De Anthony Chen (Singapour)

Avec Yann Yann Yeo, Christopher Ming-Shun Lee,  Koh Jia Ler 

Des trombes d’eau s’abattent sur Singapour. C’est la mousson. Les nuages s’amoncellent aussi dans le cœur de Ling, professeur de chinois dans un lycée de garçons. Sa vie professionnelle est peu épanouissante et son mari, avec qui elle tente depuis plusieurs années d’avoir un enfant, de plus en plus fuyant. Une amitié inattendue avec l’un de ses élèves va briser sa solitude et l’aider à prendre sa vie en main.

C’est un film tout en nuances subtiles où pudeur et délicatesse évitent le mélo, le pathos.

C’est que la caméra est toujours à la "bonne" distance : elle sait être proche sans être inquisitrice ou plus en retrait mais avec élégance 

C'est que les "mini scènes" qui se succèdent - où se reproduisent des gestes identiques -  sont moins des "saynettes" que des "fragments" -avec rarement des débuts et des fins- et vus sous des angles différents

La répétition n'est pas pure mécanique. Car plus le personnage ou un épisode se rejouent  (Ling chez elle prenant soin de son beau-père hémiplégique, Ling professeur au lycée face à une classe entière ou en tête-à-tête avec son élève pour un cours de rattrapage, Ling au volant de sa voiture, Ling s'administrant des injections) plus -et cela mérite d'être souligné- s'impose une singularité. Celle d'une femme en mal d'enfant, délaissée par son mari, et comme "étrangère" dans la ville. Professeur elle enseigne le chinois à des jeunes qui préfèrent l'anglais -la langue des affaires- ; femme au foyer elle illustre en l’incarnant -du moins le temps de cette « wet season » - une tradition qui règle la stricte répartition des tâches, et le dogme de la sacro-sainte lignée.

Car le film est aussi l’histoire d’une émancipation

Filmés de face, seuls, assis, dans la salle de classe, Ling et son élève Wei Lun dégustent un durian ; ce fruit interdit dans les transports publics à cause de son odeur, ne devient-il pas la métaphore de la transgression ?

Étreinte prolongée sous la pluie (ce sera ma première rupture), les larmes du professeur et de son élève se mêlent aux sanglots de la pluie; le cadre d’abord resserré -comme sont enserrés "amoureusement" les deux corps- s’élargit  pour faire entrer la présence bleutée des gratte-ciel de la mégapole….(cf l’affiche)

Choix chromatiques en harmonie avec cette saison des pluies, condensation (dans ses sens propre et figuré); absence de musique ce qui évite un surlignage émotionnel  (seul le ruissellement de la pluie qui martèle ou s'abat avec fracas va scander le parcours de Ling);   absence de très gros plans (significative d’une distance maintenue vis-à-vis du personnage comme du spectateur),  dialogues minimalistes, tout concourt à faire de « west season » un film où l’intime -même le plus cru- évite la trivialité, où les non-dits et les ellipses servent de ponctuations, où sur la toile de fond s'inscrit une critique sociale…(la société singapourienne et sa loi du profit coûte que coûte)

Un film que je vous recommande

Colette Lallement-Duchoze

D' Alejandro Amenabar (Espagne) 

Avec Karra Elejalde (Miguel de Unamuno) Eduard Fernandez (José Millan Astray) Santi Prego (Francisco Franco)

Espagne, été 1936. Le célèbre écrivain Miguel de Unamuno décide de soutenir publiquement la rébellion militaire avec la conviction qu'elle va rétablir l’ordre. Pendant ce temps, fort de ses succès militaires, le général Francisco Franco prend les rênes de l’insurrection. Alors que les incarcérations d’opposants se multiplient, Miguel de Unamuno se rend compte que l’ascension de Franco au pouvoir est devenue inéluctable...

Sauver la civilisation occidentale chrétienne cette formule que Franco empruntera à Miguel de Unamuno (1864-1936) serait un des arguments de ce poète philosophe en faveur du nationalisme et de l’armée espagnole (le poète a d’ailleurs donné 5000 pesetas pour défendre cette "cause").

Prise de pouvoir par Franco et simultanément aveuglement (?) de certains intellectuels -dont Miguel de Unamuno -avant son revirement lors de la fête de la Race dans un « fameux » discours-,   telle est bien la double dynamique de ce film.

Tout en sachant que -de l’aveu même du réalisateur- Lettre à Franco "parle autant du passé que du présent face à la montée des mouvements fascistes en Europe" 

Intentions plus que louables!

Mais le « traitement » de cet épisode (été 1936) est à la fois didactique et académique (avec le risque inhérent : provoquer l’ennui) ; la reconstitution très appliquée est certes solide  et  minutieuse (décors, costumes, personnages ayant réellement existé; documentation) mais elle pèche par un classicisme désuet, pour ne pas dire « pompeux » quand elle ne verse pas dans une forme de mélo (relations de Miguel de Unamuno avec sa fille, son petit-fils ; récurrence de ce plan lumineux sur sa jeunesse heureuse) et pire ! dans une forme d’opérette (acteurs grimés ressemblant aux personnages réels, texture lisse de l’image)

Et même les fluctuations et contradictions idéologiques du personnage sont souvent escamotées derrière des « coups de gueule » assez complaisants

On retiendra du discours prononcé par Miguel de Unamuno le 12 octobre 1936 « vous vaincrez mais vous ne convaincrez pas »,  alors que l’assistance -une vague brune- se lève au cri de  « vive la mort »

On connaît la suite….

Colette Lallement-Duchoze

de Stéphane Demoustier

avec  Melissa Guers,  Roschdy Zem, Chiara Mastroianni, Anaïs Demoustier,  Annie Mercier 

Bruno et Céline voient leur vie de famille basculer lorsque Lise, leur fille de 17 ans, est accusée du meurtre de son amie Flora. Deux ans après le crime, Lise vit avec un bracelet électronique, en compagnie de ses parents et de son petit frère, Jules. Alors que le procès approche, la vie de Bruno ne tourne qu'autour de ces quelques jours au cours desquels il sait que le destin de sa fille va se jouer, au beau milieu d'une cour d'assises.

Au tout début, une scène en bord de mer, filmée en plan large. Nous n’entendrons pas les paroles échangées entre les protagonistes (père mère et  deux enfants) . Arrivée de policiers, (une brisure dans un univers apollinien?)  "embarquement" de la jeune fille qui, docile, prend juste le temps d’enfiler un tee-shirt... Or précisément l’indifférence de Lise lors de son "arrestation" - car elle est soupçonnée d’avoir tué sa meilleure amie-  sera "utilisée"  par l’avocate générale comme  "élément à charge" ,"preuve" indubitable  de culpabilité … 

Ainsi dès le début le ton est donné, celui de l’impassibilité. Et la jeune Melissa Guers dont c’est le premier rôle parvient par un regard, un silence, une moue, une réponse inattendue -car elle heurte tout simplement le bon sens ou s’inscrit en faux contre les convenances- ou des réponses laconiques réduites à des monosyllabes, à rendre palpable cette  "impassibilité" lors de son procès. Convaincue de son innocence, imperturbable, elle donne l’impression d’être extérieure à ce "théâtre" des apparences,. Le spectateur va découvrir en même temps que les jurés, -et les parents d’ailleurs-, certains aspects de sa personnalité - ou du moins des zones d’ombre que des vidéos (ah ces vidéos compromettantes qui circulent sur les réseaux sociaux…) vont "éclairer "

Le cinéaste affirme avoir voulu  "que l’enjeu intime supplante l’enjeu judiciaire" . Et de fait La fille au bracelet  est moins un film de  "procès" , une quête de la "vérité" , où triomphera ou non l’intime conviction -face au manque de preuves irréfutables ou à l’incongruité de certaines-, qu’un questionnement sur l’incommunicabilité entre parents et enfants, sur l’incompréhension des aînés, sur les arcanes du monde des adolescents.  Ce que l’avocate de la défense (Annie Mercier) exprimera dans sa plaidoirie en une suite accumulative d’interrogations dites  "oratoires" (que savons-nous de  ces adolescents, que savons-nous de leurs blessures, de leur rapport à leur corps...etc...)

Certes, les séquences à huis clos frappent par une mise en scène impeccable - cadrages, plans fixes ou légers mouvements de caméra, refus du pathos des morceaux de bravoure et des effets de manche, jeu symbolique de la grille/séparation, lenteur calculée des prises de paroles (hormis celle de l’avocate générale très -trop- fougueuse), précision méthodique qui va de pair avec une froideur clinique parfois glaçante

Mais hors tribunal, le film  "confine dans une suggestion psychologique pesante et sans risque" (Libération). En témoigne le  "rôle"  dévolu aux parents -même si des plans rapprochés sur le visage du père (Roschdy Zem) ou les interventions de la mère (Chiara Mastroianni) tentent de "sonder" l’inquiétude...(celle ...de parents...on ne change pas de point de vue...)

Est-ce à cause de ce décalage (certainement délibéré) que le film ne convainc pas ?

C’est du moins  mon  "intime conviction"...;

Colette Lallement-Duchoze

de Maryam Touzani (France Maroc)

avec Lubna Azabal, Nisrin Erradi, Douae  Belkhaouda

Présenté à Cannes  (Un certain Regard) 

Dans la Médina de Casablanca, Abla, veuve et mère d'une fillette de 8 ans, tient un magasin de pâtisseries marocaines. Quand Samia, une jeune femme enceinte frappe à sa porte, Abla est loin d'imaginer que sa vie changera à jamais. Une rencontre fortuite du destin, deux femmes en fuite, et un chemin vers l'essentiel.

La mort n’appartient pas aux femmes (Abla)

Peu de choses leur appartiennent (Samia)

C’est un film de femmes, c’est un regard de femme sur des femmes (entendons par là que le regard de la réalisatrice épouse celui de ses deux personnages féminins) et à travers le parcours de Samia et Abla c’est un état des lieux de la société marocaine dans ce qu’elle comporte de plus traditionnel machiste et misogyne : la grossesse hors mariage, illégale, est sévèrement  punie (Samia le sait et préfère donner son enfant à l’adoption "avec moi il serait condamné") et une veuve ne peut accompagner son époux dans sa sépulture (Abla le rappellera, triste et mezza voce lors d’une confidence à Samia)

Nous sommes à Casablanca. La Médina. Une jeune femme enceinte frappe désespérément à toutes les portes pour offrir ses services de coiffeuse, de "bonne"  à tout faire. Refus réitérés. Nous cheminons à ses côtés dans les ruelles.

A partir du moment où Abla (pâtissière) accepte de l'aider et lui offre l'hospitalité (sa gamine de 8 ans a joué le rôle d'intermédiaire...),  la réalisatrice filme en intérieur. Plans serrés,  jeux d'ombre et de lumière, ocres bruns et mordorés -un travail remarquable de Virginie Surdej directrice de la photographie. Ces effets de clair-obscur rappellent certaines peintures, et ils sont en harmonie avec toutes les zones d'ombre et les secrets d'un film à la fois pudique et sensuel .

Certes il y a quelques échappées -sur les toits de la Médina, ou dans les ruelles quand le four tombe en panne-; certes il y a cette fenêtre  destinée au commerce et c'est par elle qu'un homme éperdument amoureux fait la cour à Abla; puis il y aura la fête de l'Aïd - mais les participants seront comme floutés...

L’essentiel est bien dans cet espace clos où insularité et sororité se rencontrent, se conjuguent et s’épousent.

Un apprivoisement réciproque que les deux actrices Lubna Azabal (rappelez-vous sa prestation dans  Incendies) et Nisrin Erradi incarnent avec une force et une justesse telles qu’on oubliera quelques longueurs (plus ou moins complaisantes)

Un film à ne pas manquer!

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire réalisé par Mariana Otero (France)

A peine âgé de 30 ans Gilles Caron au sommet d'une fulgurante carrière de photo-reporter, disparaît brutalement au Cambodge en 1970. Il aura été l'un des témoins majeurs de son époque, couvrant les plus grands événements historiques et sociaux 

Au départ, un livre consacré à Gilles Caron que reçoit la réalisatrice Mariana Otero. Elle l’ouvre et nous le découvrons en même temps qu'elle. Premier plan.  Scène d'ouverture

Au départ une photo et son écho :celle des deux filles de Gilles Caron que Mariana Otero met immédiatement en parallèle avec les dessins de sa mère (disparue elle aussi).

Au départ un geste, une connivence, une correspondance entre le "regard" de la cinéaste et le regard du photographe.

À partir d’un disque dur -les 100 000 photos, les planches-contacts, les rouleaux- c’est une vie, c’est un tout à déplier et mettre dans un certain ordre, c’est un regard à capter!

Celui d'un  photographe disparu en 1970 qui avait couvert la guerre des Six Jours, le Biafra, la guerre du Vietnam, mai 1968, l’Irlande du Nord, et le Cambodge…Grand reporter de guerre, Gilles Caron a aussi immortalisé sa propre famille, la jet set parisienne, le travail de cinéastes sur leur lieu de tournage (Truffaut Baisers volés par exemple). 

Mariana Otero s’adresse à lui (voix off) le tutoie, comme un "double artistique" ?.Ses questionnements supposés (sur la position du regardeur face à ce qu’il veut immortaliser, sur l’angle de vue, sur l’instant magique où il appuiera sur le déclencheur) ses tâtonnements, ses réponses elle se les approprie, les fait siens (la longue séquence consacrée à Cohn-Bendit le prouve aisément). Elle épouse ainsi son regard et invite le spectateur à partager cette démarche.

Spectateur qui, conscient de la charge émotionnelle et politique des images, sait que la photo doit être contextualisée, qu’elle n’est pas "innocente" qu’elle peut être "indécente" dans sa volonté même d’alerter l’opinion (cf Caron photographie Depardon qui photographie un gamin biafrais squelettique …) qu’elle peut exhumer un passé que l’on croyait enfoui  (cf les séquences en Irlande où Mariana Otero presque 50 ans après la guerre civile, part à la rencontre de ces personnes qui manifestaient en 1969 et que Gilles Caron avait photographiées à découvert ou non. Regard émerveillé de cette femme âgée qui se (re)voit jeune fille telle une icône dans un environnement de gravats!)

Histoire d’un regard ce n’est pas un simple documentaire sur un photographe, c’est une proximité entre une cinéaste et un artiste de l’image

Et voici que le temps se fige

alors que palpite l’acuité d’un regard

Un bel hommage à ne pas manquer !

Colette Lallement-Duchoze