d'Adrew Haigh (G-B  USA 2023) 

avec Andrew Scott Paul Mescal, Jamie Bell, Claire Foy

librement inspiré du roman  Strangers de Taichi Yamada

À Londres, Adam vit dans une tour où la plupart des appartements sont inoccupés. Une nuit, la monotonie de son quotidien est interrompue par sa rencontre avec un mystérieux voisin, Harry. Alors que les deux hommes se rapprochent, Adam est assailli par des souvenirs de son passé et retourne dans la ville de banlieue où il a grandi.

Ouvrir ou ne pas ouvrir sa porte, celle d’un appartement à l’intérieur d’un immeuble géant mais déserté par l’humain (prodigieuse façade dont un plan prolongé envahit tout l’écran) ; une porte et ses connotations (ouverture sur un monde, autre car singulier, sur le passé revisité, sur les possibles peuplés de fantômes souvenirs ); faire coïncider les affres de la création (angoisse de la « page blanche ») et la recherche d’un passé dont on porte toujours les stigmates ; assumer son homosexualité ; caresser le grain d’une peau humer l’odeur tracer l’effilé du regard ou le contour d’un sourire capté dans l’intimité à la fois sensuelle et pudique  -Eros-; parler avec ses parents miraculeusement ressuscités -Thanatos- . Oui il y a tout cela dans le film d’Andrew Haigh où le personnage principal est de tous les plans (subtile tromperie du tout début où Adam est comme "vautré" dans sa solitude; mais il aura suffi  d'une alerte incendie, d'une rencontre inopinée pour que tout bascule   );  où les atmosphères (très travaillées) aux tonalités pastel le plus souvent ont ce quelque chose de cotonneux ou d’embué bleuâtre qui épouse la descente (ou remontée c’est selon) vers le souvenir l’orgasme la création ; où abondent les effets spéculaires; où la douloureuse impossibilité de faire le deuil ira s’amenuisant au fur et à mesure que se libère la parole (celle qu’on aurait aimé entendre, celle d’un père entre autres celle d’une mère encore plus corsetée dans ses clichés réducteurs sur les enfants « queer »  !)

Le tempo est assuré par ces allers et retours en train (de l’appartement à la maison de l’enfance) par l’alternance entre scènes familiales (avec la prégnance du réel même si Adam est plus âgé que ses géniteurs, il les « retrouve » le temps de ses visites tels qu’il les avait enserrés dans l’écrin mémoriel des années 70 80) et séquences dans l’appartement (où Adam vivait seul…) ,par le jeu sur les temporalités (présent et passé, présent et imparfait, passé et futur antérieur), par l’irruption du cauchemar (cris et images déformées de celui qui souffre d’un trauma originel, de ses démons intérieurs) qui contraste avec l’apparente quiétude (cf le sourire de l’acteur  Adam Scott ou les rires de Paul Mescal)  

On sera sensible (forcément tant le film nous y oblige) à la porosité de la frontière entre rêve et réalité (le fantôme est là palpable dans la contingence devenue nécessité) à toutes les thématiques abordées et incarnées par 4 personnages (deuil famille solitude orientations sexuelles)

Cela étant l'impression désagréable de l’artificialité  aura gâché  le simple « plaisir » de « regarder » ; (moins celui d’écouter « the power of love ou Always On My Mind )

Colette Lallement-Duchoze

d'Ilya Povolotsky (Russie 2021)

avec Maria Lukyanova Gela Chitava

Quinzaine des cinéastes Cannes 2023

Un père et sa fille adolescente sillonnent la Russie à bord d'un van qui contient tous leurs biens et le matériel d'un cinéma itinérant. Ils organisent des projections en plein air dans les villages reculés. Lors de leur périple, de brèves rencontres ponctuent leur solitude. Mais leur vie va basculer sur les rives de la mer de Barents.

Aussi aphasique et mélancolique que les films du Lituanien Sharunas Bartas, La Grâce du jeune réalisateur russe est un road movie étonnant où la tache rouge du van (celui où vivent le père et sa fille) devient dans l’immensité, la rugosité, la désolation des paysages traversés,  la luminescence dans les ténèbres ; et la dernière partie rappelle -tant les similitudes s’imposent- le film d’Andreï Zviaguintsev le léviathan (les rives de la mer des Barents, le décor post apocalyptique, la peste des poissons). 

Le film s’ouvre sur le plan d’une jeune fille accroupie ; elle vient d’uriner près d’une rivière, son corps a saigné ! Elle rejoint le van après sa corvée d’eau, un van conduit par le père, un père qui délaisse la femme de passage (elle-même va s’évanouir dans les méandres d’une route improbable) femme à laquelle l’ado demande une serviette…pour éponger ses menstrues…

Mais qui sont ces deux personnages ? où vont-ils ? à plusieurs reprises l’adolescente évoque la possibilité de la mer…A l’intérieur du van, la présence d’une urne, matérialisation d’un passé qui n’est pas encore enfoui. Le chemin sera long lent jusqu’à l’émancipation. La Grâce ou le récit de cette émancipation. (l’élément liquide y acquiert la grâce de La (re)naissance)

Gros plans sur les visages à l’intérieur de l’habitacle, larges panoramiques pour les extérieurs, et/ou plans majestueux où respirerait la matière d’un vivant déjà mort, avec vues en plongée ou contre plongée, alternance lumière et obscurité, scènes en miroir (rapport père/maîtresse de passage par exemple) des paysages désolés, (et même cet immense centre commercial a des couleurs défraîchies) des ruines, et ce long travelling latéral sur une façade abandonnée avant que n’apparaisse assise une femme muette elle aussi ou du moins peu loquace, le travail exigeant sur les lumières les cadres, tout cela témoigne de la puissance suggestive du film, et de la maîtrise de son réalisateur ! d’une vibration  personnelle pour communiquer cette impression (insoutenable pour certains spectateurs) d’une existence fantomatique (pour ne pas dire sépulcrale).

ô  visage d’adolescente à la grâce des peintures de la Renaissance !

ô mutiques adultes,! ô jeunesse désenchantée ! de quelle grâce êtes-vous le « non » (ou le nom)

Et si nous avions traversé avec vous un espace mental ?   

Un film à ne pas rater

Colette Lallement-Duchoze

Film d'animation,, biopic musical, réalisé par Fernando Trueba et Javier  Mariscal (2023 Espagne, France, Portugal, Pays Bas) 

Avec les témoignages d'Edu Lobo, Gilberto Gil, Chico Buarque, Caetano Veloso, Milton Nascimento, Toquinho, Roberto Menescal, Paulo Moura, Bud Shank...

Doublages : Jeff Goldblum, Roberta Wallach, Tony Ramos...

71ème festival de San Sebastian

Un journaliste musical new-yorkais enquête sur la disparition, en 1976, à la veille du coup d'État en Argentine, de Francisco Tenório Jr, un pianiste brésilien virtuose......

Ce film d’animation signe une nouvelle collaboration entre Fernando Trueba (réalisateur, scénariste et producteur musical)  et Javier Mariscal, illustrateur, auteur de BD, graphiste, peintre (rappelez-vous Chico et Rita, 2011)

"Ode à la bossa nova, enquête sur une disparition, hommage à une Amérique latine laminée par les dictatures militaires"  oui ce film d’animation est tout cela à la fois. Il joue aussi sur l’étroite imbrication de deux démarches : celle du réalisateur Fernando Trueba qui s’était intéressé au pianiste brésilien Francisco Tenório Júnior, avait collecté des centaines d’interviews, de New York à São Paulo, de Paris à Rio, avait le projet d’en faire un documentaire (classique ?) , et celle de Jeff Haris, ce journaliste musical new yorkais qui, au départ écrit un article sur la genèse de la bossa nova et qui va enquêter sur le pianiste mort dans des circonstances jamais élucidées à 34 ans en 1976 ; l’article est devenu livre, le livre ce film « they shot the piano player »  (film encadré d’ailleurs par la séquence dans une librairie à New York, en 2009)

Nous allons croiser des légendes de la musique, de Vinícius de Moraes à Chico Buarque, de Jobim à Caetano Veloso, mais aussi Ella Fitzgerald, Bill Evans, ainsi que les « maîtres de la nouvelle vague » (Truffaut Godard) La bossa nova a émergé au Brésil en même temps que la nouvelle vague en France (le titre est d’ailleurs un clin d’œil à un film de Truffaut).

Profusion d’artistes et de témoins dans leurs avatars animés mais avec leur vraie voix ! immense puzzle à reconstituer ! avec ce souci très pédagogique de la contextualisation (cf les graphiques du continent sud-américain dont les pays se couvrent de noir, quand advient la dictature, quand se déploie l’opération Condor !!), cet hymne à la musique brésilienne  est illustré par le flamboiement des couleurs -en harmonie avec la fougue vibrante de la bossa nova, de ces corps ondulants de danseuses (années 50, 60)  Le choix d’aplats de couleurs avec ces ombres incorporées  et les mouvements sinueux ont souvent ce charme languide qu’amplifie l’omniprésence de la musique. En alternance le bleu lumineux de cet appartement avec vue sur la plage d'Ipanema  où travaille le journaliste,- jaillissement  dans la résolution de l'énigme "qui a tué le pianiste"?  Les ocres grisâtres et les verts kaki  évoquent la cruauté des dictatures (à partir de 1973 au Chili ) avec leur cortège d’arbitraire (enlèvements exécutions tortures) alors que le graphisme aux traits fins, vigoureux et géométriques est proche de certaines BD. 

Cependant, si la forme choisie - dessin animé en rotoscopie à l’esthétique BD – est source d'invention et de poésie dans le schématisme même, elle ne saurait  susciter l’émotion attendue quand il s’agit de numéros musicaux (solos ou orchestre). Et  la prolixité des paroles (échanges avec tous ceux qui ont côtoyé de près ou de loin le pianiste) de par son abondance a le défaut de ses qualités : la pléthore

Cela étant, reconstituer le parcours d’un « inconnu » virtuose à travers le regard des autres, opposer en violents contrastes (couleurs ambiances ) la période d’effervescence musicale au traumatisme tragique des dictatures,  n’est-ce pas l’intérêt majeur de ce film, soit une raison suffisante pour ne pas le rater ???

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire réalisé par Sylvestre Meinzer (2022)

Derrière l’image tranquille des paysages, d’une nature sereine et des scènes de la vie ordinaire, des voix d’anonymes apparaissent et se répondent. Elles racontent ce moment de l’histoire où, revêtu.e.s d’un gilet jaune, des femmes et des hommes se sont rassemblé.e.s pour exprimer leur colère et leur détermination à changer de monde. Le film « Les voies jaunes » est une quête de cette mémoire frémissante, sur une ligne grondante qui va du Havre à Marseille

Loin des images dont la presse télévisuelle nous a abreuvés en mettant en exergue la violence d’une foule déchaînée, loin des critiques négatives répétées ad nauseam par de prétendus spécialistes et politologues improvisés, nous voici au cœur d’une réalité qui fait entrer en résonance des témoignages (voix off) et des images (où s’imposent plans fixes et plans séquences, paysages et scènes de la vie quotidienne où les témoignages ont été recueillis). Désynchroniser la voix et l’image tel fut le parti pris de Sylvestre Meinzer au montage. (Elle avait recueilli 35h de témoignages des Gilets jaunes lors de leurs assemblées, avait sillonné la France du Havre à Marseille)

Regarder ce documentaire exceptionnel c’est « comprendre de l’intérieur » (nous entendons les motivations les questionnements les attentes les critiques de ceux qui ont rejoint le mouvement né le 15 novembre 2018, mouvement qui aura marqué de façon indélébile leur vie), et simultanément c’est prendre le temps de « contempler » une France essentiellement rurale, ou semi -rurale. Certes le film s’ouvre sur l’activité portuaire du Havre (en filigrane on devine la critique d’une forme d’industrialisation…) et certaines prises de vue renvoient au monde urbain, mais ce qui s’impose à notre regard ce sont ces vastitudes de verdure et de blondeur, ces ciels tourmentés ou azuréens, cette vie animale (animaux domestiques et fermiers, dont ces bovines filmées en frontal de profil ou de dos grégarisées ou isolées ; ou ce  porc qui se délecte dans la boue) ces activités de la terre etc. Une façon de filmer qui n’est pas sans rappeler celle de R Depardon. Une école du regard !

Si la colère n’est pas « illustrée » par des images choc elle est bien présente dans la parole de ceux qui ont subi les outrages (répression éhontée) mais aussi en écho avec des images si parlantes et signifiantes (pour exemple cette meule de foin, emballée de plastique que fouette un vent violent va  "accompagner" la narration d’une garde à vue pour le moins humiliante). Bien plus la documentariste "montre"  de façon palpable tout ce qui en amont a provoqué la colère : un monde industriel en décrépitude, la misère,  la précarité

" Nous ne sommes pas dans un film guidé par l’urgence de témoigner, mais dans une proposition sensible de l’après coup, de la transformation. Les récits sont portés par des personnes pour qui le mouvement des Gilets jaunes a marqué irrémédiablement leur vie. En parlant de réinvention du monde, le film crée des ponts avec d’autres mouvements de résistance que ce soit dans les champs de l’écologie ou des inégalités sociales notamment. Le film cherche à rendre palpable la force souterraine des idéaux d‘un peuple, qui se met à croire dans un réenchantement possible de ce monde trop souvent présenté sans avenir. Ce qui me touche dans la démarche de Sylvestre […], c’est sa volonté de chercher à humaniser un mouvement souvent méprisé et déshumanisé, en s’intéressant au quotidien, à la vie des gens, d’une France oubliée. Son élan à aller vers l’autre ne se place pas pour autant dans la compassion ou la complaisance, mais dans la curiosité, l’excitation de la rencontre, le désir de recevoir une diversité de récits, de se faire passeuse d’une parole." Jean-Marie Gigon, producteur-délégué du film

Un documentaire -quête d’une mémoire frémissante- à l’audacieuse forme de congruence, à ne pas rater  

(séances Omnia vendredi 18h dimanche 13h30, mardi 18h)

Colette Lallement-Duchoze

de D Abel et  F Gordon (France/Belgique 2023)

avec Dominique Abel, Fiona Gordon, Kaori Ito

Prix du jury aux rencontres du cinéma francophone en Beaujolais (Villefranche /Saône)

Boris, barman, vit dans la clandestinité depuis 35 ans à la suite de son implication dans un attentat qui a mal tourné. Son passé refait surface quand une victime le retrouve et veut se venger. L'apparition de Dom, homme dépressif qui ressemble comme deux gouttes d'eau à Boris, fournit à l'ex-activiste le moyen parfait pour échapper à la vengeance. Boris et sa femme Kayoko, épaulés par leur portier, Tim, tissent une toile funeste autour de Dom : ils ignorent l’existence de son ex-femme, détective privée

Malgré l’ambiance de film noir (travail étonnant sur la lumière les ombres portées les contre-jours et choix de plans larges) malgré la théâtralisation (des lieux et du jeu des acteurs), malgré quelques trouvailles (le papier hygiénique ou la disparition par enfouissement dans un pouf) quelques gesticulations corporelles qui renvoient à l’art du mime, certaines chorégraphies (même incongrue celle des retrouvailles Fiona Dom alors que celle du bar l’étoile filante qui inclut les clients est moins convaincante quand bien même ce serait la parodie de comédies musicales)  on est loin de la tonicité et de la singularité poétique, de la loufoquerie funambule, auxquelles le couple Dominique Abel et Fiona Gordon nous avait habitué (Rumba, La Fée, Paris pieds nus)

Scénario abscons ? Non car la trame narrative même alambiquée est bien présente et lisible jusque dans dans ses « déraillements »  Comique de répétition qui s’essouffle (le mouvement de bicyclette dans le lit comme illustration d’un cauchemar, le bras prothétique de l’homme au revolver, assoiffé de vengeance) ? Changement de perspective, celle revendiquée par le couple ?  En traversant la rue du burlesque au polar, nous ne lâchons pas notre envie de rire, nous explorons une palette plus amère. Le désenchantement, la mélancolie, ingrédients typiques du polar, planent sur L’Étoile filante mais un joyeux ensemble de personnages moralement ineptes apporte à notre film noir ses belles couleurs et sa drôlerie." - Abel & Gordon*

Quelle que soit la réponse, on a la fâcheuse impression d’un long métrage qui tourne court…

Colette Lallement-Duchoze