De Chantal Akerman (France Belgique 1986) version restaurée

avec Delphine Seyrig, Charles Denner, Lio, Fanny Cottençon , Jean-François Balmer  Myriam Boyer John Berry Nicolas Tronc Simon Reggiani

Présenté au festival de Cannes 1986 Section Quinzaine des Réalisateurs 

 Argument: Dans l'univers pimpant et coloré d'une galerie marchande, entre un salon de coiffure, un café, un cinéma et une boutique de confection, employés et clients ne vivent et ne s'occupent que d'amour : ils le rêvent, le disent, le chantent, le dansent. Rencontres, retrouvailles, trahisons, passions, dépits. Déclinant toutes les formes de la séduction et du sentiment amoureux, les histoires se croisent et s'entremêlent, commentées par les chœurs malicieux des shampouineuses et d'une bande de garçons

Galerie marchande, galerie de portraits, défilé de frimousses -qui font corps avec brosses mousse sèche-cheveux, défilé de couleurs acidulées, galerie où artificialité facticité (cf les mannequins) flirtent allègrement avec l’amour, Ah l’amour décliné en ses multiples facettes (avec cette dynamique interne Mado aime Robert qui aime Lili qui aime… hors mariage ou non…) Quel entrain quelle vitalité quelle fougue quel rythme. Au ballet des shampouineuses répond le chœur masculin (et les deux sautillant et chantant commentent l’actualité … des fragments amoureux… des amours contrariés) deux « chœurs » enfermés provisoirement dans le décor de « maison de poupées » qui devient le théâtre de l’amour et de la « cruauté »( ?) ; impériale entre les deux voici Jeanne (admirable Delphine Seyrig) qui « revit » fugace un amour qu’elle croyait enfoui (mais à l’époque le verbe de l’aimé avait failli dans la confidence et l’avenir en a décidé autrement ; à la proposition « fuyons » elle ne peut aujourd’hui qu’opposer ,théâtrale, les règles de la bienséance « je suis mariée ; j’ai un fils »

Le ton est donné dès le générique : chassé-croisé de jambes et de chaussures martelant le carrelage coloré en un rythme de plus en plus accéléré -générique annonciateur du chassé-croisé des amours, annonciateur aussi du « genre » choisi par la cinéaste : la comédie musicale. Comédie légère ? badinage amoureux ?. Oui mais avec en toile de fond la crise économique, le rappel du passé douloureux de Jeanne (Celui des camps, celui de la grand-mère de Chantal Akerman) et les thématiques si chères à la cinéaste (enfermement, ennui)

Une lettre que l’on va lire puis chanter -sans le support du papier- et le corps qui décolle… en s’élançant vers …, c’est le rêve de Sylvie/Myriam Boyer, rêve avoué, colporté d’une oreille à l’autre. Circulation de « rumeurs », circulation de regards aussi : Mado (une Lio qui sera la seule à ne pas chanter….). épie l’être aimé qui n’a d’yeux que pour Lili… Les cabines d’essayage vont abriter les baisers volés dans l’instantanéité de l’étreinte Et quand brusquement la donne a changé doit-on se féliciter de ce retour -momentané- de fortune ???

De toute façon l’amour n’est-il pas mouvant ? interchangeable ? (comme une robe dira Mr Schwartz le mari de Jeanne, lui qui rappelle à son fils les règles de la vie … amoureuse…- dictées par le « capitalisme » ….

Ne pas rater cette comédie musicale, sur l’amour et le commerce dans le cadre d’une rétrospective Chantal Akerman Ecoutons la réalisatrice

Derrière les vitrines des boutiques on entr’aperçoit des visages maquillés, on accroche parfois un regard, de femme, le plus souvent. Des femmes qui n’ont pas toujours choisi de se retrouver derrière une vitrine où elles sont presque aussi exposées que ce qu’elles sont censées vendre, parfois aussi éclairées. Comme des actrices mais sans le plaisir de la scène, comme des femmes qui vendent leur corps, alors que le leur sert seulement à vendre. Et qui pourtant peuvent apparaître comme les dernières stars sous leurs rampes lumineuses, intouchables et pourtant si proches, séparées seulement du public par une porte de verre toujours ouverte.

Colette Lallement-Duchoze

De Frederico Luis (Argentine 2023)

avec Lorenzo Ferro ,Kiara Supini, Pehuen Pedre , Laura Nevole (la mère de Simon)

Grand Prix de la Semaine de la Critique Cannes 2024

Argument: Simon a 21 ans. Il se présente comme aide-déménageur. Il dit ne pas savoir cuisiner ni nettoyer une salle de bains, mais en revanche il sait faire un lit. Depuis quelque temps, il semble devenir quelqu'un d'autre

Un film pour le moins déroutant voire pervers.( ?) Le cinéaste ayant choisi de ne donner aucune explication, de procéder par ellipses, (alors que parfois il force le trait alourdit inutilement le fil narratif insiste presque avec indécence sur certains aspects) c’est au spectateur de remplir les interstices de combler les béances de se questionner et au final de rester dans l’incertitude. Pourquoi Simon mime-t-il une pathologie?  opportunisme (allocation et passe-droits) ? malaise existentiel - douloureuse conscience  d’une inadéquation foncière entre ce qu’il croit être , ce qu’il aspire à devenir et ce qu’il vit au quotidien?  désir d'Intégrer l’univers de ses « potes » insouciants et si vivants malgré (ou à cause de ) leur handicap cognitif ? perversité malsaine  ?

Dès le prologue on peut se sentir frustré. Voici une séquence filmée en extérieur dans la montagne de la Cordillère des Andes. Le groupe de randonneurs s’est perdu, vent violent assourdissant, brume, absence de réseau ; les personnages tels des fantômes agglutinés et/séparés mains levées conscients de la tragédie, être engloutis à jamais, ont foi en Simon (qui les a rencontrés …par hasard…) il gravit le mausolée afin de capter un réseau et appeler le secours…peine perdue…le portable a rejoint l’abîme !

Le titre suggérait un lien étroit voire interdépendant entre le personnage et la montagne. Un prologue à valeur épiphanique ? Révélation de soi à soi,  grâce à la montagne et  au groupe, dans un mouvement ascensionnel ?  Une séquence censée illustrer une circulation des regards ? (une même "circulation" prévaudra  dans les scènes à la piscine, au vestiaire, sur le plateau de théâtre) émanant d’un seul corps ??

Grâce à l’excellence du jeu de l’acteur Lorenzo Ferro, et à ces gros plans sur son visage, (la caméra portée accentue les effets d’enfermement et d’oppression)  on imagine aisément que Simon « incarnerait » une forme de « monstruosité » (regards hagards, balancements de la tête, rictus) avec des nuances ou des variantes selon l’interlocuteur … tout cela amplifié par la bande son, elle-même dépendante de cet amplificateur auditif à l’oreille ; et la scène où Colo qu’il a sauvée d’une noyade le menace de dévoiler la supercherie s’il n’a pas de rapport sexuel avec elle, illustre les deux aspects du personnage (samaritain mais… horrifié par l’altérité) et parallèlement les deux tendances du film (perversité et empathie). La scène ultime fera écho à la scène inaugurale celle d’un face à face Simon /responsable social pour l’obtention… d’un formulaire de handicapé…

Par ailleurs on ne saurait reprocher au cinéaste de porter un regard nouveau sur le handicap (loin de tous ces clichés qui fleurent la mauvaise foi) et la distorsion, si récurrente, le cinéaste la met au service d’une approche moins clivante en l’intégrant aux univers dits « normaux » (la violence du milieu familial de Simon opposée à la sollicitude du père de Colo)  Frederico Luis, lui-même semble habité par cet élan d’humanité qu’il filme auprès de (et si près de) Kati Colo Péhuen .qui interprètent leur propre rôle! 

Simon de la montana  est aussi (surtout) un film sur l’adolescence (au moment des premiers amours et des désirs avoués et/ou frustrés)

Impression mitigée

Colette Lallement-Duchoze

De Daniel Hoesl et Julia Niemann (Autriche 2024)

Avec Laurence Rupp (Amon) Ursina Lardi  (Viktoria), Olivia Goschlher (Paula) Dominik Warta (Volker)  Markus Schleinzer (Alfred)

Sélection festival Sundance 

Section Harbour de l'IFFR. (Festival du film international de Rotterdam) 

argument:  La famille Maynard mène une vie fastueuse et rêvée de milliardaires… en apparence. Le patriarche, Amon, a pour passion la chasse, mais ses proies favorites ne sont pas les animaux. Malgré des accusations de plus en plus nombreuses et précises, ce clan se pense totalement au-dessus des lois.

De très gros plans sur les gestes de la cavalière, sur l’allure, l’amble et les sabots du cheval, sur les mimiques des visages des spectateurs, très gros plans qui décomposent avec une lenteur insoupçonnée le mouvement, voilà une approche clinique (assez déroutante) d’autant qu’elle est au service de la « méritocratie » ; elle va d’ailleurs « encoder » le film ! (mécanique bien huilée d’un système ???)

Ultra stylisée, aux couleurs aussi froides et glacées que celles d’un magazine de mode, ou cotonneuses voire embuées, un accompagnement musical qui utilise le répertoire classique (Boléro, le beau Danube bleu) mais avec une bande-son qui duplique sous forme de couacs d’onomatopées de vocalisations la voix off de la fille Paula, la mise en scène de ce film « audacieux » pourra agacer  ou  séduire (du moins entraîner l'adhésion)

La formule lapidaire de César (célébrant sa victoire « facile » en -48 avant JC sur Pharnace II roi du Pont) veni vidi vici permet un découpage en trois parties pour illustrer une satire sociale, sous forme de fable : les richissimes ont tous les droits (même celui de « tuer ») ils restent impunis grâce à la complicité des politiques de la justice des industriels et des médias (cf le rôle de la première ministre, le sort dévolu au garde-chasse ou au journaliste indépendant Volker dont la volte- face est exemplaire…)

Amon Maynard, passionné  de chasse,  lui le milliardaire décomplexé étalant tout autant le luxe de sa somptueuse demeure (assez kitch) que l’image d’une famille de « conte de fées » (filles adoptées, épouse avocate qui s’adonne aux « bonnes œuvres » et qui veut coûte que coûte procréer, etc ..) lui , le « tueur en série » recherché par la police, triomphe, il savoure -en la revendiquant- une liberté qu’aucun système ne saurait compromettre bafouer, -tant est patente la couardise de tous ses congénères

Son rire (fou par moments) ne saurait être communicatif ; la fable n’a rien de farcesque (on penserait plutôt à Ruban blanc quant au rôle de la fille …qui va perpétuer avec l’aval de la mère la sordidité impunie (elle n’a que 13 ans… diront les deux représentantes de l’Ordre de la Justice, filmées de dos ….)

Un film que je vous recommande tant est patente l’adéquation entre les choix formels et narratifs et la métaphore du pouvoir vampirique ou mortifère des richissimes -quand bien même celle-ci  serait éculée….et quand bien même la voix off de Paula qui dispense une profusion de sentences explicatives serait trop envahissante....

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire réalisé par Frédérick Wiseman (USA 1970) version restaurée 

1970, le film a gagné deux Emmy Awards pour le meilleur film documentaire et le meilleur réalisateur

sélectionné en 1994 par le National Film Preservation Board pour conservation à la Bibliothèque du Congrès aux États-Unis dans le National Film Registry

Sélectionné en 2016 au festival de Cannes (Cannes classics)

 "il était une fois l'Amérique"

argument: 1970. Jour et nuit, le service des Urgences du Metropolitan Hospital de New York voit arriver de nouveaux patients. Cardiaques, diabétiques, cancéreux, alcooliques, drogués, accidentés, les malades défilent entre les mains des médecins, des infirmières ou des psychiatres. Il leur faut tous ensemble affronter les règlements, la disponibilité des ressources et les contraintes d’organisation, qui décident souvent de la nature des soins. »

i don’t want to die répète tremblant et apeuré cet homme (jeune) victime d’un « bad trip » ; un lavage d’estomac va le remettre sur pied, entretemps le sol aura été maculé par son vomi ! Une « tranche de vie » parmi tant d’autres ! La scène inaugurale au bloc opératoire ne lassait-elle pas émerger le concept de « tranche » ? à l’instant précis où le scalpel ouvre la chair du patient (filmé en gros plan) la séquence est « coupée » …de même qu'elle plongeait le spectateur "in media res" (tel l'incipit de certains romans) 

Comme dans law and order  Frédérick Wiseman livre ainsi sous forme de « vignettes » ou de tableautins des lambeaux de vie ; ici c’est le corps malade qui en porte les stigmates…Corps déchiré lacéré par la drogue la précarité l’alcool la maladie le cancer ; lambeaux de vie restitués dans un enchaînement d’images -aux multiples angles de vue et aux plans variés. Une telle immersion dans le quotidien d’un hôpital a-t-elle pour finalité de heurter le spectateur, l’apitoyer, le responsabiliser ? Certes hormis quelques confidences ou infos extorquées grâce aux habiles ou nécessaires questions du soignant, on ne saura quasiment rien des relations extérieures du patient, ou des circonstances les ayant conduits à ces « urgences » -et le plan final - flot de voitures filmé en extérieur-  semble opposer l’enfermement (mortifère ?) dans lequel le documentariste nous a plongé.es et le flux de la vie « normale »( ?)  

Détresse humaine, certes mais aussi réunions de travail, avis d’experts, constats positifs ou négatifs (sur les disponibilités en équipements, médicaments, sur les prévisions etc…) et qui vont immanquablement « conditionner » la stratégie dite d’urgence !!!

Observer, ne pas intervenir, mettre en évidence le professionnalisme du corps soignant et simultanément les failles du système de soins (le long entretien téléphonique du psychiatre -en charge d’un transsexuel schizo- avec Miss Hightower de l’Aide sociale, en dit long sur ce double aspect de la médecine « prévention  et  thérapie »; la femme consciente du coût qu’exigerait un traitement tous azimuts, consciente aussi de ses faibles moyens financiers  conclut "bien sûr, personne ne souhaite être aidé par l'État…) tel est bien un des aspects de la démarche de F Wiseman

Il ne « construit » pas des « types sociaux » ceux-ci préexistaient ! Oui ce sont bien les plus démunis qui fréquentent cet hôpital ; et cet immense lieu dispensateur de soins, devient comme le microcosme d’une Amérique où la « condition sociale » se donne à voir, à lire dans le Corps…(du) malade…

A ne pas rater

Colette Lallement-Duchoze

De Simon Moutaïrou (France  2023)

Avec Ibrahima Mbaye (Massamba),Camille Cottin: (Madame La Victoire) Thiandoum Anna Diakhere : (Mati), Benoît Magimel  (Eugène Larcenet) Félix Lefebvre (Honoré Larcenet ) Vassili Schneider (Baptiste) 

Musique Amine Bouhafa

Fenêtre sur le cinéma français » du Festival du cinéma américain de Deauville 2024, en avant-première mondiale

argument: 1759, sur l'Isle de France, actuelle Île Maurice. Massamba et Mati, esclaves dans la plantation d'Eugène Larcenet, vivent dans la peur et le labeur. Lui rêve que sa fille soit affranchie, elle de quitter l'enfer vert de la canne à sucre. Une nuit, elle s'enfuit. Madame La Victoire, célèbre chasseuse d'esclaves, est engagée pour la traquer. Massamba n'a d'autre choix que de s'évader à son tour. Par cet acte, il devient un "marron", un fugitif qui rompt à jamais avec l'ordre colonial.

Dénoncer le système esclavagiste pratiqué par la France pendant des siècles, privilégier le problème du  « marronage », mettre en exergue une violence frontale -le spectateur adopte le point de vue du père torturé, dévasté par le chagrin mais animé par une volonté quasi surhumaine d’en découdre avec « chaînes et maîtres » - insuffler une dimension « fantastique mystique » -voix off de la femme aimée disparue en mer, effets spéciaux qui métamorphosent les éléments naturels, tout en faisant de la relation père/fille, de la traque, de la résistance à l’esclavage l’essentiel du film  et  tourner in situ (Ile Maurice en des décors immersifs)  tout cela dénote une ambition rare et qui force l’admiration…. Simon Moutaïrou dont c’est le premier long métrage s’est beaucoup documenté (l’existence de la dame chasseuse d’esclaves fugitifs, les croyances des catholiques à l’encontre des Noirs …. « Dépourvus d’âme » la révolte des esclaves) il a fait appel à des historiens, s’est inspiré aussi des ouvrages de Franz Fanon, de Césaire.

Le monolithe de 500m face à la mer fut le haut lieu de la révolte des esclaves (la plupart venant du Sénégal)  au XVIII° Le montrer de façon récurrente (souvent en contre plongée) crée le tempo (le père, pieds nus, traqué par la dame chasseuse à cheval) le père et sa fille au sein d’une communauté gage d’une dignité retrouvée (Massamba peut renouer avec la spiritualité de ses ancêtres) avant que pourchassée par les militaires cette communauté  ne rejoigne la mer, la mer toujours recommencée (circularité du film qui s’ouvrait précisément sur le corps de la femme aimée plongeant dans les abysses mais qui de sa voix enchanteresse aura su perpétuer une foi inébranlable !)

Et pourtant alors que le cinéaste se propose de revisiter le destin d'êtres humains qui risquent tout au nom de leur droit à disposer d'eux-mêmes » une fâcheuse tendance à la complaisance dans l’illustration de la « violence » en dénature les « effets » attendus! Très gros plans fixes prolongés sur les stigmates de la flagellation, sur un pied déformé gonflé par la douleur, sur le sang qui gicle de la gorge, sur cette fleur de lys marquée au fer rouge sur le bras de celle qui a tenté de fuir, sur le visage muselé du père encagé tel un chien, zooms sur le ruissellement de la douleur à fleur de peau, etc…

Et cette musique signée Amine Bouhafa  -cordes dissonantes, percussions, sonorités rugueuses des contrebasses  - qui trop souvent au lieu de souligner,  surligne les tensions….et accentue l’aspect « survival » du film

Dommage

Colette Lallement-Duchoze