d'Alejandro Loaysa Grisi (Bolivie 2021)

avec José Calcina, Luisa Quisle, Santos Choque

Grand Prix de la compétition dramatique internationale, Festival du film de Sundance, fin janvier 2022. 

Dans l’immensité des hauts plateaux boliviens, Virginio et Sisa veillent sur leur troupeau de lamas. Jusqu’ici, rien n’a pu les détourner de cette vie âpre, héritée des traditions : ni leur âge avancé, ni le départ des habitants de la région, chassés par la sécheresse. Aussi accueillent-ils avec méfiance la visite de Clever, leur petit-fils de 19 ans, venu les convaincre de s’installer en ville avec le reste de la famille. Réticent à l’idée de quitter sa terre, Virginio se montre inflexible. A tel point que le jour où il tombe gravement malade, il décide de le cacher à Sisa et Clever…

Peau flétrie, "géant"  fatigué aux gestes lents Virginio après s’être extirpé du lit se rend comme chaque matin à l’enclos où ses lamas aux rubans de couleurs vont se dandiner dans leur longue marche vers….C’est que l’eau si précieuse pour la survie manque et ce depuis longtemps, trop longtemps. Sisa l’épouse soumise, chaque jour marche elle aussi avec ses deux seaux vers ces points d’eau de plus en plus reculés (le puits du village voisin est à sec, la rivière est lointaine et le haut des montagnes des environs a vu diminuer de façon importante les réserves de glace). La caméra suit le cheminement des deux personnages qui bientôt se fondent dans la vastitude de cet « enfer » à la sublime beauté. Vastitude craquelée par l’aridité, tel un damier du temps.

A force de vivre dans le désert, on finit par lui ressembler.

Ciel et terre sont, dans une perspective animiste, habités par des légendes comme le rappelle Virginio à son petit-fils, à travers celle du condor (ce messager du ciel et de la terre qui doit transporter les âmes des personnes décédées sur ses ailes ) Ailes déployées dans le ciel ou repliées au sol, l’oiseau s’impose au regard du spectateur alors que Virginio évoque sa propre mort…

Ce film où alternent plans très rapprochés sur les trois personnages (Sisa Virginio, Clever le petit-fils) et plans larges voire panoramiques sur la magnificence de l’altiplano bolivien, où les ocres et les clairs obscurs des intérieurs jouent en alternance avec les lumières du désert au pied des montagnes andines, ce film où le minimalisme des dialogues fait résonner une voix muette ou intérieure,  celle du désert , illustre la survivance de traditions dans un microcosme humain voué à disparaitre (et la lente agonie de Virginio qui, malgré sa maladie refuse d’être soigné, en serait la métaphore) et célèbre la beauté sidérante des hauts plateaux boliviens.

Certes  cette chronique d’une mort annoncée souffre  d’un récit trop prévisible, de dialogues trop explicatifs et de bruitages sur dimensionnés (quintes de toux par exemple). Mais les non-dits qui "s'expriment"  dans les regards ou les gestes de tendresse, (la main de Sisa telle celle d'une pietà sur le corps de son époux/enfant), la solidarité des villageois (cf la superbe séquence de l'enterrement où  le noir du deuil contraste dans la verticalité même avec un environnement inondé de lumière),  l'esquisse d'un conflit générationnel de type documentaire (modes de vie et langue dissemblables entre Clever et ses grands-parents)  et cette façon stupéfiante de filmer une "terre oubliée" compensent aisément  de tels  "défauts" 

Un film que je vous recommande vivement 

Colette Lallement-Duchoze 

Long métrage d'animation réalisé par Michaela Pavlatova (Slovaquie République tchèque 2021)

Musique originale:  Evgueni Galperine, Sacha Galperine

Scénario : Ivan Arsenyev, Yaël Giovanna Lévy et Petra Procházková

2021 : Prix du jury pour un long métrage au festival international du film d'animation d'Annecy

2021 : Prix du meilleur film au festival international du film de Guadalajara

2021 : Prix du jury au Bucheon International Animation Festival

Kaboul, Afghanistan, 2001. Herra est une jeune femme d’origine tchèque qui, par amour, décide de tout quitter pour suivre celui qui deviendra son mari, Nazir. Elle devient alors la témoin et l’actrice des bouleversements que sa nouvelle famille afghane vit au quotidien. En prêtant son regard de femme européenne, sur fond de différences culturelles et générationnelles, elle voit, dans le même temps son quotidien ébranlé par l’arrivée de Maad, un orphelin peu ordinaire qui deviendra son fils...

Un trait de crayon sobre, sûr et délicat,   quelques aplats, une palette tendance pastel (gris clair grège vert amande bleu céruléen cyan ou turquoise lilas jaune ambre) qui évoque la transparence de l’aquarelle ; graphisme épuré,  des décors (routes, intérieurs, ville en surplomb, étendues ocrées) l'ambiance est au gris sombre verdâtre quand Herra se sent mal à l’aise dans son pays la Tchécoslovaquie,  lumineuse quand elle a suivi l’homme aimé,  mais verdâtre quand cisaillent des divergences érigées en inégalités ; la rondeur riante du grand-père accentue sa bienveillance  -lui qui a connu la période des talibans, réagit en Sage (même si ses supplications seront frappées d’inanité quand ses deux petits-enfants seront arrachés à leur mère …indigne!!!)  des regards qui disent la fourberie la méchanceté la tristesse ou tout au contraire l'exaltation ) 

Ces qualités techniques sont au service d'une narration efficace.  Une voix off , celle  de la jeune épousée qui constate s’offusque essaie de « comprendre » des rites ou une culture si éloignée de la sienne ; hostile à la place assignée à la femme (être subalterne soumise aux diktats du mari et de la fratrie) elle saura s’en « affranchir » (infertile, elle adopte un enfant Maad en situation de « handicap » mais ô combien perspicace ; diplômée,  elle accepte un métier censé la valoriser au grand dam de l’époux !) Une femme à la fois soumise et révoltée !!

Ce long métrage d’animation refuse le manichéisme (même si des traits plus durs sont réservés aux "puristes intransigeants")  car la réalisatrice s’intéresse avant tout à l’humain On peut condamner une société, dont la religion et la politique diffèrent des nôtres, et dont le comportement des individus et des groupes s’éloigne de notre modèle, mais dès lors qu’on s’intéresse à l’âme d’êtres humains, à leurs relations familiales et à leur quotidien, on comprend mieux leurs différences. C’est pourquoi la protagoniste, forte et ambiguë, m’intéresse énormément.

Cette adaptation de « Frista » (de la journaliste Petra Prochazkova) illustre – à travers la quotidien d’Herra- la « précarité » de la condition féminine constamment soumise à l’oppression masculine (or le tout jeune Maad ne serait-il pas l’exact opposé du virilisme culturel ?) et s’interroge aussi sur la présence américaine… Nous sommes en 2001 !!

Un film que je vous recommande!!

Colette Lallement-Duchoze

De Tatiana Huezo (Mexique 2021)

avec : Ana Cristina Ordóñez González , Marya Membreño , Mayra Batalla , Norma Pablo , Olivia Lagunas

présenté à Cannes 2021 (Un Certain Regard) 

Trois jeunes filles vivent dans un village rural de Guerrero dominé par la présence violente du trafic de drogue local et la menace de la traite des êtres humains. Entraînées par leurs mères à fuir à tout moment et contraintes à des mesures extrêmes pour échapper à la capture, elles doivent apprendre à naviguer dans leur environnement difficile

Des mains creusent la terre. Le plan s’élargit : nous identifions les deux personnages: une mère et sa fille « Allonge-toi Ana ». Et la gamine rejoint cette « tombe » à ciel ouvert. Fin du prologue. Tout est dit ou du moins suggéré…

La réalisatrice va suivre  le « parcours » de trois gamines Ana Mar’ia et Paula. Elles s’adonnent à des jeux de télépathie,  se baignent, suivent les cours dispensés à l’école, aident au ménage, mais simultanément Tatiana Huezo capte un quotidien (qui perdurera 5 ans plus tard après une ellipse assez fracassante) menacé par les risques d’enlèvement, - la vigilance des mères qui est de tous les instants  peut être contrariée-..., un quotidien où le retour du père,  de l'époux  est incertaine et partant, angoissante, un quotidien où des « hors la loi »,  les membres d'un cartel de la drogue, tuent sans vergogne et en toute impunité,   un quotidien où la dispersion de pesticides par hélicoptères peut attenter à la vie (celle des humains des animaux de la nature).

Les scènes d’insouciance voire d’intrépidité alternent avec les séquences d’horreurs, les scènes d’intérieur (petites masures) avec celles tournées en extérieur (par deux fois voici une colline qu’éclairent les portables des mères à la recherche de réseau pour alerter les époux partis au-delà de la frontière ; le chemin qui sinue vers le village, d’abord solitaire  est bien vite encombré des voitures des cartels ou de …la police)  de même que l’intime (relation mère/fille, premiers émois amoureux) alterne avec la vie de groupe (apprentissage à l’école, réunion du village, collecte étroitement surveillée   du pavot).

Très souvent le langage s’efface au profit de la gestuelle des signes presque imperceptibles et la puissance du silence. Certains détails resteront hors champ, leur nature tragique est restituée par l’écho assourdissant des armes meurtrières. Ou le regard hébété de celui qui a vu l’innommable (le sang) ou devine l’irréparable (objets abandonnés suite à l’enlèvement de …) Et un motif musical (Jacobo Lieberman) s’en vient illustrer les moments les plus dramatiques)

Leonardo a demandé à ses élèves de « construire » un corps humain à partir d’objets de récup. Il demande à Ana de commenter à la fois la nature du matériau et la partie du corps reconstitué

Un scorpion dans un bocal c’est la colonne vertébrale ; des fils de fer ce sont les mains….

Un film à ne pas rater

Colette Lallement-Duchoze

à voir sur Mubi 

Prayers for the Stolen (2021) | MUBI

BANDE-ANNONCE - Prayers for the Stolen (2021) | MUBI

d'Eran Kolirin (Israêl 2020) 

avec  Alex Bakri, Juna Suleiman, Salim Daw, Ehab Elias Salami, Khalifa Natour, Izabel Ramadan, Samer Bisharat, Doraid Liddawi, Yara Jarrar.

Festival de Cannes 2021, sélection officielle, Un Certain Regard. 

Représentant officiel d'Israël pour l'Oscar 2022 du meilleur film international.

Ophir Awards: Meilleur réalisateur et Meilleur scénario; Meilleur rôle principal: Alex Bakri; Meilleure actrice: Juna Suleiman. 

War on Screen Festival: Prix du Jury étudiant.

Festival du Film israélien de Paris: sélection officielle.

Sami vit à Jérusalem avec sa femme Mira et leur fils Adam. Ses parents rêvent de le voir revenir auprès d’eux, dans le village arabe où il a grandi. Le mariage de son frère l’oblige à y retourner le temps d’une soirée... Mais pendant la nuit, sans aucune explication, le village est encerclé par l'armée israélienne et Sami ne peut plus repartir. Très vite, le chaos s'installe et les esprits s'échauffent. Coupé du monde extérieur, pris au piège dans une situation absurde, Sami voit tous ses repères vaciller : son couple, sa famille et sa vision du monde.

Librement adapté du roman éponyme du journaliste israélien arabe Sayed Kashua le film d’Eran Kolirin dénonce (avec humour tendresse tragique et humanité) l’absurdité d’une situation qui depuis 2007 (l’année triomphale pour « la visite de la fanfare ») n’a cessé de s’envenimer, (colonisation en Cisjordanie, situation d’apartheid vécue par les Arabes israéliens, abandon de la cause palestinienne par un grand nombre de pays arabes, politiques plus qu’ambigües de nombreux pays dont la France, etc..).

Le ton, celui d’une  "fable politique" est donné dès le début (prologue) : les colombes refusent de s’envoler lors de la cérémonie de mariage et le nouvel époux (frère de Sami) refuse le lit conjugal !

Et les conséquences de l’enfermement - coupures de courant, absence de réseau téléphonique, pénurie de vivres iront s’aggravant !

Narratif simpliste de l’occupation et parti pris palestinien ? Osent affirmer certains commentateurs déçus qu’un réalisateur israélien s’engage en prenant parti contre leur idéologie, trop bienpensante à l’égard des politiques israéliennes

Le narratif ? « un état de siège » (métaphore évidente de la vie en territoire occupé) avec une dramatisation interne qu’illustrent le choix de la « lumière » (première partie lumineuse, deuxième à la lueur des bougies et troisième entre chien et loup) ainsi que le «rôle » de ce jeune soldat israélien (gardien hébété et « compréhensible » dans un premier temps, il commettra l’irréparable…). Un état de siège qui tout en asphyxiant, va « révéler » les dissensions internes, celles entre les habitants du village - avec sa mafia locale, l’apathie de certains, la situation irrégulière de certains travailleurs-, et celles à l’intérieur des couples. Une « assignation à résidence » qui contraint Sami à « revoir » ses choix, à repenser sa relation avec les « autres ». C’est que le retour aux sources, et la volonté de s’en extraire constitue une autre dynamique fondée sur le paradoxe, illustrée (certes avec légèreté) par les deux scènes en écho où lui et sa femme dansent seuls se croyant à l’abri des regards mais qui « regardés » vont « changer » de gestuelle ! Les Arabes d’Israël sont les invisibles de notre pays. Ils vivent en démocratie, mais n’ont pas les mêmes droits que les autres, ils se trouvent coincés dans une position intenable et s’en sentent coupables vis-à-vis des Palestiniens de Cisjordanie. Leur identité est ainsi mise à mal. Le seul territoire qu’il leur reste est leur maison (Eran Kolirin cf dépliant Afcae « association française des cinémas art & essai »)

Des personnages en « situation de survie » dans un village barricadé ! ils évoluent comme sur une scène de théâtre – où chacun interprétera son monologue sur l’avant-scène, où les duos alterneront avec le groupe -qui, filmé en plan large ou en plongée, rappelle le chœur de la tragédie antique, où des échappées vers un « ailleurs » relèveront de l’utopie ! à moins de croire aux promesses d’une nouvelle aurore  ....«et il y eut un matin »

Un film à ne pas rater

Colette Lallement-Duchoze

de Jean-Louis Le Tacon (1976)

Voici la colère bretonne de Jean-Louis Le Tacon - KuB (kubweb.media)

Avec Voici la colère bretonne, Jean-Louis Le Tacon saisit, en cinéma direct, la convergence entre révolte anticapitaliste et renaissance du breton comme langue de contestation du pouvoir parisien. Les images des foules surmontées de gwenn ha du flanqués de drapeaux rouges, les rues de Saint-Brieuc où résonne l’Internationale, les chants traditionnels bretons qui prennent des consonances révolutionnaires… tout cela mérite d’être vu et entendu aujourd'hui, 50 ans après les faits.

On est encore dans les 30 glorieuses, l'usine bretonne du Joint français est l’une des cent filiales d’un empire financier de 113 000 employés. Les marges sont considérables, le PDG du groupe (et vice-président du patronat français) s’en vante… Magnanime, il a fait de grands sacrifices pour donner du travail aux Bretons... En réalité, c’est la collectivité qui, en 1962, a mis la main au portefeuille pour faire venir le Joint à St-Brieuc : primes à l’embauche, exonération de patente, terrain offert 

"Avec une grande sobriété de moyens et d’écriture, Le Tacon met en place le petit théâtre où les dirigeants déroulent, avec une intonation aristocratique, leur discours d’un autre temps. Dans la rue, ça se bouscule, ça gueule : Le joint de St-Brieuc c’est le bagne ! La reprise de slogans comme À bas l’État policier, CRS=SS et Le fascisme ne passera pas confirment que ce printemps 72 aura bien été le Mai 68 breton."

Face à Face, Guy Burniaux, ajusteur au Joint Français et son ami de lycée devenu CRS : la photo prise par Jacques Gourmelen fera le tour du monde ! • © DR Jacques Gourmelen

An Alarc'h Gilles Servat - Vidéo Dailymotion