De Jacques Audiard (USA France)

avec Joaquin Phoenix, John C. Reilly, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed

Ce film présenté à la Mostra de Venise a obtenu le prix du meilleur réalisateur (le 8/09/2018)

En 1851, dans l'Oregon, les frères Eli et Charlie Sisters sont deux tueurs à gages engagés par le Commodore, pour récupérer la formule du chimiste Hermann Kermit Warm et tuer celui-ci à l'aide du détective John Morris....

En s’attaquant au genre le plus canonique Jacques Audiard -dont c’est le 8ème film- semble avoir réussi son  pari

Comme Leone -pour ses westerns dits spaghetti – il a tourné en Espagne  les scènes d’extérieur, les 3 régions sont mentionnées dans le générique de fin, (les scènes d’intérieur ont été filmées dans des studios en Roumanie) ; comme dans le western dit crépusculaire il complexifie les caractères : Charlie et Eli Sisters seraient les deux faces d’une même médaille et ce duo -à la gâchette facile- est par un effet spéculaire dupliqué par cet autre :Warm – le chimiste- et Morris -le détective lettré ; il fait de la traversée de l’Orégon à la Californie en passant par Mayfield, une fable picaresque avec un substrat moins "moral" que philosophique ou psychanalytique. Entendons par là que l’aspect circulaire (à la fin de leur périple les deux frères dont l’un amputé retrouvent le giron maternel), et  l’image du père -elle s’impose sous forme de cauchemar, elle a son équivalent dans la figure du Commodore redoutable et invisible- renvoient explicitement à Freud alors  que la vision d’un monde plus égalitaire en phalanstères, celle revendiquée par le chimiste, à l’opposé de la recherche effrénée du profit personnel, confère à ce film une portée "politique". .Certains aspects : la recherche de l’hygiène - découverte amusée de l’usage de la brosse à dents ou d’une chasse d’eau-  ,le  symbole de l’araignée qui a fait son nid dans la bouche d’Eli, l'amputation (castration?), le  jeu constant d’inversion (Frères/Soeurs, Mme Mayfield tenancière Virago) renvoient à la fable (apologue?) alors que d’autres : scintillement des pépites grâce au produit miracle de Warms, fragrances dont s’imprègne Eli alors qu’il touche délicatement l’étole de la prostituée, écran noir qui joue le rôle de raccord cut,  s’apparentent à une forme d’onirisme qui contraste avec la violence qui a précédé ou qui va suivre….

Les coups de feu seront quasiment hors champ (on leur préfère un crépitement étoilé), pas de très gros plans prolongés (hormis sur le cheval d’Eli moribond), des effets de ralenti ou quelques fondus enchaînés, une voix off celle du détective lettré qui  joue le rôle de narrateur, le fait d'écrire, lire philosopher pendant certaines "pauses", tout cela qui en soi n’est pas innovant, l’est indubitablement dans le genre western revisité par...

La scène d’ouverture (cf affiche) mériterait un commentaire particulier tant elle encode le film et pour la forme et pour le sens

Jacques Audiard en "renouvelant" un genre a fait la part belle à la musique d’Alexandre Desplat, tout en dirigeant quelques monstres du cinéma américain dont Joaquin Phoenix et John C Reilly (qui est plus ou moins à l’origine du projet)

Un film à voir, certes, mais qui à mon humble avis ne mérite pas la critique dithyrambique de certains commentateurs patentés (les mêmes qui avaient encensé les lourdingues "de rouille et d’os" et  "Dheepan")

Colette Lallement-Duchoze

De Jim Cummings (USA)

Avec lui-même, Kendal Farr, Nican Robinson

Section ACID Cannes 2018 

Grand Prix Festival de Deauville 2018

L’histoire de Jimmy Arnaud, un policier texan qui essaie tant bien que mal d’élever sa fille. Le portrait tragi-comique d’une figure d’une Amérique vacillante.

Écrit réalisé interprété et produit par Jim Cummings ce film s’ouvre sur un (trop) long plan-séquence qui sert de prologue : les funérailles de la mère. Jimmy Arnaud officier de police, le fils, s’abstrait de l’assistance et il va prononcer une oraison funèbre faite de paroles à la fois convenues et inattendues, de gesticulations, de pleurs non maîtrisées ; et patatras le lecteur CD ne fonctionne pas...on ne pourra entendre le morceau préféré  de la défunte! qu’à cela ne tienne Jimmy Arnaud en pantomime muet exécute Thunder Road …. (C’est sur ce plan que le film se clôt d’ailleurs ; "rappel " inutile,  n’importe quel spectateur l’aurait mis en parallèle avec la chorégraphie à laquelle assistent le père et la fille dans la dernière séquence…)

Le ton est donné. Celui de la logorrhée et du dérapage (non) contrôlé. Et de fait, nous allons assister à une succession de "ratés" tant dans la vie privée (divorce, garde de l'enfant Crystal) que professionnelle (désobéissance, propos comminatoires) de cet homme. Qu'on est loin des propos affichés avec arrogance quand son "ami" lui demande si ça va "si un jour tu me vois me battre avec un alligator, aide l'alligator"  Ratés et pertes successives ponctuent l'itinéraire de ce (faux?) bravache. A travers Jimmy Arnaud le réalisateur/acteur semble dénoncer des schémas culturels et des comportements qui font florès dans le sud des Etats Unis, où le "mâle" rêve d'être John Wayne. Si l'acteur est talentueux, si le film fait la part belle aux plans séquences, si l'alternance violence/accalmie, larmes/rires crée un tempo, si le personnages est presque pathétique - à l'instar d'un clown- dans sa vaine tentative de "revenir en arrière", il y a ce je ne sais quoi qui peut vous laisser à quai ....

à vous de juger !

Colette Lallement-Duchoze

Ce documentaire de Michel Toesca (présenté à Cannes HC ) sera projeté

en avant-première, dimanche 23 septembre à 10h30 à l'Omnia (Rue de la

République Rouen) 

Un débat en présence du réalisateur suivra la projection 

synopsis

La Roya, vallée du sud de la France frontalière avec l'Italie. Cédric Herrou, agriculteur, y cultive ses oliviers. Le jour où il croise la route des réfugiés, il décide, avec d'autres habitants de la vallée, de les accueillir. De leur offrir un refuge et de les aider à déposer leur demande d'asile.
Mais en agissant ainsi, il est considéré hors la loi... Michel Toesca, ami de longue date de Cédric et habitant aussi de la Roya, l'a suivi durant trois ans. Témoin concerné et sensibilisé, caméra en main, il a participé et filmé au jour le jour cette résistance citoyenne. Ce film est l'histoire du combat de Cédric et de tant d'autres.

lien

https://www.jour2fete.com/distribution/libre

Extraits de l'article de David Fontaine paru dans le  Canard enchaîné du 26/09/18

 Libre (l'étoffe des Herrou)

[...] Un documentaire exceptionnel. Il fait saisir sur le vif le sens d'un combat pour la dignité et fait peu à peu émerger la figure d'un vrai héros, d'un héros tout simple, qui ne se prend pas au sérieux, qui prend sans façon un bébé dans ses bras mais sait aussi  tenir tête aux flics de tout poil (police aux frontières, CRS, gardes mobiles...) et aux autorités de tout acabit (proc, juges, dircab du préfet...) Juste parce qu'il veut être "libre" , libre de manifester sa fraternité  envers les clandestins, libre de leur permettre d'exercer leur droit d'asile, envers et contre l'Etat, qui les refoule illégalement [...]

Un documentaire-à-terre, qui fait aussi voir le ciel

De Matthew Portefield   (USA)

Avec McCaul Lombardi (Keith) , Jim Belushi  (le père)  Zazie Beetz (Courtney) 

Prix du jury du long-métrage au dernier Champs Elysées Film Festival.

argument

Sollers Point, Baltimore. Aujourd’hui. Après une absence forcée, Keith, 24 ans, retourne habiter chez son père, il retrouve Sollers Point, son quartier de Baltimore de plus en plus marqué par le chômage, la violence et la ségrégation. Il y retrouve aussi ses démons.

Si la trajectoire concerne un personnage (Keith récemment sorti de prison assigné à résidence) s’’il est quasiment de tous les plans, (McCaul Lombardi est admirable de force et de justesse), le réalisateur le filme très souvent en présence de ...car Sollers Point est bien -à travers le parcours d’un individu- un portrait de groupe, le tableau désolant d’un quartier de Baltimore et partant le microcosme d’une Amérique désoeuvrée. Lors d’une partie de cartes chez le père de Keith, un des joueurs rappelle avec nostalgie la notoriété des aciéries Bethlehem et la fierté d’y travailler (or leur faillite depuis le début des années 2000 a laminé les villes qui en dépendaient). Si le père vit de sa retraite les jeunes s’adonnent à des trafics (drogue armes) à la prostitution et c’est le triomphe de codes dits « virilistes »

Ainsi c’est par Keith et par toutes ses rencontres que nous allons découvrir les tensions qui innervent le tissu périurbain de Baltimore en même temps que nous découvrons sa personnalité profonde : Courtney son ex amie dira explicitement  "il n’a pas mûri c’est un ado"  Voyez-le avec Scout -chien bien-aimé ; avec sa mamie substitut de la mère dans l’étreinte des retrouvailles ; tel un enfant démuni il en vient à solliciter de l’aide auprès d’un chef de gang raciste, ou hésiter à acheter des armes pour se débarrasser de ses ex-compagnons de taule -alors ses protecteurs….Et pourtant que de tentatives de réinsertion!! Toutes frappées d’inanité ? …serait-ce une fatalité ???  que de déceptions ! (il ne peut se rendre à l’anniversaire de sa nièce, il est viré du stage de clim, il est définitivement « plaqué » par Court, etc. ) En tout cas le film semble traversé par deux forces contraires "chute et rédemption"  mais sans la connotation religieuse

Certains plans sont éminemment signifiants dans leur sobriété même : première séquence Keith écoute du Heavy Metal dans sa chambre et la caméra montre sans insister le bracelet électronique à la cheville....voici dans une pièce, le père avachi dans une chaise longue, c’est l’été, le ventilateur est en marche; voici une femme "en vrac" assise côté passager Keith la reconduit chez elle -(sans demander une quelconque participation) nous ne voyons pas son visage mais ses tremblements et les morsures sur le bras tels des stigmates en disent long sur ses pratiques de droguée ; plan large Keith d’un côté d’un grillage s’adresse à son ex amie (le grillage dit la séparation définitive alors qu’il vient de subir deux ans durant l’enfermement). un vaste panoramique sur un cimetière: Keith écrasé dans l'immensité, va se recueillir sur la tombe de sa mère; douleur et solitude;  le plan choisi pour l'affiche illustre la vaine tentative de réinsertion : Keith est, restera comme entre deux eaux

Sans verser dans le misérabilisme, renouant par moments avec le genre dit naturaliste, jouant avec ellipses et non-dits, imposant un tempo qui fait alterner violence et accalmie avant que n'éclate la fureur  contenue  Matthew Porterfield signe là un film d’auteur indépendant que je vous recommande  vivement

Colette Lallement-Duchoze

Premier long métrage de Lukas Dhont (Belgique) 

Avec Victor Polster (Lara) Arieh Worthalter (le père)

Caméra d'Or au festival de Cannes  et prix d'interprétation masculine (pour Victor Polster) dans la section Un Certain Regard

Argument

Lara, 15 ans, rêve de devenir danseuse étoile. Avec le soutien de son père, elle se lance à corps perdu dans cette quête d’absolu. Mais ce corps ne se plie pas si facilement à la discipline que lui impose Lara, car celle-ci est née garçon.

Pour réaliser son double rêve : être femme, être danseuse étoile, Lara,  née Victor, doit lutter et physiquement et psychologiquement, pendant cette période de transition (traitement médical intensif avant la grande opération). Alors que l’entourage est bienveillant (surtout le père qui l’accompagne l’encourage) Lara est impatiente : son corps ne change pas ou du moins pas assez vite (et nous la voyons à maintes reprises regarder dans la glace d’éventuelles métamorphoses au niveau des seins et des fesses).

C’est ce parcours que le jeune réalisateur Lukas Dhont met en scène et c’est le jeune Victor Polster, un ado de 16 ans, au physique androgyne, qui incarne de façon sidérante le personnage.

Ce film est inspiré d’une histoire vraie -comme le réalisateur l’a rappelé hier soir à l’Omnia face à un public nombreux, impressionné et conquis- une histoire qui l’a hanté depuis ses 18 ans (Nora le « modèle » a d’ailleurs accompagné l’équipe à la Croisette mais elle ne tient pas à sortir de l’ombre)

Loin des clichés ou des poncifs il s’agit bien d’une souffrance dans la chair comme condition sine qua non de sa métamorphose !

Lara est de tous les plans. Elle porte le film, dévore l’écran par son énergie sa ténacité mais aussi par sa grâce ! Le réalisateur a privilégié les gros plans (visage, pieds meurtris) et plans rapprochés (cours de danse, chambre, voiture aux côtés du père, cuisine). Ce n’est pas le regard de l’autre qui est primordial mais les émotions qu’éprouve Lara en toute circonstance, et ces émotions se lisent sur le visage de Victor Polster, s’expriment dans des gestes apparemment banals (préparations culinaires, mouvements de la main) Les séquences consacrées à la danse (très nombreuses et répétitives) insistent moins sur les tortures que le milieu inflige (c’est devenu presque un poncif) que sur la volonté de Lara à les braver en se faisant violence ; pieds ensanglantés, pénis sanglé dans des sparadraps, infections urinaires, tout cela devient comme la métaphore d’une autre souffrance, celle de ne pas encore habiter un corps désiré (même si extérieurement le visage maquillé, les cheveux blonds relevés en chignon, les vêtements donnent à voir une jeune femme) ; de même les « mutilations » qu’elle impose à son corps, en préfigurent une autre …. qui a fait frémir certains spectateurs !

Ni vulgarisation clinique, ni plaidoyer moral, encore moins drame licencieux flirtant avec le sensationnalisme, ce film sur le mal-être est aussi une histoire de tolérance toute en sensibilité en émotion retenue (et le père contenant souvent son désarroi face au mutisme de sa fille, n’en a pas moins adopté une belle solidarité avec elle)

Un chuchotement :Lara Lara c’est l’éveil/ réveil écran encore noir ; c’était le prologue

Lara Lara c’est l’appel angoissé du père à son chevet (après la mutilation…)

Majestueuse et sereine(?) Lara avance filmée en frontal :  c’est le plan final

Colette Lallement-Duchoze

Un film à ne pas  manquer!