De Huo Meng (Chine 2024)

Avec Shang Wang, Chuwen Zhang, Zhang Yanrong

75e édition de la Berlinale, Ours d'argent de la meilleure réalisation

Chuang doit passer l’année de ses 10 ans à la campagne, en famille mais sans ses parents, partis en ville chercher du travail. Le cycle des saisons, des mariages et des funérailles, le poids des traditions et l’attrait du progrès, rien n’échappe à l’enfant, notamment les silences de sa tante, une jeune femme qui aspire à une vie plus libre.

Ce qui frappe c’est la précarité et l’archaïsme d’une existence, celle d’une famille (4 générations) celle d’un village et par extension celle d’une région, celle d’une Chine rurale, province du Hénan, à la fin du XX° siècle. Une chronique de la vie quotidienne dans sa vérité nue, vue à hauteur d’enfant, où l’âpreté le dispute à une forme de soumission, où le geste (dans les champs et à la maison) mobilise autant les femmes que les hommes (même quand ils sont blessés) où l’on respecte les rites - mariage enterrement (entendons croyances et comportements bien étranges pour un spectateur occidental ; la séquence où la jeune épousée est ballottée sans égard aucun, tel un objet, prouverait la pérennité de son asservissement). A cela il convient d’ajouter des « procédures » administratives indignes (contrôle des naissances) ou cette intrusion de la prospection pétrolière, qui ne respecte ni les individus ni l’environnement … Le tout prouverait (si besoin) que ce « peuple » attaché à la terre est encore en esclavage…(et la plupart sont illettrés). Dans ce milieu l’enfant sympathise avec une jeune tante, éprise de liberté mais contrainte à un mariage forcé, avec un jeune cousin Jihua (Zhou Haotian), « simple d’esprit » qu’il « protège », avec la mémé (ô la chaude complicité !) En dévoilant le réel son regard l’illumine (cf les ébats des jeunes gamins dans la rivière, leurs piaillements, filmés avec une savante répartition de l’espace, les gestes de tendre complicité dans des plans rapprochés tout comme les apprentissages teintés d’ironie - le premier tracteur embourbé …)

En ressuscitant ses souvenirs, le cinéaste Huo Meng mêle avec intelligence (et sans nostalgie) les violences du quotidien dont les villageois sont victimes et la beauté sublime d’un environnement (le dernier plan, une vue en plongée sur une immensité faite de sinuosités d’eau et de vert bleuté, est d’une beauté sidérante) Un contraste saisissant ! il parcourt cette ode que le cinéaste  dédie à ces villageois (cf générique de fin) à leur terre (titre original  Shengxi zhi di, la terre où l’on vit).  Une terre qui garde précieusement ses morts -même avec le passage obligé à l’incinération…(l’ocre brun a envahi l’écran quand le jeune Chuang (Shang Wang) (r)appelle Jihua d’outre-tombe) Une terre d’avant la modernisation, l’exploitation du pétrole, et l’exode. Une terre où l’on a appris que Seule la patience a raison des difficultés.

Et dans cette narration sur la "disparition" d'une époque, scandée par le passage des saisons, le cinéaste accorde une attention toute particulière à la lumière (cf le soleil couchant au début et sa connotation, les paysages ennuagés comme nimbés d’une aura ou aux lumières plus vives et diffractées) de même qu’il soigne la composition des plans, (certains ont le pouvoir suggestif de toiles impressionnistes), l’alternance entre scènes au réalisme assez cru et envolées plus poétiques tout en privilégiant le plan séquence.

Un film - (encore) Interdit de diffusion en Chine-,  à ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze

De Jim Jarmusch (USA Europe 2024)

avec Tom Waits Adam Driver, Charlotte Rampling, Cate Blanchett, Vicky Krieps, Mayim Bialik, Indya Moore, Françoise Lebrun, Sarah Greene, Luka SabbatCalete 

 Musique originale composée par Jim Jarmusch et Anika (Annika Henderson)

Lion d'Or Mostra de Venise

Un long-métrage de fiction en forme de triptyque. Trois histoires qui parlent des relations entre des enfants adultes et leur(s) parent(s) quelque peu distant(s), et aussi des relations entre eux

La mélancolie est l’illustre compagne de la beauté. Elle l’est si bien que je ne peux concevoir aucune beauté qui n’ait pas de mélancolie

3 sketches (cf  le titre et l'affiche) 3 lieux différents (New Jersey, Dublin, Paris) 3 types de famille, 3 tonalités différentes (humour nostalgie et mélancolie)  et 3 façons de filmer (positionnement de la caméra surtout) En fait 3 volets d'un triptyque…  Outre des situations et conversations récurrentes (la vraie fausse rolex, la blague sur l’oncle Bob, la qualité de l’eau, la question de trinquer avec du thé de l’eau…), outre ces clins d’œil allusifs (déjà présents dans Coffee and cigarettes 2003 où des bribes de conversation se faisaient écho) il est d’autres similitudes plus subtiles. De sorte que ces 3 histoires (formellement) indépendantes sont complémentaires Tout d’abord la récurrence des skateurs filmés à chaque fois au ralenti alors que les « personnages » sont dans l’habitacle d’une voiture : marqueur de temporalité? D’universalité ? d’opposition ?  Le deuil aussi qui imprime une connotation crépusculaire (le portrait de l’épouse et mère disparue, en I, les photos de parents  anti conventionnels   broyés à jamais dans un crash en III) Et surtout la thématique des faux semblants des cachotteries au sein de la famille, ce qu’il est convenu d’appeler les « fêlures familiales »…Car quelle que soit la situation (Jeff et Emily en visite chez leur père "ruiné";  Timothea et Lilith, si dissemblables, invitées chez leur mère écrivaine pour un rituel annuel du thé, les jumeaux Billy et Skye se retrouvant à Paris suite à la perte tragique de leurs parents) il s’agit bien de non-dits et/ou de désillusions que découvre(nt) soit le spectateur (métamorphose du père après le départ de ses enfants et Tom Waits si épatant dans ce rôle de père qui flatte berne extorque , les mensonges de Lilith pour maquiller sa relation amoureuse avec une femme) soit les protagonistes (les jumeaux en feuilletant l’album d’une vie ont la soudaine révélation d’identités « cachées » et de faux …)

Famille je ne vous hais point…Mais…

Famille dysfonctionnelle en I et II, famille orpheline -symboliquement- recomposée en III ; mais dans les trois cas un questionnement : quid de l’éducation reçue ? bribes de conversations (oncle Bob) qui perdurent avec humour ? construction vs déconstruction ? apprentissage individuel par-delà des déterminismes sociaux ? éloignement géographique et distance mémorielle ?? Le traitement de chacune des trois approches n’est-il pas révélateur de ces questionnements à défaut de leur donner une réponse ?

Le déplacement en voiture et la durée du trajet (plus ou moins longue surtout en I et III) frappent par une certaine lenteur -malgré des "accélérations" de vitesse -mais non de rythme. Non pas lenteur comme antonyme de vélocité  non pas lenteur propice à la contemplation d’un environnement (routes enneigées du New Jersey en I, enfilade de rues dans un Paris comme déserté par ses habitants en III) mais plutôt lenteur qui fait surgir à partir des propos échangés (filmés simultanément) les  "portraits"  des locuteurs, des absents-présents et des disparus dans un  "être là" : ce que renforceraient d’ailleurs la proximité de la caméra dans l’habitacle et la diversité des plans. Alors qu’à l’intérieur de la maison -celle du père, celle de la mère, ou dans un bar parisien, voici que trône un plateau -avec ses tasses ou ses verres, - plateau porteur vu en plongée (surtout en II où on a l’impression qu’il est filmé du plafond) (clins d’œil à Coffee and cigarettes ?) ; sa fixité imposée déclenche en fait des  "gestes"  ritualisés.  A cela s’ajoutent une bande musicale discrète et la chanson Spooky …

Tout cela semble s’inscrire dans la problématique sur l'absence, la distance et la mémoire familiale

A ne pas manquer !

Colette Lallement-Duchoze

Vu en avant-première dimanche 28 décembre

le film sortira en salles le 7 janvier 2026

Documentaire réalisé par José Luis Guerin (Espagne France 2024)

Prix spécial du jury au festival de San Sebastián 

En marge de Barcelone, Vallbona est une enclave entourée par une rivière, des voies ferrées et une autoroute. Antonio, fils d'ouvriers catalans, y cultive des fleurs depuis près de 90 ans. Il est rejoint par Makome, Norma, Tatiana, venus de tous horizons… Au rythme de la musique, des baignades interdites et des amours naissants, une forme poétique de résistance émerge face aux conflits urbains, sociaux et identitaires du monde.

Chacun crée son propre monde, et celui qui le construit avec égoïsme est perdu  (parole d’un habitant)

Comme le titre le dit explicitement, le documentaire de José Luis Guerin nous invite à être l’écoute, entendre une, des paroles, celle(s) des « habitants » de Vallbona leurs souvenirs (plus ou moins douloureux) leurs interrogations, leurs commentaires, leurs désarrois, la perte de leurs proches, sinon avec gouaille du moins avec un naturel qui emporte souvent l’adhésion de celui qui « écoute ».

Témoignages et instantanés de la vie, pour une approche humaine souvent poétique plus qu’expérimentale quand bien même cette « communauté » multiculturelle (telle une tour de Babel) est présentée comme le microcosme de l’Europe contemporaine, quand bien même la dialectique société/nature irrigue la narration

La construction (cf la rivière comme épicentre, les échos entre la séquence d’ouverture et la scène finale, l’enchevêtrement gestes paroles (parfois récits) et images en un réseau très «organique »  ) les cadrages, et les effets de la lumière, les alternances (entre nature comme inviolée et constructions urbaines bétonnées, entre groupes et duos ou soli, ou intergénérationnels, entre détente et travaux horticoles, etc) tout concourt à exhausser ce documentaire sur Vallbona -village hors du temps tout en étant ancré en lui-  en une œuvre éminemment cinématographique . Tel gros plan sur un visage, sur un arbre que l’on déracine, sur un plongeon qui magnifie l’eau en force vive, tel plan rapproché sur un couple qui danse, tel zoom sur un pleur qui sillonne les rides …Un temps comme suspendu à l’instar de cette enclave…

La dimension politique serait plus manifeste dans la préservation d’une « beauté= » séculaire (Vallbona terre d’accueil, et mémoire vivante des migrations) que dans une attaque frontale

A ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze

(attention il reste deux séances dimanche 10h30 et mardi 15h30 salle 8)

De Louise Hémon (2024)

avec Galatéa Bellugi (Aimée)  Matthieu Lucci : (Enoch) Samuel Kircher :( Pépin) Oscar Pons : (Daniel) Sharif Andoura : (père de Pépin)

musique Emile Sornin

Quinzaine des Cinéastes Cannes 2025

Prix Jean-Vigo 2025 Prix André-Bazin 2025

1899. Par une nuit de tempête, Aimée, jeune institutrice républicaine, arrive dans un hameau enneigé aux confins des Hautes-Alpes. Malgré la méfiance des habitants, elle se montre bien décidée à éclairer de ses lumières leurs croyances obscures. Alors qu’elle se fond dans la vie de la communauté, un vertige sensuel grandit en elle. Jusqu’au jour où une avalanche engloutit un premier montagnard…

le temps passe différemment pour chacun

Avec le prologue s’impose d’emblée la singularité de la bande-son. Un écran quasiment noir -hormis les points lumineux vacillants des lanternes -, mais un accompagnement sonore troublant et vertigineux, une musique faite de frottements de « fausses » dissonances. Ces mugissements du vent. président  à l’arrivée d’une jeune institutrice censée transmettre à la fois la langue (ici on s’exprime en occitan alpin) le savoir (contre les croyances ?) dans un paysage sinon englouti du moins hostile …La musique sera souvent obsédante et le son en continu à l’instar du vent…(Emile Sornin s’inspirant des chants scandés de Morricone, a composé quelque chose de polysémique, la voix d’Aimée, du chœur des enfants, de l’âme sauvage de la montagne et le sabbat de sorcière)

Tout au long de ce long métrage la réalisatrice va jouer sur l’opposition entre deux atmosphères deux tonalités :  le blanc de la neige (et la déclivité du paysage est si impressionnante que la verticalité a englouti l’horizontalité) les clairs obscurs des intérieurs aux tons froids et terreux souvent (avec de lents travellings sur les visages les objets) et la force suggestive de leurs mystères. Blancheur quasi immaculée, blancheur mortifère aussi ; flamboiement des braises, flammes des bougies, chaleur et désir ? . Blanc et noir aussi :vêtements d’Aimée telle une ombre maléfique dans le blanc hivernal ? robe noire de l’Amazone dans le vert printanier alors que de la vallée monte la théorie des épouses au regard interrogateur C’est que la ferveur républicaine qu’incarnait Galatéa Bellugi (avec la même fougue d’ailleurs que pour l’Apparition) s’en est définitivement allée, en même temps que le personnage…! Pourquoi ? Et c’est un des enjeux majeurs du film que ce basculement subreptice vers le fantastique

C’est bien du réel que naît l’étrange. Un réel qui par son immensité sidérante, ses strates insoupçonnées provoque le malaise chez cette « étrangère » Aimée -et son « double » le buste de Marianne- incarne le savoir républicain ; la certitude que le monde est intelligible- sa lisibilité est là évidente avec cette loupe sur le planisphère Vidal-Lablache , sur les « frontières », sur cette Algérie plusieurs fois mentionnée. Les habitants du village eux sont pénétrés de croyances (cosmogonie animisme certaines authentifiées par des écrits cf générique de fin).

A partir de la danse folklorique, des fissures lézardent le monde (apparemment) si lisse d’Aimée. Une scène de bascule, on passe d’un siècle à l’autre, de la nuit au jour, un vertige temporel en harmonie avec celui de la montagne, un vertige très physique aussi et le film va « basculer » vers le « sombre » Déjà dans une même et confondante unité , dehors et dedans pouvaient s’entremêler. Aimée s’adonne aux plaisirs solitaires (que la cinéaste illustre avec pudeur ; même pudeur quand guidée par des couinements Aimée est censée découvrir à l’intérieur d’une anfractuosité deux corps masculins Enoch et Pépin ?

Aimée serait-elle un succube ? Le jeune amant d’une nuit disparaît à jamais et d’autres hommes succomberont-ils à son charme au point de disparaître ?  Conspuée jusqu’à l’enfermement … Avant de  réapparaître -... au muletier

On peut déplorer une  fâcheuse (et complaisante ?) tendance à aligner des impressions, (ce que renforcent les ellipses le format 4,3 et une certaine redondance), d’autant que la cinéaste multiplie les thématiques (désir, sorcellerie, appréhension du temps,  mission civilisatrice de la République, féminisme, ) et fait côtoyer les genres (ethnographie du réel, naturalisme,  et fantastique)

L'engloutie n'en reste pas moins un film que je vous recommande.

Colette Lallement-Duchoze

De Jérôme Bonnell (France 2024)

avec Swann Arlaud, Galatéa Bellugi, Louise Chevillotte, Emmanuelle Devos

Libre adaptation du roman de Léonor de Recondo Amours paru en 2015

C’est l’histoire de Céleste, jeune bonne employée chez Victoire et André, en 1908. C’est l’histoire de Victoire, de l’épouse modèle qu’elle ne sait pas être. Deux femmes que tout sépare mais qui vivent sous le même toit, défiant les conventions et les non-dits

Déclinant presque ad libitum le terme "condition" le réalisateur met les femmes à l’honneur à partir de leur "condition" d’épouse, de servante, de mère- soit trois "conditions" d'asservissement-,  et démontre comment une "condition" - le pacte imposé par Victoire  à son mari qui l’a cocufiée-- va enclencher un processus d’affranchissement de certaines "conditions"  (contraintes extérieures ou luttes intérieures) en l’ancrant dans notre contemporanéité MAIS simultanément il veut prouver que le violeur c’est parfois un type sympathique, sensible, drôle, poli, Un violeur pleure, un violeur s’excuse, un violeur fait culpabiliser ses victimes » (propos du cinéaste) Tel serait le parti pris de Jérôme Bonnell dans cette très  libre adaptation  du roman de Léonor de Recondo Amours paru en 2015

Le cinéaste a soigné les ambiances (cf les jeux si multiples de clairs obscurs - photo de Pascal Lagriffoul- dans le huis clos de la propriété où les montées et descentes d’escalier vont faire voler en éclats des clivages (répartitions spatiales bien cloisonnées) tout en rythmant le cheminement intérieur de Victoire -l’épouse- et celui de Céleste -la servante, victimes toutes les deux des abus du maître de céans.  Il privilégie souvent les plans rapprochés , serrés ou les gros plans sur le visage (en frontal ou de profil) la nuque les mains des principaux protagonistes préférant le discret non-dit et le hors champ à l’explicite, préférant la circulation des regards à la parole (seul le mari aviné laissera exploser sa rage de mâle prédateur non satisfait, ses éructations et ses propos comminatoires se heurtent à l’impassibilité des deux femmes ou au mutisme d’une mère " encombrante " Parque des temps modernes ? (’Emmanuelle Devos évite de justesse le piège du cabotinage…)

Les mini séquences se succèdent sans un support didactique -ou explicatif- trop prononcé- comme autant de « tableaux » (dont certains évoquent la peinture sans verser pour autant dans une reconstitution historique trop léchée ) et les rares séquences hors les murs (en calèche, sur le quai d’une gare, dans la plaine ou le sous -bois )  évoquent elles aussi une approche picturale. L’interprétation frappe par sa justesse (Swann Arlaud en salaud bienveillant et mention spéciale à Galatéa Bellugi dont la simple présence impose  la force suggestive des non-dits)

Et pourtant quelque chose empêche cette Condition (quel que soit le sens) de décoller  et ainsi d’entraîner l’adhésion…Faisons fi des faux rebondissements, de l’artificialité de certains gestes (la mère impotente et ses coups de canne, Victoire et sa flûte traversière, Céleste et le corset) de certaines paroles récitées et comme plaquées (lors de réceptions) du déterminisme (André le fruit d’amours extra conjugales, reproduirait le schéma imposé par le père éducateur mais de son père géniteur aurait hérité de ...)

Académisme feutré dans le traitement ? Manque de souffle ? "Mornitude" ? 

Dommage !

Colette Lallement-Duchoze