de Laetitia Dosch (2024  France Suisse)

avec Laetitia Dosch, François Damiens,  Anne Dorval,  Jean-Pascal Zadi , Pierre Deladonchamps Mathieu Demy,  Kodi le chien

Festival de Cannes 2024  Un certain regard

Palm Dog pour Kodi

Présenté en avant-première hier à l'Omnia en présence de Laetitia Dosch 

Sortie le 11 septembre 

Argument: Avril, avocate abonnée aux causes perdues, s’est fait une promesse : sa prochaine affaire, elle la gagne ! Mais lorsque Dariuch, client aussi désespéré que sa cause, lui demande de défendre son fidèle compagnon Cosmos, les convictions d’Avril reprennent le dessus. Commence alors un procès aussi inattendu qu’agité : le procès du chien.

D’emblée -dès le générique-  la voix off de Laetitia Dosch introduit le spectateur dans une "histoire" dans son univers mental -bilan   d’une carrière bien modeste - mais aussi dans un monde où s’opposent le burlesque et le sérieux, le dominé et le dominant-; -ce dont témoignent le face à face humiliant avec son "supérieur " mâle, le vocabulaire trivial,  l’hébétude qui se lit sur le visage de l’avocate quand se présentent le malvoyant et Cosmos, son chien accusé de …morsures sur des …femmes. La voix off par la suite tout en alertant  le spectateur, permet à l'avocate de s’interroger comme en se dédoublant, de commenter, distribuer des satisfecit ou des blâmes  et au final -en écho au prologue-  elle sert d'épilogue au ....procès du chien....

 L’incongruité de certains épisodes et le grossissement – jusqu’à la caricature cf le personage de l’avocate de la partie civile politicienne aux dents longues - loin de desservir le propos l’inscrivent au contraire dans le genre de la comédie. Une comédie en ses diverses nuances,  burlesque, grotesque, humour, légèreté. Comique de situation (et F Damiens d’entrée de jeu qui est aussi une entrée en scène avant d’être entrée dans le prétoire, fait un numéro de malvoyant hilarant ;  la façon de faire entrer dans le cadre le chien, impérial, au regard implorant ou aux aboiements inattendus );  comique de mots (les questionnements ad libitum sur les notions de « bien meuble »  « chose » « animal machine » bref sur le statut à donner à un chien « accusé » de surcroît de misogynie);  l’écart entre la légèreté formelle assumée et le sérieux des problèmes abordés (altérité antispécisme violences domestiques) Il y a des « numéros irrésistibles » -celui du comportementaliste qui pour être pédagogue n’en est pas moins délirant en imitant par des circonvolutions, et des circonlocutions celles supposées du cerveau mammifère ;  la réunion d’un comité d’éthique où siègent imperturbables, les représentants de différentes religions et philosophies ou encore cette séquence où l’on a imaginé un immense buzzer horizontal à l’adresse du chien sommé de répondre en appuyant de sa patte sur tel ou tel bouton…   Seule l’avocate souffrirait de ne pas trouver le « ton juste » celui qui dévoilerait son être profond ? (Quand est-ce que j’arriverai à parler comme je suis bordel de merde confie-t-elle à son jeune voisin alors qu’ils visionnent les infos sur le petit écran) et d’ailleurs sa plaidoirie finale semble récitée avec difficulté… au moins est-elle sincère loin des éructations dignes de CNews qu'incarne Anne Dorval

Ainsi Le procès du chien serait (aussi)  une sorte de parcours initiatique dont les étapes seraient scandées par ces gros plans sur le visage de l'avocate -dont un cadré à la Brancusi ; et l’ovalité trouve une sorte d’irénisme dans ce cadre où l’avocate et le chien reposent dans une forme ellipsoïdale faisant corps avec une nature protectrice et nourricière…Et au final après le verdict (ne pas spoiler) l'avocate  filmée de dos, ne s'est -elle pas  "libérée" " de certaines emprises ....

Accélérer, ralentir,  couper le son autant de procédés qui participent aussi d’un même choix. La rigidité de la salle d’audience (où tout est codifié avec ses bancs ses alignements sa répartition de l’espace sa cohorte d’experts et cette immense toile de fond qui représente un paysage suisse) contraste avec les intérieurs d’appartements ou les extérieurs mais surtout avec des instantanéités incontrôlées.

Ce premier film de l’actrice est une fable fantaisiste, hilarante parfois, où se télescopent des profils et des idéologies si bien ancrées dans notre quotidien…

Un film que je vous recommande

Colette Lallement-Duchoze

d'Astrid Rondero et Fernanda Valadez (Mexique, 2023)

avec  Juan Jesús Varela, Yadira Pérez, Karla Garrido Sandra Lorenzano

Prix Sundance 2024

Argument: Josué, sicario – tueur à gages – d’une petite ville mexicaine, est assassiné, payant ainsi de sa vie une dette contractée envers le cartel local. Son fils de quatre ans, Sujo – nommé ainsi en référence à un cheval – se retrouve orphelin et en péril. Contrainte de le recueillir, sa tante décide de l’élever à la campagne, à l’écart des dangers de la ville. Mais à chaque étape de sa vie, Sujo semble poursuivi par l'ombre de la violence, comme si le destin de son père devait se confondre avec le sien...

Le Mexique, ses cartels ses caïds la corruption la mort, un « contexte » qui s’apparenterait à celui d’Emilia Perez MAIS avec des dissemblances si évidentes qu’il y a comme un abyme entre les "fantasmes suscités par le narcotrafic"  et l’approche sociale et politique des deux femmes Astrid Rondero et Fernanda Valadez qui s’interrogent sur les victimes collatérales et particulièrement les enfants de sicaire…(homme de main chargé de tuer pour les cartels de la drogue) . A  travers le « portrait » de Sujo c’est celui de milliers d’enfants qui au Mexique perdent leurs parents à cause de la violence des cartels de la drogue

Structuré en 4 chapitres à l’instar des romans d’apprentissage le film nous invite à adopter le point de vue de Sujo depuis cet instant (il a 4 ans) où tapi dans la voiture il appelle en vain son père, un sicaire, tué par un gang jusque sur les bancs de l’Université de Mexico où sous l’égide de sa professeure il parviendra à se débarrasser ‘définitivement ( ?) d’un lourd héritage. Car il s’agit bien d’un questionnement sur le déterminisme, sur l’atavisme -si l’on se réfère au titre ; lui Sujo fils de Josué serait-il  " condamné"  à perpétuer la sauvagerie des sicaires ?

Ecartelé entre des forces contradictoires, victime  -malgré lui-  de résurgences du passé, Sujo part à la conquête de soi. Deux figures tutélaires féminines la tante Nemesia (Yadira Pérez) et la professeure d’université Susan (Sandra Lorenzano) vont l’aider dans son "apprentissage" cette "quête de soi"  …L’orphelin (mère morte en couches père tué) aura trouvé en elles des figures de substitution protectrices mais aussi une réponse à son tiraillement intérieur

Chaque étape (à l’instar des saisons) est illustrée par des changements d’atmosphère de lumière ; même si les réalisatrices privilégient les brumes et les ambiances nocturnes, qu’elles mêlent quelques éléments plus oniriques (récurrence de la figure du cheval) ou insistent par de gros plans (insectes araignées) sur l’opposition entre un tiraillement intérieur et la quiétude ou sur la notion de « captivité », que démultiplie le zoom.

Mutisme et provocations, vie et mort ! Ombre(s) et Lumière !

Il y a certes quelques longueurs (surtout dans la première partie qui se veut plus contemplative) quelques symboles trop appuyés (le redémarrage de la voiture jusque-là camouflée dans les broussailles par exemple) une légère tendance au didactisme démonstratif (cf le cours de Susan portant sur le conflit entre libre-arbitre et déterminisme),

Cela étant Hijo de sicario en évoluant de bout en bout comme sur un fil, en reléguant hors champ la crudité et l'âpreté de la violence  (ce qui la rend d’ailleurs plus suggestive), en renversant le « cliché» habituel de « la tension brutale » n’en reste pas moins un film essentiel à ne pas rater !

Colette Lallement-Duchoze

d'Akira Kurosawa (1957 Japon) version restaurée 

avec Toshiro Mifune (le voleur) Kamatari Fujiwara (l'acteur de kabuki) Minoru Chiaki (le samouraï déchu) Bokuzen Hidari (le bonze)  Akemi Negish (la prostituée)   Isuzu Yamada (la propriétaire de l'asile) Ganjiro Nakamura (son mari ) Kyoko Kagawa (sa sœur)  

1957 : prix Kinema Junpō de la meilleure actrice pour Isuzu Yamada 

rétrospective Akira Kurosawa Omnia (du 21 août au 3 septembre) séances samedi 20h, lundi 16h45

Deuxième moitié du XVIIIème siècle. Dans un quartier insalubre d'Edo une auberge est tenue par Rokubei et Osugi  un couple cupide et malfaisant. Là survit tant bien que mal une poignée de laissés-pour-compte : Sutekichi le voleur, Tonosama le samouraï déchu , un ancien acteur de Kabuki devenu alcoolique , Osen la prostituée,   Unokichi le jeune chien fou, un joueur invétéré, Tomé un rétameur miséreux qui attend que sa femme mourante pousse son dernier soupir... Un jour débarque parmi cette humanité en déréliction Kahei , un vieil homme qui se dit bonze. Il va de locataire en locataire, écoutant leurs histoires et leurs peines, essayant de les soulager par des mots réconfortants.

Tu finiras en enfer ! dit l'acteur, J'y suis déjà  lui répond le joueur 

Avec ses deux décors uniques: la chambre/dortoir et la cour , le film de Kurosawa (adaptation de la pièce de Gorki) s’apparente à du théâtre filmé ; impression que confirme un autre choix celui de limiter les mouvements de caméra -tout au plus léger zoom sur une « avant-scène », quelques gros plans, des entrées et sorties, à l’instar d’ailleurs d’une  scène de théâtre …A tel point que l’enfermement (seule une bande étroite en haut du cadre laisse deviner un semblant d’ailleurs, de même que la bande-son et les faux rideaux qui volètent sont les indices de conditions climatiques assez rudes) sera encore plus oppressant pour les personnages, spectateurs à l’intérieur du cadre, du théâtre intime de leurs compagnons d’infortune mais aussi pour le public qui  n’est pas toujours convaincu par « la théâtralité de la déclamation » son « artificialité » (chaque personnage à un moment joue sa partition en solo, une partition faite de déboires et de désenchantements)

Or précisément à travers l'évocation de ces déboires  se dessine en creux une société faite de misères difficiles à colmater et de rancœurs (ce milieu pouilleux dans sa diversité même, n’est-il pas comme le microcosme d’une société en crise -mauvaise gestion du shogunat. Rappelons qu’à la fin du XVIII° siècle la famine de Tenmei durera six ans, faisant des centaines de milliers de morts et provoquant des émeutes du riz à Edo) 

Dans ce « dortoir miteux» rôde la mort: grabataire l’épouse du rétameur, agonise ; après une altercation violente l’hôtelier expire sous nos yeux (sa femme accuse l’ex voleur dont elle est la maîtresse …) hors champ un suicide Plus symbolique la mort de tout espoir !  Le numéro de "music-hall" -chanté dansé  accompagné d'instruments de musique--   n’est festif qu’en apparence dans la concomitance voire la coalescence du désespoir et de la dérision …

Et si le mensonge était  le seul rempart contre la déliquescence ? 

Le voyageur philosophe en était persuadé lui qui a su dispenser à chacun ce que précisément il souhaitait entendre  !

Las ! il a plié bagage !!!

Colette Lallement-Duchoze

d'Akira Kurosawa (Japon 1952) version restaurée

avec Takashi Shimura (Kanji Watanabe) Minoru Chiaki (Noguchi ) Miki Odagiri (Toyo l’employée) Bokusen Hidari (Ohara)

• 1953 : prix Mainichi du meilleur film pour Akira Kurosawa, du meilleur scénario pour Shinobu Hashimoto, Akira Kurosawa et Hideo Oguni, du meilleur son pour Fumio Yanoguchi 
• 1953 : prix Kinema Junpō du meilleur film pour Akira Kurosawa

Rétrospective Kurosawa Omnia  ( 21 août 3 septembre 2024)

séances jeudi 16h30, dimanche 19h30, mardi 13h40

Atteint d'un cancer, Watanabe chef de service du génie civil, décide de réaliser un projet qu'il avait d'abord repoussé, celui d'assainir un terrain vague, pour que les enfants puissent jouer dans un véritable jardin 

Un homme  "déjà mort" - -à son insu et de par un métier où la " bureaucratie tue "  - mais qui "renaît " en apprenant qu’il est condamné ! Formulé ainsi ce constat aurait pu s’éployer en un pathétique larmoyant mais l’art de Kurosawa est précisément de le transformer en une œuvre d’art (à la portée universelle)

Qu’il est loin le temps où le jeune Luc Moullet alors critique aux Cahiers du Cinéma écrivait à propos de Vivre  (rétrospective Kurosawa 1957à la Cinémathèque) Vivre bat les records du ridicule. (...) la misanthropie de l'auteur devient d'une telle outrance qu'elle se retourne bien vite contre lui-même  A l’époque, semble-t-il,  il était de bon ton aux Cahiers du Cinéma de préférer Mizoguchi à Kurosawa……Depuis Luc Moullet s’est illustré comme réalisateur loufoque, à l’abondante filmographie et Vivre est salué comme « un chef d’œuvre »

Oui Vivre est un chef d'œuvre !   tant par sa structure, le mélange des « genres », la science des cadres des plans, leur diversité, le montage, que par l’exploitation de thèmes universels et le jeu de l’acteur principal Takashi Shimura

Dès le début, une voix off informe le spectateur que le personnage (dont on analyse la radiographie de l'estomac) est condamné. Or ce gratte-papier n’était-il pas déjà  un "cadavre ambulant" -ce qu'accentue le jeu de l'acteur ? Une  "momie" tel est  le sobriquet donné par l’employée…Et de fait dans l’exercice de son métier Watanabe fait corps avec l’entassement des dossiers (en écho au final Noguchi, le « rebelle», pliera lui aussi enfoui dans ces piles de paperasse). Mais quand la " mort" est annoncée  -tel un couperet- dans la salle d’attente de l'hôpital -à la fois par un autre patient à l’humour noir et par le personnel soignant-- il y a une urgence de Vivre! Et dans un premier temps, face à cet ultimatum, Watanabe  opte  pour une sorte de carpe diem ; aux nuits hallucinées, faussement enchanteresses. Puis  ce sera la révélation grâce à une employée --elle lui communique cet appétit de « vivre » en donnant un sens à l’existence. Déterminé, obstiné il frappe à toutes les portes et met tout en œuvre pour "réaliser" le fameux parc pour enfants   (être constamment ballotté d'un service à l'autre,  attendre le dos voûté, le regard implorant à peine larmoyant, qu'importe!!) 

Après une ellipse de 5 mois voici une soirée mortuaire bien arrosée où défilent face au portrait du défunt,  les trognes des « employés » à la posture codifiée, où le « peuple » -les mères-  s’invite pour un hommage ultime. Reconstitution de ce qui fut, a été, restera, sous forme d’un brillant kaléidoscope de points de vue et  de flashbacks 

Watanabe sur une balançoire dans le parc enneigé, chantonne …Puis...Seule, la balançoire poursuit sa chorégraphie dans l’espace; une vue en contre plongée isole un « regardeur » qui contemple (vue en plongée) l’animation, la Vie …des… enfants  ! 

Il y a des moments de pure contemplation, et/ou de pure émotion,  des plans à la beauté sidérante, une majesté dans l’humilité de Watanabe (quand bien même le contraste avec les visées électoralistes de l’échevin usurpateur ou avec le pragmatisme éhonté du fils ingrat et de la bru cupide est par trop criant) ce qui n’exclut pas l’humour pince-sans-rire

VIVRE un film à voir! ou revoir! 

Colette Lallement-Duchoze

Troisième volet d'une trilogie réalisée par Ti-West (USA 2023)

avec Mia Goth (Maxine Minx), Elizabeth Debicki, (Elizabeth Bender) Moses Sumney (Leon Green), Giancarlo Esposito (Teddy Knight) , Kevin Bacon (John Labat) Michelle Monaghan (Inspecteur Williams) Bobby Cannavele (Inspecteur Torres) Simon Prast (le père de Maxine)

Synopsis: À Los Angeles dans les années 80, Maxine Minx, une vedette de films pour adultes et aspirante actrice, obtient finalement le rôle tant espéré, mais lorsqu'un mystérieux tueur traque les starlettes d'Hollywood, des indices sanglants menacent de dévoiler le sombre passé de Maxine.

Casser les stéréotypes et montrer les côtés obscurs du système hollywoodien,  tel est le pari de Ti-West. qui  va nous immerger dans l’envers infernal de ce qu’il faut bien nommer l’usine à rêve hollywoodien

Première séquence, voici Mia enfant dans un film de famille début années 60 ; elle récite la parole paternelle, tel un mantra (sur la réussite à tout prix…) qui sera repris à la fin de ce faux film d’horreur (troisième volet d’une trilogie) Ti-West y entremêle deux intrigues : ascension hollywoodienne de l’ex actrice du porno et présence d’un tueur en série (dont la première risque d’être victime…) Maxine vient de décrocher un rôle dans « la puritaine »(nous sommes en 1985 ère reaganienne du puritanisme réactionnaire) première marche vers… ; or elle est «prise en filature » par un détective privé assez louche…(Kevin Bacon) Bien vite on comprend que l’actrice incarnera la « monstruosité » en mettant sa  férocité au service de sa réussite (une entreprise de dévoration ! ), monstruosité que « fabrique » Hollywood précisément - ce qu’annonçait la citation de Bette Davis en exergue (dans ce métier tant qu’on n’est pas connu comme un monstre on n’est pas une star) Et la chanson de Kim Carnes qui clôt le film indique  que celui-ci aura été vu..... depuis...... « les yeux de Davis » (?) 

Maxxine ou la tension « monstre/star », une tension hyper référencée ?

Mais accumuler les références (Psychose Body Double Mulholland Drive Chinatown  ) jusqu’à la peinture de Magritte la mémoire (où le sang ne coule pas du visage mais du cou de….Maxine) est loin d’être une stratégie convaincante ; car il faut être un grand maître pour manier le pastiche (Brian de Palma !!) et que dire de  cette image silhouettée qui se découpe sur la fenêtre de la maison de psychose) ?  Le ad libitum devient ad nauseam quand la référence se limite à un clin d’œil, poli et policé, et n’est pas questionnement sur…

Et quand bien même l’ambiance des années 80 est restituée (lumières chansons BO couleurs) le spectateur reste sur une attente (le « film d’horreur » a cédé la place au « thriller » (parsemé ça et là de quelques touches horrifiques complaisantes et alors ???)

Impériale la performance tant vantée de Mia Goth ?? 

Impression plus que mitigée

mais peut-être faut-il avoir vu l’ensemble du triptyque pour émettre un avis plus éclairé 

Colette Lallement-Duchoze