De Patrick Mario Bernard et Pierre Trividic.

Avec Jean-Christophe Folly, Isabelle Carré, Golshifteh Farahani, Sami Ameziane.

Dominick Brassan a le pouvoir de se rendre invisible. Il ne s’en sert pas beaucoup. À quoi bon, d’ailleurs ? Il a fait de son pouvoir un secret vaguement honteux, qu’il dissimule même à sa fiancée, Viveka. Et puis vient un jour où le pouvoir se détraque et échappe à son contrôle en bouleversant sa vie, ses amitiés et ses amours.

L’angle mort est cet "espace qui échappe à la vision des automobilistes comme des caméras de surveillance",  soit une zone sans contrôle, soit un monde de tous les possibles soit un univers -si minuscule fût-il- à inventer ou réinventer .

En s’inspirant d’un projet d’Emmanuel Carrière les deux cinéastes confient le rôle de Dominick (un être doué de ce pouvoir singulier d’apparaître et de disparaître) à un Noir (seule idée politique du film affirment-ils coupant court à toutes les exégèses) et choisissent comme dynamique l’inverse de ce qui traditionnellement est lié au don d’invisibilité...Ce don est vécu comme un fardeau...à l’image d’ailleurs d'un « monde qui se détraque »

Pour se rendre invisible Dominick doit pratiquer certaines techniques de respiration/concentration et se mettre nu (et nous le suivrons, invisible pour les autres, dans ses déambulations dans la ville alors que la météo est peu clémente ; que de ruissellements et de froidure !!) Visible il travaille dans un magasin de guitares dans une remise en sous-sol ; visible il observe sa voisine aveugle...la seule d’ailleurs à capter l'insondable réel... Invisible, il le sera toujours,  quand il est confronté à des situations embarrassantes !!!

Le choix du format 1,33, les ambiances nocturnes, les couloirs interminables dans les immeubles  (avec de judicieuses profondeurs de champ) les souterrains (l’incroyable scène d’ouverture avec sa mise en scène virevoltante plaçait la naissance de Dominick sous l’égide de ces caves irradiées de musique) le refus d’effets spéciaux, tout concourt à faire de « l’angle mort » une œuvre qui tient du fantastique, du poétique (même si le duo invisible-aveugle est un peu éculé) et du réalisme (la matérialité du décor urbain) mais surtout qui interroge la solitude fondamentale de qui maîtriserait l’angle mort

Et pourtant malgré d’indéniables qualités (dont la prestation de Jean-Christophe Folly) ce film ne parvient pas à séduire de bout en bout (est-ce cette voix intérieure ? l’opposition mal traitée entre Dominick et Richard lequel utilise son « don » à des fins maléfiques ?  cette propension à  multiplier les angles de vue sur ...une pléthore de thèmes, dont certains à peine esquissés ?)

Insidieux, guette l’ennui 

Colette Lallement-Duchoze

de K. Mendonça Filho et J. Dornelles (Brésil) 

avec Sonia Braga, Udo Kier, B. Colen 

Prix du jury  Cannes 2019

Dans un futur proche…  Le village de Bacurau dans le sertão brésilien fait le deuil de sa matriarche Carmelita qui s’est éteinte à 94 ans. Quelques jours plus tard, les habitants remarquent que Bacurau a disparu de la carte. 

Fable futuriste ? Conte politique ? Dystopie -cathartique pour certains, trop manichéenne pour d’autres- ? Bacurau est tout cela à la fois ; et si l’on ajoute -pour ce qui est du traitement- le mélange de western et de cangaço (forme de banditisme social dans le nordeste fin XIX° et début XX°) on comprendra que le film ait reçu le prix  du jury au festival de Cannes. Et la tentation est grande d’appréhender le film à l’aune de l’actualité (alors qu’il a été conçu et réalisé avant l’arrivée au pouvoir de Bolsonaro..)

Bacurau signifie en portugais engoulevent, oiseau crépusculaire qui se cache quand il repose sur une branche d’arbre. Ainsi du village éponyme de ce film, qui  "intime du noir, ne sera remarqué que s’il a lui-même envie d’apparaître"  "une seule rue des maisons de chaque côté une église une école voilà un microcosme familier aux Brésiliens..." (propos du réalisateur)

Ce village d’une contrée aride qui mêle astucieusement l’antique et le moderne (technologie) qui pratique la solidarité sans faille en bannissant tout clivage,  nous allons le découvrir avec la petite-fille de la défunte matriarche Carmelita. Le camion citerne qui la (nous) conduit traverse une immense contrée avant d’être entravé par des ….cercueils….première interrogation, premier indice (?)

C’est que la mort est omniprésente dans ce film:   il s’ouvre en effet sur une procession mortuaire (la défunte Carmelita nonagénaire) et se clôt sur l’enterrement d’un vivant (le caïd allemand au yeux d’acier qui avait programmé avec ses acolytes super armés l’extermination de Bacurau!)

Entre ces deux scènes que de perturbations! (guerre de l'eau, découverte d'une tuerie dans une ferme, passage insolite de chevaux débridés, arrivée de deux motards fluos, etc.) Que de métamorphoses! que d'effets visuels inattendus (une luminosité chatoyante qui s'opacifie; des fondus enchaînés traités tels les feuillets d'un livre que l'on déploie à ciel ouvert, un ciel endeuillé de nuages noirs

Et l'espace apparemment indolent (l'invite du panneau d'accueil "si tu viens, va en paix" était-elle ironique?) va se muer en un théâtre sanguinaire; l'ingestion de psychotrope aidant -ici la succession ultra rapide de  très gros plans sur les lèvres les langues des habitants peut prêter à sourire alors qu'elle est censée magnifier les pouvoirs de cette drogue- ce sera la victoire de la résistance collective

Village désert en embuscade, agresseurs aux aguets, silence sépulcral avant...l'assaut....Une scène digne d'un western.

Un élu local venu acheter des voix avec... de la nourriture  et des médicaments périmés...pamphlet caricatural? hélas non ...

Alors oui Bacurau peut se lire comme "l'allégorie des opprimés qui s'insurgent contre l'agression de l'impérialisme et de la bourgeoisie nationale, à travers l'auto-organisation, germe d'une société nouvelle"  et en ce sens le film est éminemment politique 

Bacurau, une ode à la solidarité - mais qui risque de déstabiliser, déranger certains spectateurs!

Colette Lallement-Duchoze

de Edouard Bergeon 

avec Guillaume Canet, Veerle Baetens, Anthony Bajon, Rufus

Pierre a 25 ans quand il rentre du Wyoming pour retrouver Claire sa fiancée et reprendre la ferme familiale. Vingt ans plus tard, l'exploitation s’est agrandie, la famille aussi. C’est le temps des jours heureux, du moins au début… Les dettes s’accumulent et Pierre s’épuise au travail. Malgré l’amour de sa femme et ses enfants, il sombre peu à peu…

Le réalisateur -dont c'est le premier long métrage- a voulu rendre hommage à son père et simultanément alerter l'opinion publique sur le mal-être des agriculteurs.

Intention  louable certes!

Mais exercice périlleux!

Trouver le juste équilibre entre la part autobiographique et la fiction,  entre le vécu et le pseudo-documentaire....ne pas trop verser dans le pathos...

Or précisément le chantage à l'émotion (dans la toute dernière partie), la recherche de la vraisemblance à tout prix (Guillaume Canet à moitié chauve ....mais il "doit" ressembler à ... ), l'absence de regard d'un vrai cinéaste, la mise en scène assez convenue, avec des passages purement démonstratifs,  et avouons-le une forme de complaisance (choix de musique et chansons) bref,  tout cela fait qu'on assiste plus à un téléfilm régional qu'à une oeuvre cinématographique

Cela étant, il convient de saluer la prestation de certains acteurs dont Verlee Baetens et Rufus 

Colette Lallement-Duchoze

de Woody Allen (USA) 2018

avec Timothée Chalamet,  Elle Fanning, Selena Gomez 

Deux étudiants, Gatsby et Ashleigh, envisagent de passer un week-end en amoureux à New York. Mais leur projet tourne court, aussi vite que la pluie succède au beau temps… Bientôt séparés, chacun des deux tourtereaux enchaîne les rencontres fortuites et les situations insolites.

"J'ai besoin d’un drink, d’une cigarette et d’un air d’Irving Berlin." Tels sont les propos du jeune Gatsby désabusé, quand sur l’écran télé de sa chambre d’hôtel, il voit sa "compagne"  Asleigh aux côtés d’un acteur assailli par les caméras...alors qu’elle était censée le rejoindre, après avoir interviewé un réalisateur…

Oui Irving Berlin (et il conviendrait d’ajouter Misty thème principal du film, interprété par  Erroll Garner) c’est le remède/panacée quand on est englué (Gatsby avatar de Woody Allen) dans un marasme existentiel et victime de désillusions dans ses amours naissantes !!

Unité de lieu de temps et d’action : la souveraine règle du classicisme est respectée. Voici le New York que Gatsby Welles /Woody Allen affectionne : Central Park, piano-bar du Carlyle, musée Moma, intérieurs luxueux entre autres. Ça se passe un samedi. Amours et désamours : l’union, après rebondissements et prises de conscience successifs , se soldera par une désunion

Pour filmer les deux  "amoureux" dès leur arrivée à NewYork, Woody Allen utilise le montage parallèle mais un montage parallèle maîtrisé et très fluide (rien à voir avec ceux de certains films pourtant encensés par la critique). Voici Gatsby - veste en tweed et voix intérieure- dans ses déambulations, ses errances inquiètes -et ses rencontres- étapes-retours vers l’enfance et simultanément étapes  vers la maturité  (grâce à  la volcanique Shannon). Voici Asleigh originaire de l'Arizona, "follement dingue"  de cinéma, sujette au hoquet psychologique, qui, interviewant un cinéaste de renom, découvre l’envers et/ou les affres de ce monde (réalisateur dépressif, scénariste cocu, acteur volage). Les deux reliés à distance par téléphone….Recherche d’une identité dans et par le ruissellement de la pluie ???

Cette comédie qui rappelle parfois le vaudeville (on pense à Feydeau ou Labiche pour les situations comiques et les quiproquos) servie par de jeunes acteurs brillants (on découvre l’époustouflante Elle Fanning en fausse nunuche) n’est-elle pas la déclaration d’amour d’un cinéaste octogénaire à sa ville et au cinéma?

Une déclaration empreinte de nostalgie (c’est le New York de Gershwin que l’on est censé respirer voir écouter) et d’autodérision (cf la séquence chez les parents tel un film dans le film : caustique, l’évocation de ce monde huppé protocolaire, inattendu et jouissif le long monologue de la mère)

Un film à voir !!

Colette Lallement-Duchoze

de Céline Sciamma (France)

avec Noémie Merlant, Adèle Haenel, Valeria Golino, 

Prix du Scénario (Cannes 2019) 

1770. Marianne est peintre et doit réaliser le portrait de mariage d'Héloïse, une jeune femme qui vient de quitter le couvent. Héloïse résiste à son destin d'épouse en refusant de poser. Marianne va devoir la peindre en secret. Introduite auprès d'elle en tant que dame de compagnie, elle la regarde.

Voici un microcosme féminin à l’intérieur d’un château. Mais l’homme bien qu’absent à l’écran n’en reste pas moins présent par son oppression: n’est-ce pas un gentilhomme milanais qui exige le portrait de sa promise ?? C’est l’homme commanditaire. Homme invisible aussi mais responsable de grossesse et d'avortement - dont celui pratiqué sur Sophie la servante et auquel le spectateur est convié dans une scène à mi-chemin entre le tragique et le naturalisme…

Et dans ce microcosme, une circulation de regards : - les plus évidents ceux que le peintre pose sur son modèle, ceux du modèle qui scrute le visage du créateur. Regardeur regardé. Alors que le film s’interroge sur le geste créateur (et si l’étincelle créatrice était liée à un fantasme ? à une réelle apparition ? Celle qui aurait traversé le temps l’espace ou l’au-delà pour s’incarner dans une passion aussi déroutante qu’interdite ? Ce que rappelle le texte d’Ovide -dont Héloïse lit quelques extraits sur la quête d’Orphée aux Enfers à la recherche de son Eurydice;  la réponse de Marianne est sans appel (si Orphée s’est retourné ce n’est pas le choix de l’amoureux, c’est le choix du poète.

Le portrait d'Héloïse  aura été ébauché,  saboté, brûlé, abandonné,  repris ...

La réalisatrice semble soigner les intérieurs éclairés à la bougie ou illuminés par les flammes d’un feu de cheminée. Et pourtant que d’erreurs dans le traitement des clairs-obscurs -à moins qu’elles ne soient volontaires ; -une esthétique vaporeuse pour illustrer l’étrangeté ? (dès le générique quelques traits au fusain et le crissement sur la toile vierge alors que la main qui les guide est celle des étudiantes de Marianne ….Elle-même commencera le portrait d’Héloïse de façon similaire...Ou encore cette lueur dans la torpeur de tourments liés à la fois à l’acte créateur et à l’amour naissant ?: et voici un halo diaphane ou serait-ce le spectre d’Héloïse /Eurydice ?

En revanche quand la réalisatrice filme les deux femmes amoureuses qui ont délaissé les drapés de leurs robes pour ceux du lit, qui ont renoncé à tout ce qui les corsetait pour laisser s’exprimer leur chair même avec pudeur, chaque plan choisi correspond au désir de composer un tableau immobile ou en mouvement. De même les scènes en extérieur -filmées en Bretagne- frappent par une composition qui rappelle un tableau : une répartition selon la règle d’or, une présence humaine qui s’intègre aux éléments naturels ou les domine

L’interprétation habitée des deux actrices, Adèle Haenel (rappelons que la réalisatrice a écrit le rôle d’Héloïse pour elle !.) et Noémie Merlant (vue récemment dans Drapeaux de papier et surtout dans Curiosa en maîtresse de Pierre Louÿs) joue -c’est une évidence- sur la puissance émotionnelle du récit quand bien même leur jeu -direction d’acteur exige- impose la distanciation

Un film qui peut tout autant séduire que décevoir ! (symbolisme récurrent de l'eau et du feu trop appuyé)

Habiter ou ennuyer ! (lenteur initiale immodérée,  plans fixes prolongés..)

Colette Lallement-Duchoze