Mediapart  Du 17 au 22 août des projections et des rencontres avec des professionnels auront quand même lieu. Les séances en plein air sont maintenues et deux salles de projection seront reliées à d’autres structures à Lyon, Paris, Marseille, Nîmes… afin qu’un public, le plus large possible, puisse dialoguer partout en France et en visioconférence avec des réalisateurs et réalisatrices. Le format de cette édition hors du commun a été décidé vers la mi-juillet, une fois connue la circulaire de la préfecture.[...]  Bien sûr, dans cette forme allégée, l’équipe a dû renoncer à inviter des cinéastes ou collaborateurs étrangers ou à se rendre dans des centres d’archives incroyables hors de France pour programmer des œuvres ouvertes au monde. Mais, avec le précieux partenariat proposé par la plateforme Tënk (créée par l’ancien directeur général des États généraux, Jean-Marie Barbe, elle est également installée à Lussas), des programmations spécialement pensées pour une diffusion numérique ont été élaborées. Parmi la soixantaine de films ainsi mis en ligne dès aujourd’hui, dimanche 16 août, un 16 minutes sorti en 1943 signé Humphrey Jennings : The Silent Village a pour origine « le massacre de cent soixante-dix hommes du village minier de Lidice perpétré par les nazis, pendant l’invasion allemande de la Tchécoslovaquie. Jennings a déplacé l’histoire dans un village minier gallois et fait jouer certains de ses mineurs », annonce le programme. Intéressant, sans doute. Mais savoir qu’il a été déniché par Federico Rossin, passionnant historien du cinéma qui, l’an passé, a programmé à Lussas une fantastique série de films – parfois très courts et très drôles – autour de l’invention d’une culture populaire yougoslave au sortir de la Seconde Guerre mondiale, cela promet de belles surprises. Sur Tënk, la programmation de Rossin, « Histoires de forme », entend « faire penser les films autrement, les regrouper dans de nouveaux ensembles pour en tirer de nouvelles leçons d’histoire ». Et les onze films proposés autour de trois séances introduites par Rossin s’articuleront autour des questions d’esthétique, d’éthique et de politique, « cherchant à engager avec le public un vrai lien de réflexion, tout en sachant que c’est lui le grand absent, et qu’il nous manquera », écrit l’historien. On peut recommander aussi deux avant-premières, qui seront simultanément diffusées en plein air à Lussas et sur le Net via Tënk, à chaque fois suivies de débats avec les auteurs.

Extrait de « Mes chers espions ». © Vladimir Léon

Mes chers espions, de Vladimir Léon : une valise de souvenirs de ses grands-parents amène le réalisateur à se demander si ces derniers étaient des espions soviétiques dans le Paris des années 1930. (Mardi 18 août, de 21 h 30 à minuit, sur Tënk.) Et Une fois que tu sais, d’Emmanuel Cappellin, une enquête qui mêle l’intime et des entretiens avec des scientifiques pour aborder une question cruciale en ces temps de changement climatique : comment vivre l’effondrement le mieux possible, le plus humainement possible ? (Jeudi 20 août, de 21 h 30 à minuit, sur Tënk.)

Emmanuel Cappellin présente son documentaire : «Quand on sait»

On sera aussi curieux de voir, dès le 23 août, sur Tënk, An Unusual Summer, de Kamal Aljafari : à la suite d’un acte de vandalisme, le père du cinéaste palestinien a installé une caméra de surveillance pour enregistrer ce qui se passe devant chez lui. Le fils en a fait un film où les allers-retours des voisins, les jeux des enfants et quelques moments de poésie fugaces se posent sur le quotidien de Ramla, ville sur territoire israélien, tiré comme une toile de fond. Un essai filmique comme Lussas a l’audace d’en présenter chaque année.

Bande annonce de «An unsual Summer», de Kamal Aljafari

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Sans illusions démesurées sur les conditions dans lesquelles la rencontre avec ce genre de film peut se faire en ligne, « il est possible qu’elle ait lieu, espère Christophe Postic, on peut alors imaginer que des personnes découvriront une forme de cinéma qui les inspirera à aller voir plus loin, jusqu’à Lussas pourquoi pas, sachant qu’ils pourront y rencontrer les réalisateurs ». Mais « à titre personnel, poursuit-il, je ne pense pas que les États généraux s’engageront plus avant dans une édition en ligne. Un festival, ce sont des projections en salle, des débats que l’œuvre génère, une plongée dans une programmation qui peut durer des heures, des rencontres ». Mais l’expérience de cette édition 2020 ne sera pas sans lendemain. Lussas, c’est aussi, chaque année, une université d’été du documentaire. Alors, en ce mois d’août, un petit groupe va se créer ici pour engager une réflexion avec quelques personnes concernées, autour notamment de la philosophe spécialiste des images Marie-José Mondzain, de la critique Marie Anne Guérin (Cahiers du cinéma, Trafic, Vertigo…), de l’enseignant-chercheur en arts visuels Jacopo Rasmi (La Revue documentaire)… Alors que cette crise sanitaire a vu exploser la diffusion des œuvres en streaming, il s’agira d’interroger nos manières de regarder les films, de penser les œuvres et de voir comment tout cela pourrait transformer le cinéma et notre façon de voir le monde. D'après.

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de Rodrigo Sorogoyen (Espagne) 

avec Marta Nieto (Elena)  Jules Porier (Jean) Alex Brendemühl  (Joseba le compagnon d'Elena ) Anne Consigny (Léa la mère de Jean) Frédéric Pierrot, (Grégory le père de Jean) Raùl Prieto (Ramon le père de l'enfant disparu) 

• Mostra de Venise 2019 : Prix de la meilleure actrice de la section Orizzonti pour Marta Nieto

Dix ans se sont écoulés depuis que le fils d’Elena, alors âgé de 6 ans, a disparu. Dix ans depuis ce coup de téléphone où seul et perdu sur une plage des Landes, il lui disait qu’il ne trouvait plus son père. Aujourd’hui, Elena y vit et y travaille dans un restaurant de bord de mer. Dévastée depuis ce tragique épisode, sa vie suit son cours tant bien que mal. Jusqu’à ce jour où elle rencontre un adolescent qui lui rappelle furieusement son fils disparu…

"Madre est l’histoire d’une mère et d’un fils, qui n’est pas le sien. Et c’est une histoire d’amour.”

Le  film s’ouvre sur une séquence qui restera dans les annales ; un plan séquence de plus de 15 minutes ; de son appartement de Madrid, une mère affolée tente de  "guider"   son fils de 6 ans seul sur la plage (sud-ouest de la France?) -le père s’étant absenté momentanément ; un homme s’approche ; menace : le gamin est en danger ;  brisure de l’univers apollinien ; la mère zigzague dans l’appartement ; s’arrête , gros plan sur son visage hébété, son regard affolé ; elle respire , suffoque tout comme l’enfant au bout du fil...; la ligne est coupée ; plus de tonalité. Enfant disparu ?

Ellipse

10 ans après.

Ce sera le film, l’après drame

Elena travaille dans un restaurant en bord de mer sur la côte basque française là où précisément 10 ans plus tôt son fils a disparu. Pendant ses moments de "loisir" elle arpente, seule,  hagarde la plage (récurrence d’un plan filmé en grand angle,  bande son qui amplifie le mugissement sauvage des vagues,  flux et reflux épousant la sidération d’une mère dévastée par la perte de son enfant, le ressassement ad libitum ad nauseam « la mer la mer toujours recommencée »)

. Jusqu’ au jour où elle croit reconnaître son fils …en la personne d’un adolescent... de 16 ans...Jean.

Ce fut comme une apparition.

Dès lors se noue une amitié amoureuse étrange. Dès lors vont triompher les non-dits et les ambiguïtés dans un univers où les frontières entre amour maternel, amour incestueux, amitié amoureuse semblent fragiles et  poreuses -d'autant que de très gros plans sur les visages des deux protagonistes ou sur les mains qui se cherchent semblent célébrer le frémissement de la peau et que la lascivité de certaines positions n'échappe pas à Joseba -le fiancé d'Elena- alors que les parents de Jean laissent éructer leur verbe accusateur !!!

Si ce « thriller » psychologique se veut assez tortueux, si l’actrice incarne avec brio la « madre » la « folle de la plage » (elle a reçu un prix d’interprétation à la Mostra de Venise) que dire du jeu de Jules Porier ? Des rôles secondaires ? Et surtout de cette mise en scène par trop insistante ? Co-existence deuil (disparition et trauma) et animation (<anima le souffle) celle des surfeurs des feux de camp des bains de nuit .. 

Si certains plans par leur cadrage et leur lumière renvoient à E Hopper et si l’on retrouve avec plaisir la prédilection du cinéaste pour les plans séquences, force est de constater que le transfert affectif -thème majeur du film- et une "possible" reconstruction souffrent de complaisance dans cette "dilatation" (espace temps )

Dommage

Rappelons que la séquence d’ouverture est en réalité la reprise d’un court métrage tourné en 2017 (qui fut nommé  aux Oscars et récompensé d’un Goya du meilleur court métrage) 

Colette Lallement-Duchoze

de Amin Sidi-Boumédiéne (Algérie 2019)

avec Slimane Benouari, Lyes Salem Azouz Abdelkader 

présenté au festival de Cannes 2019 (Semaine de la critique)

Algérie, 1994. S. et Lotfi, deux amis d’enfance, traversent le désert à la recherche d’Abou Leila, un dangereux criminel. La quête semble absurde dans l’immensité du Sahara. Mais S., dont la santé mentale est vacillante, est convaincu d’y trouver Abou Leila. Lotfi, lui, n’a qu’une idée en tête : éloigner S. de la capitale. C’est en s’enfonçant dans le désert qu’ils vont se confronter à leur propre violence.

La traque d’un supposé terroriste dans le désert qui par le jeu de trajectoires déviées, d’ellipses et de secrets, par la confusion réel surréel fantastique devient très vite un polar mental : telle est bien l’originalité de ce premier long métrage. Un film qui déroute car il fonctionne surtout de façon allégorique mais sa puissance visuelle et sonore ne saurait être remise en question ...

Abou Leila s'ouvre sur un long plan-séquence: assassinat d'un notable en pleine rue à Alger. Nous sommes en 1994- ce sera l'unique repère historique; 1994 l'année la plus noire de la décennie? l'année de l'intensification des attentats et de la lutte anti-terroriste??. Fuite du meurtrier après un échange de coups de feu avec des policiers

Puis nous voici à bord d’une voiture ; passager clandestin, le spectateur est entraîné dans une sorte de "road movie" : au volant,  Lotfi, et à ses côtés  S son ami  (?) malade;  deux personnages énigmatiques et peu bavards. Quel est donc le lien avec la scène inaugurale ? est-on en droit de se demander . On le découvrira  progressivement…mais là n’est pas l’essentiel !!! 

Le réalisateur donne à voir, en les explorant, les failles et les cicatrices causées par le terrorisme  surtout à travers le personnage de S à la santé défaillante (état nauséeux et fébrile comme symptôme d’un trauma?) que Lotfi  tente d’éloigner de la capitale . Conscient de l'inanité de la mission qui obsède son comparse  (retrouver Abou Leila à partir d'un seul portrait) , il sait aussi que la folie s'est emparée de tous ...

Traversée du désert. Désert dont la vastitude se prête au déploiement des cauchemars ; désert où la frontière entre humanité et animalité est abolie (Abou Leila le terroriste est devenu dans la vision cauchemardesque de S ce guépard qui tue et se nourrit des viscères de l’homme…) Désert où l’inconscient s’éploie sans contrainte. Désert et interrogation philosophique  "si on extirpe la violence de son contexte originel continue-t-elle de s’exprimer ? La violence a-t-elle besoin de son objet ?" Et ce qui intéresse le réalisateur, c’est précisément l’origine de la violence et non son objet.... (d'où la portée universelle de Abou Leila) 

La progression dans ce film énigmatique (parfois suffocant voire oppressant)  est mentale et non pas narrative même si la dernière partie se veut explicative,  ce que renforce d’ailleurs la bande-son à la puissance immersive -elle plonge en effet le spectateur dans la « tête » de S : ainsi la récurrence du bruit de crépitement marque le passage vers l’hallucination, le son amplifié des mains de villageois qui frappent sur les vitres de la voiture illustre sa paranoïa

Un film à ne pas rater!!

Colette Lallement-Duchoze

De Rasmus Kloster Bro (Danemark) 

Avec Christine Sønderris, Samson Semere Russom, Kresimir Mikic

Rie, une journaliste danoise, visite le chantier du métro de Copenhague pour réaliser un projet sur la coopération européenne. Mais sous terre, un accident se produit. Rie se retrouve bloquée dans un sas de décompression aux côtés de Bharan et Ivo, deux ouvriers. Chacun doit apprendre à coopérer pour espérer survivre.

Certes le travail visuel et sonore est indéniable dans ce film (dénuement progressif jusqu’à la confusion entre l’humain  la boue et  le minéral ; une mécanique respiratoire  amplifiée par la bande-son qui heurte de plein fouet les entrailles délétères  du métro de Copenhague ; jeux des lumières artificielles; visages de plus en plus crasseux aux regards  hébétés). Certes le réalisateur a le sens du suspense (procédés de gradation : chaque étape  est signalée par un écran noir ou du moins sans image, le hors champ sonore  suggérant tous les possibles ; choix de cadrages qui vont enfermer de plus en plus les humains  en même temps que monte la tension; absence de temps morts ; parallélisme de plus en plus prégnant entre les strates de la terre et celles de la psychologie humaine; )

Et pourtant d’où vient que l’on peut s’ennuyer dès l’annonce de la cata?

Un mur couvre l’écran;  il s’écroule progressivement avec fracas. Puis sans transition une vue aérienne sur la capitale , c’est le prologue d'où émergent   deux forces antagonistes, le bas et le haut, l'ombre et la lumière, l’asphyxie et l’air libre- 

Le film débute comme un documentaire : nous suivons la journaliste guillerette qui descend dans les différentes strates de la terre ; dans les goulots d’étranglement ; elle filme discute avec les ouvriers.

Mais d’emblée le décalage est  "lourd"  entre cette Occidentale sûre d’elle, confiante dans le fabuleux projet européen et des ouvriers casqués habitués aux durs travaux du  monde des Ténèbres  (une main d’oeuvre étrangère ….surexploitée !!) Quelle est la meilleure chose dans votre travail ? Ose-t-elle demander (elle a besoin de témoignages pour réaliser  ses portraits ! Portraits qu’elle affichera au siège social,  pour la "monstration" parade! portraits dont se moquent les intéressés!!)

Puis après l’accident Exit se veut à la fois film catastrophe et film à thèse (la crise de l'Europe ici miniaturisée). Dans le huis clos où tentent de  "survivre" les trois personnages,- la journaliste et deux ouvriers-, les échanges vont porter  sur leurs conditions et attentes respectives : Rie s’étonne de n’avoir pas pensé à sa fille quand elle s'extirpait du sas de décompression ; Ivo le Croate avoue trimer comme un dingue pour nourrir sa famille, Bharan le jeune érythréen, sans-papier,  évoque à un moment l’Enfer qu’il a vécu -l’essence remplaçant  l’eau afin de limiter la consommation pendant la traversée...du désert..  par exemple… Un périple dont il doit rembourser le coût !!

On n’échappera pas à la traîtrise ! à la stratégie du "chacun pour soi"  ; à ces comportements typiques de  "survie"….

Alors oui, on peut rester extérieur à ce huis clos ...catastrophe ..(ce fut mon cas)

Ou tout au contraire sortir de la salle comme "lessivé"  après avoir vécu une descente aux Enfers !!! 

Colette Lallement-Duchoze