Documentaire réalisé par Alla Kovgan  (Allemagne, France, USA) 

Ce film retrace l'évolution artistique du chorégraphe américain Merce Cunningham de ses première années comme danseur dans le New York d'après guerre jusqu'à son émergence en tant que créateur visionnaire qui a révolutionné la danse 

2019 le Festival d’Automne (Paris) fêtait le centenaire de la naissance de Merce Cunningham (1919-2009)

Janvier 2020 sortie en salle du documentaire Cunningham. Pour rendre hommage au danseur chorégraphe américain, la réalisatrice russe  Alla Kovgan va privilégier la période 1942 1972 (depuis la naissance de la troupe jusqu’au départ de ses interprètes historiques) ; elle ne cherche nullement à faire un biopic encore moins une hagiographie ; elle "raconte des années de peine de dureté d’échecs ; montre le danseur dans la fleur de l’âge et dans l’inquiétude de ces années de survie financière et psychologique". Apprentissage chez Martha Graham, création de sa compagnie en 1945, étroite collaboration avec le compositeur et compagnon de vie  John Cage (mort en 1992) et le plasticien Rauschenberg (jusqu’à sa consécration à la Biennale de Venise en 1964) Andy Warhol, Jasper Johns (le dialogue  avec la musique les arts plastiques et le cinéma sera  fécond dans les recherches du chorégraphe) 

Un documentaire qui aura exigé plus de 8 années de travail (fouiller toutes les archives, maîtriser la technique 3D entre autres)

Son matériau ? Des images d’archives (en noir et blanc), des interviews (on entend les voix du chorégraphe, de John Cage, Rauschenberg Andy Wahrol, ainsi que celles de danseurs de la Merce Cunningham dance company). Un travail fructueux avec des danseurs pour les chorégraphies  en live et en couleur; tournées dans des lieux insolites tels que le tunnel sous l’Elbe en Allemagne, le toit-terrasse du centre Westbeth à New York, le parking de Cologne, elles  vont ancrer dans le présent les œuvres dites iconiques Antic Meet, Summerspace -dans le décor de Rauschenberg (cf affiche)-, Rainforest -avec ces fameux coussins remplis d’hélium de Warhol.  C'est qu'il  fallait " "traduire les idées de Merce en cinéma"

Un documentaire qui joue avec le split screen (fragmentation de l’écran en 2 3 parties, voire plus ) les travellings avant arrière, les vues en plongée, les surimpressions, des pirouettes astucieuses. Avec cette récurrence de la main- métronome

On pourra toujours reprocher le côté un peu lisse des images contemporaines et/ou le parti pris chronologique (qui va à l’encontre de cette non-linéarité revendiquée et par le  chorégraphe et par le musicien). Mais ce documentaire rend bien compte des bouleversements que le chorégraphe a imposés à la danse, en refusant le folklore narratif et la théâtralité.  Ce qui d'ailleurs peut gêner certains spectateurs rebutés par l’absence apparente d’émotion et d’explication (frontale ou non)

Je suis un danseur (alors qu’il est aussi un chorégraphe d’exception)

Mes danseurs et moi formons un groupe d’individus. c’est donc ce que nous sommes sur scène comme dans la vie, des gens qui bougent » (en réponse à la question sur la danse dite "moderne")

Si violence il y a, c’est celle que lui prête le spectateur

Un documentaire qui eût été un enchantement ....si ….on avait pu le voir en 3D !!!

Colette Lallement-Duchoze

de Rùnar Rùnarsson (Islande) 

avec Bjarki Thor, Ragnar Jönsson, S Albertsson

prix public jeune au festival de Locarno 

En Islande, alors que tout le monde se prépare pour les fêtes de Noël, une ambiance particulière s’empare du pays. Entre exaltation et inquiétude, Echo  dresse un portrait mordant et tendre de notre société moderne.

Circonspect intrigué ? Oui on l’est au tout début. Derrière des vitres voici des "masses" difficiles à identifier au repos ; puis une musique symphonique va servir de prélude au ballet de ces rouleaux et jets haute pression ; nous sommes dans une laverie automatique pour autos ; une voix de soprano accompagne tournoiement et ascension. Lavage d’une voiture et magie! .. Le prosaïsme accède au poétique et pourquoi pas au symbolique par métaphore. Dans cette scène liminaire, aucun être humain (en écho vers la fin ce sera la mer et ses gouffres amers, la valse des vagues écumantes qui déferlent sur le bateau) Est-ce à dire qu’il s’agirait d’un échantillon de la déshumanisation (pour la première scène) et de la pérennité de l’insularité (pour l’autre)???

Echo  s'éploie en plus de 50 tableaux filmés à la manière de Roy  Andersson (Chansons du deuxième étage Nous les vivants) : la caméra est fixe, entrent  dans son champ de vision des personnages qui évoluent le temps que dure leur micro histoire.  Ce sont des saynètes -certaines tels des flashes ou des instantanés, d’autres plus longues-, qui se succèdent en kaléidoscope -lequel est aussi une radiographie de la société islandaise et, sans extrapoler, de la société occidentale. Avec ces constantes : problèmes économiques (on préfère brûler la maison reçue en héritage que payer les réparations…) réfugiés (intrusion de la police dans une église) part belle faite aux enfants (cf la scène d’accouchement ou le ballet aquatique des bébés) entretien de son corps (gym aquatique pour le troisième voire quatrième âge, femmes bodybuildées en institut) discours politique et auditoire (à la première ministre qui s’exprime à la télévision répondent les commentaires divergents) jeux de société (de pauvres bougres avinés jouant au Monopoly sont à la tête de fortunes mirifiques) etc... Et dans ce contexte hivernal les élans de générosité ne sauraient abolir les détresses profondes (voyez ce vieil homme aphasique dans une maison de retraite- euphémisme pour mouroir- il peine à ingérer la nourriture qu'on lui sert à la petite cuillère de même qu'il peine à  reconnaître  sa petite-fille et semble insensible à sa logorrhée verbale; son visage suinte la douleur et un mouvement de cils semble dire l'inanité d'une quête vers un Ailleurs, si loin si proche???)

La fragmentation (cf l’affiche) - choix d'une  narration éclatée (alors que chronologiquement Echo nous entraîne dans les préparatifs des fêtes de fin d’année, de Noël à Nouvel An), ne signifie pas incohérence. Certes le réalisateur accorde le primat à l’intuition sur la logique. Mais parfois c’est bien par association d’idées que le spectateur  (r)établit le "chaînon apparemment manquant" : un exemple parmi d’autres : on passe du corps mort d’un enfant dans son cercueil (église vide cercueil blanc ouvert) à celui d’un jeune athlète noir (dans un solarium il explique au téléphone qu’il cherche "non pas à bronzer"  mais à vaincre une dépression due au manque de lumière…)

Si la caméra est fixe (imaginons-la sur un trépied) le réalisateur varie plans, angles de vue dans un cadre fixe : Plan large sur cette étendue d’un blanc immaculé ; entrent progressivement deux par deux des personnages ; on comprendra que c’est une battue et non une simple promenade.... Plan serré sur la première ministre qui s’exprime pour ses vœux de fin et début d’année. Plan rapproché sur cette femme qui parle à son nouveau-né (alors qu’en arrière-plan réduite à une silhouette se profile la mère). Certaines scènes sont muettes (celle des bouchers par exemple) d’autres privilégient une parole laconique mais terriblement efficace (rencontre sous un abribus de deux femmes…au passé commun...Visite au cimetière d’une veuve accompagnée de sa fille et de son petit-fils)

Fragments  diffractés   d'une société dans son entièreté! 

Un film certes étrange que je vous recommande vivement

J'entends déjà des esprits chagrins vilipender un  "exercice  de style"  fastidieux voire sclérosant

Rappelons -excusons ce truisme- qu’une critique est plus révélatrice de son auteur que de l’objet analysé!!! 

Colette Lallement-Duchoze

De Marius Olteanu (Roumanie) 

Avec Judith State, Cristian Popa, Alexandru Potocean

Section Forum du 69 ème Festival de Berlin

Dana et Arthur, la quarantaine, sont mariés depuis près de dix ans. Mais quelque chose s’est fissuré, à cause de leurs besoins, de leurs croyances, de ce que la vie leur offre, de leurs démons intimes. Un jour, ils devront décider si laisser partir l’autre n’est finalement pas la plus grande des preuves d’amour.

Ténuité de I’intrigue scénaristique, longs plans séquences, longs plans fixes, problèmes sociaux familiaux, traités avec réalisme humour ou gravité, ces caractéristiques typiques du cinéma d’auteur roumain nous les retrouvons dans le premier long métrage de Marius Olteanu.

Comment éviter le piège du statisme ? Le réalisateur a opté pour les silences, la parcimonie dans les dialogues, les ellipses, les non-dits, la lenteur, un format carré (pour les deux premières parties) -celui qui emprisonne chacun des  personnages et pose pour le spectateur la question du hors cadre-, la simultanéité différée (les deux premières parties sont censées se dérouler au même moment, celui qui traverse une nuit). Et si avec le jour nouveau (thème de la troisième partie) les deux sont réunis  "à l’écran" (cf affiche) dans un format élargi, cela n’induit nullement une "réconciliation"  tout au plus un  ni avec toi ni sans toi.  Ne serait-ce pas plutôt une "réconciliation"  avec soi-même, celle que des "monstres"  entravaient ? Monstres intérieurs tout autant que ceux imposés de l'extérieur (dont le poids des convenances)?

Et la marche vers cette (ré)union ce simulacre de  "réconciliation",  débute pour Dana dans le huis clos d’une voiture, dans l’habitacle d’un taxi (on apprendra qu’elle s’est absentée)  ; pour son mari dans les bras d’un homme rencontré via internet. Se confier à un inconnu se donner à un inconnu. La voiture devient un personnage à part entière c’est la mémoire confidente. Les  "tics"  de l’amant passager Alex (ne pas embrasser, refuser l’éclat de la lumière, etc. ) outre leur caractère à la fois comique et dramatique auront-ils  une incidence dans les choix d’Arthur? 

Aux mouvements de va-et-vient sur le quai de la gare (début première partie) répond l’entraînement dans une salle de sport  (début deuxième partie). Dana en très gros plan baigne son visage en larmes sous le robinet d'un lavabo avant de prendre un taxi. Arthur après l’entraînement, isolé sur un banc, décide de répondre à une annonce. Les circonvolutions du taxi épousent celles de l’esprit (même si dominent les non-dits) ; les ratés de l’expérience avec un homme ne remettent pas en cause l’homosexualité d’Arthur

Et comme souvent dans le cinéma roumain un pays une ville (ici Bucarest) un pan de son histoire (ici les difficultés économiques contemporaines et le puritanisme -rémanence de l’ère communiste??) sont concentrés en quelques personnages (la mamie, le chauffeur de taxi, le voisin) dont les quelques répliques assénées tels des couperets, sont lourdes de sens ! )

Une thématique classique (la crise d’un couple après dix ans de vie commune ; les jardins secrets à préserver) traitée avec justesse (exploration des raisons profondes de chacun des deux partenaires)  et originalité (deux solistes successifs puis un duo) Mais les choix revendiqués par ce réalisateur, choix qui constituent sa grammaire, son langage, et qu’il tente de réinventer presque à chaque plan pour ne pas les figer, avec cet effet de temps réel, n’entraîneront pas forcément l’adhésion du public !!!! 

Un film que je vous recommande !

Colette Lallement-Duchoze

 De Robert Eggers (USA)

Avec Robert Pattinson, Willem Dafoe, V Karaman 

 prix Fipresci à la Quinzaine des réalisateurs à Cannes

prix du jury au Festival de Deauville, 

L'histoire hypnotique et hallucinatoire de deux gardiens de phare sur une île mystérieuse et reculée de Nouvelle-Angleterre dans les années 1890.

 Rien de bon ne peut arriver quand deux hommes sont isolés dans un phallus géant.

Puissant organique, ce film en noir et blanc -au format carré- est un véritable joyau cinématographique tant l’adéquation est parfaite entre le fond et la forme

Sur une image au blanc délavé (telle une eau-forte) clignote au loin une lumière et se dessinent les contours d’une île ; c’est alors que la bande son tonitruante et stridente (signée Mark Korven) épouse le mouvement de l’étrave qui fend puissamment les flots ; deux personnages (plan américain et fixe) deux silhouettes surgissent d’un film ….expressionniste : c’est le début de Lighthouse. Une corne de brume nous accueille ! Dès ces premiers plans alors que le bateau n’a pas encore accosté sur l’île, le réalisateur a su créer une atmosphère qui emprisonnera le spectateur. Nous sommes embarqués ( sur le Styx ?) 

Nous allons partager la cohabitation (forcée) des deux gardiens de phare et leur relation à la fois hiérarchique (l'un est dominé l'autre dominant) et dyadique (l'un "est" l'autre). Une relation aux formes surannées : le plus âgé Thomas Wake (admirable Willem Dafoe) ressemble étrangement à Achab quand il n'endosse pas les habits de la mythologie grecque (Zeus, Triton); le second Ephraïm Winslow (formidable Robert Pattinson) d'abord soumis, accomplit les tâches subalternes, victime de quolibets et d'humiliations, avant de se révolter  et de tuer "métaphoriquement" (?) l'autre (son double?).  Il "répond" favorablement à l'appel de la Sirène... et une courte scène (fantasmée) le montrera en Prométhée (éviscéré par la mouette...)

Le souffle du vent en rafales, la mer démontée qui envahit l’écran, la bande son puissante et souvent dissonante, la corne de brume, sont comme le prolongement ou la métaphore des sentiments éprouvés ; et les chemins empruntés pour l’accomplissement des tâches, le puits, les excréments, la présence d’une mouette borgne, le pan de mur qui irradie de blanc, les escaliers intérieurs, le puits de lumière inaccessible (pour le subordonné…) se muent en une géographie intérieure d’autant que l’on va basculer dans la folie, et que les barrières entre réel et imaginé, entre vécu et fantasmé, se délitent, s’abolissent

Le réalisme le plus cru (uriner, vomir, se masturber, renifler, péter) côtoie ou épouse le poétique (dont témoignent les phrases récitées en leitmotive). Les archétypes masculins (le phare phallus, les serrures de porte en forme de vagin) sont volontairement mis à mal et les questionnements resteront en suspens, Dieu serait-il un phare et la mort une île ? alors que la tempête représente bien la folie dans ce film de possession et de dépossession, d’explorations et d’interprétations, d’appropriations des pensées, gestes et comportements de l'autre...à coup de légendes maritimes et de cauchemars, où l’amour se mue en haine farouche, où le désir sexuel ne peut se concrétiser que dans et par le fantasme.

Un film halluciné et hallucinant servi par deux acteurs excellents

Un film iconoclaste à ne pas rater !!

Colette Lallement-Duchoze

de Terrence Malick (USA  Allemagne)

avec August Diehl (Franz) Valérie Pachner (Fani sa femme) Mari Simon (Résie) Tobias Moretti (père Ferdinand Fürthauer) Bruno Ganz (juge Lueben) Karl Markovics (le maire) Franz Rogowski (Waldlan) Matthias Schoenarts (capitaine Herder)

Franz  Jäggerstätter, un paysan autrichien,  refuse de se battre aux côtés des nazis. Reconnu coupable de trahison par le régime hitlérien il est passible de la peine capitale. Mais porté par sa foi inébranlable et son amour pour sa femme Fani et ses enfants  Frantz reste un homme libre

Terrence Malick s’est inspiré de faits réels et il a lu les écrits de Frantz Jäggerstätter (ses lettres envoyées de prison destinées à son épouse Fani) Ce paysan autrichien qui au nom de son amour pour Dieu a refusé de servir les nazis, sera béatifié par le pape Benoît XVI en 2007 en la cathédrale de Linz.

C’est l’histoire d'un calvaire que le réalisateur met en scène dans "Une vie cachée", un film où les passages écran noir vont scander les étapes d’un "chemin de croix" magnifié par les paysages et les musiques de Bach Haendel, Arvo Pärt (entre autres) La phrase citée dans le générique de fin (empruntée à la romancière George Eliot) explicitera le sens de l'expression  "vie cachée"

Terrence Malick jouit d’une vénération admirative….qu’on est en droit de ne pas partager!

Nous sommes à Radegund, un village autrichien, au-dessus des nuages dit une voix off. D’emblée le réalisateur intègre une symbolique qu’il ne cessera de décliner avec plus ou moins d’emphase tout au long du film

Le personnage principal est tiraillé entre la terre (sa patrie) et le ciel (sa foi). Dynamique de la dualité que l’on retrouve -sous d’autres formes- dans l’opposition forcément grossière entre l’allemand (une langue vociférée par des gueules de monstres et qui ne sera pas traduite) et l’anglais (réservé à tous ceux qui n’incarneraient pas le Mal Absolu, réservé à la prière, aux conversations philosophiques, aux voix intérieures) Dualité entre une nature dont les montagnes imposantes semblent frôler la voûte du ciel bleu  et l’horizon bouché des villes et plus encore celui des prisons. Dualité Vie et Mort

Le film est traversé de signaux comme autant de symboles très (trop) appuyés -ces mains tendues vers le ciel telle une cathédrale, celle sculptée par Rodin ?; le rêve/cauchemar de Franz -un train filant à toute allure vers un ailleurs insoupçonné mais terrifiant et son inévitable concrétisation ; la femme, une mère Courage qui plie sous le labeur ; seule désormais avec Résie -son mari est incarcéré à Berlin- à faire corps avec cette glaise à la glèbe arrachée. Les cieux annonciateurs de malheurs quand ils sont zébrés de lambeaux noirs... et j'en passe...

Et que dire de ces mouvements de caméra (dont le réalisateur use et abuse) de ces grands angles, qui déforment les personnages -leurs visages ou les proportions de leurs corps?. De ces larges panoramiques sur les paysages -mais avec ces faisceaux lumineux comme incrustés et qui renvoient à toutes les bondieuseries sulpiciennes-, de ces longs et lents travellings sur les champs de blé qui frissonnent ? 

Panthéisme au sens étymologique ? Cieux terre animaux -ici comme par hasard très gros plan sur un âne et un boeuf- et humains unis en une vaste symphonie cosmique?

Une thématique éculée mais toujours d'actualité: collaborer ou non? signer un papier décharge et sauver sa peau ou mourir au nom d'un idéal soutenu par une foi inébranlable? Mais une thématique traitée avec  grandiloquence et emphase;  quand bien même les affres et les doutes affleurent sur le visage de Franz et habitent ses silences.

Le soleil se lève quand même sur le Mal

Colette Lallement-Duchoze