de Gregor Bozic (Slovénie) 

avec  Massimo de Francovic, Giusi Merli, Anita Kravos, Ivana Roscic, Janez Skof

Présenté en compétition au festival A l'Est (qui a lieu à Rouen du 3 au 8 mars 2020)

Quelques années après la fin de la Seconde Guerre mondiale, à la frontière de la Yougoslavie et de l'Italie, le destin d'un vieux charpentier va croiser le destin de Marta une vendeuse de châtaignes

On connaît les choix du festival A l'Est -dont c'est la 15ème édition-  des  films à l'écriture belle dans leur exigence et leur plasticité; le film slovène présenté hier soir en compétition en est une fois de plus  l'illustration

Un parterre de feuilles mortes couleur cuivre et or, et au milieu une "fosse"; vue en plongée; caméra et plan fixes; des personnages entrent dans le champ et leurs paniers emplis de châtaignes exécutent un ballet aérien en déversant leur contenu. puis ce seront des femmes qui, avec leurs râteaux recouvrent ce "trésor" des feuilles mortes et leurs mouvements ressemblent à un autre ballet chorégraphié à même le sol. Le ton est donné dès cette scène d'ouverture: une composition minutieuse (cadrage répartition dans l'espace couleurs et lumière) et "sacralisation" des châtaignes (Marta dans une séquence perpétue -peut-être en vain-  le commerce des châtaignes)

Un homme marqué par les ans, assis au pied d'un arbre se prend à rêver du moins il se souvient...alors qu'il attend la charrette-navette- et ce sera à bord de celle-ci que la conversation ou les rires fous des deux jeunes filles vont impulser le souvenir

Dès lors vont s’éployer en une série de flash-back et traitées de façon très picturale (souvent des tableaux d’une beauté indomptée) des séquences qui auront marqué sa vie. On passe de l’une à l’autre par un titre

(A rappeler ici que Stories from the chesnut woods traduction anglaise, insiste sur la pluralité et  impose un certain découpage narratif, alors que la traduction française,  "il était une fois...."  rappelle l’incipit des contes)

La plus émouvante des "histoires/séquences" est sans conteste celle qui évoque les derniers moments de l’épouse Dora. Le beau visage de l’actrice Giusi Merli ses déplacements à pas comptés ses paroles laconiques illustrent le rôle de ces femmes soumises qui jusqu’à leur dernier souffle auront trimé comme des bêtes de somme, au service de l’époux mâle et macho !!!

Mais le film ne manque pas d’humour (scènes de bistrot où les hommes s’adonnent à un jeu d’adresse; visite chez l’unique médecin qui prescrit un médicament unique, telle une panacée ) ; il peut être «sordide » (quand Massimo prend les mesures pour fabriquer un cercueil à sa femme, alors qu’elle exhale encore le souffle de la vie)

Un film tout en nuances-voire ellipses- pour évoquer des conditions de vie dans l’après- guerre (certaines personnes comme Marta,  sont contraintes au départ pour leur survie).

Quelques plans et c’est tout un pan de l’Histoire qui s’impose au spectateur ( à lui de reconstituer....)

Un film dont le réalisateur est à la fois grand portraitiste et brillant paysagiste

Et malgré un bémol (une musique parfois trop illustrative) "il était une fois un châtaignier" est un film à ne pas rater! 

Colette Lallement-Duchoze

de Jan Komasa (Pologne)

avec Bartosz Bienelia, Eliza Rycembel, Aleskandra Konieczna, Tomasz Zietek

Festival A L'Est (Rouen du 3 au 8 mars 2020)

Soirée d'ouverture le 3/03/2020

Daniel, 20 ans, se découvre une vocation spirituelle dans un centre de détention pour la jeunesse mais le crime qu'il a commis l'empêche d'accéder aux études de séminariste. Envoyé dans une petite ville pour travailler dans un atelier de menuiserie, il se fait passer pour un prêtre et prend la tête de la paroisse. L'arrivée du jeune et charismatique prédicateur bouscule alors cette petite communauté conservatrice.

Un atelier. Des corps qui épousent le mouvement des scies Et en l’absence momentanée du gardien un « règlement de comptes » violent (traité partiellement hors champ) Daniel joue le rôle de guetteur zélé . Nous sommes dans un centre de détention pour délinquants. Fin du prologue. (à cette scène d’ouverture fera écho la séquence finale...)

Si les croyances et pratiques religieuses semblent omniprésentes (rôle du père Thomas dans le centre, activités du village/paroisse rythmées par les rites que sont la messe, les enterrements, les confessions, les processions) la religion s’inscrit dans une dialectique Eros et Thanatos, dialectique dont la résolution serait la rédemption incluant le pardon. Pardon que Daniel s’octroie pour lui-même,  (il a commis un meurtre) pardon qu’il tente de dispenser à une communauté corsetée dans ses rancœurs -suite à un épisode tragique. Eros sera Agapé. Telles sont bien les forces en présence dans ce film dont le titre renvoie aux deux acceptions du terme « communion » « croyance uniforme de plusieurs personnes qui les unit sous un même chef dans une même église et « réception de l’eucharistie » -corpus christi- ce qu’illustre la représentation iconique du Christ sur la Croix (vue souvent en contre-plongée)

Daniel a  "usurpé"  la fonction de prêtre : non seulement il en revêt l’habit mais dans ses prêches, il fait siens tous les préceptes enseignés par le père Thomas (dont il "usurpe"  aussi l’identité) L’acteur Bartosz Bienelia aux yeux  bleu acier, au regard halluciné, à la peau parfois translucide, au corps tatoué (les tatouages ne seraient-ils pas devenus stigmates?) interprète de sa présence charismatique, ce personnage ambigu ambivalent. Prédicateur, amant, rock star, habité et violent, il est de tous les plans (souvent fixes) : son visage vu de profil ou de face peut envahir l’écran, seul face aux paroissiens (mais vu de dos) il prodigue la "bonne parole", ses lèvres dans le confessionnal à travers le grillage murmurent le pardon, son corps mis à nu se love dans l’embrasement amoureux. Parfois il est comme "détaché" de l’image, comme aimanté vers un Ailleurs et quand les paupières sont closes c’est un regard intérieur qui doit irradier tout son être…

Comment guérir une âme de ses tourments ? On retiendra cette séquence où -comme dans une séance de thérapie collective- les villageois sont invités à hurler, dans un cri primal, leurs obsessions. Daniel  devenu aussi justicier,  a repris une enquête (un chauffeur en état d’ébriété aurait provoqué l’accident mortel) . Disculper, déculpabiliser, accéder à la sérénité

Un film  souvent sombre (et le parti pris des ambiances au bleu flouté ou glaciales le prouverait aisément) mais aussi empreint d’humour;  un film à la construction sinon rigoureuse du moins très habile (schéma circulaire, alternance scènes d’intérieur et d’extérieur, progression du personnage dans son chemin de croix) la  scène finale, percutante et dans sa forme et dans son message,  n’est pas pour autant épilogue….

Un film à ne pas rater !

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire réalisé par Jean-Robert Viallet et Alice Odiot (France)

Tourné entre 2016 et 2018 à la prison Les Baumettes (avant sa fermeture) 

25 jours en immersion dans la prison des Baumettes. 30 000 mètres carrés et 2 000 détenus dont la moitié n’a pas 30 ans. Une prison qui raconte les destins brisés, les espoirs, la violence, la justice et les injustices de la vie. C’est une histoire avec ses cris et ses silences, un concentré d’humanité, leurs yeux dans les nôtres.

Le ciel par-dessus le toit : un bleu azuréen couvre les 2/3 de l’affiche ; un bleu qui restera hors champ dans le documentaire « Des hommes » Un bleu auquel vont se substituer des rais lumineux tentant de s’infiltrer dans les plus petits interstices et surtout le contraste entre une lumière extérieure qui traverse les  fenêtres grillagées  et un intérieur vétuste insalubre où « croupissent » les détenus

Derrière une porte vitrée sécurisée s’agite un détenu à la marche erratique vite hypnotique et l’on devine quand il s’approche , des traits qui nous sont familiers. Écran noir. Le film peut commencer. Ce plan d’ouverture sera repris en écho à la fin. Une des rares métaphores (le mouvement perpétuel et vain de l’homme qui tourne en rond en vase clos) dans ce documentaire à la fois sobre et  humain 

Sobre ? Ne serait-ce que par le refus d’une voix off, (ce sera celle de la musique de Marek Hunhap) l’absence d’une surenchère visuelle (celle de gros plans ou zooms sur des dysfonctionnements matériels ou autres qui illustreraient le misérabilisme par exemple) mais l’insistance sur de petits objets -comme substituts de langage- ; le positionnement d’une caméra (souvent fixe) à la fois très proche et suffisamment distante pour capter gestes et paroles (même dans l’exiguïté d’une cellule de 9m2)

Humain ? c’est bien ce qui intéresse les deux documentaristes. On est loin des clichés auxquels la presse nous habitue. Écoutons ces aveux teintés d’humour, ces tentatives de minimiser un « forfait » commis en interne, regardons ces yeux rieurs, moqueurs ou embués, respirons ces effluves qui dans la promiscuité, transpirent (de) l’humain !

Le personnel -essentiellement féminin- bienveillant,  est à l’écoute sans être dupe (les séquences de "condamnation en interne" sont succulentes..) -à signaler que la plupart des condamnations sont liées à des histoires de stupéfiants...ce qui en dit long sur "la politique française pénale en matière de drogue" (mais les documentaristes ne jugent pas,  ils donnent à voir!)

Ces détenus  ne sont pas des "anges"

Mais ce sont des hommes! 

« Allez, venez.

Restez un peu et vous verrez.

Vous en sortirez plus confus qu’en entrant.

Oui cette prison pue l’humanité » Jean-Robert Viallet

Colette Lallement-Duchoze

 De Anthony Chen (Singapour)

Avec Yann Yann Yeo, Christopher Ming-Shun Lee,  Koh Jia Ler 

Des trombes d’eau s’abattent sur Singapour. C’est la mousson. Les nuages s’amoncellent aussi dans le cœur de Ling, professeur de chinois dans un lycée de garçons. Sa vie professionnelle est peu épanouissante et son mari, avec qui elle tente depuis plusieurs années d’avoir un enfant, de plus en plus fuyant. Une amitié inattendue avec l’un de ses élèves va briser sa solitude et l’aider à prendre sa vie en main.

C’est un film tout en nuances subtiles où pudeur et délicatesse évitent le mélo, le pathos.

C’est que la caméra est toujours à la "bonne" distance : elle sait être proche sans être inquisitrice ou plus en retrait mais avec élégance 

C'est que les "mini scènes" qui se succèdent - où se reproduisent des gestes identiques -  sont moins des "saynettes" que des "fragments" -avec rarement des débuts et des fins- et vus sous des angles différents

La répétition n'est pas pure mécanique. Car plus le personnage ou un épisode se rejouent  (Ling chez elle prenant soin de son beau-père hémiplégique, Ling professeur au lycée face à une classe entière ou en tête-à-tête avec son élève pour un cours de rattrapage, Ling au volant de sa voiture, Ling s'administrant des injections) plus -et cela mérite d'être souligné- s'impose une singularité. Celle d'une femme en mal d'enfant, délaissée par son mari, et comme "étrangère" dans la ville. Professeur elle enseigne le chinois à des jeunes qui préfèrent l'anglais -la langue des affaires- ; femme au foyer elle illustre en l’incarnant -du moins le temps de cette « wet season » - une tradition qui règle la stricte répartition des tâches, et le dogme de la sacro-sainte lignée.

Car le film est aussi l’histoire d’une émancipation

Filmés de face, seuls, assis, dans la salle de classe, Ling et son élève Wei Lun dégustent un durian ; ce fruit interdit dans les transports publics à cause de son odeur, ne devient-il pas la métaphore de la transgression ?

Étreinte prolongée sous la pluie (ce sera ma première rupture), les larmes du professeur et de son élève se mêlent aux sanglots de la pluie; le cadre d’abord resserré -comme sont enserrés "amoureusement" les deux corps- s’élargit  pour faire entrer la présence bleutée des gratte-ciel de la mégapole….(cf l’affiche)

Choix chromatiques en harmonie avec cette saison des pluies, condensation (dans ses sens propre et figuré); absence de musique ce qui évite un surlignage émotionnel  (seul le ruissellement de la pluie qui martèle ou s'abat avec fracas va scander le parcours de Ling);   absence de très gros plans (significative d’une distance maintenue vis-à-vis du personnage comme du spectateur),  dialogues minimalistes, tout concourt à faire de « west season » un film où l’intime -même le plus cru- évite la trivialité, où les non-dits et les ellipses servent de ponctuations, où sur la toile de fond s'inscrit une critique sociale…(la société singapourienne et sa loi du profit coûte que coûte)

Un film que je vous recommande

Colette Lallement-Duchoze

D' Alejandro Amenabar (Espagne) 

Avec Karra Elejalde (Miguel de Unamuno) Eduard Fernandez (José Millan Astray) Santi Prego (Francisco Franco)

Espagne, été 1936. Le célèbre écrivain Miguel de Unamuno décide de soutenir publiquement la rébellion militaire avec la conviction qu'elle va rétablir l’ordre. Pendant ce temps, fort de ses succès militaires, le général Francisco Franco prend les rênes de l’insurrection. Alors que les incarcérations d’opposants se multiplient, Miguel de Unamuno se rend compte que l’ascension de Franco au pouvoir est devenue inéluctable...

Sauver la civilisation occidentale chrétienne cette formule que Franco empruntera à Miguel de Unamuno (1864-1936) serait un des arguments de ce poète philosophe en faveur du nationalisme et de l’armée espagnole (le poète a d’ailleurs donné 5000 pesetas pour défendre cette "cause").

Prise de pouvoir par Franco et simultanément aveuglement (?) de certains intellectuels -dont Miguel de Unamuno -avant son revirement lors de la fête de la Race dans un « fameux » discours-,   telle est bien la double dynamique de ce film.

Tout en sachant que -de l’aveu même du réalisateur- Lettre à Franco "parle autant du passé que du présent face à la montée des mouvements fascistes en Europe" 

Intentions plus que louables!

Mais le « traitement » de cet épisode (été 1936) est à la fois didactique et académique (avec le risque inhérent : provoquer l’ennui) ; la reconstitution très appliquée est certes solide  et  minutieuse (décors, costumes, personnages ayant réellement existé; documentation) mais elle pèche par un classicisme désuet, pour ne pas dire « pompeux » quand elle ne verse pas dans une forme de mélo (relations de Miguel de Unamuno avec sa fille, son petit-fils ; récurrence de ce plan lumineux sur sa jeunesse heureuse) et pire ! dans une forme d’opérette (acteurs grimés ressemblant aux personnages réels, texture lisse de l’image)

Et même les fluctuations et contradictions idéologiques du personnage sont souvent escamotées derrière des « coups de gueule » assez complaisants

On retiendra du discours prononcé par Miguel de Unamuno le 12 octobre 1936 « vous vaincrez mais vous ne convaincrez pas »,  alors que l’assistance -une vague brune- se lève au cri de  « vive la mort »

On connaît la suite….

Colette Lallement-Duchoze