De Mascha Schilinski (Allemagne 2024)

Avec Hanna Heckt (Alma) Lea Drinda (Erika) Luise Hever : (Christa) Lena Urzendowsky ( Angelika)  Laeni Geiseler : (Lenka) Claudia Geisler Bading (Irm) Luzia Oppermann (Trudi) Konstantin Lindhorst (Uwe)

BO Stranger d’Anna von Hausswolff

Musique : Michael Fiedler, Eike Hosenfeld

Prix du jury Festival de Cannes 2025

Prix du cinéma européen des meilleurs costumes

Quatre jeunes filles à quatre époques différentes. Alma, Erika, Angelika et Lenka passent leur adolescence dans la même ferme, au nord de l'Allemagne, dans l’Altmark.  Alors que la maison se transforme au fil du siècle, les échos du passé résonnent entre ses murs. Malgré les années qui les séparent, leurs vies semblent se répondre.

La séquence d’ouverture en nous faisant pénétrer dans la maison (et ses secrets, ?) va encoder le film : profondeur de champ, ombre et lumière, lenteur des déplacements, vérité et mensonges -Erika simule l’amputation,- caméra subjective (lent travelling sur le corps endormi de l’amputé), pudique jouissance incestueuse quand le doigt affleure le nombril, aboiement du père « Erika les cochons » puis dans la cour une baffe retentissante sur sa joue…

Et le film débute avec le point de vue d’Alma, gamine à la coiffure impeccable , et au regard scrutateur,... Or en "regardant" le monde des adultes, par le trou de la serrure elle semble  interroger comme à distance les générations à venir (mais aussi le public) sur leur propre identité , proche de l’étrangeté …D'autant que cela était précédé par un plan circulaire très suggestif 

Si des détails permettent de situer (à peu près)  les quatre temporalités (costumes, coiffures, éclairages, technologies, allusion au suicide collectif (Erika) fin de la seconde guerre mondiale, panneau frontalier (entre RDA et RFA) enrôlement (première guerre mondiale) timbres de voix -pour les commentaires en voix off etc..) le spectateur n’en est pas moins dérouté : à la structure fragmentée, à l’éclatement chronologique, se superposent en effet et dans un même fragment  un jeu de prolepses d’analepses, l’entremêlement réel et fantasme,  ainsi que des dédoublements -visages comme décomposés  voire dupliqués par l’usure du temps qui affecte le grain de la photo, Duplication de destins et non croisement...

Véritable labyrinthe mémoriel- bribes de récits parcellaires , où se mêlent noms époques et surtout traumatismes,  cette fresque sibylline peut susciter une réaction violente (quitter la salle au bout de 40 ou 50 minutes… ) ou au contraire "envoûter"  par sa beauté plastique que la réalisatrice magnifie à l’intérieur même du format choisi (4,3) Flous clairs obscurs comme autant de fantômes du « passé » (Alma et son double à la pâleur cadavérique sur la photo, Angelika imaginant sa propre mort broyée par la moissonneuse batteuse) le suicide en héritage (Lia sœur d’Alma, ou Enrika sœur d’Irm la mère d’Angelika) l’inceste discret ou effrontément affiché, C’est là dans ce lieu unique avec ses portes fermées au regard mais non à l’imaginaire, -ou avec celles qu’on entrouvre sur l’inconscient - que s’accomplit le fatum ; mais l’environnement lui aussi peut être mortifère (grouillement des profondeurs de la rivière où l’on croit -ou désire- disparaître à jamais…)

Envoûté le spectateur n’en formulera pas moins quelques réserves : la tendance au dolorisme, la noirceur trop appuyée (quand bien même c’est la condition féminine que la réalisatrice dénonce dans ce glissement des époques- stérilisation forcée, soumission aux diktats patriarcaux entre autres ); les commentaires voix off -qui vont progressivement suppléer aux non-dits aux silences aux ellipses, hélas font redondance avec "les images" qu’ils sont censés illustrer.; les raccords (sonores musicaux ou textuels) ne sont pas toujours convaincants ; les choix esthétiques ne virent-ils pas au bout de 95 minutes au  "procédé" ?

Cela étant, les échos du passé (titre allemand in die Sonne schauen regarde(r) le soleil), est un film qui interroge bouleverse psyché et intellect. Inclassable (et c’est tant mieux) il ne doit surtout pas être boudé….

Colette Lallement-Duchoze

De  Akihiro Hata (France Luxembourg 2025)

Avec Damien Bonnard (Vincent) Samir Guesmi (Saïd) Mouna Soualem (Nour) Issaka Sawadogo (Ousmane)  Sophie Mousel (Delphine) Mounir Fargoun (Farid)  Tudor Aaron Istodor (Mihai), Ahmed Abdel Laoui (Ahmed) , 

Festival Venise 2025

Vincent travaille au sein d’une équipe de nuit sur le chantier de Grand Ciel, un nouveau quartier futuriste. Lorsqu’un ouvrier disparaît, Vincent et ses collègues suspectent leur hiérarchie d’avoir dissimulé son accident. Mais bientôt un autre ouvrier disparait.

Emprise vorace du "libéralisme désinhibé", Indifférence collective inhumaine et glaciale !!! c’est ce que dénonce le réalisateur d’origine japonaise vivant en France, dans son premier long métrage  Grand Ciel 

Voici un groupe de travailleurs casqués qui œuvre de nuit (même en cas de panne d’électricité…) pour la construction d’un vaste et ambitieux quartier novateur baptisé Grand Ciel. Deux ouvriers y incarnent deux forces opposées contradictoires - le collectif et l’individualisme. Saïd (Samir Guesmi) représentant syndical soucieux avant tout de la sécurité, tente d’alerter la hiérarchie sur les disparitions injustifiées d’ouvriers, puis de créer un groupe de soutien, en vain…il sera évincé…Peut-on progresser dans la hiérarchie sans trahir les siens ? Dilemme auquel est confronté Vincent (Damien Bonnard) ouvrier intérimaire nouvellement embauché. Taraudé ( ?) dans un premier temps, mais désireux avant tout de se loger décemment avec sa compagne Nour et son fils, puis promu contremaître il prend sa décision: un geste brusque et des propos comminatoires : prémices à la tragédie, … La maladie du béton armé la RAG qui ronge d’abord les immeubles va s’attaquer aux corps (gros plan sur ces mains contaminées  qu’une eau lustrale tente de récurer) jusqu’à les engloutir…mais aussi aux âmes… N’est-ce pas la métaphore d’un « capitalisme désinhibé  ?

Les plans format scope, le travail sur la bande son (Carla Pallone) qui « maintient un climat anxiogène », le travail sur la lumière de David Chizallet (les néons, le bleuté, la poussière fantomatique, le corps linceul,  opposés aux lumières franches des séquences de jour), la dynamique interne -progression du « réalisme social » vers le fantastique, plutôt que vers l’enquête de type criminelle, faisant ainsi fi du « prévisible », l’espace du sous-sol -6 devenu espace mental, et la construction circulaire -la toute dernière séquence reprend en écho le prologue prouvant si besoin était que l’épisode tragique n’aura été qu’une parenthèse vite oubliée ….–tout cela concourt à transformer ainsi le chantier en monstre dévoreur et par extension le capitalisme qui le sous-tend

Raison suffisante pour ne pas opposer aux choix du réalisateur les arguments/prétextes du réalisme ou du polar

Raison majeure pour ne pas bouder ce film

A ne pas rater!

Colette Lallement-Duchoze

De  Chloé Zhao (USA 2025)

avec Jessie Buckley (Agnes Shakespeare) Paul Mescal (William Shakespeare) Emily Watson (la mère de William) Jacobi Jupe (Hamnet) Joe Alwyn (le frère d’Agnes)

Musique de Max Richter

Prix du public festival de Toronto

4 janvier 2026 Critics Choice Movie Awards   prix de la meilleure actrice pour Jessie Buckley

11 janvier 2026 le Golden Globes de la meilleure actrice dans un film dramatique pour Jessie Buckley

Vu en avant-première dimanche 18 janvier 

sortie en salle le 21 /01/ 2026

Angleterre, 1580. Un professeur de latin fauché, fait la connaissance d’Agnes, jeune femme à l’esprit libre. Fascinés l’un par l’autre, ils entament une liaison fougueuse avant de se marier et d’avoir trois enfants. Tandis que Will tente sa chance comme dramaturge à Londres, Agnes assume seule les tâches domestiques. Lorsqu’un drame se produit, le couple, autrefois profondément uni, vacille. Mais c’est de leur épreuve commune que naîtra l’inspiration d’un chef d’œuvre universel

Toute tentative de démêler le « vrai du faux » serait frappée d’inanité. Car en adaptant le texte de Maggie O’Farnell (co-scénariste d’ailleurs) qui fait de la douleur, du deuil, la naissance d’un chef d’œuvre, la réalisatrice imagine de manière fictive les coulisses de la création. Et de fait on assiste à une forme de déplacement /décentrement -par rapport aux attendus historiques ou autres sur le dramaturge -…Ainsi le rôle éminent joué par l’épouse Agnes, herboriste et magicienne,  (même si le passage de Wil à William Shakespeare est un des ressorts de la dynamique interne), la nature comme force tellurique voire chtonienne très puissante (cf son omniprésence au début), le pouvoir structurant du deuil - le vide éprouvé par la mort d’un enfant, au plus profond de soi dans sa chair dans son être tout entier, s’il est impossible à combler, pourra être mis en mots : seul l’art serait habilité à  dire  la perte ? Ajoutons que la mort d’Hamnet est présentée comme un rite sacrificiel (le jumeau veut sauver Judith) et que de bout en bout vie et mort loin de s’opposer en dichotomie sont corrélées (depuis la tache rouge dans le vert au tout début, l’habitacle de vie en forme de sépulcre, le bébé mort-né lors du second accouchement soudainement ressuscité, jusqu’aux larmes de William interprétant le fantôme du père dans la pièce nouvellement créée Hamlet, en passant, par l’équivalence des prénoms : Hamlet comme  variation élisabéthaine de Hamnet …Et c’est bien le récit du mythe d’Orphée et d’Eurydice qui émeut Agnès…alors que Wil précepteur de latin fauché le récitait comme  "jeu" de séduction…mythe qui s’inscrit dans la méditation sur la vie et l’art (ou l’inverse)

Le film se déploie en fragments structurés en actes (passage écran noir) avec ellipses (temporelles) qui ne nuisent pas à la « compréhension » Il privilégie le « sensoriel » (qui n’évitera pas les pièges du sensationnel). La réalisatrice alterne les ambiances ocrées des scènes d’intérieur et les couleurs plus franches des extérieurs, les gros plans sur les visages des deux protagonistes et des plans plus larges sur les membres de la famille, de même elle alterne -ou fait cohabiter- le sombre et le lumineux, le charnel et le poétique, le lyrique et le tragique, le prosaïque et le mystique, avec cette lenteur qui lui est propre. Et la métamorphose de la mère de William (surprenante Emily Watson) -la réprobation initiale se mue en bienveillance- s’inscrit elle aussi dans cet entremêlement thématique- lumière ténèbres- et qui culminera dans la dernière partie (espace scénique du Globe Theatre reconstitué)

 être ou ne pas être ! étrange résonance ! 

Mais hélas comme pour Nomadland il y aurait beaucoup de nuances  à formuler comme autant de bémols  : des étirements inutiles où se devine la complaisance - mort de l’enfant Hamnet -, cris en échos, visages déchirés dévastés par la douleur, paroles et spasticité, champs-contrechamps tout à la fin trop appuyés quand bien même il convenait d’alterner les points de vue et de "réconcilier " par l’art les époux endeuillés et comme …séparés; quand bien même   le dénouement aurait la force d’une catharsis à l’ancienne. De même  on pourra regretter cette propension à "lénifier" une légitime empathie ou carrément -après tout n’est-ce pas la même chose ? - manipuler l’émotion (et l’extrait musical signé Max Richter qui clôt le film corroborerait cette  impression) 

Colette Lallement-Duchoze

De Lee Sang-il (Japon 2025)

avec Ryo Yoshizawa, Ryusei Yokohama, Ken Watanabe

Adapté du roman Kokuho (2018), (trésor national) de Shuichi Yoshida

Présenté à la Quinzaine des Cinéastes, Festival de Cannes, 2025

 Représentera le  Japon aux Oscars 2026

Nagasaki, 1964 - A la mort de son père, chef d’un gang de yakuzas, Kikuo, 14 ans, est confié à un célèbre acteur de kabuki. Aux côtés de Shunsuke, le fils unique de ce dernier, il décide de se consacrer à ce théâtre traditionnel. Durant des décennies, les deux jeunes hommes évoluent côte à côte, de l’école du jeu aux plus belles salles de spectacle, entre scandales et gloire, fraternité et trahisons... L'un des deux deviendra le plus grand maître japonais de l'art du kabuki.

MAGNIFIQUE

Oui ce film "magnifie" un art traditionnel japonais où les gestes millimétrés et codifiés, les costumes somptueux les maquillages impressionnants, les déclamations des onnagata  (dans le kabuki les rôles de femmes sont interprétés uniquement par des hommes) la musique (les percussions surtout) créent un spectacle visuel grandiose voire hypnotique. Et le cinéaste alterne gros plans sur les visages et plans plus larges et serrés -changement de costumes sur scène, vues en frontal ou en plongée (espace scénique savamment quadrillé avec la répartition acteurs instrumentistes, percussionnistes,) et caméras au sol ou à hauteur du personnage. Une caméra dynamique pour un spectacle  "figé" dans ses codes

Tout cela concerne les séquences sur scène…Or, nous pénétrons aussi dans les coulisses : répétitions, exigences du maître dans la recherche du geste et de l’intonation, des mouvements quasi imperceptibles de la nuque, loges et maquillages avant le spectacle ; mais surtout -et c’est la dynamique interne -, le film évoque les tensions entre les deux danseurs (l’un Kikuo le plus doué mais fils de yakuza), l’autre Shunsuke, fils unique du maître, seul habilité à perpétuer la tradition –(ce que revendique l’épouse et mère..) Tensions qui iront s’exaspérant sur plusieurs décennies; car le film propose une vaste fresque de 1964 à 2014 depuis l’apprentissage, la formation du duo d’onnagata jusqu’aux séparations forcées et trahisons, (en passant par la décision du maître Hanjiro blessé de voir Kikuo le remplacer) avec frustrations et rebondissements spectaculaires.

Un des intérêts du film est d’entremêler étroitement vie et théâtre (un jeu d’interférences et de mises en abyme trop appuyé parfois…)

Le film s’ouvre sur une séquence de gangsters (affrontement de bandes rivales de yakuzas) puis il nous immerge très vite  dans l’univers des comédiens de kabuki. Etrange ? En fait nous passons d’un monde régi par des lois strictes avec effusion de sang (nous sommes à Nagasaki 1964) à un autre qui obéit lui aussi à des conventions drastiques -mais où le refus des liens du sang va enrayer (définitivement ?) le système….(du moins dans la fiction) 

Oui le kabuki est un  "héritage sacré"; malheur à l’usurpateur ; enfreignant une règle jusque-là inamovible, la promotion d’un danseur ultra doué mais hors conventions aura de douloureuses répercussions MAIS contre l’ordre établi Kikuo sera "sacré"  (2014) meilleur danseur de kabuki -trésor national - c’est le sens littéral du roman dont s’est inspiré le réalisateur

Oui la perpétuation de cet héritage implique des zones d’ombre qui contrastent violemment avec la magnificence du  "spectacle" et parmi elles la mégalomanie qui dicte à des "acteurs" leur choix de vie inhumains (dont le reniement, le  "pacte avec le diable") ; or par un effet- twist,  le face à face final entre la fille "illégitime" devenue photographe et le père vieillissant récemment promu semble résonner comme une "réconciliation"…

Et ce hors champ à la fois poignant et prégnant dans son invisibilité même : comment un individu peut jouer sa vie durant le rôle d’un personnage de l’autre sexe, sans ridicule ? (la mini séquence de tabassage homophobe n’étant qu’un épiphénomène …)

Un film où la lenteur calculée a la grâce et l’élégance d’un geste impalpable (idéal car idéalisé ?)

A ne pas rater !

Colette Lallement-Duchoze

De Lav Diaz (Portugal Espagne Philippines 2024)

Avec Gael Garcia Bernal  (Fernand Magellan) Roger Alan Koza : (Afonso de Albuquerque) Ângela Ramos : (Beatriz), Amado Arjay Babon  (Enrique)

Sélection officielle Cannes Première , Festival de  Cannes 2025

Représentant des Philippines aux Oscars 2026

Porté par le rêve de franchir les limites du monde, Magellan défie les rois et les océans. Au bout de son voyage, c'est sa propre démesure qu'il découvre et le prix de la conquête. Derrière le mythe, c'est la vérité de son voyage.

Ce qui frappe d’emblée dans le film du réalisateur philippin Lav Diaz, c’est l’extrême lenteur (malgré ici et là quelques accélérations); les plans fixes prolongés,  la maîtrise (cadrages composition) qui les transforme en tableaux, loin d’hypnotiser les spectateurs, auront eu raison des attentes de certains - ils quittent la salle après 40’ (durée du film 2h40)…Or le film -en dehors de ses qualités formelles indéniables-  adopte un point de vue très intéressant qui fait table rase de certains préjugés coloniaux érigés en force civilisatrice (ici l'évangélisation contre l’ennemi le Musulman mais en fait conquête de territoires, appropriation des richesses par la violence) et qui déconstruit certains « mythes » idéalisant les navigateurs « ces grands conquérants bienfaiteurs » (Magellan blessé à Malacca, méprisé à Lisbonne, le premier d’une circumnavigation dont il ne put  réaliser que la moitié, Magellan et sa folie des grandeurs, instigateur des pires exactions, commises tant sur son équipage que sur les autochtones) Le film ne verse pas pour autant dans le manichéisme. Magellan, malgré son hubris éhontée sa violence forcenée, apparaît aussi comme un être mélancolique (ce dont témoigne la récurrence des mini séquences oniriques en noir et blanc où la parole de l’épouse Beatriz dispense une vision à la fois élargie et intime du pouvoir et de la conquête)

Mon sujet c’est l’histoire philippine proclame le cinéaste. Tout en sublimant les paysages de l’archipel, il met au cœur de son (faux) "biopic"   Humabon (roi de la communauté rencontrée par Magellan à son arrivée sur l’archipel et dont il va sauver le fils) Lapu Lapu (ce chef qui a tué l'explorateur navigateur) et surtout Enrique, l’esclave philippin -acheté par Magellan à Malacca et qui va le suivre en Europe et jusqu’à Cebu- Enrique  témoin et narrateur qui, au final serait la figure de proue de tout le film (?)  Mais  Lav Diaz remet  aussi en cause les "mythes" de son pays (dont le prétendu Lapu Lapu) et partant le pouvoir mystificateur de dirigeants philippins après des siècles de « colonisation » outrancière (dont Magellan fut le pionnier)

Le film s’ouvre sur une séquence assez désarmante…. Voici une femme nue dans une rivière ; hébétée elle voit la  "venue de l’homme blanc" : regard effaré, course effrénée (prévenir les siens) et commentaire dans la langue locale "c’est un signe des dieux ; un signe de notre émancipation" …. Or tout le film qui illustre le "contraire" ne se départira pas de cette cruelle ironie

Refusant le "spectaculaire" (batailles sanglantes par exemple) préférant l’ambiance à l’action, optant pour le format 1,33 Lav Diaz propose une vision parfois hallucinée (corps mutilés, visages crispés de douleur et figés ainsi pour l’éternité,) que sublime la photo d’Artur Tort, réaliste souvent (flots impétueux que renforce la bande son) naturaliste aussi (dans les tons ocre foncé le quotidien d’une communauté et sa ferveur animiste) Une vision esthétisante mais pas toujours convaincante : ainsi les plans fixes sur les membres de l’équipage moribonds ou sur ces corps entremêlés gisant à même le sol suite à une bataille restée hors champ, ou encore sur les lamentations de cette personne suite à la démolition des totems protecteurs, trop prolongés ces plans sont vidés de leur puissance suggestive, de leur force persuasive..

Un film exigeant, âpre et élégiaque  à la fois? Assurément

Un film qui peut tout autant fasciner séduire – l’épisode maritime et ses bateaux "cercueils flottants",  les paysages paradisiaques, les ciels tourmentés par exemple- , que rebuter …

Colette Lallement-Duchoze