux : le rôle de la caméra, la force d'un sujet, l'idée d'un mouvement" .Thierry Fremaux affirme ainsi – et sa conviction est empreinte de sensibilité et non de didactisme - qu’il y a déjà Ozu dans cette façon de filmer une famille japonaise, Godard (qu’il cite souvent d’ailleurs) Chantal Akerman Agnès Varda ou du western américain dans telle ou telle "vue  photographique animée"

Lumière non seulement célèbre inventeur mais premier cinéaste MODERNE

Lumière ou l’invention d’un « langage » cinématographique
 

A voir c’est une évidence -malgré les bémols énoncés ci-dessus…

Comme le signalent plusieurs synopsis "ce film offre le spectacle intact du monde au début du siècle dernier et un voyage stimulant aux origines du cinéma"

Colette Lallement-Duchoze

 

 Film documentaire réalisé par Sandra Gugliotta (2023 Argentine France)

Présenté en avant-première dans le cadre du festival A l'Est  à l'Omnia  le 16 mars 2025

A l'été 2019, le procès contre France Télécom et trois de ses dirigeants pour harcèlement moral s'ouvre à Paris. Le film suit le déroulement, jour après jour, du point de vue des victimes offrant un portrait émotionnel de la nature dévastatrice du capitalisme et une réflexion sur les limites et les possibilités du système juridique comme outil de lutte

Une politique managériale lancée en 2006, visant à faire partir 20 % des effectifs en trois ans « Par la fenêtre ou par la porte » Tel s’incarnait ce capitalisme éhonté qui accula au suicide des salarié·es (par immolation défenestration entre autres). Certains ont survécu à leur tentative (la mort n’a pas voulu de moi dit et répète Béatrice Pannier ; c’est grâce à ma femme si  je suis ici témoigne Yves Minguy tous deux invités pour l’avant-première du film dans le cadre du festival à l’Est, en présence de la réalisatrice Sandra Gugliotta ) Rappelons que le plan NExT avait pour objectif  de dégrader les conditions de travail, afin de pousser psychologiquement une partie des employés au départ volontaire, réduisant ainsi les indemnités à payer 

Voici une succession de plans fixes aux cadrages maîtrisés avec incrustation (lieux et identité) une succession telle une contextualisation géographique (Guyancourt Caen Mérignac entre autres) -l’habitat lieu de vie, perçu de l’extérieur dans sa diversité, et même si la caméra est « objective » son œil éclairant « dit » ». C’est le prologue. Le spectateur est ainsi familiarisé avec ce qui est un « quotidien » hors les murs de l’entreprise. Une entreprise mortifère . Puis il sera comme immergé dans une "intimité" : il franchit les « murs », la caméra l’invitant par exemple à s’asseoir aux côtés de ce couple sur un canapé.

Les témoignages sont vibrants d’émotion (paroles de ceux qui ont « survécu » , paroles des membres de la famille de ceux qui ont "disparu") Jamais filmées en frontal (comme  dans les documentaires « traditionnels ») les personnes interviewées  disent avec leurs mots simplement sincèrement leur désarroi, leur volonté d’en finir, leur combat,  le harcèlement institutionnel….

Et dans l’immense palais de verre (nouveau Palais de Justice  au cœur des Batignolles (17e). aussi labyrinthique que le palais dédaléen  où Thésée devait affronter le Minotaure  les voici comme perdus… rapetissés. C’est que Sandra Gugliotta  varie les angles de vue -plongée ou contre plongée- ainsi que les échelles – Vastitude de lumière; mais la « supposée transparence » abrite en fait une angoissante opacité - derrière des formules plus ou moins triomphalistes ou dédaigneuses (celles des avocats des prévenus François Esclatine Jean Veil ou encore Maisonneuve, à l’opposé de Maîtres Jean-Paul Teissonnière ou Sylvie Topaloff). Des nuées de micros brandis -cliquetis en furie -(pour telle ou telle station radio ou chaîne de TV),  alors que la caméra de la cinéaste plus bienveillante est plus discrète.

Et quand nous sommes transportés sur l’Ile de la Cité, là encore Sandra Gugliotta en quelques plans fixes (panneau signalétique « Sainte Chapelle », extérieur en enfilade de pierre, salle vide aux anciennes boiseries) semble dessiner en creux l’impossible passerelle entre des univers si opposés. 
Une autre passerelle invisible relierait-elle deux systèmes de justice si éloignés dans la durée ??? ou le vide quasi sidéral de cette salle dit-elle en filigrane l’inefficience de la  justice comme « outil de lutte» ??? Le couperet est tombé... . Sentence dérisoire! 

Oui ce long métrage (aux allures de documentaire) a les qualités de ces œuvres cinématographiques qui emportent l’adhésion du public par leur pouvoir évocateur ou suggestif (ici la fixité des plans contraste  avec l'épouvantable destruction de l'humain-  intégrité  physique et mentale meurtrie broyée)  

A ne pas rater !! 

Colette Lallement-Duchoze