D'Ildiko Enyedi (Hongrie 2025)

avec  Tony Leung Chiu-Wai (Tony) Léa Seydoux (Alice Sauvage) Luna Wedler (Grete) Enzo Brumm (Hannes)

Festival de Venise :  prix FIPRESCI et prix Marcello Mastroianni du meilleur espoir pour Luna Wedler  

Présenté dans le cadre du festival A L EST le vendredi 13 mars à l'Omnia Rouen

Dans un jardin botanique, un arbre veille et observe, témoin patient des siècles. En 1908, il suit Grete, qui lutte pour exister dans un milieu qui l'ignore. Dans les années 1970, il voit Hannes s'éveiller à l'amour et au monde des plantes. Aujourd'hui, le vieil arbre parle avec Tony dans son langage secret. Autour de lui, certains se cherchent, d'autres se rencontrent. Lui demeure, ami silencieux, dans un temps plus vaste que le leur.

Un arbre plus que centenaire, un ginkgo biloba, le silent friend du titre ? - dans le jardin botanique, de l’université de Marbourg,- à la fois témoin et complice ? La réalisatrice de corps et âme fait  surgir d’une minutieuse exploration (presque clinique) l’infinie complexité d’un rapport au temps, au silence, à chaque élément du vivant végétal magnifié par des zooms. L’être humain -quelle que soit l’époque 1908, 1972, et 2020 -y déploie sa volonté d’un « être là » : Grete cherche à s’imposer comme femme dans le monde masculin universitaire, Hannes s’étonne de son propre éveil sentimental qui épouse celui d’une plante, et Tony neurologue coincé sur place par la Covid communique avec l'arbre par un langage secret

Laissons-nous transporter par cette approche singulière et envoûtante du vivant. Un transport qui avoisine(rait) une forme d’abandon (sinon nous resterons à quai …ou quitterons la salle…)

Le film s’ouvre avec la présence d’un chercheur hongkongais en neurosciences Tony Wong (des écrans dans l’écran, capteurs et comparateurs), et se clôt sur celle du ginko biloba au feuillage enflammé qui impose sa majestueuse résistance. Entre ces deux moments nous aurons vu s’entremêler -à l’instar des racines de l’arbre- trois histoires. Le passage d’une temporalité à l’autre, est aussi passage du noir et blanc à la couleur, d’un grain de pellicule à un autre, d’une atmosphère à une autre, de « problématiques » spécifiques à d’autres, et si les formats visuels sont différents (35mm pour la période 1908, 16mm pour 1972 et vidéo numérique pour 2020) à aucun moment impression de « décousu » car la cinéaste hongroise enchevêtre les trois « explorations » avec fluidité.

Voici en surimpressions des couleurs qui embrasent, des lignes d’infographies qui se confondent avec les sinuosités du vivant exploré, voici des plans des cadrages qui épousent l’effeuillage, des rhizomes en « réseaux » des pulsions électriques (corps du ginko bardé de capteurs) voici des détails de ramures de feuilles ou de fleurs qui éclosent, des visions microscopiques ….psychédéliques, etc…

 Un gros plan sur un visage, sur une nuque, des plans rapprochés sur  le groupe d'étudiants  -l'effervescence et les cris en 1972 contrastant avec la solitude du chercheur en 2020-, la coiffe  de la jeune Grete qui envahit l'écran ou le crâne dénudé du chercheur équipé de ses écouteurs, des dialogues minimalistes entre humains faisant écho au langage des plantes (?) autant d'échos feutrés dans cette captation du Vivant

Il convient de saluer le travail remarquable du chef opérateur Gergely Pálos, qu’accompagne la musique de Kristóf Kelemen et Gábor Keresztes (suggérant des phénomènes imperceptibles (comme l'activité des racines) et des sons archaïques (insectes, respirations), leur partition agit comme une « force silencieuse » )

Oui la « communication » entre humains et végétaux n’était pas utopie ….dans ce film à la fois contemplatif et sensoriel

Et miracle de l’envoûtement ? La froideur clinique s’est diluée dans l’appel de la nature…

Un film à ne pas rater

Colette Lallement-Duchoze

D'Aurélien  Vernhes-Lermusiaux (France Colombie Brésil 2025)

Avec Alexis Lozano Tatur, Miguel Angel Veira, Angela Rodriguez, Laura Valentina Quinero  

Musique Tindersticks

ACID Festival de Cannes 2025

Présenté en séance de clôture au festival A L EST Rouen Omnia le 15 mars 2026

Après des années d'absence, Ciro revient chez lui, au chevet de sa mère. Dans ce désert colombien de la Tatacoa, il retrouve ceux qu'il avait fuis et affronte les derniers gardiens d'un territoire aussi fragile qu'envoûtant. 

Accepter comme un cadeau l'étreinte redoutée de la couleuvre noire ?

Ecran noir ; une bande son qui fait la part belle aux bruissements, sifflements, chants d’oiseaux (on comprendra rétrospectivement que c’est bien l’identité sonore de la jungle Tatacoa, qui fut espace sylvestre avant d’être ce désert aride à la rugueuse beauté) puis voici un homme sur un chantier où la flamme broie de son feu l’obscurité souterraine…Il quitte son travail suite à un coup de fil…C’est ainsi que s’ouvre ce film (dont le titre, traduction littérale de Tatacoa, invite à embrasser simultanément mythe et mythologie)

Nous allons suivre cet homme Ciro – bus, pick up, et une longue marche-;  il se rend au chevet de sa mère mourante dans une masure isolée. Un long plan séquence, un visage buriné, les mains qui scellent la réconciliation mère/fils, un susurrement, le rappel d’une "légende"  (le temps de "comprendre" que le fils est désormais le "messager" "à ton tour" dit la mère dans son dernier souffle de vie) alors que sinueuse une couleuvre noire (et son double miniature le bracelet de la défunte) serpente sous le corps.

Le père -aperçu dans l’embrasure de la porte, tel un fantôme- rumine sa haine (Ciro a failli au devoir de mémoire et il l’enjoint de regagner la ville). Mais nous allons assister à un "voyage  dans l’espace " -le désert aride (pour le rituel funéraire) qui sera aussi "voyage dans le temps et voyage intérieur". Une mule portant le corps de la défunte -elle doit rejoindre ses ancêtres à un endroit précis où nous apercevrons la tombe du frère disparu …-Une traversée  labyrinthique:  de gros plans sur les anfractuosités et mamelons pétrifiés, dont les couleurs varient avec les effets des rayons  lumineux, un plan sur les ciels azuréens dessinant une autre matrice cotonneuse, des zooms (qui semblent animer le minéral), le "sifflement" -devenu celui du passé ainsi ressuscité- accompagné de la musique des Tindersticks  - tout cela le cinéaste Aurélien Vernhes-Lemusiaux (rappelez vous Vers la bataille, 2021 ) nous le  fait "sentir" et "entendre" tel un vibrato dans les craquelures - craquèlement en écho à la dislocation de la famille de Ciro ?

La légende de la couleuvre noire centrée sur un monde disparu avec sa forêt, ses animaux, ses hommes qui meurent de faim, ses serpents prenant le dessus, d’abord racontée par une voix de femme, Ciro la communiquera à la gamine….sa fille peut-être …. (Et le dernier plan de ce film par sa puissance suggestive dira la beauté du non-dit)

La figure ambiguë de la couleuvre (porteuse d’eau dans sa reptation insidieuse, capable telle une mue d’adopter et d’adapter des formes, des tailles diverses), n’est-elle pas inscrite dans les choix que nous imposerait le monde d’aujourd’hui (celui qu’exprime sans ambages le passager interrogé par Ciro attendant un bus -départ pour l’un, retour pour l’autre - je vais à la ville pour gagner de l’argent ) et n’inscrit-elle pas le film dans une perspective chère au cinéaste, celle de la transmission et pourquoi pas celle d’une nature libératrice ?

Un film énigmatique, épuré et très sensoriel, à la beauté âpre et comme fossilisée, à ne pas rater !

Colette Lallement-Duchoze

D' Urška Djukić (Slovénie 2025)

Avec Jara Sofija Ostan, Mina Švajger, Saša Tabaković

Berlinale 2025 Prix de la critique FIPRESCI (fédération internationale de la presse cinématographique) dans la catégorie Perspectives dédiée aux talents émergents

Lucia  lycéenne de seize ans, rêveuse et timide, rejoint le chœur de son école catholique et s’y lie d’amitié avec Ana-Maria, une adolescente plus dégourdie   Confrontée à un environnement inconnu et à l’éveil de sa sexualité, Lucia commence à remettre en question ses croyances, perturbant l’harmonie du chœur.

« comment sait-on ce qui nous attire »

Ecran noir, bruits de respiration, un plan fixe prolongé sur une peinture dont le dessin rouge écarlate en forme de lèvres peut désigner une vulve (clin d'oeil à un dessin du  court métrage "la vie sexuelle de mamie"?) ; puis vont se succéder de très gros plans sur une oreille, une bouche, des boucles de cheveux. Cette « ouverture » informe à la fois sur un parti pris- -filmer de très près et lentement les personnages féminins comme si la caméra faisait partie de leur être, comme si l’intériorité se donnait à « lire » dans la captation du sensoriel,  et sur les prémices de ce qui sera initiation, éveil des sens, du désir sexuel en particulier

Voici le chœur qu’intègre Lucia (.incarnée avec une confondante justesse  par Jara Sofija Ostan) Voici des visages des regards furtifs, des voix -la polyphonie envahit l’espace sans le saturer - voici de très gros plans sur une bouche des lèvres ou des dents couronnées, voici un grain de peau, l’apprentissage d’une sensation dont le guide suprême serait son propre doigt, tout se mêle s’entremêle mais avec délicatesse -couleurs pastel dominantes- et une certaine virtuosité -dans l’art de varier les approches les angles de vue- sans verser dans la mièvrerie.

Voici le décor d’un couvent qui rappelle étrangement celui d’un théâtre avec ses alignements ses étages son avant-scène, ses colonnes, sa salle de répétitions là où le professeur de chant exercera son pouvoir de « maître du cœur » dans une scène d’une humiliation redoutable et presque machiavélique dont on devine les malignes arrière-pensées ; en écho inversé la séquence où Lucia embrasse de son étreinte amoureuse la statue de la Vierge mettrait en évidence non la violation assumée du sacré mais la coexistence  " spirituel - charnel" . …Car ce film -et c’est bien son originalité- va au-delà d’un simple récit d’émancipation (ou d’initiation) Lucia (introvertie taraudée par la culpabilité) aurait franchi des limites en torpillant les diktats de l’enseignement catholique ? En fait ce que l’on croyait simples clichés (le bel éphèbe nu au bord de l’eau, le baiser très sensuel échangé avec Ana-Maria la "dégourdie", le groupe des ouvriers, celui  des ados et celui des religieuses les trois se répondant en écho) s’inscrit dans la découverte d'un lien qui unit le sacré et le profane (dont l’onanisme débarrassé de contraintes culpabilisantes serait l’illustration ) Dès lors les séances de répétitions -ces chants à gorge déployée- sont comme les étapes qui auront ponctué le parcours de la jeune fille… l’acmé étant la découverte dans une grotte d’un cercle de religieuses de blanc vêtues, et de leurs chants non liturgiques ( ?) grotte dans laquelle Lucia a pénétré comme par effraction,- quand bien même ce lieu  -ah que de connotations !!!- serait  "fantasmé"

L’attirance vers l’autre (femme ou homme) va de pair avec la découverte de son propre corps en émoi sous l’œil bienveillant du Christ ou de la Vierge. Foi et sexualité en leur concomitance ? et la transcendance de l’une n’est pas forcément celle attendue (aux questions insidieuses posées par Ana-Maria, la sœur interrogée ne se dérobe pas mais tente de "sérier"- ’immanence et transcendance"- avant de les unir dans l’équation Dieu est Désir …ou comment le Désir charnel amplifie la Foi

Après avoir été multirécompensée pour  le court métrage "la vie sexuelle de mamie" la réalisatrice signe avec  Little Trouble Girls un premier long métrage  qui   "sonde les rêves et les fièvres par les voix et les visages"  ,

Un film  qui mérite vraiment le détour !!

Colette Lallement-Duchoze

(Omnia salle 8 dimanche 20h30, lundi 13h45 mardi 16h)

De Milagros Mumenthaler (Argentine 2025)

Avec Isabel Aimé Gonzalez-Sola, (Lina) Esteban Bigliardi ( Pedro le mari) Emma Fayo Duarte (Sofia sa fille) Ernestina Gatti),  Julia l’assistante

Dans le cadre du festival A L EST vu à l'Omnia en présence de l'actrice Isabel Aimé Gonzalez Sola

Lina, 34 ans, est une styliste argentine au sommet de sa carrière. En Suisse pour recevoir un prix prestigieux, elle se jette sans raison apparente dans un fleuve. De retour à Buenos Aires, elle garde le silence sur cet épisode. Pourtant, de façon presque imperceptible, quelque chose en elle a changé. Une peur de l'eau s'installe, insidieuse, et finit par paralyser son quotidien. Peu à peu, ce bouleversement intérieur fait remonter à la surface un passé qu'elle croyait à jamais enfoui.

Les réactions du public à l’issue de la projection et après l’échange avec l’actrice principale étaient contrastées : portrait tout en délicatesse qui rappellerait certains classiques (vertigo) élégance de la mise en scène ou au contraire film prétentieux qui génère l’ennui…

Reprenons S’il est vrai que le prologue ou le début (lors du défilement du générique) encode le film force est de reconnaître que tout intrigue dès la première longue séquence en Suisse; le personnage reçoit un trophée, le son est coupé, une moue, un regard fuyant un corps comme morcelé en deux, voilà ce qui nous parvient de "lisible" à travers le flou de la vitre …puis la jeune femme s’éclipse, aux toilettes,  gros plan sur le "reflet",  sur  l’eau et le lavabo, trophée jeté à la poubelle et nous voici projeté en extérieur : Lina vue d’abord en contre plongée va se  jeter dans les eaux du lac (?) (du fleuve ?) …Tentative de suicide ? Elle émerge … Tout cela est délibérément filmé comme extérieur au personnage (absence d’indices pour pénétrer sa psyché) Mais déjà s’imposent la thématique du double, de la dichotomie chute et ascension vers la gloire,  omniprésence de l'eau  (et Cata- Lina sera aquaphobe,  à moins que cette peur panique préexistait et qu’un élément déclencheur …)

Buenos Aires.  Des éléments du décor (atelier de la styliste ou appartement luxueux) insisteraient sur l’enfermement contrastant avec des semblants d’ouverture ; quant aux relations avec l’époux la fille, elles sont apparemment normales. (même si le mari manifeste quelque agacement) plus distantes avec la belle-mère. Foin d’une approche psychologisante ? alors que les gros plans sur le visage, sur une chevelure qui envahit l’espace (plus magrittien qu’hitchcockien), l’abondance des reflets,  le minimalisme des dialogues, le mutisme de Lina, la dualité (Catalina devenu Cata et Lina) le choix des couleurs des robes (bleu vert) rappelant celles de l'eau et cerise sur le gâteau la rencontre avec la mère (comme une remontée vers le passé ?) …  tout devrait concourir à intriguer le spectateur (dérives et courants contraires ? en soi et à l'extérieur de soi? ce à quoi le titre fait référence ; émergence d’un pan du passé ?) … Alors oui tant que le film ne confond pas mystère et énigme, tant qu’un halo (sens propre et figuré) tient comme à distance l’insaisissable, et que le  "rêve"  s’invite dans le réel  ou épouse un réel fantasmé, tant que  le jeu de décadrages isole Lina au sein même du plan et qu’une bande son sert de  contre- point (marteau-piqueur guttural, et hautbois plus cristallin par exemple) oui le film peut entraîner l’adhésion. Mais à partir du moment où triomphent  l’insistance complaisante (même et surtout) sur le sensoriel (et les déambulations de l’actrice savamment calculées s’inscrivent dans cette perspective), les réitérations perçues comme des redondances, esthétisantes de surcroît (quid d’une dépression et de la sensation d’étouffement jugulant ?) oui le film peut provoquer une forme d’agacement

Cela étant,  on retiendra  la visite au musée, et cet arrêt sur image Nul ne se connaît soi-même (gravure de Goya), la découverte d’une broderie dans une vitrine en Suisse broderie de figures sans visage, la vue en surplomb de Buenos Aires alors que Lina est au sommet du Palacio Barolo et que le phare diffracte ses feux étincelants, autant d’instants dans la quête de soi, quête qui se confond avec celle du spectateur …

Colette Lallement-Duchoze

De  Cherien Dabis (Palestine USA 2025)

 avec Cherien Dabis : (Hanan)  Saleh Bakri  (Salim) Maria Zreik : (Munira)  Adam Bakri (Sharif) Mohammad Bakri (Sharif âgé) Muhammad Abed Elrahman : (Noor) Hayat Abu Samra : Layla

Présenté en avant-première au festival du film de  Sundance (janvier 2025)

Nominé oscars 2026

Dédié à l'acteur Mohammad Bakri décédé en décembre 2025  (nous l'avions vu  entre autres dans La Conspiration du Caire 2022)

Dans ce troisième long-métrage, l'actrice et réalisatrice américano-palestinienne Cherien Dabis revient sur près de 80 ans d'histoire de son pays, à travers une saga familiale qui court sur trois générations

je suis la mer, dans mes profondeurs se cachent des trésors

Cherien Dabis (née en 1976 aux USA d’une mère jordanienne et d’un père palestinien) se rappelle avoir assisté lors de son voyage en Palestine à une fouille humiliante…elle avait 8 ans (ce serait le point de départ de son film) Américaine elle sait que les médias occidentaux déshumanisent les Palestiniens. Je voulais que ce film puisse parler au public occidental et montrer notre humanité

Raconter l’histoire d’une famille palestinienne originaire de Jaffa, sur trois générations, en jouant avec prolepses et analepses, en optant pour une circularité formelle et métaphorique (Jaffa lieu de l’enracinement du déracinement et de l’effacement) va illustrer les propos de l’imam votre humanité c’est votre résistance imam consulté à propos du don d’organe (questionnement éthique par excellence politique et religieux )- le "cœur" de Noor qui continuera à palpiter par-delà sa mort en est la métaphore… Car que reste-t-il de nous quand on a été spolié de ses biens, qu’on a subi de génération en génération des humiliations, qu’on a été contraint à l’exode…que reste-t-il sinon le "don de la vie" Tel serait le "message" de ce film qui traite plus du  "lien" -ce qui relie les êtres entre eux d’une génération à l’autre, que de la guerre-  

Voici deux jeunes hommes qui dévalent ruelles terrepleins; leur  course effrénée est entrecoupée par le défilement des infos du générique ; 1988 ; intifada. Vitalité énergie sourires brusquement volent en éclats ; l’un des deux Noor a été atteint par le tir d’un soldat israélien… Vie et Mort. Raccord cut. Gros plan sur le visage de la mère éplorée dévastée de chagrin ; elle se doit de dire, frontalement,  tout ce qui a précédé cet acte… Et le film va remonter l’histoire en sélectionnant  1948 et la Nakba 1978 la  "vie" en Cisjordanie occupée et un épisode qui marquera à jamais Noor (gamin il voit son père contraint de s'agenouiller,  il le traite de lâche ); Noor plus proche de son grand-père nostalgique du paradis perdu et qui refuse la résignation . Puis de nouveau 1988 ( les tracas administratifs l’hôpital les dilemmes  l’enterrement, la rencontre avec…) Mort et Vie. Ultime épisode : 2022 le couple de vieillards (Hanan et Salim) exilé au Canada s’en vient revisiter une toute dernière fois la maison de l’enfance à Jaffa.

Or l’excès de pathos, de dolorisme, l’insistance sur des moments ô combien éprouvants et tragiques dont la perte d’un enfant, les plans prolongés sur des détails métaphorisants et esthétisants à la fois (la longue cicatrice sur le corps mort de Noor et que caresse délicatement le père, les Palestiniens esclaves dans un camp de  travaux forcés , après leur expulsion, dressant les instruments aratoires dans un firmament de carte postale ou en ombre portée, la claudication du couple vieilli artificiellement qui en 2022 s’en vient visiter le Jaffa de l’enfance, plan qui renverrait plus à un Chaplin qu’à May be de Maguy Marin ; (on pourrait multiplier les exemples ) tout cela ne risque-t-il pas de transformer l’histoire d’une famille en mélo…. ? quand bien même le spectateur est invité -grâce au prisme de l’intime- à se questionner sur la cruauté de l’exil, sur la notion de chez soi, sur la résistance à l’Occupant … De plus certaines « reconstitutions » sont bien trop léchées (les tentes des réfugiés par exemple)

Soumis à la censure des autorités militaires israéliennes ce film ne sera pas vu par les Palestiniens (les survivants …de Gaza ? de Cisjordanie ? dont le sort est encore pire  à ce jour...)

Colette Lallement-Duchoze