De Wes Anderson (2024 USA) 

Avec Benicio Del Toro, Mia Threapleton, Michael Cera, Richard Ayoade, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Rupert Friend,  Bill Murray, Mathieu Almaric

Compétition Festival de Cannes 2025

Le riche homme d'affaires Zsa-zsa Korda désigne sa fille unique, une religieuse, comme seule héritière de son patrimoine. Alors que les Korda se lancent dans une nouvelle entreprise, ils deviennent rapidement la cible de magnats intrigants, de terroristes étrangers et d'assassins déterminés.

Le pitch rend compte uniquement de la « trame » générale (1950 Korda industriel puissant et véreux victime d’attentats ciblés sentant sa mort prochaine veut faire de sa fille, une nonne, l’unique héritière de son empire…Son projet pharaonique Phoenician scheme -développer un territoire oublié mais hautement stratégique, la Phénicie- est  perturbé à cause de la flambée des prix des rivets nécessaires à la construction du chantier … …Comment combler le gap ?  Comment convaincre les partenaires financiers (tous aussi véreux …)

Or dès le prologue nous pénétrons dans un univers très particulier :  décor-intérieur d’un avion- au cadre millimétré, aux couleurs dénaturées,  statisme apparent (comme une vignette de BD) puis l’explosion du cadre (l’assistant de Korda est éjecté tout comme va l’être le pilote,… de son siège) ellipse sur le crash de l’avion particulier ….avant qu’une superbe lumière zénithale ne nous montre Korda - comme ressuscité- immergé dans son bain,  alors que défile le générique….

Bienvenue dans ce nouvel opus de Wes Anderson où le discours logorrhéique est à l’image de la pléthore du casting, où les "rebondissements" dans ce parcours méditerranéen qu’entreprend l’homme d’affaires (avec sa fille et son acolyte l'entomologiste) auprès de ses partenaires financiers a les allures d’une comédie noire stylisée au récit sinusoïdal …où triomphe le goût  pour la symétrie (plans) et où se mêlent habilement critique de l’affairisme à l’échelle planétaire et crise familiale

Oui chaque rencontre a ses transactions plus ou moins grotesques  ou burlesques (transfusion de sang, demande en mariage, points marqués au basket ) Oui les "résurrections" successives de Korda justifieraient ces passages au paradis en noir et blanc (avec Bill Murray dans le rôle de Dieu) Oui l’espace vital et professionnel après moult déboires et fracas se resserre, au final, sur le duo père fille (où paradoxalement l’exiguïté du bar restaurant sera saturée d’objets)

Oui la grammaire cinématographique si originale de Wes Anderson (où chaque plan est travaillé avec méticulosité) a son égal dans le sens évident du rythme et les ambiances sonores signées Alexandre Desplat

Oui… Mais.. On peut déplorer l’absence notoire d’émotion, la froideur et l’hermétisme

Un film à voir,, c’est une évidence,  avec ces réserves déjà évoquées ici même

(https://www.cinexpressions.fr/2021/11/the-french-dispatch.html  https://www.cinexpressions.fr/2023/06/asteroid-city.html 

Colette Lallement-Duchoze

Girl in the Hallway  Canada, 2019, 11 minutes

• Réalisation : Valerie Barnhart Écriture : Valerie Barnhart, Jamie DeWolf
• Image, animation et montage : Valerie Barnhart Son : Pat Mesiti Miller
• Voix off : Jamie DeWolf Musique originale : Alex Mandel
• Production : Valerie Barnhart

À l’occasion du festival d’animation d’Annecy qui débute le 8 juin, Mediapart et Tënk vous proposent de découvrir le puissant film de Valerie Barnhart, primé en 2019. Illustration d’un fait divers qui interroge l’inaction et le poids de la culpabilité.

https://www.mediapart.fr/studio/documentaires/culture-et-idees/la-fille-dans-le-couloir-quand-le-silence-est-violence

"C'estC’est l’histoire d’une porte fermée. Un conte de bêtes affamées et d’ogres. Un souvenir de loups armés. Le récit d’un artiste qui se retrouve au cœur d’un fait divers. Il témoigne des circonstances qui entourent la disparition d’une enfant et porte avec difficulté le lourd poids de son silence et de son inaction. « Parce qu’il y a des petites filles qui ne reviennent jamais de la forêt. »

Quinze ans après, la petite fille du couloir le hante toujours. Cet homme, c’est Jamie DeWolf. Il était le voisin de Xiana Fairchild, âgée de 7 ans au moment de sa disparition. C’est son récit qu’on entend du début à la fin du film. Écrivain, cinéaste, performeur, il est réputé pour ses slams poétiques, dont celui qui sert les dix minutes de bande-son du film.

Un texte qu’il jouait depuis longtemps sur scène et dont la réalisatrice Valerie Barnhart s’empare pour son premier court métrage. Elle utilise le tout premier enregistrement public, le plus fragile, le plus torturé, chancelant et âpre. La jeune illustratrice canadienne le sublime à l’image par une animation en stop motion 2D, une technique qu’elle a apprise en réalisant ce film. Confrontant la mémoire douloureuse de Jamie DeWolf avec un travail au fusain et au pastel sur papiers découpés qui s’autodétruisent au fur et à mesure. Un chaos cauchemardesque d’ombres et d’éclats rouges qui collent parfaitement avec la scansion de la voix et la noirceur du texte. 

« Les aveux de Jamie sont incroyablement intimes. J’ai senti qu’en disant ces mots pour la première fois, Jamie avait créé quelque chose de brut et imparfait. Et qui permet de se projeter. C’est très facile de voir le background de cette histoire et pourquoi il a, malheureusement, pris ces décisions. Il y a un peu de nous tous en Jamie. Le silence et l’inaction sont une forme passive de violence. Le mal devient banal lorsqu’il est toléré par ceux qui le rencontrent », détaille la réalisatrice dans un entretien avec Nicolas Bardot.

Si l’histoire personnelle est terrible et dépeint une réalité très (trop) sombre, habitée par la peur de l’autre, la crainte générale du monde extérieur, dénuée de toute lueur d’espoir, de foi dans une humanité minée par la violence, sa grande force est d’être un avertissement contre nous-mêmes. Contre les dynamiques du silence, contre toutes les souffrances à côté desquelles nous passons sans y prêter attention ou, pire, en les ignorant sciemment. C’est ce sentiment qu’on ressent dans l’urgence de la voix à dénoncer le loup qui sommeille en nous.

Mediapart et Tënk

Le festival international du film d’animation d’Annecy se déroule cette année du 8 au 14 juin, retrouvez ici l’intégralité de la programmation 2025.

De Kiyoshi Kurosawa (Japon 2024  0h45)

Avec  Mutsuo Yoshioka, Selichi Kohinata, T. Tabata 

Dans une école de cuisine un étudiant déclare entendre un bruit étrange dans sa tête, comme un carillon qui résonne. Il est persuadé que la moitié de son cerveau a été remplacée par une machine

Un moyen métrage d'une étonnante force suggestive! 

Dès le tout début des bruits de fond hors champ - circulation automobile, bourdonnement de ventilateurs et  sifflement d’un métro aérien - créent une ambiance sonore étrange …comme si «quelque chose était en train de se produire.  

L'espace  clos, la salle de cuisine,  où exerce Matsuoka,  semble contraster avec le milieu urbain,   à peine esquissé (rue étroite, passage régulier d’un train)  ou au contraire froid et aseptisé n'est-il pas l'écho du vide quasi sépulcral de la ville ?  et de ce fait il participe de et à l’angoisse d’une imminente apocalypse ( ?).

A la relation maître-élève, relation d’autorité, (le maître balaiera d'un geste dédaigneux les angoisses de l'étudiant souffrant d'une hyperacousie.. mortifère, ou plutôt dont  le cerveau serait pour moitié remplacé par une machine .)   répond en écho le face à face Matsuoka/employeur pour un contrat d’embauche (le professeur tente de décrocher un poste dans un restaurant dédié à la gastronomie française). Un autre lieu où évolue le personnage celui de l’intime, de la famille (mais où chacun des trois protagonistes est comme étranger à l’autre) est en fait un espace où la règle semble le dérèglement…- là où chacun s’enferme dans la répétition mécanique  de ses "obsessions" 

L’horreur banalisée (un meurtre commis sans  état d'âme...)  est traitée tel un haïku (plans fixes souvent, contexte dépouillé, mutisme de certains personnages, profondeur de champ ressentie comme une menace) Des images spécifiques révélatrices de comportements particuliers qu’une partition sonore va progressivement investir, mettent le spectateur en état d’alerte permanent.

Voici des ustensiles -couteau poêles à frire- que le cadre (sans recourir au gros plan) parvient à brandir telle une menace…climat anxiogène. Voici une séance de "découpage" de poulet (la bande-son la rend sinistre). Voici des sacs plastique emplis de canettes (image de la surconsommation ?) que l’épouse déverse régulièrement, et le bruit métallique grinçant va s’amplifiant en dehors de l’image qui le sous-tend.(il en va de même pour ce cliquetis que provoque l’objet métallique trituré par le fils)  Le comportement de Matsuoka, quant à lui d’abord bienveillant (?) avec ses élèves, étonnamment volubile avec son futur employeur, et silencieux dans l’intime, se fait de plus en plus distant incompréhensible comme s’il épousait à son insu les dissonances d’un monde "déréglé" (en ombre chinoise -fantasme ou réalité ? -  un homme brandit un couteau sur sa voisine de table ; lui-même commet l‘irréparable après avoir assisté au suicide de son élève, - comme si le tintement du carillon obsédant était "contagieux";   à un moment sa course de plus en plus rapide, comme pour échapper à l'ennemi invisible, course  qu’accompagne le carillon des grillons,  sera frappée d’inanité…)

Alors peu importe que le mystère du carillon (chime) ne soit pas élucidé 

Le réalisateur a su en extraire le malaise profond! grâce à cette inquiétante étrangeté sonore

 Colette Lallement-Duchoze

Film précédé du court métrage INN , film d'animation américain réalisé par Zion Chen  mettant en scène une histoire de  fantômes chinois, une  odyssée au pays de l'étrangeté

D'Altor Arregi et Jon Garaño (Espagne 2024)

avec Eduard Fernandez, Nathalie Poza, Chani Martin

Présenté à Venise Section Orizzonti

Prix Goya du meilleur acteur pour Eduard Fernandez

Militant anarchiste, Enric Marco fut aussi, entre 2003 et 2005, président de l’Amicale de Mauthausen regroupant les survivants espagnols des camps nazis. Il prétendait avoir été interné au camp de Flossenbürg et témoignait régulièrement de son expérience dans les écoles et autres lieux destinés à conserver et à transmettre la mémoire de la seconde guerre mondiale. Un historien rigoureux et un peu pugnace, Benito Bermejo, découvrit qu’il était, en fait, parti volontairement en Allemagne en 1941 pour y travailler et n’avait jamais été prisonnier dans un camp de concentration. Il fut même découvert qu’il avait tenté de prendre l’identité d’un véritable déporté, authentique résistant, Marco va se battre alors pour maintenir sa version alors que les preuves contre lui s'accumulent

"Je n’ai jamais fait de mal à personne

Ça n'a jamais été une question d'argent

Tu es sûr que ça s’est passé comme ça ? (question de l’épouse)

Un homme qui s’invente une vie, un homme qui persiste dans le mensonge après la découverte de son imposture telle serait la face évidente de ce film ; mais l’essentiel serait peut-être ailleurs -quand bien même le plan initial - atmosphère embuée, décor planté pour une « reconstitution » peut se lire comme la métaphore de la « fabrication » du mensonge (?) A l’heure des fake news, des mensonges réitérés en haut lieu (même dans les prétendues démocraties…occidentales..) mensonges relayés abondamment par certains médias, à l’heure des falsifications (ah le recours au storytelling) ce film est le bienvenu! 

Voici une énigme à « décortiquer » et l’on comprend que ce qui est « montré » n’est jamais sûr et ce qui est dit l’est trop. La dynamique interne  de ce film qui est aussi sa « progression » est à chercher dans les effacements progressifs. (bien plus que dans l’enfermement tenace et habile dans le déni). Le choix de la fiction plus que du documentaire (avec toutefois quelques images d’archives) et le choix de l’acteur (redoutable et remarquable Eduard Fernández) donnent de l'épaisseur  au texte, dont les deux cinéastes s’inspirent L’Imposteur de Javier Cercas, 

Un défilement où chaque séquence opère tel un masque, où chaque plan serait moins une mise en abyme (un acteur qui interprète un personnage jouant un rôle) qu’une mise en doute (même si çà et là un zoom, un travelling ou des effets spéculaires accentuent la portée du procédé fictionnel). L’affrontement (face à face) entre l’imposteur et le découvreur du mensonge oppose -du moins en apparence - la froideur rigide de l’historien à l’habileté rhétorique du mythomane mais le jeu de l’acteur - Chani Martin non démonstratif- en décuple la perspective. Y contribue également l’attention portée aux détails, aux ombres et lumières indirectes (quand Marco s’éclipse du lit conjugal, -ombre portée alors que le visage de l’épouse est dans la lumière, quand il ne peut affronter les récriminations de sa fille, quand il fait un faux en signature -la pointe acérée de la plume comme outil de propagande, censé  effacer la preuve accablante   L’étau s’est resserré et pourtant l’imposteur règle encore ses comptes avec l’histoire sans battre sa coulpe…

L’approche ne sera pas morale (moralisante moralisatrice);  c’est une interrogation sur la façon dont on utilise l’histoire une mémoire -comment on parvient à la profaner

Un film que je vous recommande

Colette Lallement-Duchoze

De Lofti Achour  (Tunisie France 2024)

Avec Ali Helali, Wided Dadebi, Yassine Samouni , Younes Naouar,  Latifa Gafsi, Jemii Lamar

Première mondiale au Festival de Locarno 2024

Sélectionné dans plus de cinquante festivals, il a remporté à ce jour plus de quinze prix dont le Tanit d'Or de Carthage et le Yusr d'Or au Red-See film en Arabie saoudite.

Des hommes attaquent deux jeunes bergers et obligent Achraf, 13 ans, à apporter la tête de son cousin Nizar à la famille comme un message macabre. Tentant de ne pas devenir fou, Achraf s’aperçoit que le fantôme de son cousin est bien décidé à l’accompagner. Face à ses aînés désemparés, Achraf est déchiré entre son désir de s’accrocher à Nizar et son devoir de les guider pour récupérer le corps.

Le cinéaste s’est inspiré de faits réels : en novembre 2015, un jeune berger est décapité  par un groupe de jihadistes qui obligent le cousin à rapporter la tête à la famille…  (18 mois plus tard un sort identique sera réservé à un des frères du disparu, ce que rappellera le générique de fin). Une tragédie qui a tétanisé la Tunisie ; une tragédie qui restera à jamais dans les mémoires des Tunisiens

Lofti Achour ne montre pas les assassins : l’horreur est suggérée dès le prologue, par ce contraste si saisissant entre la joie de vivre et l'épouvante ; un décor somptueux dans son aridité même (saluons la prouesse du chef op Wojciech Staroń) ; un soleil ocre qui dévale sur des collines et des monts , des lacets qu’arpentent les deux jeunes bergers; même si dans la lumière pointe la menace des mines antipersonnel ou/et la présence insidieuse de l’ennemi ; une pause, un bain, avant que soit broyée  cette complicité ; une frayeur tétanisante dans un silence qui hurle … le jeune Achraf (Ali Helali) découvre l’innommable ! 

Le film va adopter son point de vue, mettre en évidence l’impact psychologique dû au  trauma. Nulle afféterie dès lors dans le recours au fantastique ou à l’onirisme. Car le film est avant tout un film sur l’enfance  affirme le cinéaste Ce garçon est dans un moment de choc. Il y a une forme de confusion dans sa tête, il n’a pas encore assimilé la mort, il ne sait pas ce que c’est. C’est en fait un apprentissage de tout ça, mais qui se fait dans une forme de douceur aussi et non pas dans la dureté et on peut aisément lire, voir entendre ce film comme un hymne à la jeunesse tunisienne qu’incarnent   Nazar Achraf et Rama. Toutes les séquences de caméra subjective qui mêlent souvenirs "heureux" , visions du disparu,  concourront à brosser le portrait d’une jeunesse sacrifiée et meurtrie (à la question as-tu souffert le cousin vu en rêve, répondra moins que toi  ) mais qui résiste et s’affirme (cf au final le sourire d’Achraf, la course de Rama et ce galet porte bonheur) 

On pourra toujours reprocher au réalisateur une tendance à la théâtralisation (nous assistons  à une tragédie à l’antique avec ses théories, ses gestes ritualisés, ses chœurs et cet orage qui gronde telle une ordalie). une tendance à l’esthétisation (le frémissement d’un paysage, le tremblé de rideaux, ou de mains qui se cherchent…) ou encore la symbolique appuyée du rouge (qui parfois envahit l’écran)

Mais ces choix ne sauraient altérer le propos "être « rouge, c’est être vaillant, résilient, capable de faire face à l’adversité … Et c’est en cela précisément que réside la force poignante émotionnelle du film

Colette Lallement-Duchoze