De Cecilia Atàn et Valeria Pivato (Argentine)

Avec Paulina Garcia Claudio Rissi

présenté au festival de Cannes (Un certain Regard)

Argument

Teresa, 54 ans, a toujours travaillé au service de la même famille jusqu’au jour où elle est contrainte d’accepter une place loin de Buenos Aires. Elle entame alors un voyage à travers l’immensité du désert argentin, et ce qui semblait être le bout du chemin va s’avérer le début d’une nouvelle vie.

Les premiers plans étaient "prometteurs" : une théorie de voyageurs vue en légère plongée ,apparemment déboussolés, et dont les paroles nous parviennent feutrées comme chuchotées ; on s’interroge sur la cause de l’accident du bus….oiseau; pare-brise.. Il faudra passer la nuit au sanctuaire de la Difunta Correa, un lieu de pèlerinage situé dans le désert de San Juan, au centre-ouest de l’Argentine.

C’est alors que la caméra va capter en le détachant du groupe, le visage de Teresa ; elle sera la fiancée du désert… Un sac oublié par inadvertance dans l’habitacle du camion d’El Gringo (où elle essayait une robe) et cet "acte manqué" est le point de départ à ce qu’il est convenu d’appeler un road trip

Certes l’actrice chilienne Paulina Garcia -qui est de tous les plans- interprète, talentueuse, tous les registres, les nuances des sentiments et de l’émotion (pudeur, désarroi, sourire,  illumination).

Certes l’alternance entre flash back et moment présent permet au spectateur d’approcher au plus près le personnage  et aux réalisatrices de dénoncer sans trop appuyer ce que furent les relations patron/domestique et la relation avec Rodriguez - le fils "paternaliste" de ses ex patrons (Teresa par son abnégation ne ressemble-t-elle pas à la Félicité de Flaubert?)

De même l’alternance entre extérieurs - panoramiques sur la vaste étendue de San Juan- et scènes d’intérieurs -maison des ex-patrons, bars restaurants aux couleurs chaudes,- évoque sans symbolisme cet "entre deux" où se trouve désormais Teresa

Certes le voyage aux côtés de Gringo (à la recherche du sac….) se double d’un voyage intérieur dont les différentes "étapes" coïncident avec les temps de pauses et de rencontres. Et le changement de coiffure participe lui aussi de cette "initiation" (cheveux enfin déliés = laisser aller, lâcher prise) 

Tout cela traité par petites touches. Serait-ce une épure ?

Mais quelque chose ne tourne pas rond…

et le minimalisme peut se faire pataud et- paradoxalement- "pompier" 

Non-dits trop signifiants ? Cheminement laborieux ? Absence de singularité ? 

En tout cas, on est loin du "réalisme magique" revendiqué

Colette Lallement-Duchoze

Docu-fiction d'Emmanuel Gras 

avec Kabwita Kasongo et Lydie Kasongo 

Grand prix de la Semaine de la Critique, Cannes 2017

Kabwita vit dans la province de Katanga (au sud de la République Démocratique du Congo). Ses ressources, pour subvenir aux besoins de sa famille (son épouse et ses trois enfants) ? Fabriquer SON propre charbon de bois (makala) et le vendre

Et l’on va le suivre depuis le choix de l’arbre, sa coupe à la hache, la transformation en charbon, l’empaquetage,  jusque dans sa longue marche de 50km -les paquets empilés sur un vélo déglingué- vers le marché de Kolwezi.

C‘est de ce périple, c’est de ce labeur, c’est de cette volonté irrépressible de survivre en bravant tous les dangers, que le réalisateur rend compte dans ce long métrage/documentaire - qui n’exclut pas l’arrière plan politique - la condition des plus démunis contraste avec l’irresponsabilité des gouvernants : le plan où Kabwita -qui croule sous le fardeau sous la chaleur-  tourne le dos à une immense affiche vantant les bienfaits du président Kabila, le prouverait aisément

La somptuosité des images, la perfection des cadrages, le respect d’une lumière "naturelle", les effets de clair -obscur, l’alternance entre gros plans sur le visage de Kabwita et plans larges (quand il affronte seul une nature hostile)- ou plus resserrés (quand il est confronté à la "cité" trépidante et mercantile des hommes) et cette musique lancinante -frottements d’archet de violoncelle-, tout concourt à entraîner le spectateur dans cette odyssée et à le subjuguer

Alors que cesse la cognée, que l'arbre s'est allongé voici que les ramures dessinent une chorégraphie céleste et que tout semble se minéraliser ....

Alors que les "tractations" ont pris fin, voici Kabwiti au sein d'une communauté où l'on exalte les vertus de l'homme intègre; tous les participants, comme en état de transe, implorent le Seigneur (séquence finale) 

Ainsi la caméra d'Emmanuel Gras aura fait de Kabwita, charbonnier congolais, un être "mythique"..

Un film à la ténébreuse clarté

Un film saisissant

A voir absolument

Colette Lallement-Duchoze

de George Ovashvilli (Géorgie)

avec Lika Babluani (Tatia) , Hossein Mahjoub (Zviad Gamsakhurdia) , Zurab Antelava (Shalva) ...

argument

Le président déchu qui incarnait autrefois l'espoir d'une nation nouvelle, tente de reconquérir le pouvoir. Escorté par une poignée de fidèles, il traverse clandestinement les paysages majestueux de la Géorgie, tour à tour accueillants et inquiétants...

Le nom du président géorgien, Zviad Gamsakhourdia, -démocratiquement élu, renversé par un putsch, contraint à l’exil- n’est mentionné qu’au générique de fin. Il est salué par ses proches et les hôtes qui lui sont encore favorables par la formule de déférence "monsieur le président".  Le réalisateur -qui ne cache pas ses sympathies pour cet homme- s’intéresse moins aux questionnements d’ordre politique -ils sont suggérés- qu’à la solitude fondamentale d’un être déchu mais obstinément accroché au pouvoir; il en vient même à pénétrer sa conscience -donnant à voir par exemple ses cauchemars en de courtes scènes hallucinées sans raccord, ce qui donne l’illusion du vrai….

Errance forcée, marche inexorable vers la mort, le film est scandé par la récurrence de l’injonction "il faut partir". Nous traversons avec les marcheurs clandestins (garde rapprochée qui ira s’amenuisant) des paysages à couper le souffle : montagnes forêts plans d’eau. Voici le groupe formant une théorie presque gracile qui se détache sur une pente enneigée, le voici filmé de plus près et la compacité dit dans le silence la force authentique de la fraternité. Traverser des forêts (où perle la lumière diffractée), arpenter des montagnes (avec cette alternance entre plans en plongée et contre plongée selon que l’on veut mettre en évidence la faiblesse ou la puissance de l’homme, la majesté bienveillante ou hostile de la nature).

Un film dépouillé à la beauté sidérante. Peu de dialogues ; la musique est celle du vent, du crissement de la neige -amplifiée par la bande-son- ou celle des chants lors de certaines pauses, dans des gîtes ou chez l'habitant. Le tempo naît de cette alternance. Alternance entre scènes d’extérieur (avec toutes les nuances de lumière) et scènes d’intérieur (où les cadrages les jeux de clair obscur, la répartition dans l’espace des personnages peuvent évoquer des scènes de genre ou du moins ont la puissance évocatrice de certaines peintures) Entre l’horizontalité (scènes d’intérieur ; le président tel un "gisant") et la verticalité du mouvement ascensionnel ; entre groupe et individu : le président isolé dans sa quête vouée à l'échec ; sensations émotions se lisent à fleur de peau sur son visage -quand il est filmé de très près. Un président magistralement interprété par l’acteur iranien Hossein Mahjub

Christ des temps modernes (avec son par-dessus sa cravate son attaché-case,  métonymie d’un pouvoir qui se délite) il fuit avec ses "apôtres", ses "fidèles", et nous suivons son calvaire, son chemin de croix, balisé par  des "stations"  jusqu’à sa mort à Khibula (suggérée …elle restera hors champ)

On oubliera vite quelques symboliques appuyées (oiseau encagé ; blessure prémonitoire ; gros plan sur les chaussures boueuses) ou le dispositif répétitif (marche, pause, départ forcé) pour retenir le mélange de réalisme et de contemplation, la maîtrise formelle (plans cadres variations de lumière, infinité des ambiances) maîtrise à laquelle George Ovashvilli  avait habitué son public (cf la terre éphémère)

Un film envoûtant (dernière séance ce jour à 15h30 Omnia) 

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire réalisé par Robert Bober (France Autriche)

Le documentariste ravive la mémoire de son arrière-grand-père parti de Pologne pour s'installer dans une Vienne moderne et cosmopolite , celle de Stefan Zweig, Joseph Roth, Arthur Schnitzler à la veille de la montée en puissance du national-socialisme qui mettra fin à cette capitale culturelle

Ce documentaire s'ouvre sur la première séquence de  "la ronde" de Max Ophüls, (film adapté  de la pièce d'Arthur Schnitzler); long travelling qui fait passer d'une scène de théâtre à un studio, le personnage change d'habit,  il revêt un costume 1900;  Anton Walbrook -au timbre de voix si particulier- incarne le récitant  acteur?, auteur? passant.?..

Ce pré-générique qui sert de prologue va encoder tout  le film. Robert Bober, 86 ans, sera le récitant de "Vienne avant la nuit" . Vienne où s'est installé son arrière-grand-père après avoir été refoulé à Ellis Island alors qu'il gagnait l'Amérique pour fuir la Pologne. Vienne au début du XX° siècle. Vienne capitale des arts et des lettres. Vienne presque cent ans après où se rend le documentariste sur les traces de....cet aïeul ferblantier à Léopoldstadt -quartier où un enfant sur deux était juif...

Seule une photo peut témoigner de son existence, de son passage; alors elle sera viatique au même titre que tous les ouvrages emportés. Afin de faire jaillir en pleine lumière un temps retrouvé..mais aussi exhausser à l'universel, une quête personnelle

Alors que le vieillard à la longue barbe blanche s'inscrit déjà dans la ville "à la mémoire obscurcie" et qu'il l'imprègne -même s'il n'a pas connu ni côtoyé Stefan Zweig, Joseph Roth, Arthur Schnitzler- , tout un jeu de superpositions et/ou de surimpressions va relier différentes strates; et voici que résonne tragique et ambiguë cette phrase de Max Ophüls "j'adore le passé; c'est tellement plus reposant que le présent et tellement plus sûr que l'avenir" ....

Questionnement sur l'histoire des lieux et des personnes qui les ont habités, ce documentaire mêle images d'archives, extraits de films, d'entretiens, d'essais, photos de famille, tous commentés par le réalisateur à la voix posée, monocorde et vite lancinante. Train, chambre d'hôtel, café, cimetière, il est aussi là, hic et nunc, omniprésent sachant qu'exhumer le passé -qui est aussi une culture, la sienne, une culture yiddish - c'est le faire exister dans  le présent qui le portait déjà. Tout comme la présence d'une biche dans le cimetière (cf l'affiche) va donner vie aux stèles/mémoires délabrées...

Mais cette  méditation   par sa facture assez classique, son imprégnation religieuse, et par certains de ses commentaires, peut laisser certains spectateurs ...à quai...(et j'en fus...)

Colette Lallement-Duchoze

d'Andrey Konchalovsky Russie Allemagne 2016

avec Julia Vysotskaya, Christian Clauss, Philippe Duquesne, Victor Sukhorukov, Peter Kurt…

Lion d'Argent Mostra de Venise 2016

Argument:

Olga aristocrate russe émigrée en France  rejoint la Résistance quand la guerre éclate. Jules bon père de famille français, fonctionnaire de police, choisit de collaborer avec le régime nazi. Helmut, fils de la noblesse allemande, devient officier SS dans un camp de concentration....

On croyait la thématique éculée! Le film de Konchalovsky la traite  d'une façon inédite : le choix du noir et blanc, d’un format carré; parfois, le cadre s’élargit quand à la confession succède son illustration, quand un souvenir évoqué se concrétise dans sa représentation.

Qui sont ces trois personnages qui face à la caméra s’expriment par-delà la mort ? Comme s’ils subissaient un interrogatoire qui décidera de leur entrée ou non au paradis. Quelles étaient leurs motivations ? Les paroles les faits les circonstances de leur trépas ? Et quel lien -autre que de se croiser- entre un fonctionnaire français qui, pour protéger sa famille, a choisi la collaboration, un officier allemand inféodé à la doctrine nazie et une aristocrate russe entrée en résistance qui a décidé de sauver des enfants juifs ? La réponse ce sont les propos de Karl Jaspers 1946 si l’on en croit le réalisateur russe "Ce qui est arrivé est un avertissement. Il doit être remémoré continuellement. Si les camps ont existé alors ils peuvent de nouveau exister, n’importe quand. Seule la mémoire peut empêcher cela de recommencer. Le danger à présent est le déni, l’oubli, et le refus de croire que c’est effectivement arrivé" 

On retrouve dans Paradis un aspect de la philosophie existentialiste (celle de Sartre, de K Jaspers) un individu est  la somme de ses actes ; si les trois confessions font état d’une faillibilité "humaine" -c’est-à-dire compréhensible-  seuls les actes décideront, au final, du jugement

Dispositif figé?. Il doit l’être précisément : le format carré enferme on le sait le personnage dans le cadre. La confrontation avec l’œil d’un Maître qui reste hors champ -même s’il se confond avec l’œil de la caméra, incite le "locuteur" à ne pas biaiser dans sa "justification" (Olga à plusieurs reprises est contrainte de cacher son visage en l’enserrant dans ses bras, Jules affecte un sourire complice quand il avoue quelques turpitudes, Helmut défend tel un tribun sa foi dans le "paradis" imaginé par Hitler celui des “Übermensch” aryens- et son visage s’illumine). Que dire de ces simulations -fausses sorties de bobines- sinon qu’elles s'inscrivent dans cette volonté de "renouer" avec le style "images d’archives" ?

L'alternance entre plans fixes (les moments de confessions) et scènes restituées (manoir, camps, vie familiale, etc.) loin d'être répétitive, participe elle aussi au dévoilement; il y a d'une part la parole et d'autre part son prolongement par l'image  qui  corrobore, infirme ou "montre"concrètement ce que la confession aurait  occulté ou ce que, trop abstraite, elle ne peut "dire" expliciter; simultanément elle élargit le champ de vision sur d'autres protagonistes (personnages dits "secondaires" qui vont être projetés sur le devant de la scène)

Quelques scènes dans la promiscuité malsaine des camps – sous la férule d’une kapo- frappent par leur réalisme alors que l’épisode italien – la rencontre Helmut et Olga- baigne dans un blanc qui sature l’espace où, languides, évoluent les corps.

On saura gré au cinéaste de ne pas avoir insisté sur les atrocités : une montagne de paires de lunettes -Olga travaille dans le centre de triage d'un camp - suggère par métonymie l’ampleur du génocide

Attention danger! prévient Konchalovsky : le cas d’Helmut est à cet égard exemplaire : nous suivrons le parcours d’un jeune intellectuel brillant, spécialiste de Tchekhov amoureux de Brahms qui s’est transformé en monstre…. Séduit par la rhétorique de la haine....  

Colette Lallement-Duchoze