de Veerle Baetens (Belgique Pays-Bas 2023)

avec Rosa Marchant, Charlotte de Bruyne Amber Metdepenningen, Matthijs Meertens, Anthony Vyt, Sebastien Dewael

De nombreuses années après cet été où tout a basculé, Eva retourne pour la première fois dans son village natal avec un énorme bloc de glace dans son coffre, bien déterminée à affronter son passé...

Adapté du bestseller Het Smelt (ça fond ; en français « débâcle ») de Lize Spit, ce premier long métrage de Veerle Baetens est un film sur la non résilience. Deux temporalités -en miroir-, (faire progresser en parallèle deux moments de la vie d’Eva), un « fil rouge » : la devinette (d’abord « ludique » elle participera au « macabre ») deux façons de filmer

Mutique esseulée assez « gauche » telle apparait au tout début Eva assistante photographe à Bruxelles. Un gros plan sur un regard énigmatique (fuyant ?) un autre sur un paquet/cadeau qu’elle fait chuter de la table. Quel secret enfoui au profond ? Les infos sont livrées avec parcimonie et les gestes frappent par leur lenteur calculée. En acceptant l’invitation pour une soirée commémorative organisée dans le petit village des Flandres où elle passait ses vacances, Eva sait qu’elle trouvera tous les protagonistes de son enfance – ceux, notamment, d’un événement qui a bouleversé sa vie, l’été de ses 13 ans…. Mais elle ne sera pas animée par la vengeance. La cinéaste affirme d’ailleurs avoir réalisé Débâcle pour « tous ceux qui enfouissent leurs souffrances au plus profond d’eux-mêmes, à un endroit où personne ne pourra les deviner et d’où elles les dévorent peu à peu. ».

Veerle Baetens a de toute évidence travaillé les « raccords » entre les deux périodes : l’été des 13 ans (où tout a basculé) et le présent, jusqu’au plan final où les deux visages d’Eva vont se saluer, dans la simultanéité de leur apprivoisement réciproque …par-delà et à travers la vitre.

Faire dialoguer les temporalités en passant par exemple d’un plan d’Eva enfant regardant vers la gauche à un plan d’Eva adulte regardant vers la droite ; importance du regard tourné ou tendu vers…quand l’autre (famille ami) détourne le sien et accepte plus ou moins le climat de misogynie.  Ou au contraire en enfermant Eva adulte dans le cadre, afin de la rendre prisonnière alors que le cadre est le réceptacle de tous les possibles pour la période de l’enfance. Un contraste s’impose aussi dans la façon de filmer les deux temporalités. Ainsi l’été de l’enfance est dominé par le chatoiement de couleurs chaudes alors que le présent frappe par des teintes plus « glacées » -qu’accentuent le mutisme et certaines longueurs. Constat purement formel toutefois car le passé restitué à hauteur d’enfant sait mêler exubérance complexité et sadisme (la jeune Rosa Marchant a reçu le prix d’interprétation à Sundance tant son jeu est formidable); aucun temps mort, aucun détail superflu, aucune complaisance dans la « maltraitance ». Eva souffre de ne pas être reconnue par une mère alcoolique qui lui préfère la cadette ; Eva souffre de n'être que la « copine » de Tim dont elle est amoureuse, elle accepte pour lui plaire d’hameçonner de « belles » jeunes filles pour un quiz & strip.

Bourreau elle sera victime.

Et si la caméra est souvent virevoltante pour capter l’effervescence de l’adolescence, alors qu’elle est plus distante pour filmer Eva adulte, les deux Eva n’ont de cesse de « retrouver » -chacune à sa façon certes-, cette place confisquée, qui participe à l’identité…galvanise une personnalité

Eva ma sœur de quel amour blessé…

Eva ton hurlement silencieux !

Un film à ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze

De Lisandro Alonso (Argentine France Mexique 2023)

avec Viggo Mortensen (Murphy) Chiara Mastroianni (Maya / Colonel) Alaina Clifford (Alaina) Sadie Lapointe (Sadie) Viilbjørk Malling Agger (Molly) Adanilo (L'indigène disparu) 

Festival de Cannes 2023 Hors compétition 

Alaina, accablée par son travail d'officier de police dans la Réserve de Pine  Ridge, décide de ne plus répondre à sa radio. Sans nouvelles, sa nièce  part en Amérique latine pour un voyage qui s'avère mystique

Le temps est une fiction inventée par les hommes 

Le film s’ouvre sur un western (une parodie ?) en noir et blanc au format 1,33, puis le cadre s’élargit en même temps que s’étrécit la série…. Télévisée… avant les infos météo ; nous sommes (second mouvement) dans la réserve de Pine Ridge (Dakota) où nous allons suivre la « ronde de nuit » d’une policière ; elle disparaît de l’écran et de la fiction et c’est avec sa nièce Sadie que nous allons effectuer un voyage dans le temps et l’espace (années 1970 jungle amazonienne). Conquête de l’Ouest, politique d’oppression de l’Amérique actuelle, et politique capitaliste au Brésil -dernier quart du XX°- telles sont les trois séquences constitutives de ce film

Un « motif » imagé formel semble les relier celui de l’oiseau, (le jabiru d’Amérique ?) une plume que caresse et interroge Murphy dans le saloon (western) plumes sur le canapé où s’était assise Sadie (avant le « trip » concocté par le grand-père) et voici que (faussement) majestueux l’oiseau entre dans la chambre où « repose » le transfuge après avoir été soigné par la "guérisseuse" ; l’oiseau qui surplombait de ses ailes éployées la réserve, l’oiseau qui aura permis de passer d’une contrée à une autre, d’une temporalité à une autre. Mais ce lien narratif s’enrichit d’une critique suggérée ou explicite. Le réalisateur ne se contente pas de "montrer" les indiens Natifs déshumanisés réduits à des épaves et ce, avec  réalisme,  il s’insurge contre leur anéantissement programmé et la récurrence de l’effacement -voire de l’enfouissement-, d’une séquence à l’autre le prouverait aisément : les Amérindiens sont « effacés » du western (à la fois par Murphy et la femme shérif) ; la policière et sa nièce sont vouées à « disparaître » (mort symbolique) tant elles sont mésestimées et les autochtones en III sont « dépouillés » de leurs biens par les colons rapaces…

Un film exigeant, audacieux. (quand bien même on serait insensible à  l'animisme mystique qui préside à la troisième partie) Certains plans sont d’une sidérante beauté (quand le blanc envahit tout le cadre, quand la barque motorisée semble confondre l’élément liquide et l’imaginaire du blessé, quand une contre plongée magnifie le rôle du guide ou de l’oiseau, quand la policière impose sa corpulence placide au réel) et la bande son (due au percussionniste Domingo Cura) est parfois envoûtante

Mais en optant pour la complexité (et son inévitable artificialité, transformant le réalisateur en « chamane  de la condition indigène» suppléant les trois guides de sa fiction) en recourant aux très longs plans fixes (comme dans Jauja), aux contrastes appuyés (monde des vivants et  des morts, neige et jungle, réalisme et imaginaire, vie moderne tumultueuse et vie contemplative, mutisme et paranoïa, misère et chercheurs d’or) le cinéaste a pris le risque de décevoir:  la dynamique de la rupture  ne brouille -t-elle pas l’implicite de la « théorie » ? et on est acculé  à s’interroger au lieu de se laisser (trans)porter……

Certains spectateurs risquent de rester à quai…..

Colette Lallement-Duchoze

De Kei Ishikawa (Japon 2022)

avec Satoshi Tsumabuki, Sakura Ando, Masataka Kubota 

Japan Academy Prize 2023,  A man a obtenu les prix du meilleur film, du meilleur réalisateur pour Kei Ishikawa , du meilleur scénario pour Kôsuke Mukai, du meilleur acteur pour Satoshi Tsumabuki, des meilleurs actrices et acteurs secondaires, du meilleur montage et du meilleur son

Trentenaire endeuillée, Rie rencontre Daisuke artiste en herbe. Ils tombent amoureux et fondent une famille mais au décès de Daisuke Rie apprend qu'il avait usurpé l'identité d'un autre homme. Elle engage un avocat pour connaître la véritable identité de celui qu'elle aimait.

Adapté d’un roman éponyme, le film de Kei Ishikawa, est  " encadré"  (premier et dernier plan) par le tableau de Magritte « la reproduction interdite » (un personnage se regarde dans un miroir, or le miroir ne reflète pas son visage mais son dos !  alors qu’un livre posé sur la cheminée lui est bien reflété dans le miroir): Tableau dans le cadre du premier plan, avant qu’un zoom ne l’isole ; métaphore ou mise en abyme  de ce qui sera le questionnement  sur l’identité, l’un et le multiple (et partant sur la transmission, l’héritage) ???

Voici tout d’abord une romance sentimentale. Celle qui aura uni une jeune femme Rie divorcée (épatante Sakura Andô) et Daisuke un timide dessinateur (Masataka Kubota) -(ses  dessins comme floutés seront de précieux auxiliaires lors de l'enquête)  ; romance traitée avec  une  lenteur , pudique et  calculée,  et cette audacieuse ellipse temporelle . Un plan d’ensemble sur la famille recomposée heureuse avant le tragique accident (mais quelle incongruité sidérante dans son traitement !!….).Or la photo du défunt sur l’autel de famille ne correspond pas du tout au « vrai » Daisuke Taniguchi (comme l’affirme le « vrai » frère) Rie engage un avocat (Satoshi Tsumabuki) sur les traces de … X ; le film va basculer dans cette « chasse à l’homme », la  traque des identités

De rebondissements en rebondissements, d’indices en indices plus ou moins révélateurs, de rencontres en rencontres, d’interrogatoires en interrogatoires le cinéaste brimbale son spectateur et cherche à le perdre dans une démarche qui se veut dédaléenne, en variant rythme et ambiances, en multipliant les « fausses » pistes, pour aboutir à la découverte d’un inconnu qui aura porté plusieurs noms.

Simultanément l’enquête est devenue quête de soi (et ce dès que l'avocat entre dans le cadre ,dans la fiction ne serait-ce que par  la  façon de le filmer  de dos comme les personnages magrittiens) et les « crises » (éructations gifles qui contrastent avec son apparente placidité) vont scander cette prise de conscience ; parallèlement le fils aîné de Rie est déboussolé car il est privé de patronyme : lui qui avait porté le nom de son père géniteur puis celui de sa mère divorcée puis celui du père adoptif, quelle sera sa « nouvelle » identité (état civil) ?

Certes ce film interroge sur ce qui fait « un homme » (l’article un  dans son acception usuelle d’indéfini et non de singularité) c’est-à-dire sur les facteurs qui conditionnent l’identité de tel ou tel, de même qu’il insiste sur la pression sociale, sur l’intégration, les faux-semblants et les secrets ; un film qui joue avec le « brouillage » (à l’instar des dessins signés Daisuke ?) ; certes les protagonistes dits « secondaires » bénéficient d'une égalité de  traitement  (du professeur de boxe au détenu pour trafic falsification de documents,  en passant par la petite amie du vrai Daisuke ). Certes le racisme japonais -à l’encontre des Coréens entre autres- est vigoureusement dénoncé (propos xénophobes du détenu, manifs et slogans nationalistes)

Mais que de surenchère complaisante !! Que d’étirements inutiles !! (pour preuve:  la (es) « découverte(s) » d’un nouvel indice, d'une preuve  est (sont) longuement illustrée(s)  – sous forme de flashback -, à  coups d’hémoglobine de gnons  et de prétendus suspenses)

Dommage !!!

Colette Lallement-Duchoze

de Hong Sang-soo (Corée 2022)

avec Hae-hyonKwon, Hye-Young Lee, Song Seon-mi

Argument: Byungsoo, un réalisateur célèbre, accompagne sa fille chez une amie de longue date, propriétaire d'un immeuble à Gangnam. La visite des lieux entraîne pour lui un voyage hors du temps où se dessinent, à chaque étage, ses amours passées et à venir

On connaît la prédilection du cinéaste pour les " intermittences du cœur",  on connaît sa façon de filmer : dispositif resserré, peu d'acteurs, caméra souvent fixe, décors banals, importance accordée aux repas,  à la prise d'alcool et à la  "parole"  (de sujets  anodins on peut glisser subrepticement vers des interrogations plus existentielles)

Walk-up radicalise tout cela (au grand dam de certains spectateurs) . Et d’abord en ce qui concerne le montage ; chaque partie, - il y en a 4-- sera un plan-séquence, des ellipses temporelles sans  encart informatif (mais avec des  "repères" : un thème musical au début, puis suivant la déambulation du  locataire/créateur/rêveur "changements apparents"  de mobilier ou encore ce moment de désynchronisation : allongé Byungsoo entend sa voix et celle de sa femme en off, avant que ses lèvres n'esquissent un léger mouvement; rêve ou réel ?)  (au spectateur de « raccorder » ou non) .

Le décor ? Un seul lieu : un immeuble  ou plutôt son intérieur (un seul plan sur la façade et une vue en contre plongée sur la terrasse ; rares plans d’extérieur ; alors que la bande son insuffle la rumeur de la ville) ; un intérieur compartimenté en restaurant et appartements auxquels on accède par cet escalier en colimaçon (dont on devine  toutes les connotations).  Le locataire va passer de l’un à l’autre comme il passe allègrement d’une temporalité à l’autre, de la réalité au rêve, du rêve au fantasme, du vécu à la "création"  et ce "décor" avec ses portes ouvertes entrouvertes ou fermées se prête aux configurations mentales, au "voyage intérieur" avec ses inévitables conflits, regrets  et/ou désirs. Un immeuble ravagé, sous de trompeuses apparences,  par des nuisances matérielles (dont cette fuite d’eau jamais colmatée) Un immeuble qui métaphorise l’être dans son entièreté ? délabrement physique (les problèmes évidents de santé, tabagisme, alcoolisme et sevrage difficile) et mental (mais de quelle « maladie » souffre le personnage ?)

A chaque moment de la vie (re)visité(e) inventé(e)  est associée la fréquentation d’une femme (mais la propriétaire des lieux  sera omniprésente, guide intrusive, gardienne de la mémoire ??)

Le choix du noir et blanc (sublime, digne d’une estampe dans after day ) semble ici homogénéiser l’aube et le crépuscule en une seule temporalité (hormis l’instant furtif où se profile l’ombre crépusculaire)

Souveraine et logorrhéique, avec ses banalités, ses boutades, ses afféteries, ses satires, ses exultations, agrémentées ou non de fous rires,  la parole pourra dérouter tant elle contraste avec les ellipses,  tant  elle est souvent avinée ;  l’alcool est -rappelons-le- devenu « motif » dans la filmographie du cinéaste- désinhibant il peut aussi combler les vides existentiels   

C'est la fille  qui ouvre le film, la fiction et donc la porte des réminiscences. Or différenciant l'homme et l'artiste, elle dira sans ambages à son interlocuteur(rice)  l'immaturité et les  dépendances néfastes du père! Simultanément,  après avoir  déclaré en finir avec le cinéma,  le père va trouver, au dernier étage, une forme d’apothéose (à la fois créatrice et amoureuse)

Rêve ? fantasme ? souvenir ? 

Avec Walk-up, Hong Sang-soo aura transformé,  une fois de plus , une évidente banalité en sublime création!  

Raison suffisante pour ne pas  rater ce film (quand bien même il  ne serait  pas  le plus convaincant)  

Colette Lallement-Duchoze

de Milena Aboyan (Allemagne 2023)

avec Bayan Layla, Derya Dilber, Derya Durmaz

Festival Premiers Plans Angers 2024 

Elaha, une jeune femme d’origine kurde de 22 ans, s'apprête à se marier. Elle cherche par tous les moyens à faire reconstruire son hymen pensant ainsi rétablir son innocence.  Malgré sa détermination, des doutes s'immiscent en elle. Pourquoi doit-elle paraître vierge, et pour qui ?

Voici une jeune femme tiraillée entre le respect des traditions kurdes, l’amour pour sa famille et la soif d’indépendance, qui passera par la libre appropriation de son corps, ce dont témoigne la séquence inaugurale. Elaha danse. Son corps est comme en lévitation, il chorégraphie l’espace sans entrave, au grand dam de sa mère qui lui enjoint de se modérer   et de s’asseoir….

Etre écartelé entre deux forces contradictoires inconciliables : c’est le propre du dilemme.

La réalisatrice, dont c’est le premier long métrage,  va le traiter sans manichéisme. Les forces conservatrices (concernant le  contrôle du corps de la femme) sont incarnées au sein de la famille par la mère (le père est souvent mutique) une mère qui épie, soucieuse avant tout de l'honneur des siens . Incarnées plus largement et idéologiquement par la gent masculine si fière de l’apanage que lui réserve son « sexe » (l’avenir que propose Nassim à sa fiancée Elaha est sidérant de traditionalisme) Les forces émancipatrices ? les « copines » ? certes;  mais surtout la professeure qui lors d’un tête à tête explique avec calme que l’essentiel est de « se poser la bonne question », ne pas se barricader derrière des faux semblants.(elle participera d’ailleurs au bon déroulement d’une hyménoplastie gratuite); autre personnage féminin compréhensif et bienveillant,  la chirurgienne

A travers le personnage d’Elaha (interprétation souveraine de Baya Layla, allemande d’origine syrienne), la réalisatrice propose une radiographie sociale de la communauté kurde en Allemagne, -ses pratiques culinaires, ses soirées festives, le conflit que mènent certains contre la vie moderne alors que d'autres s'émancipent du "joug" familial . Avec Elaha on sera sensible à toutes les contraintes d'une hyménoplastie (dont le coût exorbitant pour des jeunes impécunieux) à ces escroqueries vendues en pharmacie,, capsules de faux sang et leur kit spécial « nuit de noces », on appréciera cette vidéo sur la reconstruction d’un hymen

Si le choix de la réalisatrice est éminemment politique -dénonciation non pas d’une culture mais du patriarcat (anachronisme du concept de   "virginité" entre autres et surtout nécessité de l’émancipation féminine) force est de reconnaître que la mise en scène est  assez classique,  conventionnelle (alternance scènes familiales dans l’intimité d’un appartement et extérieurs, contraintes et libérations, circulation de regards quand la parole est abolie, -immersion dans une complexité suggérée ? ) et l’on pourra même déplorer des effets d’insistance alors que le contexte est suffisamment éloquent jusque dans ses non-dits 

A voir ! 

Colette Lallement-Duchoze