De Samuel Kishi Leopo  (Mexique 2019)

avec Martha Ryes Arias, Maximiliano Najar Màrquez, Leonardo Nàjar Màrquez

En quête d’une vie meilleure, Lucia, une jeune mère mexicaine s’installe dans une chambre insalubre d’Albuquerque. Promettant à ses deux garçons d’aller à Disneyland elle les force à apprendre l’anglais à l’aide d’une cassette audio 

 We want to go Disney, can I have a ticket, please?

Ils n’ont pas dix ans, ils ont quitté le Mexique, le regard le cœur et l’esprit emplis ce cet espoir de voir les couleurs les attractions de Disneyland leur terre promise, We want to go to Disney  …Après le défilement de vastes paysages aperçus derrière la vitre, les voici à Albuquerque, à la recherche d’un appartement …Infructueuses tentatives traitées sur un mode répétitif et accéléré ! Ce sera in fine une pièce vide, miteuse insalubre, ce sera un confinement de tous les jours dans l’attente de leur mère aimante Lucia -qui chaque matin part travailler cumulant les emplois pour leur "vie", leur "survie". Le lien avec l’extérieur ? cette fenêtre barreau, poste d’observation d’où, filmés de dos (caméra subjective avec ce double encadrement qui s’en vient dupliquer l’enfermement), ils "voient" la vie quotidienne d’autres enfants et habitants du motel

Filmé à hauteur d’enfants,  los lobos ne verse jamais dans le dolorisme ni le misérabilisme. Car ces gamins ont su investir de leur imaginaire, les murs de « l’appartement» par leurs dessins qui bien vite vont s’animer. Car l’espace salle à manger/chambre s’est transformé en salle de jeux (ils miment parodient, ils seront les louveteaux super héros). Car une cassette (le magnéto est un des fils narratifs du récit) sur laquelle est enregistrée la voix du grand-père s’accompagnant à la guitare, sert de lien avec leur « passé » et leur pays d’origine. Une autre sur laquelle la mère enregistre les consignes (dont la défense de sortir, l’extérieur étant le lieu de tous les dangers…) et des exercices d’apprentissage de la langue anglaise (condition sine qua non à la concrétisation de leur rêve) dicte leur "mode de vie" Les loups ne pleurent pas, les loups mordent et défendent leur maison »

Mais l’intrusion de l’extérieur et sa violence peuvent fissurer le monde « imaginaire » Et Max qui a enfreint les « règles » fera l’apprentissage de la « cruauté » du « mensonge » ; en ce sens los lobos serait un film initiatique (ce que corrobore aussi la thématique de l’ampoule, comme support d’un trip, qui lui fait comprendre soudainement les causes de la disparition de son père) ….

Si la frontière entre confinement et vie extérieure est poreuse son franchissement permet au cinéaste d’évoquer l’entraide dont celle apportée par Mme Chang et de porter un regard sur l’environnement : voici des habitats insalubres des lieux de vie très exigus, voici d’immenses hangars entrepôts -dont celui où travaille Lucia- qui rapetissent l’être humain, voici des routes qui semblent mener nulle part…

Et surtout voici des habitants filmés de pied en cap,  en plan fixe (à l’instar de portraits) le corps fatigué, les traits tirés, le regard hagard, signes extérieurs d’une population en « souffrance » ? en tout cas ouvrant et refermant le film ces portraits et leur environnement immédiat, sont comme le négatif de la photo du fameux « rêve américain » et dans le contexte d’une promesse de l’El Dorado, c’est l’exact antonyme de Disney ce parc de loisirs tant et tant rêvé !!!!

Une façon assez originale d’évoquer le déracinement, de faire vivre à hauteur d’enfants (de leurs yeux, de leurs jeux) les contraintes de l’enfermement et de l’adaptation.

Un film qui bien qu’ancré dans un souvenir personnel, vise à une forme d’universel

« Il faut apprendre à nous adapter, même si on ne quitte pas son pays »dit le cinéaste ; ce qui lui a valu le Grand prix du Jury International de Berlin

Un film que je vous recommande

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire de Abdallah Al-Khatib (Liban France Qatar 2021 )

 Grand Prix et le Prix des Étudiants du Festival 2 Cinéma de Valenciennes 2021.

2021 : ACID Cannes - Cannes (France) –

Sélection 2021 : Visions du Réel - Nyon (Suisse) - Prix Interreligieux - Compétition Internationale Longs Métrages

Cinemed 2021 Prix Ulysse

War on Screen 2021  prix de la presse

Suite à la révolution syrienne, le régime de Bachar Al-Assad assiège le quartier de Yarmouk (banlieue de Damas en Syrie), plus grand camp de réfugiés palestiniens au monde. Yarmouk se retrouve alors isolé et le réalisateur témoigne des privations quotidiennes, tout en rendant hommage au courage des enfants et des habitants du quartier.

La genèse de ce  film? Elle est expliquée dans les deux génériques. Abdallah Al-Khatib a vécu à Yarmouk, il a documenté le quotidien et quand en 2015 le camp passe sous le joug islamique, il fuit en Allemagne et c’est là qu’il « se replonge dans ce matériel filmique » où s’impose un impressionnant travail de montage Little Palestine, journal d’un siège. Un film comme « nécessité de survie » -dans les deux sens propre et figuré-. ?

Guidé par sa voix, nous allons suivre  le réalisateur à l’intérieur du camp.  Deux approches, image et texte, deux façons d’appréhender le réel, à la fois entrelacées et concomitantes  Un texte:  qui ne se contente pas d’illustrer une réalité -souvent insoutenable- mais la transcende par une réflexion à la fois politique et poétique ; l’image qui n’est pas plate reconstitution dans le "rendu" mais qui par des «"jeux" d’échos et/ou de non-dits  (le camp et le régime syrien ; l’histoire personnelle et collective) par la récurrence de certains plans (la rue, les façades, la foule) imprime au vécu testimonial (texte) une portée presque universelle ; où le temps support et attente infernale, contamine de sa férule l’exiguïté de l’espace…

Voici un camp -Yarmouk dans la banlieue de Damas – en état de siège-, une prison à ciel ouvert, un lieu maudit où les besoins élémentaires (nourriture, médicaments) ne seront plus satisfaits, où les concepts de Vie et Mort vont changer d’essence, d’acception, où le chant « ma Palestine » surgi du tréfonds d’un corps qui est aussi le tréfonds de l’Histoire, devient un palimpseste, où la longue séquence consacrée à une gamine déjà « désabusée » alterne avec l’errance d’un mendiant, où l’exaltation et la joie (piano en pleine rue, chants et chansons, rires d’enfants), peuvent triompher parfois des colères (cf la rue envahie de ces manifestants scandant « Yarmouk agonise ») et des servitudes,

et pourtant

Le siège est un long emprisonnement fait d’attente et d’ennui qui ne pose pas de limites aussi claires que les barreaux d’une prison : il s’étale comme un désert écrasé de chaleur en plein été. Le siège est un chemin qui conduit à la folie et au suicide, et le seul moyen d’en réchapper c’est de trouver une idée qui vaille la peine de vivre Abdallah Al Khatib

Petite Palestine, prolongement des souffrances de la grande Palestine ?

Little Palestine, journal d’un siège un documentaire qui allie l’efficacité -du témoignage-, à l’esthétique -de la forme-,  

à ne pas rater

Colette Lallement-Duchoze

De  Christian Schwochow. (Allemagne 2019)

Avec Ulrich Noethen, Tobias Moretti, Levi Eisenblätte

Siggi Jepsen est enfermé dans une prison pour jeunes délinquants Après avoir rendu copie blanche lors d'une épreuve de rédaction, sur  "Les joies du devoir" il est en isolement. Dans sa cellule, il se remémore la période qui a fait basculer sa vie. En 1943, son père, officier de police, est contraint de faire appliquer la loi du Reich et ses mesures liberticides à l'encontre de l'un de ses amis d'enfance, le peintre Max Nansen, privé d’exercer son métier. Siggi remet alors en cause l'autorité paternelle et se donne pour devoir de sauver Max et son œuvre...

Dès la séquence d’ouverture domine une atmosphère pesante, malaisante voire malsaine. Ce qu’accentue cette façon de filmer et de cadrer qui fait la part belle aux plans fixes, aux couleurs blanchâtres, aux vues en plongée ou aériennes, aux silences et aux regards plus éloquents que certains dialogues. Sigi est le seul parmi ses camarades « délinquants» à avoir rendu copie blanche ; il sera en isolement. Toutes les humiliations (se déshabiller, exposer une nudité que l’on palpe et ausculte) trouveront un écho au cours d’un récit …qui va exhumer certains pans de son passé.

Les joies du devoir.!!!

Flash back. 1943 Sigi enfant préadolescent est écartelé  entre le respect dû au père, Jens Ole Jepsen  -mais un père autoritaire et brutal qui obéit de façon maladive aux diktats du nazisme (le devoir comme valeur suprême)-  et un peintre Max Ludwig Nansen (ami de longue date) plus aimant, plus amène, mais condamné par le régime, au prétexte que sa peinture est de l’art dégénéré.

En adaptant le livre de Siegfried Lenz (paru en 1968) Christian Schwochow alterne les scènes d’intérieur (où chaque plan semble emprunter à la peinture ; la peinture n’est-elle pas au cœur du conflit ?) et les extérieurs où l’environnement spectaculaire des bords de la mer du Nord filmé avec une certaine lenteur peut faire éclater des forces vives capables de terrasser l’être humain ; beauté apollinienne de ces étendues, de l’estran, de ces grains de sable, de ces éclaircies et beauté démoniaque des essaims de mouettes, de l’horizon que noircit l’orage, des vents tumultueux. (l'artiste installé sur l'estran avoue peindre "la douleur"). Un double environnement pour le jeune Sigi et un tiraillement intérieur. Une étrange étrangeté au service d’une quête voire de cette « révélation » ? formulée par JP Sartre le devoir, c’est la volonté de l’autre en moi, l’aliénation de ma liberté propre

Un film qui condamne la justification des crimes nazis par le  "sens du devoir" , un film qui dénonce l’obéissance aveugle -et fatalement destructrice- à l’ordre politique mais aussi social et patriarcal (et l’acteur Ulrich Noethen qui vient du théâtre incarne avec maestria ce père impitoyable et barbare), un film qui revendique la prise de position comme expression du libre arbitre, vécue telle une évidence solaire par le peintre, mais via tout un cheminement intérieur pour Sigi et ce, malgré quelques zones d’ombre -dont les motivations peut-être inavouables qui  l’ont conduit plus tard à « voler » les tableaux

On peut  "déplorer"  le  parti  pris esthétisant, des longueurs, la  "rigidité cadavérique"  ou encore des raccords appuyés--sur la paume blessée par exemple-

Malgré ces  bémols La leçon d'allemand  est un film à voir , assurément 

Colette Lallement-Duchoze

de Donn Alan Pennebaker  et Chris Hegedus (US 1979)

à voir sur Tënk

 Town Bloody Hall - Tënk (on-tenk.com)

Le soir du 30 avril 1971, un public de lettré·e.s et de militant·e.s se presse à l'hôtel de ville de New York pour voir l'écrivain, scénariste, réalisateur et acteur Norman Mailer (qui vient d'écrire "The Prisoner of Sex") débattre avec un panel d'intellectuelles féministes. Le sujet est la libération des femmes, question sur laquelle Mailer se fait l'avocat du diable. Pour le mettre à l'épreuve sont notamment réunies l'écrivaine et critique Jill Johnston (autrice de "Lesbian Nation : The Feminist Solution"), la critique littéraire Diana Trilling, la présidente de la National Organization of Women (NOW), Jacqueline Ceballos, et peut-être son adversaire la plus coriace, l'autrice de "La Femme eunuque" à la langue affûtée, Germaine Greer.

Cet événement a fait date, et ce film se révèle stimulant ainsi que diablement divertissant.

Commentaire de Tënk 

Un film incroyable, un document historique d’une vive actualité. Town Bloody Hall est la « captation » en cinéma direct d’un débat passionné organisé à New York en 1971, auquel participent quatre intellectuelles : l’écrivaine et critique Jill Johnston, la critique littéraire Diana Trilling, la présidente de la National Organization of Women Jacqueline Ceballos, et l’autrice de « La Femme eunuque », Germaine Greer. Et au milieu (mais un peu devant quand même), un homme : l’écrivain Norman Mailer. Tout ce beau monde est rassemblé pour débattre du sujet de la libération des femmes (et un peu de Norman Mailer aussi).

Federico Rossin, qui a choisi de programmer ce film en parle ainsi : « Town Bloody Hall est une étonnante capsule temporelle qui mérite d’être revisitée : si de nombreux sujets de discorde semblent dépassés, le cœur de la discussion entre le misogyne Mailer et un groupe d’intellectuelles/guerrières féministes états-uniennes est toujours brûlant, vu l’état pitoyable de certaines émissions télé et de débats journalistiques d’aujourd’hui. »

La parole est belle, le débat joyeux, houleux, les propos forts, parfois honteux, le public réactif et engagé : on s’indigne, on hue, on rit ! Et la caméra et les micros des réalisateurs captent tout cela au vol, attrapant la poésie de certaines interventions, les vérités énoncées, les incompréhensions et tout ce qui aujourd’hui, autour de la révolution féministe, résonne encore. Par exemple, écoutons Germaine Greer : « Je pense que le problème est que nous réalisons tous, d’une certaine manière, que nous avons été dirigés par la force, et le monde a été dirigé par la force d’aussi loin qu’on se souvienne. Et que si nous sommes au bord d’une révolution et que c’est ça ou la mort alors ce doit être la seule révolution qui substituera à la loi du plus fort quelque chose d’autre, un ordre social plus complexe et sophistiqué, construit sur une interaction plus complexe des facultés et des personnes. »

Ce qui est un tout petit peu chiffonnant, 50 ans après, c’est qu’une autre prise de parole résonne encore – celle d’un homme dans le public à la fin du débat : « Je ne comprends vraiment pas ce que les femmes demandent. Supposons que je veuille le leur donner. »

de Daniel Brühl (Allemagne 2021)

avec Daniel Brühl, Peter Kurth, Aenne Schwartz, Rike Eckermann, Vicky Krieps

Sélection officielle Berlinale 2021

A Berlin, Daniel est un acteur célèbre qui vit dans un bel appartement avec sa charmante compagne, leurs deux enfants et la nounou. Il s’apprête à décoller pour Londres où l’attend le casting d’un film de superhéros. En attendant son chauffeur, Daniel se rend au bar du coin sans savoir qu’il est suivi par son mystérieux voisin, Bruno. Cette rencontre préméditée va emmener Daniel vers les recoins sombres de son intimité. Bruno est bien décidé à lui faire vivre un enfer…

Daniel Brühl, un acteur mondialement connu, dont c’est le premier long métrage et interprétant lui-même un acteur prénommé Daniel ! une gageure ? de l’auto-dérision ? dans une  mise en scène de tous les problèmes liés au métier d’acteur (vie publique et vie privée, mégalomanie, infatuation, importance du regard de l’autre quand on est une « célébrité »), avec une critique grinçante de  la superproduction cinématographique (Marvel) et en toile de fond, un  questionnement sur les  « plaies » encore vives, séquelles de  la réunification des deux Allemagne ?

Dès la première séquence le ton est donné : voici l’acteur dans sa « vie privée » : immense loft dans un quartier chic de l’ex Berlin Est rénové (gentrification ?), exercices physiques (rame), choix vestimentaire, petit déjeuner (un bol de céréales et  de fruits bien rangé.e.s telle une œuvre d’art) en solitaire (la maisonnée est encore ensommeillée) des recommandations (en espagnol) à la nounou, des bises furtives aux enfants, ou un baiser sur les pieds de sa compagne…. C’est que Daniel est fier de se rendre, ce matin-là,  à Londres pour un casting (un rôle de super héros !!) Son regard son sourire de fanfaron   en témoignent aisément

Mais ce départ sera sans cesse différé par un processus d’effeuillements successifs jusqu’au dénuement: jeu des portes que l'on ouvre et ferme, celle du bar et du taxi entre autres ou plus métaphorique celui de cloisons qui séparent le réel du fantasme et dupliquées par les effets spéculaires des miroirs/glaces  

L’essentiel du film se passe à huis clos, dans le bar « la rincette » où Daniel répète (une incongruité qui vaut son pesant de ridicule) mais où un inconnu (en réalité un voisin) va lui asséner  - tel un couperet- des vérités comme autant de constats négatifs -sur sa vie privée et sexuelle, sur ses talents « contestables » d’interprète etc…-,  en une escalade à la fois verbale et « dramatique ». Le voisin ? C’est Bruno un de l’ex RDA qui se comporte comme le faisait la Stasi ! (ce dont témoigne la liasse de documents accablants et « vérifiables ») :démoniaque il distille des détails sur Daniel, sur Clara sa femme, sur Mattis l’assistant,  sur Conchita la nurse, sur Merten l’ami, sur la gentrification, la boboïsation, les clivages sociaux ; vengeance personnelle?  constats amers empreints d'humour? 

Une structure pour le moins artificielle et convenue.  Et ce malgré le refus du « statisme » théâtral dans la façon de filmer les deux personnages principaux, assis ou debout, côte à côte ou éloignés, en plans rapprochés ou moyens, (filmé de dos à  plusieurs reprises Daniel ne livrera qu'à son interlocuteur le "texte" de son visage) , avec quelques profondeurs de champ et malgré quelques "ouvertures" sur le quotidien urbain . Primauté accordée aux dialogues, dont certains malgré quelque invraisemblance ne manquent pas de piment, ainsi qu’à l’acharnement (supposé ou réel) de Bruno à « démolir » l’image …trop lisse du tout début. Ou ne s’agirait-il pas d’une simple répétition d’un scénario à venir sur la déconstruction/reconstruction -alors qu’ on assiste ici  à une entreprise de démolition (l'acteur et son double) tempérée, certes,  par l'auto-dérision

Et  malgré l’interprétation « impeccable » des deux acteurs principaux, la joute -bel exercice de style- a tendance à tourner en rond…

Tout cela n’est qu’une impression

Je vous laisse juge !!

Colette Lallement-Duchoze