de Fabian Hernandez  (Colombie 2021) 

avec Felipe Ramirez , Juanita Carrillo Ortiz, Diego Alexander Mayorga

Quinzaine des Réalisateurs Cannes 2022

Présenté à Rouen dans le cadre du festival à L' Est  jeudi 2 mars 2023

Carlos vit dans un foyer à Bogota, un refuge à l’abri de la violence extérieure. C’est Noël et il aimerait partager un moment avec sa famille, -sa sœur Nicole et sa mère, incarcérée, dont il se sent responsable . A sa sortie du foyer il est confronté à la rudesse des rues de son quartier, où règne la loi du plus fort. Il doit montrer qu'il peut lui aussi être l’un de ces mâles alpha. Il lui faudra choisir entre adopter les codes d’une masculinité agressive, ou, à l’opposé, embrasser sa nature profonde.

Le film est dédié au père Javier de Nicolo (celui qui avait accueilli le jeune Fabiàn Hernandez)

Face à la caméra en plan fixe défilent plusieurs « varons » ( ?) : Tout dans leurs mimiques leur accent leur gestuelle leur vocabulaire, semble décliner une définition de leur masculinité, de leur virilité telle qu’elle doit se manifester dès lors qu’on est confronté aux puissances infernales de la rue ; défile ainsi tout ce qui participe à la fabrique du « mâle » drogue, sexe, arme. La masculinité comme passeport pour la vie. C’est la scène d’ouverture

Puis la caméra va suivre Carlos qui sera de tous les plans. Il incarne un questionnement à la fois humain et existentiel « est-ce qu’être varon va de pair avec la violence » et dans l’affirmative « y aurait-il une autre voie pour un être un homme ? Le réalisateur dit s’être inspiré de sa propre expérience et avoir voulu « faire un film honnête sur un sujet traité le plus souvent d’une manière qui ne l’est pas » ; entendons par là, refuser les clichés sur la Colombie pourvoyeuse de .. et de…. ; bannir toute esthétisation de la violence.  Celle-ci est certes manifeste dans les discours dans les rixes les propos, on la devine, menaçante, prête à exploser mais elle sera filmée "sans érotisation, sans instrumentalisation plus ou moins sordide, à des fins de divertissement".  Plus authentique plus sincère serait le film mais par ricochet moins dense, moins intense ? pas sûr !  car ce jeune homme solitaire,  contraint à « exhiber sa masculinité », laisse échapper par intermittences des aspirations profondes (cf la scène avec la femme aux ongles longs,  cette prostituée si maternelle, le rouge à lèvres qui s’en vient colorer son reflet sur le miroir, le regard équivoque, les appels téléphoniques à la mère adulée)

Voici Carlos chez la coiffeuse exigeant une « coupe de mec », celle qui se marierait si bien avec des sourcils taillés au rasoir, un accoutrement fait d’un jean taille basse et de tee-shirts, avec l’exercice de ces poings tendus signes de ralliement !  Tout cela vaut pour l’apparence !!  Or le film est construit sur un tiraillement intérieur, illustré d’ailleurs par les constants allers et retours, les allées et venues de Carlos, et par les « conseils » opposés prodigués par les femmes (dont la sœur) et par ses « pairs » (autres varons) ; le plan final laisse ouverte la possibilité d’un choix que ne dicterait plus le « déterminisme social » ?

Dans l’environnement de Carlos seules résistent -ô paradoxe éloquent ! les habitations minables masures des favelas à côté de ces champs de « ruines » -démolitions de constructions plus récentes et dont les monticules de gravats servent d’itinéraires,  de cheminements qui louvoient , difficiles.

Tracer sa propre voie et laisser les larmes inonder le visage, (dont rend compte un très (trop) long plan) alors que la décision de « tuer » engage sa propre survie.

Ô  douleur non encore éprouvée! 

Un film que je vous recommande

Colette Lallement-Duchoze

de Steven Spielberg   (USA 2022)

avec Gabriel LeBelle, Michelle Williams, Paul Dano 

Sammy Fabelman grandit aux États-Unis après la Seconde Guerre mondiale. L'adolescent découvre un jour un secret de famille bouleversant. Il se rend compte que le cinéma va l'aider à voir et accepter la réalité.

The Fabelmans ou Le grand déraillement.

Cela commence avec le film de Cecil B De Mille Sous le plus grand chapiteau du monde. Sammy gamin est à la fois émerveillé intrigué et choqué par le déraillement d’un train qui s’opère là,  sur l’écran,  au Fox Theater de Philadelphie. Et il n’aura de cesse de le  "rejouer"  d’abord avec une maquette, puis un appareil caméra super 8,. Car c’est précisément en "reproduisant"  cette scène originelle qu’il pourra s’en affranchir

De là serait né le besoin irrépressible du très jeune Spielberg de faire des images ….animées ? (si l’on admet que le film met à nu sa vie et sa vision du cinéma,  si l’on admet que the fabelmans (l’homme à fables ?) est autobiographique)

Déraillement du train : à la fois trauma et antidote   (et le paradoxe est précisément  dans cette simultanéité) On pourrait multiplier les dénotations et connotations du "déraillement" (bousculement des habitudes, secousses et perturbations dues au divorce des parents; ébranlement des convictions et troubles consécutifs à un antisémitisme primaire). Aisé et scolaire -j'en conviens-, cet exercice ne rendrait pas suffisamment compte de la dynamique interne :confrontations de forces contradictoires jusqu’à leur dépassement presque dialectique en une sorte d’acmé qui éclate dans la scène finale ; la plus belle leçon de cinéma  prodiguée  en  quelques mots  par John Ford (interprété par un David Lynch méconnaissable, caricaturé tel un personnage de BD): comment cadrer l’horizon ; il n’y a  que les imbéciles pour croire que le mieux est le « centre »

Ainsi la recherche de l’équilibre – quête fondamentale de Sammy tout au long de ce film- tombe à faux !

Le cinéma ne serait-il pas avant tout l’art du « déséquilibre » ?

Plus de 2h à la rencontre d’une telle épiphanie !!!!

(Mais heureusement  les prestations de certains acteurs sont convaincantes, et parfois s’exhalent  des effluences d’humour ) 

A  vous de juger

Colette Lallement-Duchoze

documentaire réalisé par Laura Poitras (2022 USA) 

Lion d'Or Festival de Venise 2022

Festival international du film de Stockholm 2022 : meilleur film documentaire

Nan Goldin a révolutionné l'art de la photographie.

Immense artiste elle est aussi une activiste infatigable qui se bat contre les médicaments opiacés responsables de centaines de milliers de morts

Structuré en plusieurs séquences,  ce documentaire réinscrit le parcours de l’artiste et de la militante dans une trajectoire familiale. Ainsi dès le 2^ème  "mouvement"   (après une ouverture sur la manifestation devant le Metropolitan Museum de New York contre la famille Sackler géant de l’industrie pharmaceutique qui s’enrichit grâce aux opiacés mais aussi grand mécène de la culture) c’est la relation entre les deux sœurs – illustrée par maintes photographies- qui est mise en valeur (Barbara, la sœur aînée, éjectée du foyer familial, Barbara une adolescente rebelle régulièrement internée et qui se "suicide"  à 18 ans)

Le documentaire obéit à une construction circulaire : la sœur revendiquant son homosexualité et prématurément disparue va irriguer la dernière séquence (cf le split screen de rails mortifères si tragique dans son élégance !) de même qu’elle aura insufflé un esprit libertaire, esprit en conformité avec les choix de l’artiste dont nous avons suivi  le parcours (archives interviews œuvres).

Plusieurs fils narratifs -comme autant de visages ou plutôt comme autant d'éléments composant une personnalité- (Nan Goldin activiste et militante, Nan Goldin artiste photographe, Nan Goldin l’amoureuse, l’amante Nan Goldin marquée à jamais par la mort  de sa sœur aînée) s’enchevêtrent ainsi  dans ce documentaire  "exemplaire"  (=à nul autre pareil!) tissant une intrigue à la chronologie éclatée et à la beauté (souvent) subversive

Voici le collectif P.A.I.N (prescription addiction intervention now) avec lequel Nan Goldin mène un combat -dont le documentaire retrace les différentes étapes. Si les stratégies rappellent celles d’Act-up, d’autres seront complètement « inédites » compte tenu de la "notoriété" de l’artiste : Nan Goldin menace en effet  de retirer ses œuvres là où les "partenaires culturels"  -musées et galeries-,  reçoivent de l’argent du  "mécène"   Sackler (odieusement impuni  !!)  

Voici, en outre, un procès en « téléjustice » : nous voyons les visages de deux ou trois membres de la famille Sackler, contraints d’entendre les cris de douleur de « patients » au seuil de la mort, suite à l’ingestion de ces médicaments opiacés (on dénombre 500 000 morts !!)

Toute la beauté et le sang versé (extrait d’une lettre de la sœur ) : un  réquisitoire qui vibre ainsi d’un souffle pamphlétaire !

C'est aussi  un "bel"  hommage à  l'artiste photographe,  qui toujours  s’est inspirée de sa propre  "vie"  (questionnement sur les « marges », sur ses addictions, sur les formes d’existence en dehors des normes sacralisées, sur la  "contre-culture" , les homosexuels, les travestis, les toxicos,  les paumés). Artiste qui était entrée dans le monde de l'art en taillant une pipe à un chauffeur de taxi qu'elle "ne pouvait pas payer, pour se rendre à la seule galerie alors prête à montrer ses photos" !!

Une artiste de renommée mondiale !! (honorée dans les musées et galeries. On  a pu la "découvrir"  à Paris au Centre Pompidou en 2001 et 2008, et en 2004 dans le cadre du Festival d’automne elle avait « installé » Chapelle Saint Louis de la Salpêtrière, Sœurs Saintes et Sibylles,)

Guide précieux,  toute la beauté et le sang versé est un documentaire à ne pas rater !!

Colette Lallement-Duchoze 

de Florian Zeller · Royaume-Uni, France  (2022) 

 Avec  Hugh Jackman, Laura Dern, Vanessa Kirby, Zen McGrath, Anthony Hopkins, Felix Goddard, Max Goddard, Shin-Fei Chen

À dix-sept ans, Nicholas semble en pleine dérive, il n'est plus cet enfant lumineux qui souriait tout le temps. Que lui arrive-t-il ? Dépassée par la situation, sa mère accepte qu’il aille vivre chez son père, Peter. Remarié depuis peu et père d’un nouveau-né, il va tenter de dépasser l’incompréhension, la colère et l’impuissance dans l’espoir de retrouver son fils...

Adaptant lui-même ses pièces de théâtre, Florian Zeller évite de tomber dans le piège du théâtre filmé. Pari réussi pour the father (dépassant le huis clos de l’appartement et lui superposant l’univers mental du personnage éponyme si brillamment interprété par A Hopkins cf the father - Le blog de cinexpressions). Hélas avec the son la façon de filmer, et ce dès le début (champ contre champ, arrière-plan « bouché », plans très rapprochés sur les personnages) et le fil conducteur (le divorce des parents, comme la cause du mal-être) président à une « logique » que paradoxalement il tente de dénoncer et il nous entraînerait avec lui dans son propre piège ?

Le cinéaste a choisi d'adopter le point de vue  des  parents (et non pas celui du "fils"), et plus particulièrement celui du père -un père, parangon d’une clinquante réussite professionnelle (illustrée par ce plan récurrent où Hugh Jackman, filmé de dos, contemple Manhattan, de l’immense baie vitrée de son cabinet d’avocats !).

Voici des parents aimants mais déboussolés face au mal-être de leur fils, des parents qui se laissent « berner » par ses mensonges sur sa prétendue « intégration sociale. » au lycée. Voici un fils dont nous ne connaîtrons rien des déambulations, des flâneries erratiques (quelles incidences auront sur la façon d’appréhender une complexité, de démêler un écheveau inextricable par nature.??? ces quelques vues en plongée sur un trottoir qu’il emprunte, avant de traverser un passage ….clouté… Lui qui sèche les cours et falsifie les documents officiels du lycée) ; nous le verrons dans une relation malaisée avec ses parents géniteurs et la nouvelle compagne du père. La demande qui se lit sur le visage (ce murmure qui s’échappe de lèvres à peine entrouvertes, ces regards sur le point d’être embués de larmes, cet effarement qui prélude à l’hébétement hagard) ne peut être « entendue » - même si à un moment le père supplie son fils de s’exprimer avec ses « propres mots » (mais comment dire l’indicible ??) et l’interprétation (excellente) de Zen McGrath accentue cet aspect foncièrement énigmatique créant le suspense - et la récurrence du plan sur le lave-linge au moment de l’essorage, alors que l’adolescent est hors champ derrière la porte de la salle de bains…est censée jouer le rôle d'illustration!!

Les flash-back (entente cordiale père/fils dans l’ambiance estivale, cf l'affiche,  apprentissage de la natation, croisière familiale) frappent par leur saugrenuité !!!  

Et ce n’est pas l’épisode du « lâcher prise » (quand le père et Beth improvisent une danse et invitent Nicholas à y participer) qui « rachètera » l’ensemble. Un ensemble qui ne peut se départir de dialogues plus ou moins démonstratifs 

Quant à l’avant-dernière séquence aux relents mélodramatiques (vision conservatrice de la famille et ses clichés éculés) elle frise l’indécence, et la position finale du père, l’inconsolable, recroquevillé -tel un Œdipe moderne renversé- accentue cette fâcheuse impression

Florian Zeller avoue être resté volontairement sur « le seuil » à un endroit d’incompréhension, où il y a beaucoup de questions mais pas de réponse. C’est ainsi que les problèmes de dépression, de maladie mentale, se posent à nous, comme un mystère, comme un trou noir qui peut tout dévorer. »

Et nous restons à quai !

Colette Lallement-Duchoze

de Sam Mendes (G-B , USA 2022)

avec Olivia Colman, Micheal Ward, Colin Firth, Toby Jones 

Nommé aux Oscars 2023 (cérémonie le 12 mars) pour la meilleure photographie

chef opérateur Roger Deakins 

musique Trent Reznor et Atticus Ross

Angleterre, 1980. Hilary travaille dans un cinéma : un lieu tout indiqué qui lui permet d'être en contact avec des gens et de rompre la solitude. Cette femme d'âge mûr est chargée d'apprendre les rudiments du métier à Stephen, un jeune homme noir charismatique. En se rapprochant l’un de l’autre, ils vont apprendre à soigner leurs blessures grâce à la musique, au cinéma et au sentiment d’appartenance à un groupe..

Empire of light : un film élégant et bancal à la fois

Certes on appréciera le travail du chef opérateur Roger Deakins (partenaire et complice des frères Cohen, de  Villeneuve entre autres) on sera particulièrement sensible à  ces  premières images qui font du cinéma Empire un écrin de velours, à ces  lumières- bleutée à l’extérieur et mordorée à l’intérieur,- aux ambiances feutrées qui harmonisent lieux et personnages (opacité du bureau du directeur comme pour camoufler les non-dits, visage éclairé  de lumière d’Hilary en ses  périodes fastes,  etc..

De même on admirera  la prestation d’Olivia Colman en quinquagénaire aimante aimée dépressive ou rayonnante et celle de Micheal Ward. ( victime potentielle du racisme toujours aux aguets)

On sera peut-être moins sensible à cette  "ode" au cinéma (thème récurrent ces derniers temps cf Steven Spielberg, Damien Chazelle) qu’à la solitude du projectionniste (à moins que ce ne soit l’inverse)

On peut établir une liste des  "qualités"  et conclure « Empire of light est un film séduisant »

Oui mais à condition que les armes de séduction ne soient pas des pièges

Si le cinéma « Empire » sert de cadre à, s’il est le lieu qui centralise TOUTES les problématiques (et elles sont très nombreuses : dépression, racisme, politique libérale de Mme Thatcher) le récit manque d’envergure et cumule (souvent poussivement) les clichés ou des mécaniques éculées. Chaque personnage aura sa crise (avec paliers récidive ou pas) ses prises de conscience, que l’on nous enjoint de mesurer, auxquelles on est prié de compatir…La romance elle-même est traitée sur les lignes de crête ou de façon artificielle, et le racisme s’exprime dans une scène lourdingue dans sa violence même ; quant aux rapports sexuels entre le directeur et l’employée (vous en aurez compris l'opportunité !) Et même la séquence qui rappelle Cinema paradisio manque d’authenticité et semble plaquée.

Que dire de ces  "symboles" assez faciles : une salle de cinéma à la fois belle et décrépie, autrefois grandiose immense;  un étage aujourd’hui désolé (désolation à l’image d’Hilary …) refuge de pigeons (dont un blessé qui grâce aux soins du « couple » pourra voler de ses propres ailes ?...)

De ce discours presque grandiloquent du projectionniste sur le regard et sa captation défaillante  ?

De cette séquence finale où Hilary seule dans l’obscurité de la salle, (qui agit tel un baume avec son faisceau lumineux) suit le parcours de Mister Chance (Peter Sellers) jusqu’à cette « apothéose » qui le fait marcher sur les ondes (tel un Christ ) ?

Empire of light : un film à la pernicieuse séduction

Colette Lallement-Duchoze