court métrage de Louis Tardivier (2019 ) 18'

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L'oeil et la terre - KuB (kubweb.media)

Sur une île aride en proie au déchaînement d’un volcan, les deux derniers représentants d’une civilisation perdue cherchent tant bien que mal leur salut.

Magie, vie, chaos Commentaire du réalisateur Louis Tardivier 

L'histoire se passe sur une île, en vase clos. On ne dit pas s'il existe un ailleurs. La mer s'étend à perte de vue. Les personnages sont seuls au monde. Derniers vestiges d’une civilisation disparue sous une éruption volcanique. Si c'est cette éruption qui a parachevé la disparition de la civilisation, on comprend qu’elle courait à sa perte, qu'elle avait exploité jusqu'à la moelle ses ressources.

Enfermés à l’écart de la société, nos deux survivants ont ironiquement échappé à une mort certaine et globale. Ce point de départ s’inspire de l’histoire du prisonnier martiniquais Louis-Aguste Cyparis, miraculeusement rescapé de l’éruption de la montagne Pelée en 1902 car protégé par son cachot. Cette métaphore de l’enfermement se renforce quand ils découvrent que leur liberté ne fut que de courte durée puisqu’ils se trouvent à présent prisonniers de cette île-tombeau qui n’a plus rien à leur offrir. Ils ne peuvent que constater l'ampleur du désastre et discourir à ce propos tout en cherchant à fuir.

Conditionnés par ce comportement, ils continuent pourtant dans la même veine que leurs pairs ; face aux derniers vestiges d’arbres, ils ne s’émeuvent pas plus et reproduisent le même geste destructeur. Pour autant, ils développent une pensée et questionnent cette situation 

Un discours se construit entre l'homme et la femme autour de sujets philosophiques et prosaïques. Ce ping pong existentiel nourrit nos personnages et le sens du film. Chacun empruntant deux chemins différents. Pour se sauver, la femme va tenir la corde du rationalisme tandis que l’homme va décider partiellement d'orchestrer un retour vers le religieux et le mystique. Le film interroge ainsi notre rapport au choix, à la destinée et au hasard, à l’irrémédiable gratuité du réel dont l’absurde plaide en faveur de l’inexistence d’un Dieu. L’apparence des personnages, un visage/masque épuré aux formes géométriques et un corps humanoïde réaliste, exprime la dualité entre corps et esprit. Cette dialectique âme/corps s'ajoute au discours qui s’établit entre l’homme et la femme. À l’inverse de films apocalyptiques qui mettent en scène une humanité aux réactions pragmatiques ou héroïques face à un sort cruel, les personnages sont déjà passés dans le camp de l’analyse, sans nostalgie ni colère. Il y a de la tendresse, de la complicité dans le discours mais peu d'émotion. Tout est phagocyté par le mécanisme de la pensée. Dans son aspect à la fois grinçant et bucolique, le film nous amène dans un univers où rien n’est permis pour l’homme.

Le prisme de la marionnette nous permet d’élargir le champ des possibles, d’atteindre un récit dialectique, universel, un conte beckettien où le foireux côtoie sans relâche la gymnastique de la pensée et de la joute verbale existentielle. Le film rend compte de la puissance des éléments, de l’incompatibilité de l’appétit de l’homme face à la nature et de la vacuité de bon nombre de ses réflexions démiurgiques.

J’aime l’idée que l’homme puisse changer en un claquement de doigt, que ce soit par une révélation extérieure, ou par une prise en main de son propre destin. Les personnages, persuadés de leur salut, avancent inéluctablement vers un avenir incertain. Survivre plus intelligemment ou mourir avec lucidité.

De Dominik Moll  (France Belgique) 

coscénariste Gilles Marchand

avec Bastien Bouillon, Bouli Lanners, Anouk Grinberg, Pauline Serieys, Julien Frison, Camille Rutherford, David Murgia

Cannes 2022,  section Cannes Première

À la PJ chaque enquêteur tombe un jour ou l’autre sur un crime qu’il n’arrive pas à résoudre et qui le hante. Pour Yohan c’est le meurtre de Clara. Les interrogatoires se succèdent, les suspects ne manquent pas, et les doutes de Yohan ne cessent de grandir. Une seule chose est certaine, le crime a eu lieu la nuit du 12.

Une nuit, un lieu, un crime (féminicide) une enquête

Apparente simplicité et pourtant…

D’emblée le spectateur est prévenu : la nuit du 12 -qui s’inspire du livre 18.3 une année à la PJ de Pauline Guéna- fait partie de ces enquêtes qui ne seront jamais résolues…Est-ce dû à leur complexité ? au manque de  "moyens"  dévolus à la police ? peut-être, sûrement !, et le film est émaillé de détails qui le corroboreraient…

Or le manque de moyens auquel s’ajoute la surreprésentation masculine ont souvent abouti à cette conclusion hâtive : si les femmes sont tuées, c’est peut-être, finalement, un peu de leur faute…. Après tout Clara -la victime brûlée vive- (Lula Cotton Frapier) avait une vie sexuelle assez dissolue…

Le film va démonter ce mécanisme en l’abordant frontalement ou par des moyens détournés.

La scène récurrente sur le vélodrome (où Yohan, l’inspecteur chargé de l’enquête à la PJ, nouvellement nommé, s’entraîne seul chaque soir) prouve que  le parcours intéresse plus que la destination,  de même qu’elle illustre une obsession (à l’instar du cycliste qui tourne en rond, le policier est hanté par la recherche du coupable puis par les motivations d’une telle barbarie) ; obsession qu’il résumera face à la juge (Anouk Grinberg), Il se raconte que chaque enquêteur a un crime qui le hante. Un jour ou l’autre, il tombe sur une affaire qui lui fait plus mal que les autres, sans qu’il sache toujours pourquoi. Elle se met à lui tourner dans la tête, jusqu’à l’obsession.

Cette double connotation imposera ainsi deux dynamiques qui vont rythmer le film !

Un  "parcours"  fait d’auditions, perquisitions, saisies, interceptions téléphoniques, réquisitions, qui met à mal certains a priori, voire certaines convictions, ancré.e.s dans le milieu de la PJ. Nanie (Pauline Serieys)  la meilleure amie de la victime, plusieurs fois auditionnée, ne comprend pas que les enjeux  "sexuels"  obnubilent à ce point les enquêteurs alors que "les femmes sont les premières victimes de la barbarie des hommes dont personne ne s’inquiète des rencontres badines qu’ils vivent" ; une nouvelle collègue, Nadia (Mouna Soualem), énonce, avec un calme réprobateur, cette vérité d’évidence "la plupart des crimes barbares sont commis par des hommes or ce sont des hommes qui mènent les enquêtes"  (il est des truismes qu’il est salutaire de rappeler !)

Une obsession : ces visages d’hommes ni tout à fait eux-mêmes ni tout à fait autres, défilant sur l’écran mental de Yohan ; et si chaque homme était suspect ?? Au cours de l’enquête et lors de sa réouverture trois ans après, Yohan (admirablement interprété par Bastien Bouillon) aura dû changer de  "prisme" (tout comme il change de braquet…)

Alors oui ! Le film de Dominik Moll est plus qu’un  polar  

Une mise en scène souvent glaciale -traversée çà et là de boutades virilisantes ou de clichés avilissants-, des facies comme découpés au scalpel par des jeux de lumière (qu’il s’agisse des enquêteurs ou des personnes interrogées), une interprétation qui force l’admiration, tout cela (et bien d’autres choses) fait que la nuit du 12 -telle une  fable funèbre  enserre le spectateur dans un entrelacs de pièges progressivement déjoués, et telle une  comédie humaine  lui enjoint de dessiller ses yeux (à la pointe de cristal…)

A ne pas rater !!

Colette Lallement-Duchoze

de Fernando León de Aranoa (Espagne 2021) 

avec Javier Bardem, Manolo Solo, Óscar de, Sonia Almarcha

Festival Cinéma Européen 2022, Festival San Sebastian 2021, Festival de cinéma ibérique et latino américain Grenoble 2022

6 récompenses à la cérémonie des Goyas (36ème édition)  dont celles de meilleurs film, réalisateur, scénario et acteur

Représentant espagnol aux Oscars 2022,

Un ex-employé viré qui proteste bruyamment et campe devant l’usine… Un contremaître qui met en danger la production parce que sa femme le trompe… Une stagiaire irrésistible… A la veille de recevoir un prix censé honorer son entreprise, Juan Blanco, héritier de l’ancestrale fabrique familiale de balances, doit d’urgence sauver la boîte. Il s’y attelle, à sa manière, paternaliste et autoritaire : en bon patron ?

Effort, équilibre, fidélité 

L’entrée de l’usine, le portique, la calligraphie, et l’immense balance -dont un gardien doit veiller à l’équilibre de ses deux plateaux- renvoient non sans malice à l’entrée des camps arbeit macht frei,  sauf qu’ici tout est piégé par l’apparente bonhomie (ah ce charisme !!!) d’un patron quinquagénaire (magistralement interprété par Javier Bardem grimé pour la circonstance) qui de sa stature et de sa matoiserie enveloppe TOUT : l’écran, les employés (individualisés ou en groupes) la stagiaire, la femme -épouse, les notables locaux.

Sauf …un employé licencié qui a campé sur ses positions et sur un terrain public, juste en face de l’usine et qui bombarde ses slogans réprobateurs…malgré de mielleuses tractations

Or le temps est minuté- et le chapitrage sur 7 jours, le rythme soutenu, l’affairement incessant du patron Blanco (encore un nom ironique) le prouveraient aisément. C’est qu’on attend la visite imminente d’une Commission qui décidera de l’obtention d’un prix d’excellence !! et voici  "le bon patron" sur tous les fronts ; usant et abusant de son pouvoir de  "pater familias"  (l’usine est une famille vous êtes tous mes enfants.), surpris que des flics soient  "socialistes",  que des journalistes ne "dévoilent pas leurs sources" 

Roublard et compatissant, respectable et dédaigneux, Blanco donne le change, s’impose dans cette succession de scènes (certaines rocambolesques, d’autres plus tragiques) à la recherche d’un "juste équilibre" - en confondant allégrement compromis et compromissions, obnubilé par l’image de marque de son usine

(ô comble de l’indécence éhontée : alors qu’il est en partie responsable de la mort du fils d’un employé…, il verse des larmes de circonstance, se contente d’une brève oraison lénifiante et d’une accolade visqueuse)

El buen patron est une comédie qui avec ironie, humour et excès, épingle le patronat fondé sur le paternalisme patelin. Mais par-delà, c’est bien de la violence en entreprise qu’il s’agit. La violence des plans sociaux, de l’intrusion dans la vie intime des employés, du droit de cuissage. Même si  "en même temps"  le réalisateur suggère que la faculté de résistance et la noble solidarité des  "employés"  s’effritent, quand elles ne sont pas cisaillées…

Gageons que l’épilogue (qu’accompagne la chanson « feeling good » version Michael Bublé) -volontairement ambigu- soit le comble du cynisme !

Légers  bémols : l’aphorisme « une société qui fabrique plus de balances est une société plus juste » et les métaphores liées au patronyme « Basculas Blancos » (mécanisme, grain de sable, travail contre la montre,  équilibre) sont souvent trop appuyé.e.s, ; certaines séquences s’étirent (cf la soirée avec Miralles le directeur de production qui a pété les plombs ; quand bien même la séquence doit  illustrer une des  "nombreuses"  facettes du  "bon patron" :  le chantage à l’amitié et les propos comminatoires)

Colette Lallement-Duchoze

de Chan-Wook Park (Corée 2022) 

avec Tang Wei, Hae-il Park, Go Kyung-pyo, Yong-woo Park

Prix de la mise en scène Cannes 2022

 Hae-Joon, détective chevronné, enquête sur la mort suspecte d’un homme survenue au sommet d’une montagne. Bientôt, il commence à soupçonner Seo-rae, la femme du défunt, tout en étant déstabilisé par son attirance pour elle.

Non ce n’est pas l’histoire qui est "compliquée", mais la façon dont elle est narrée et mise en images. A l’éclatement chronologique (recours aux analepses et prolepses) s’ajoutent les images mentales (le policier à partir d’un factuel imagine la « veuve meurtrière » tout en succombant lui-même à ce que Stendhal identifiait comme la « cristallisation »), la présence à l’écran de personnage(s) qui « logiquement » n’aurai(en)t pas dû se trouver là à ce moment précis. Des ruptures de rythme qui vont de pair avec des ruptures de tonalité elles-mêmes au service d’un mélange des genres (thriller comédie romantique humour ironie absurde).

Oui ce film très esthétique (sans être esthétisant) qui renouvelle les  "codes" du thriller et ose avec auto-dérision des clins d’œil à Vertigo, aura bien mérité son prix de la mise en scène. Le geste répétitif -application de sérum dans les yeux desséchés par l’insomnie- à l’évidente métaphore- désembuer et mieux VOIR-, aurait dû alerter les critiques qui ne tolèrent pas d’être « bringuebalés comme des pantins » alors qu’il suffit de se laisser (em)porter par la vague, le tsunami ou tout simplement par les spasmes et soubresauts

Les prolégomènes inscrivent le film -avec humour- dans une page sociologique -la femme organise la sexualité du couple : une séance de rapports sexuels par semaine afin de lutter contre les maladies cardio-vasculaires ; pour elle des grenades afin de retarder la ménopause, pour lui de l’extrait de tortue pour fabriquer plus de testostérone…Lui c’est Hae-joon, un inspecteur de police, il exerce à Busan. Une ville où, semble-t-il déplorer, « c’est calme en ce moment » et voici comme à point nommé une affaire : mort d’un homme suite à une chute du sommet d’un piton rocheux.    Accident ? meurtre ? on soupçonne la veuve !  Débute une traque où l’épieur est de plus en plus « déboussolé »!

La structure du film ? deux parties -à 13 ans d’intervalle-, mais traitées en « miroir » l’une de l’autre (et la seconde débute suite à la dépression de Hae-joon de n’avoir pas mené à bien la première enquête). C’est que précisément la binarité est au cœur de tout le dispositif. Voici deux êtres qui se fuient tout en se cherchant, voici deux genres -thriller et romance- qui se télescopent s’entremêlent ou se superposent. Voici des images coupées en deux (split-screen) ou à double sens, etc…

Et au final peu importe(ra) si Seo-rae est la double assassine car c’est bien de l’amour assassin qu’il s’agit, celui d’une vénéneuse dévoration -ou comment deux êtres que tout aurait dû séparer- seront consumés par l’amour dans son inaboutissement même ! Un amour suggéré avec pudeur qui jamais ne sera « nommé ». Et la « mise en scène » troublée troublante épouse habilement la confusion, dans un kaléidoscope d’images et d’errements (en arborescence) qui nous aura conduit de la montagne à la mer. Kaléidoscope où le smartphone pénétrant la psyché des protagonistes est devenu - même ensablé- le double de l’œil de la caméra dans l’enfouissement des êtres et des choses

Decision to leave un film à ne pas rater !!

Colette Lallement-Duchoze

de Karole Rocher et Barbara Biancardini : (2022) 

avec Thomas Ngijol, Samir Guesmi

À la suite de l’enterrement de son père, dans son village en plein milieu du maquis corse, Dumè découvre l’existence d’un frère, Lucien, avec qui il devra partager l’héritage laissé par le patriarche. À condition d’arriver à cohabiter un mois dans la maison familiale… Sur  fond de légitimité culturelle et d’héritage immobilier,  un rapport de force va s’installer entre Lucien, le fils de sang, et Dumè, le fils adoptif…

Fraté est un film de famille : mis en scène par Karole Rocher et sa fille Barbara Biancardini, interprété par Thomas Ngijol (compagnon de Karole Rocher), dans le rôle de Dumè ; il est dédié (cf générique de fin) aux grands-parents Biancardini et la longue liste des remerciements salue les habitants du village Vezzani  (les personnages sont comme pris sur le vif dans leurs commentaires de foot, leurs régalades , leurs chansons, etc…)

Premier  plan : filmé de dos face à l’immensité bleue- (démarcation entre l’Île et le continent) -Dumé (Thomas Ngijol)  téléphone; on devine que son séjour en Corse va se prolonger. Puis  dans les deux scènes d’enterrement (à l’intérieur de l’église, oraison, prêche, homélie louant la « fraternité » liée à la « corsitude »; à l’extérieur, au cimetière avec le cortège d’embrassades, de condoléances de tout le village)-, Dumé apparaît  bien  comme le  "fils du pays"

Ainsi dès le début du film, un microcosme (village isolé dans le maquis) est présenté comme  le « reflet » d’un macro (celui de l’Île toute entière, de ses valeurs ancestrales que Dumé a fait siennes dès son adoption, enfant). Un environnement à la lumière diffractée dans les trouées de verdure.

La venue d’un « intrus » va-t-elle perturber ce climat d’entente, de solidarité ?

Premier impair : cet autre  « fils », venu se recueillir sur la tombe de son père,  s’adresse à Dumé comme à un esclave (un Noir est forcément un employé de maison....)

Deuxième "obstacle"  et sujet de l'intrigue:  la cohabitation forcée (pour respecter les clauses testamentaires);  chacun  des  deux "fils"  sera tour à tour le bourreau et la victime!. Vont se succéder moult scènes d’hostilités, de haine, de « projets » mortifères, dont certains abracadabrantesques -jusqu’à la réconciliation ....annoncée dès le  début, ne serait-ce que par le rôle  de médiateur qu'incarne  Angelina, la soeur du défunt

Hommage joyeux à la Corse -propos de Karole Rocher-, ce film est certes une comédie qui, surfant sur les obsessions identitaires, se plaît à tordre le cou à certains clichés (dont la « pureté corse » comme principe d’exclusion). Son message ? la vraie fraternité (cf le titre) importe plus que la couleur de peau (Dumé est noir mais tout noir comme le lui rappelle Lucien) et que les obsessions communautaristes. Une autre philosophie -plus personnelle, mais peut-être hors la loi- est incarnée par l’ermite; clin d’œil à Colonna ??)  Et le long chemin que parcourt Lucien dans le maquis -avant sa rencontre avec l’ermite- pourrait s’apparenter à un chemin initiatique dans le sens où il va se construire une mémoire. Un chemin de terre dans des paysages "sublimes", -forcément sublimes !!! pour devenir humain ? tout simplement !

Et pourtant cette  joyeuse expérience  ne convainc pas : comme si le scénario, l’humour , la mise en scène– et même le jeu des acteurs principaux qui  "forcent le trait"- étaient délesté.e.s de leur force intrinsèque

Laissant souvent le spectateur à quai

A voir (éventuellement) sur petit écran

Colette Lallement-Duchoze