De Pedro Almodovar (Espagne USA 2024)

avec Tilda Swinton, Julianne Moore, John Turturro

Lion d'Or Mostra de Venise 2024

Argument: Deux amies de longue date , une romancière à succès et une reportrice de guerre, ont dû se séparer pour leurs carrières. Des années plus tard leurs routes se recroisent dans des circonstances troublantes 

Apparemment neutre dépassionné iridiscent jaune vert ou rouge l'apprivoisement de la mort d'un memento mori minutieusement préparé, se dessine -acte ultime de vie ante mortem-, sur les lèvres pourpres et prend corps dans le jaune...La mort lui va si bien!

Saturé de couleurs chaudes en grands aplats, dans un environnement somptueux (aussi flamboyant et glacé que celui de magazines de décoration), saturé aussi de références littéraires (dont Les gens de Dublin et la 15ème nouvelle les Morts) et cinématographiques (dont Persona de Bergman)  ce premier film d'Almodovar en anglais (La voix humaine avec Tilda Swinton était un court métrage)  avec deux actrices hollywoodiennes (qu'on ne présente plus)  séduit par son esthétisme, un esthétisme  qui refuse le lugubre mais si lisse que.... 

Martha (ô les métamorphoses de Tilda Swinton !) ex reportrice de guerre pour the New York Times atteinte d'un cancer en phase terminale a décidé de mourir dans la dignité ; elle sollicite la présence d'Ingrid (étonnante et formidable Julian Moore) dans la "chambre d'à côté";  Ingrid écrivaine à succès -hantée par la mort comme le cinéaste-  acceptera de partager ce cheminement vers...   Elle écoute en silence les confessions/confidences de Martha ; un silence qui n’a rien de sépulcral ; leur complicité culmine dans ce plan qui rapproche dans un arrondi à la Brancusi les deux  visages ; la  musique d'Alberto Iglesias s'est tue ou du moins on ne l'entend plus dans la sidération de l'instant soudainement magnifié 

Célébrant l'amitié féminine dans ce plaidoyer pour " le droit à mourir dans la dignité " le film s'encombre hélas de flash-back maladroits (sur la fille de Martha, sur son père biologique)  tout comme il évoque ( sous forme de simples constats) la maladie  de notre planète   (climat et montée inexorable de l'extrême droite) John Turturro  n'est hélas pas du tout convaincant en porte parole de ces bilans  (d'ailleurs le  parallèle entre la fin de vie et la catastrophe climatique n’est-il pas un peu facile ?). 

Voici Martha et  Ingrid assises sur un canapé bleu vert, elles portent des vêtements bleu turquoise et rouge vermeil, deux tasses rouge et bleue sont posées sur une table basse orangée, au-dessus des deux visages filmés de profil voici accroché.es au mur un autoportrait en noir et blanc de Martha et une photo de femmes voilées tout de noir vêtues, les mains gantées de blanc, soudées en un seul corps  comme défiant la mort ?)  Oui ce plan était (par son cadrage et ses jeux d'opposition) bien plus suggestif ( sans  toutefois  l’étrange étrangeté des toiles de Hopper) 

La mort est devenue paysage dans cette villa luxueuse aux immenses baies vitrées où la forêt s'est tout naturellement invitée! 

Etre en vie .... Ne pas survivre ! 

Colette Lallement-Duchoze
 

De Yasujirô Ozu (Japon 1932) Version restaurée 

avec  Hideo Sugawara (Ryoichi, le fils aîné), Tokkan Kozo (le cadet), Tatsuo Saito (Yoshii, le père), Mitsuko Yoshikawa (la mère), Takeshi Sakamoto (le patron), Seiji Nishimura (le maître d'école). 

La famille Yoshi s’installe dans la banlieue de Tokyo où le père a trouvé un emploi. Ryoichi et Keiji ses deux fils se lient avec Taro, le fils du patron de leur père.

Un camion de déménagement patine. Très gros plan sur une roue dans l’ornière boueuse. Deux gamins descendent, aident à pousser ; ils rentreront seuls car leur père va rendre visite à son patron Iwasaki …C’est la scène d’ouverture. En écho inversé au final le père, à la demande expresse de ses deux fils, s’en vient saluer son patron,  prend place à ses côtés dans la voiture alors que le fils Taro rejoint Keiji et Ryoichi Yoshi réconciliés et les trois "gosses" regardent la voiture s’éloigner ……Ce qui était  "suggéré" dans la scène liminaire aurait trouvé sa résolution ?? Et les enfants Yoshi, victimes de conflits de classe et de génération, peuvent-ils poursuivre leur cheminement ? Le cinéaste qui adopte leur point de vue et filme à leur hauteur, expose impulse et stimule ces questionnements  jusqu’à leur résolution (sous forme de "réconciliation")

Film muet de 1932, film populaire comme les shomin-geki, qui content la vie des petits gens, Gosses à Tokyo est composé de deux parties la séquence du "film dans le film"  jouant le rôle de transition. S’adapter à un nouveau milieu, affronter des « clans » déjà constitués, subir des invectives, être victime de malversations voire de brimades, tel est le lot des deux frères Yoshi ; ils désertent, le père les tance , et leur enjoint de « devenir des êtres importants » grâce à l’école Mais lors d’une soirée organisée par le patron (projection privée) ils prennent douloureusement conscience d’être les enfants d’un père "minable d’obséquiosité" aux « grimaces de marionnette, et décident de se « rebeller (on pense à Bonjour 1959)  « faire la grève de la faim ». (Puisque le « salaire » perçu par un employé sert à la « survie » de la famille)

Inversion des rôles. Le père bat sa coulpe. Il sait que la raison est de leur côté (l’école à quoi bon si l’avenir est déjà tracé ?)  ce qui n’interdira pas la fessée, marque d’autorité…

Dans le monde des "gosses" c’est la loi du plus « grand » Un monde avec ses rites (œuf de moineau à gober) ses codes (signe de pistolet qui met à terre la victime) ses gestes (chaussure posée sur la tête);  dans le monde des adultes c’est la dure loi des "castes sociales"… Déterminer les spécificités de chacun, faire éclater leurs  "ressemblances" (par un montage parallèle), afin de dépasser des forces  "enchaînantes" que matérialisent ces poteaux ces fils électriques ces barrières (passage à niveau, jardin) à la récurrence sur-lignée ? Peut-être
 

Peu de mouvements de caméra (le travelling latéral sur ces employés qui baillent au bureau ou celui sur les deux visages des frères qui rompant leur contrat portent à leurs lèvres une boulette de riz n’en seront que plus marquants…) ; la récurrence du passage de trains rappelle certes le contexte de la banlieue ; bien plus le passage à niveau franchi chaque jour marque la frontière entre le monde de l’intime (la famille) et celui plus vaste (et dévastateur) des conflits sociaux et autres; privilégier dans le cadre une présence collective (groupe des gamins, duo des frères, famille) sans exclure les plans rapprochés aptes à déceler une sensation,  s’intéresser aux détails moins pour les grossir que pour les auréoler d’une belle calligraphie… tout dans la forme est pure saveur (et prouve l’acuité du regard )… ajoutons l’interprétation des deux gamins (facétieux à souhait) l’humour omniprésent ;  dommage que la musique (qui accompagne la version restaurée) crispe parfois par ses aigus  
 

Un film à ne pas rater ! 

Colette Lallement-Duchoze
 

(attention une séance par jour; Omnia dimanche 11h, lundi 20h30, mardi 13h30)
 

De Margarida Cardoso (Portugal 2024)

avec Carloto Cotta (Dr. Afonso), Hoji Fortuna (Alphonse), Rúben Simões (Ismaël), Gonçalo Waddington (Raimundo), Sara Carinhas (Luisa), Romeu Runa (Augusto), João Pedro Bénard (Dr Figueira), Maria Do Céu Ribeiro (Adelia), Matamba Joaquim (Maianço), Cirila Bossuet (Guilhermina)

Sélection officielle au Festival international du film de Karlovy Vary, 2024

Prix Árvore da Vida du meilleur film portugais au Festival international du film indépendant, IndieLisboa, 2024
 

1907. Afonso, médecin, arrive sur l'île de Principe pour soigner les domestiques d'une plantation de cacao "infectés" par le Banzo, nostalgie des esclaves, qui meurent de faim et se suicident. Le groupe est confiné dans la forêt, où Afonso décide de les soigner en essayant de comprendre ce qui affecte leur âme. Réussira-t-il à les sauver ?

Un homme au port altier fixe l’horizon ; son corps tout cartographié de tatouages et autres palimpsestes  soudainement s’écroule. C’est la scène inaugurale. Le bateau accoste. A  son bord le médecin Afonso, ami du trépassé, il est mandaté à la fois pour établir un rapport et (éventuellement)  guérir  (de)  cette « maladie » suspecte le banzo. Il vient du Congo belge …

Quel rôle soudainement soustrait à toute logique était dévolu au premier personnage ? On ne le saura pas…et ce ne sont pas les conversations autour de la table réservée aux VIP qui apporteront une quelconque réponse…Hormis peut-être cette phrase prononcée par la femme du gouverneur (ou propriétaire de la plantation de cacao) elle qui se réjouit de rentrer à Lisbonne Bientôt, cela fera une histoire. Et moi, je serai un personnage de cette histoire. C'est agréable, de devenir un personnage Oui les  personnages  c’est pour là-bas … dans des récits  ethno et  eurocentrés ; mais ici sur l’île Sao Tomé,  ce n’est que labeur sous la pluie diluvienne, sous le soleil cuisant, où l’on meurt de nostalgie!

Nous sommes en 1907. Et bien que l’esclavage soit officiellement aboli les conditions de travail, de vie (survie) imposées à ces Africains mozambicains sont tout simplement inhumaines. La réalisatrice dénonce ce colonialisme malsain (pour ne pas dire vénéneux) qui s’exerce sans vergogne dans un environnement qui enserre, oppresse; un univers qui peut tout autant griffer que caresser dans sa luxuriante diversité ; un univers fait de buées, de déluges, avec son immense forêt (un plan illustre l’engloutissement des travailleurs par et dans l’élément végétal,  effacement des  "invisibilisés" )

Nous ne voulons pas mourir : nous voulons rentrer chez nous telle sera la réponse au professeur (qu’on avait piégé en lui faisant croire que ces forçats étaient venus de leur plein gré) . 

Patiemment (trop lentement parfois et d’une lenteur qui se voudrait hypnotisante dans son esthétisme presque suranné alors que s’impose parallèlement une forme de naturalisme et/ou de réalisme...) la cinéaste analyse de l’intérieur  un système  "Cette dimension où les systèmes d’exploitation de la terre et des hommes détruisent et piègent clairement, physiquement et moralement, tous ceux qui y participent, volontairement ou involontairement." (ce sont ses propos)

Alphonse le photographe (un Noir) lui, peut revendiquer sa liberté  "je suis le seul homme libre"  (entendons vu le contexte il peut partir quand bon lui semble…)
 

On pourra peut-être déplorer une insistance complaisante (cf ce plan sur ces membres de corps morts mal enterrés, ces deux plans qui se succèdent avant de se confondre : un groupe s’affaire au premier plan alors qu’au second se profile la procession menant au tombeau, terre mère à la fois nourricière et mortifère ; une infirmerie surchargée de corps moribonds ; bureaucrates  blancs qui éructent des propos venimeux face au mutisme des opprimés) ou encore une fâcheuse tendance à la  "théâtralisation"  (cf  les déambulations calculées du professeur claudiquant….quand il arpente les différents espaces ; ou le récitatif du photographe)   N’empêche ...
 

La mort ? seule issue ?
Etres vivants ou morts, corps malmenés fouettés crucifiés, fantômes au hiératisme décomplexé, forces vives d’une nature sublime déchaînée ou muette, peut-on  "documenter la vérité sur cet endroit"  ? demande le médecin  au photographe. Le constat est amer  A quoi bon ? le reste du monde n’y verra qu’un nègre de plus 

Mais le plan final .... serait-il porteur d'espoir ???

Colette Lallement-Duchoze
 

Documentaire réalisé par Raoul Peck  (2024 France Etats Unis)

Festival de Cannes 2024 Oeil d'Or (prix du meilleur documentaire)

Ernest Cole, photographe sud-africain, a été le premier à exposer au monde entier les horreurs de l'Apartheid. Son livre House of Bondage, publié en 1967 alors qu'il n'avait que 27 ans, l'a conduit à s'exiler à New York et en Europe pour le reste de sa vie, sans jamais retrouver ses repères. Raoul Peck raconte ses errances, ses tourments d'artiste et sa colère au quotidien, face au silence ou la complicité du monde occidental devant les horreurs du régime de l'Apartheid

Un travail colossal : à partir de milliers d’images, du livre House of Bondage,  de textes,  du témoignage du neveu  et d’archives filmées (puis la découverte dans une banque suédoise de 60 000 négatifs en 2017) Raoul Peck va « reconstituer » l’itinéraire de celui qui « fut le premier à exposer au monde entier les horreurs de l’Apartheid » contraint à l’exil en 1967. Aux USA même s’il fréquente d’autres exilés (Miriam Makeba) s’il travaille un temps pour le New York Times il sera en proie à la solitude fondamentale, au taedium vitae, suspect quand il photographie les formes les plus patentes du racisme américain à l’encontre des « Noirs » (cf les lois Jim Crow) et surtout quand il les met en parallèle avec l’apartheid… Meurtri à jamais! Une fin plus que tragique ; solitaire clochardisé mort à 50 ans d’un cancer du pancréas…

Le documentariste a opté pour une voix off (la sienne ?) à la première personne comme s’il s’agissait d’une autobiographie post mortem ; et de fait la raucité de cette voix, la récurrence du lamento (l’exil et la douleur du never more ), les questionnements -qui sont autant d’accusations de tous les pays complices de l’apartheid- dont la violence éclate dans ces photos (prises très souvent à hauteur d’homme comme pour éviter de se « faire prendre ») peuvent corroborer une telle illusion : l’œuvre d’un « survivant » …Une telle approche immersive rompt ainsi avec les interviews face caméra où chaque intervenant dira son « point de vue » contribuant à cette fâcheuse atomisation du propos  (une exception ici l’interview du neveu) Mais surtout ce « je » censé être celui du photographe et du citoyen penseur que fut Ernest Cole, n’est-il pas aussi par extension celui du réalisateur lui-même haïtien d'origine et celui du spectateur ?  Personne ne regarde le ciel à New York. »  cette remarque d’Ernest Cole se superpose aux images de Soweto (tout comme Raoul Peck est hanté par la mort de ses frères en Haïti…) l’exil vous ronge… et l’apartheid ne sévit-il pas  encore au XXI° siècle? sous d’autres formes certes mais qui n’en sont pas moins humiliantes déshumanisantes pour les victimes …

Raoul Peck va « réinventer » des cadrages en jouant sur les valeurs de plan ; il peut agrandir un détail avant de le replacer dans le format original ou le juxtaposer avec d’autres images (grâce  aux split screens et mosaïques) il passe du noir et blanc  (statique mais avec l'illusion du mouvement) à la couleur (pour des images et films d’archives).  Ce faisant il met à la fois en évidence et en perspective le travail d’Ernest Cole photographe-reporter obstiné, et sa « trajectoire » d’homme apatride à jamais blessé 

Ernest Cole photographe :ou le « devoir de mémoire » ? 

Colette Lallement-Duchoze
 

De Nabil Ayouch (Maroc 2024) 

avec Nisrin Erradi, Joud Chamihy, Jalilan Tiemsi 

Présenté au festival de Cannes 2024 (Cannes Première)

Festival d'Angoulême 2024

Argument: Touda rêve de devenir une Cheikha, une artiste traditionnelle marocaine, qui chante sans pudeur ni censure des textes de résistance, d'amour et d'émancipation, transmis depuis des générations. Se produisant tous les soirs dans les bars de sa petite ville de province sous le regard des hommes, Touda nourrit l'espoir d'un avenir meilleur pour elle et son fils. Maltraitée et humiliée, elle décide de tout quitter pour les lumières de Casablanca.

Certes la prestation de Nisrin Erradi (qui interprète Touda) est exemplaire.  Certes le cinéaste (avec sa compagne Maryam Touzani) continue à explorer disséquer la société marocaine en s’intéressant aux femmes combattantes et à toutes les entraves qui les corsètent les musèlent comme autant de freins à leur liberté. Et l'on sera une fois de plus sensible au chatoiement très sensuel des ambiances nocturnes ainsi qu'aux diktats qu'imposent ces relents de patriarcat éhonté. Dans "everybody loves Touda"  un cas unique tant il  se veut exemplaire, celui d’une jeune femme  (Touda) qui a toujours rêvé d’être chanteuse  mais dans  la tradition des cheikhas Nous la suivons dans les différentes étapes de ce parcours qui souvent s’apparente à un calvaire (ce dont témoigne le prologue; cette scène liminaire d’une violence insoupçonnée, le viol…une scène qui d’ailleurs encode tout le film : réaliser un rêve (et particulièrement devenir cheikha, autrefois adulée honnie aujourd’hui), c’est mettre tout son être en danger … 

Le cinéaste cherche à mener de front deux thématiques  en entrecroisant deux fils narratifs : la volonté d’émancipation de son « héroïne » et un état des lieux du paysage musical marocain. Or en ce qui concerne le premier objectif (largement développé) nous assistons à quelque chose d’assez convenu répétitif qui met en exergue la témérité quasi inébranlable de Touda (le titre du film n’en sera que plus ironique…  ) Le « classicisme » de ce parcours fait d’espoirs et de désillusions est accentué par les métaphores ô combien faciles des « montées »et « descentes »  et des « ascenseurs » … Ajoutons le handicap de l’enfant (un fils sourd et muet) que Touda élève seule, et l’on n’est pas loin de verser dans le mélo…

Quant au second objectif écrasé par le premier , il reste à l'état de balbutiement..

quid de la force révolutionnaire de la aïta ?(le CRI)  chantée par ces femmes qui parlent haut et fort pour résister dénoncer ?  

Impression plus que mitigée…

Colette Lallement-Duchoze