de Zoé Brichau    (Belgique 2020)

documentaire 29'

présenté aux Etats généraux du film documentaire 2021

à voir sur Tënk 

Qu'ils ne me volent pas mes rêves - Film documentaire - Tënk (on-tenk.com)

"Ce dimanche (21/08)  à Lussas, Ardèche, s'ouvrent les États généraux du film documentaire. La semaine prochaine, nous vous ferons découvrir quelques uns des films qui vont être montrés sur les écrans cette année. Mais aujourd'hui, retour sur l'édition 2021, avec un petit crochet par 2019 !"

Fin 2019, la révolution éclate au Chili. Un groupe d’amis milite et participe activement aux manifestations. Tandis qu’ils photographient, filment, placardent des affiches, ils subissent quotidiennement les inégalités contre lesquelles ils se battent.

Des images de manifestations. Sur les pancartes "Piñeda casse-toi" ou encore "droit à l'avortement". La réalisatrice filme ses ami·es : ils et elles sont dans la rue, photographient et participent à l'insurrection du peuple chilien fin 2019.

Le film les suit également dans l'intimité. Dans leur appartement, Claudia, Jorge et Nico parlent de la société qu'ils et elles veulent et de cet enfant qui ne naîtra pas. On suit pas à pas l'avortement clandestin de Claudia. Il y a du sang, de la douleur mais surtout beaucoup de douceur et de solidarité.

La caméra de Zoé Brichau nous fait une place aux côtés de cette jeunesse en colère et rend hommage à celles et ceux qui osent dire à leurs parents : "Cette situation te plait ? Moi, je n'arrive pas à l'accepter." 

La nouvelle constitution mise au référendum le 4 septembre 2022 prévoit notamment l'inscription du droit à l'avortement dans la loi fondamentale. Son adoption mettrait fin au texte en vigueur depuis la dictature Pinochet.

Éva Tourrent Responsable artistique de Tënk

De Stephen Karam  (2021 USA)

Avec Richard Jenkins , Jayne Houdyshell , Steven Yeun , Beanie Feldstein , Amy Schumer , June Squibb

TIFF Toronto international film festival 

Au sein d'un duplex d'avant-guerre au cœur de Manhattan, The Humans suit le cours d'une soirée durant laquelle la famille Blake se réunit pour célébrer Thanksgiving. Alors que l'obscurité tombe à l'extérieur du bâtiment en ruine, des choses mystérieuses commencent à se heurter dans la nuit et les tensions familiales montent crescendo...

 A voir sur Mubi

The Humans (2021) | MUBI

En adaptant sa pièce de théâtre (2015) Stephen Karam a su éviter les pièges du « théâtre filmé ».

Certes la profusion de dialogues, le décor unique et les longs plans fixes renvoient immanquablement au théâtre.

Mais en jouant constamment avec les premiers et arrière-plans (voire les profondeurs de champ) en décloisonnant l’espace, en le transfigurant (cf  la fragmentation du visage dans et par le miroir brisé, la bouteille de bière comme prisme déformant du réel) ou en accentuant les failles (lents travellings et/ou gros plans sur la tuyauterie délabrée, sur des plaques de moisissure) le réalisateur entraîne le spectateur dans un « autre univers » : plus pictural (les couleurs en aplats ou le noir, les jeux de clair-obscur, les cadrages) plus cinématographique et "cauchemardesque" en harmonie d’ailleurs avec les  "failles internes" des personnages. ( Saluons le travail sur la couleur du chef opérateur Lol Crawley)  

On peut comparer cette démarche raconter autrement une œuvre à celle de Florian Zeller adaptant pour l’écran sa pièce de théâtre « the father »

Reprenons : la famille Blake est réunie pour fêter   thanksgiving » (ou Action de grâce) dans le nouvel appartement de la fille cadette Brigid (Beanie Feldstein) et de son conjoint Richard (Steven Yeun). Le père Erik (Richard Jenkins) est d’emblée effaré par le choix d'un tel lieu d'habitation,  tant le duplex est minable, (bruits insolites répétés venant du dessus, moisissures comme décorations murales, silhouette étrange aperçue par la fenêtre) ; impression partagée par sa femme Deirdre (Jayne Houdyshell), sa fille aînée Aimee (Amy Schumer)  et sa mère Momo (June Squibb), - et la déambulation en fauteuil roulant dans l’étroit vestibule frise la catastrophe !!!!

Dans ce huis clos, les mouvements  d’un niveau à l'autre du duplex (et son escalier en colimaçon), d’une pièce à l’autre, d’un personnage à l’autre vont scander la narration alors qu’au moment des agapes (le benedicite,  l’inévitable dinde) les personnages assis, filmés de dos, de trois quarts ou de profil vont « révéler » leur être profond -et souvent au détour de remarques insignifiantes, de propos anodins, de prétendues réflexions existentielles ou de "confessions" (il en est de même dans le duo père/gendre ; mais la question formulée sur le ton de la plaisanterie  "ne pensez-vous pas qu’être en vie devrait coûter moins cher" ? est loin d’être anodine, tant elle recèle un  douloureux vécu)

Et voici qu’apparait en filigrane le contexte politique et social d’une Amérique encore « traumatisée » par le 11 septembre (cauchemars du père) d’une middle-class encore jugulée par la crise financière de 2008, en proie à des vicissitudes insurmontables (?) alors que se profile le spectre de la maladie et de la mort...

The Humans ou la défaite du "rêve américain" ?

Mutatis mutandis ne serait-on pas en droit de mettre en parallèle le huis clos, si propice à l’enfermement, avec la politique américaine du repli sur soi, outrageusement sécuritaire ?

Colette Lallement-Duchoze

court métrage de Louis Tardivier (2019 ) 18'

à voir sur KUB

L'oeil et la terre - KuB (kubweb.media)

Sur une île aride en proie au déchaînement d’un volcan, les deux derniers représentants d’une civilisation perdue cherchent tant bien que mal leur salut.

Magie, vie, chaos Commentaire du réalisateur Louis Tardivier 

L'histoire se passe sur une île, en vase clos. On ne dit pas s'il existe un ailleurs. La mer s'étend à perte de vue. Les personnages sont seuls au monde. Derniers vestiges d’une civilisation disparue sous une éruption volcanique. Si c'est cette éruption qui a parachevé la disparition de la civilisation, on comprend qu’elle courait à sa perte, qu'elle avait exploité jusqu'à la moelle ses ressources.

Enfermés à l’écart de la société, nos deux survivants ont ironiquement échappé à une mort certaine et globale. Ce point de départ s’inspire de l’histoire du prisonnier martiniquais Louis-Aguste Cyparis, miraculeusement rescapé de l’éruption de la montagne Pelée en 1902 car protégé par son cachot. Cette métaphore de l’enfermement se renforce quand ils découvrent que leur liberté ne fut que de courte durée puisqu’ils se trouvent à présent prisonniers de cette île-tombeau qui n’a plus rien à leur offrir. Ils ne peuvent que constater l'ampleur du désastre et discourir à ce propos tout en cherchant à fuir.

Conditionnés par ce comportement, ils continuent pourtant dans la même veine que leurs pairs ; face aux derniers vestiges d’arbres, ils ne s’émeuvent pas plus et reproduisent le même geste destructeur. Pour autant, ils développent une pensée et questionnent cette situation 

Un discours se construit entre l'homme et la femme autour de sujets philosophiques et prosaïques. Ce ping pong existentiel nourrit nos personnages et le sens du film. Chacun empruntant deux chemins différents. Pour se sauver, la femme va tenir la corde du rationalisme tandis que l’homme va décider partiellement d'orchestrer un retour vers le religieux et le mystique. Le film interroge ainsi notre rapport au choix, à la destinée et au hasard, à l’irrémédiable gratuité du réel dont l’absurde plaide en faveur de l’inexistence d’un Dieu. L’apparence des personnages, un visage/masque épuré aux formes géométriques et un corps humanoïde réaliste, exprime la dualité entre corps et esprit. Cette dialectique âme/corps s'ajoute au discours qui s’établit entre l’homme et la femme. À l’inverse de films apocalyptiques qui mettent en scène une humanité aux réactions pragmatiques ou héroïques face à un sort cruel, les personnages sont déjà passés dans le camp de l’analyse, sans nostalgie ni colère. Il y a de la tendresse, de la complicité dans le discours mais peu d'émotion. Tout est phagocyté par le mécanisme de la pensée. Dans son aspect à la fois grinçant et bucolique, le film nous amène dans un univers où rien n’est permis pour l’homme.

Le prisme de la marionnette nous permet d’élargir le champ des possibles, d’atteindre un récit dialectique, universel, un conte beckettien où le foireux côtoie sans relâche la gymnastique de la pensée et de la joute verbale existentielle. Le film rend compte de la puissance des éléments, de l’incompatibilité de l’appétit de l’homme face à la nature et de la vacuité de bon nombre de ses réflexions démiurgiques.

J’aime l’idée que l’homme puisse changer en un claquement de doigt, que ce soit par une révélation extérieure, ou par une prise en main de son propre destin. Les personnages, persuadés de leur salut, avancent inéluctablement vers un avenir incertain. Survivre plus intelligemment ou mourir avec lucidité.

De Dominik Moll  (France Belgique) 

coscénariste Gilles Marchand

avec Bastien Bouillon, Bouli Lanners, Anouk Grinberg, Pauline Serieys, Julien Frison, Camille Rutherford, David Murgia

Cannes 2022,  section Cannes Première

À la PJ chaque enquêteur tombe un jour ou l’autre sur un crime qu’il n’arrive pas à résoudre et qui le hante. Pour Yohan c’est le meurtre de Clara. Les interrogatoires se succèdent, les suspects ne manquent pas, et les doutes de Yohan ne cessent de grandir. Une seule chose est certaine, le crime a eu lieu la nuit du 12.

Une nuit, un lieu, un crime (féminicide) une enquête

Apparente simplicité et pourtant…

D’emblée le spectateur est prévenu : la nuit du 12 -qui s’inspire du livre 18.3 une année à la PJ de Pauline Guéna- fait partie de ces enquêtes qui ne seront jamais résolues…Est-ce dû à leur complexité ? au manque de  "moyens"  dévolus à la police ? peut-être, sûrement !, et le film est émaillé de détails qui le corroboreraient…

Or le manque de moyens auquel s’ajoute la surreprésentation masculine ont souvent abouti à cette conclusion hâtive : si les femmes sont tuées, c’est peut-être, finalement, un peu de leur faute…. Après tout Clara -la victime brûlée vive- (Lula Cotton Frapier) avait une vie sexuelle assez dissolue…

Le film va démonter ce mécanisme en l’abordant frontalement ou par des moyens détournés.

La scène récurrente sur le vélodrome (où Yohan, l’inspecteur chargé de l’enquête à la PJ, nouvellement nommé, s’entraîne seul chaque soir) prouve que  le parcours intéresse plus que la destination,  de même qu’elle illustre une obsession (à l’instar du cycliste qui tourne en rond, le policier est hanté par la recherche du coupable puis par les motivations d’une telle barbarie) ; obsession qu’il résumera face à la juge (Anouk Grinberg), Il se raconte que chaque enquêteur a un crime qui le hante. Un jour ou l’autre, il tombe sur une affaire qui lui fait plus mal que les autres, sans qu’il sache toujours pourquoi. Elle se met à lui tourner dans la tête, jusqu’à l’obsession.

Cette double connotation imposera ainsi deux dynamiques qui vont rythmer le film !

Un  "parcours"  fait d’auditions, perquisitions, saisies, interceptions téléphoniques, réquisitions, qui met à mal certains a priori, voire certaines convictions, ancré.e.s dans le milieu de la PJ. Nanie (Pauline Serieys)  la meilleure amie de la victime, plusieurs fois auditionnée, ne comprend pas que les enjeux  "sexuels"  obnubilent à ce point les enquêteurs alors que "les femmes sont les premières victimes de la barbarie des hommes dont personne ne s’inquiète des rencontres badines qu’ils vivent" ; une nouvelle collègue, Nadia (Mouna Soualem), énonce, avec un calme réprobateur, cette vérité d’évidence "la plupart des crimes barbares sont commis par des hommes or ce sont des hommes qui mènent les enquêtes"  (il est des truismes qu’il est salutaire de rappeler !)

Une obsession : ces visages d’hommes ni tout à fait eux-mêmes ni tout à fait autres, défilant sur l’écran mental de Yohan ; et si chaque homme était suspect ?? Au cours de l’enquête et lors de sa réouverture trois ans après, Yohan (admirablement interprété par Bastien Bouillon) aura dû changer de  "prisme" (tout comme il change de braquet…)

Alors oui ! Le film de Dominik Moll est plus qu’un  polar  

Une mise en scène souvent glaciale -traversée çà et là de boutades virilisantes ou de clichés avilissants-, des facies comme découpés au scalpel par des jeux de lumière (qu’il s’agisse des enquêteurs ou des personnes interrogées), une interprétation qui force l’admiration, tout cela (et bien d’autres choses) fait que la nuit du 12 -telle une  fable funèbre  enserre le spectateur dans un entrelacs de pièges progressivement déjoués, et telle une  comédie humaine  lui enjoint de dessiller ses yeux (à la pointe de cristal…)

A ne pas rater !!

Colette Lallement-Duchoze

de Fernando León de Aranoa (Espagne 2021) 

avec Javier Bardem, Manolo Solo, Óscar de, Sonia Almarcha

Festival Cinéma Européen 2022, Festival San Sebastian 2021, Festival de cinéma ibérique et latino américain Grenoble 2022

6 récompenses à la cérémonie des Goyas (36ème édition)  dont celles de meilleurs film, réalisateur, scénario et acteur

Représentant espagnol aux Oscars 2022,

Un ex-employé viré qui proteste bruyamment et campe devant l’usine… Un contremaître qui met en danger la production parce que sa femme le trompe… Une stagiaire irrésistible… A la veille de recevoir un prix censé honorer son entreprise, Juan Blanco, héritier de l’ancestrale fabrique familiale de balances, doit d’urgence sauver la boîte. Il s’y attelle, à sa manière, paternaliste et autoritaire : en bon patron ?

Effort, équilibre, fidélité 

L’entrée de l’usine, le portique, la calligraphie, et l’immense balance -dont un gardien doit veiller à l’équilibre de ses deux plateaux- renvoient non sans malice à l’entrée des camps arbeit macht frei,  sauf qu’ici tout est piégé par l’apparente bonhomie (ah ce charisme !!!) d’un patron quinquagénaire (magistralement interprété par Javier Bardem grimé pour la circonstance) qui de sa stature et de sa matoiserie enveloppe TOUT : l’écran, les employés (individualisés ou en groupes) la stagiaire, la femme -épouse, les notables locaux.

Sauf …un employé licencié qui a campé sur ses positions et sur un terrain public, juste en face de l’usine et qui bombarde ses slogans réprobateurs…malgré de mielleuses tractations

Or le temps est minuté- et le chapitrage sur 7 jours, le rythme soutenu, l’affairement incessant du patron Blanco (encore un nom ironique) le prouveraient aisément. C’est qu’on attend la visite imminente d’une Commission qui décidera de l’obtention d’un prix d’excellence !! et voici  "le bon patron" sur tous les fronts ; usant et abusant de son pouvoir de  "pater familias"  (l’usine est une famille vous êtes tous mes enfants.), surpris que des flics soient  "socialistes",  que des journalistes ne "dévoilent pas leurs sources" 

Roublard et compatissant, respectable et dédaigneux, Blanco donne le change, s’impose dans cette succession de scènes (certaines rocambolesques, d’autres plus tragiques) à la recherche d’un "juste équilibre" - en confondant allégrement compromis et compromissions, obnubilé par l’image de marque de son usine

(ô comble de l’indécence éhontée : alors qu’il est en partie responsable de la mort du fils d’un employé…, il verse des larmes de circonstance, se contente d’une brève oraison lénifiante et d’une accolade visqueuse)

El buen patron est une comédie qui avec ironie, humour et excès, épingle le patronat fondé sur le paternalisme patelin. Mais par-delà, c’est bien de la violence en entreprise qu’il s’agit. La violence des plans sociaux, de l’intrusion dans la vie intime des employés, du droit de cuissage. Même si  "en même temps"  le réalisateur suggère que la faculté de résistance et la noble solidarité des  "employés"  s’effritent, quand elles ne sont pas cisaillées…

Gageons que l’épilogue (qu’accompagne la chanson « feeling good » version Michael Bublé) -volontairement ambigu- soit le comble du cynisme !

Légers  bémols : l’aphorisme « une société qui fabrique plus de balances est une société plus juste » et les métaphores liées au patronyme « Basculas Blancos » (mécanisme, grain de sable, travail contre la montre,  équilibre) sont souvent trop appuyé.e.s, ; certaines séquences s’étirent (cf la soirée avec Miralles le directeur de production qui a pété les plombs ; quand bien même la séquence doit  illustrer une des  "nombreuses"  facettes du  "bon patron" :  le chantage à l’amitié et les propos comminatoires)

Colette Lallement-Duchoze