de Christian Petzold (Allemagne )

avec Paula Beer , Franz Rogowski, Jacob Matschenz , Maryam Zaree

Berlinale 2020 : Prix FIPRESCI et Ours d'argent de la meilleure actrice pour Paula Beer 

Ondine vit à Berlin, elle est historienne et donne des conférences sur la ville. Quand l’homme qu’elle aime la quitte, le mythe ancien la rattrape : Ondine doit tuer celui qui la trahit et retourner sous les eaux…

si tu me quittes je serai dans l’obligation de te tuer

Le film s’ouvre sur une scène de rupture qui- dans un autre contexte- serait tout à fait banale. Sauf qu’ici...le réalisateur renoue avec un mythe selon lequel une Ondine ne peut vivre sur terre qu’à travers l’amour d’un humain ; trahie elle doit tuer l’homme qui la délaisse avant de regagner les eaux…..

Filmée en gros plan sur les deux visages (Johannes Jacob Matschenz et Ondine Paula Beer ) cette séquence d’ouverture oppose aussi deux conceptions de l’amour.

Dualité qui va être déclinée sous d’autres formes dans tout le film : réalisme et fantastique, rêve et réalité, monde terrestre (la capitale, son présent et son passé revisité) et monde aquatique (lac piscine aquarium), ainsi que les connotations du miroitement, de l’enfouissement, et en faisant d’Ondine une conférencière historienne qui explique à partir de maquettes, le tissu urbain de Berlin - une ville construite sur des marécages -, le réalisateur va insister sur la succession des oblitérations autant mémorielles que physiques 

Ondine s’affranchira -dans un premier temps- de son destin en s’éprenant d’un autre homme (habile détournement du mythe). La fulgurance du coup de foudre ? Un regard qui fait exploser un aquarium ; tels deux naufragés rescapés d’un tsunami, les deux êtres se sourient le visage ruisselant  de perles de lumière. Une séquence qui relève du fantastique certes mais en faisant de Christoph un scaphandrier-soudeur, le film s’inscrit aussi dans la contemporanéité (ces scaphandriers qui lors de la réunification des deux Allemagnes ont sondé  " le monde souterrain"  de l’Alexander Platz !!! l’exploration d’une capitale en perpétuelle transformation !!)

Tout en renouant plus tard dans la narration avec des figures mythiques, dont celle du silure… ce poisson à  la fois commun et mystérieux. Ou avec le merveilleux ( au fond du lac, une pierre sur laquelle est gravé le prénom  Ondine; les   taches rouges indélébiles  dans l'appartement,  désormais occupé par un autre couple) -

Comme si la présence d’Ondine flottait encore et toujours par-delà l’Histoire et les histoires. C’est qu’il s’agit aussi d’une foi inébranlable en la puissance de l’amour. Thème majeur de cette dernière partie -annoncée par un encart temporel deux ans plus tard-  alors qu’elle est imprégnée par l’envoûtement troublant d’une présence-absente (ou absence-présente) hors du temps

Un film que je vous recommande

Colette Lallement-Duchoze

de Caroline Vignal (2019)

avec Laure Calamy, Benjamin Lavernhe, Olivia Côte, Marc Fraize, Marie Rivière 

Sélection officielle Cannes 2020

Des mois qu’Antoinette attend l’été et la promesse d’une semaine en amoureux avec son amant, Vladimir. Alors quand celui-ci annule leurs vacances pour partir marcher dans les Cévennes avec sa femme et sa fille, Antoinette ne réfléchit pas longtemps : elle part sur ses traces ! Mais à son arrivée, point de Vladimir - seulement Patrick, un âne récalcitrant qui va l'accompagner dans son singulier périple…

Partir sur les traces de Stevenson (qui a donné son nom au GR70) pour (re)conquérir son amant ? Dresser un animal réputé pour son entêtement et progressivement en faire un confident ami ? Autant de défis pour cette jeune femme pétulante ! Mais ne nous ne méprenons pas. Si la relation Patrick (l’âne) Antoinette emprunte au Voyage avec un âne dans les Cévennes de Stevenson, si ce romancier écossais lui aussi avait entrepris ce périple de 195km suite à une « peine de coeur » (ce que rappelle l’hôte à Antoinette dont le visage et le regard s’éclairent d’empathie) la comparaison s’arrête là….

Le film débute comme un  vaudeville, (le fameux trio maîtresse mari femme) : Antoinette la maîtresse d’école parée d’un fourreau satiné fait interpréter- pour la fête de fin d’année-, un tube de Véronique Sanson Amoureuse sous l’oeil étonné, légèrement réprobateur de certains parents….dont le père d’une de ses élèves, Vladimir, qui ...précisément est son amant... un amant qui ne respecte pas sa promesse : partir avec elle une semaine (c’est le prologue)

Dès qu’elle sera « embarquée », dès qu’elle sera confrontée à l’improbable, dès qu’elle devra assumer seule (elle la néophyte en rando) des situations inédites, le film évolue tout comme évolue la relation entre elle et Patrick, Ses confidences - d’abord une voix intérieure- elle va les murmurer à l’oreille de l’équidé qui, miracle, en est tout stimulé : la parole amie qui dit la souffrance comme substitut du fouet ! Progressivement cette quadra se déleste d’un « amour encombrant » et sa quête est devenue celle du bonheur, tout simplement (loin des qu’en dira-t-on, des préjugés incarnés par quelques randonneurs attablés lors d’une pause).

Car cette aptitude à l’émerveillement qui habitait à n’en pas douter le personnage, s’incarne avec plus de densité, de consistance grâce à sa relation avec l’âne qui lui « apprend » à se libérer de tout ce qui « encombre » esprit et coeur (dont cette croyance en l’amour-passion contrarié comme l’expliquera Eléonore la femme de Vladimir dans un échange de propos inoubliable !!!) Après des chemins tortueux (à l’instar de cet égarement qui contraint le duo à dormir à la belle étoile..) Antoinette sera plus sereine : ce dont témoigne la scène où elle se promène altière buste droit tête haute dans un village….

Le film est porté par Laure Calamy dans le rôle-titre, une actrice étonnante de justesse à la fougue constructive et souvent irrésistible de drôlerie (on lui pardonnera ses bougonneries à la Karine Viard plus ou moins prononcées).

La réalisatrice crée un tempo en faisant alterner les séquences de duos Antoinette/âne (filmés en plans rapprochés ou de loin comme se détachant sur la ligne des crêtes) et les scènes en groupe, les plans panoramiques sur le paysage cévenol et les intérieurs du vivre ensemble. Un film au rythme fluide, aux dialogues à la fois sobres et percutants. Et petit clin d’oeil à Rohmer dans le choix de l’actrice Marie Rivière

Et l’on comprend aisément que la critique soit unanime dans l’éloge de cette comédie dont la ténuité scénaristique est largement compensée par tant d’autres qualités

Mais aller jusqu’au dithyrambe...Non !

Colette Lallement-Duchoze

Ne boudons pas notre plaisir. Un tel film fait du bien au moral. L'actrice principale est absolument charmante, le scenario est alerte et la fin est heureuse, enfin ! Il y a du François Truffaut dans ce film dans le sens où les personnages sont un peu décalés (le Noir qui tient avec son épouse le restaurant refuge dans les Cévennes) et au début de l'automne on a envie de repartir en vacances, saines de préférence.

de Sarah Gavron (Grande Bretagne)

avec Bukky Bakray, Kosar Ali, D'angelou Osei Kissiedu, Ruby Stokes 

Rocks, 15 ans, vit à Londres avec sa mère et son petit frère. Quand du jour au lendemain leur mère disparaît, une nouvelle vie s’organise avec l’aide de ses meilleures amies. Rocks va devoir tout mettre en oeuvre pour échapper aux services sociaux

Rocks c'est le surnom de Shola Joy Omotoso d'origine nigériane -admirablement interprété par Bukky Bakray

Rocks c'est un film collaboratif (cf générique de fin) ; le travail collectif en amont -scénario, dialogues; ateliers avec des adolescentes, des travailleurs sociaux- lui confère une authenticité indéniable, et le jeu des actrices -non professionnelles- illustre leur naturel, leur spontanéité -comme si elles oubliaient la caméra...

Un clin d'oeil qui fleure le marketing accompagne l'affiche "Un Ken Loach au féminin" . Est-ce parce que le thème est éminemment social, que la réalisatrice est une femme, que l'équipe technique est féminine et que le groupe des six jeunes est féminin? Un peu facile et racoleur...Non?

Abandonnée par Funke, une mère dépressive, orpheline de père depuis l'âge de quatre ans, Rocks doit à 15 ans agir en "adulte responsable": prendre en charge son tout jeune frère Emmanuel. Pour échapper aux services sociaux elle ira coucher chez des copines ou à l'hôtel, jusqu'au jour où....  Mais dès que l'adolescente est avec ses amies -Agnès, Sabina, Sumaya, Yawa, Khadijah- elle retrouve l'insouciance la  légèreté, la joie de vivre tout simplement. Le prologue -auquel fera écho le plan final- met l'accent sur cet aspect;  alors que le  film épouse  le parcours entre ces deux pôles -avec variations de plans ambiances et musiques; une caméra souvent à hauteur de visages comme pour en calligraphier les émotions, très mobile aux moments de tension, plus fixe pendant les accalmies. Ombre et lumière!

D'abord réticente à toute forme de "confession" -Rocks garde secret le départ de sa mère et veut agir seule- elle comprendra que le "vivre ensemble" s'accomplit aussi dans le partage des tourments. Solidarité et sororité. Ode à l'amitié 

Et si à travers le personnage de cette jeune fille de 15 ans,  Sarah Gavron fait le portrait de l'adolescence dans sa complexité (dont le découpage de visages  comme support à la découverte de l'univers de Picasso, serait la métonymie) son film est aussi un hymne au multiculturalisme -les 6 amies n'incarnent-elles pas la diversité sociale, culturelle et religieuse dans la capitale britannique contemporaine?

à voir 

Colette Lallement-Duchoze

De Carlo Sironi (Italie Pologne 2019)

avec Sandra Drzymalska, Claudio Segaluscio,  Bruno Buzzi

Un jeune Italien Ermano est chargé d’accueillir une jeune polonaise et de prendre soin d‘elle le temps qu’elle donne naissance à un enfant dont elle devra se séparer au profit d’une famille adoptive (Fabio l’oncle d’Ermano, d’ailleurs rémunéré pour cela)

Le contournement de la loi (procédure d’adoption manigancée par le couple stérile Fabio et Bianca faisant du neveu le faux père …) sert de point de départ à ce film. Mais l’essentiel concerne la relation Ermano/Lena et plus précisément de l’avis même du réalisateur Sole raconte l’histoire d’un garçon qui parce qu’il doit faire semblant d’être père arrive à se sentir père 

Le film tel un sismographe va enregistrer (et le spectateur avec lui) la moindre pulsation, (à l’instar de celles que perçoit Lena enceinte), la plus imperceptible évolution d’un « couple » apparemment impassible indifférent ; Ermano (jusqu’à son contrat avec son oncle était voleur de scooters et accro aux machines à sous) Lena (vit depuis un an en Italie sans attache) sont comme des étrangers, ils sont aussi  absents à eux-mêmes ; mais sous le masque de la douceur mélancolique se lovent -peut-être - douleurs et rêves enfouis

Et le réalisateur a opté pour certains procédés (qui à n’en pas douter vont provoquer le rejet sinon le malaise chez certains spectateurs) Son approche sera clinique

D’abord le format 4.3 celui qui précisément « enferme » les personnages dans un cadre restreint (visage d’Ermano qui se détache telle une effigie, visage de Lena au regard éteint ou faussement scrutateur ; duo impassible et impavide regardant un lointain inaccessible ; ou alors le cadre s’élargit et le visage vu d’abord en gros plan se fond en se dissolvant dans un ensemble). Le choix des couleurs participe de la même volonté : océaniques (on est dans une  station balnéaire et la décoration de l’ascenseur abolit la frontière avec le réel) verdâtres ternes , lumière pastel .À cela s’ajoutent le laconisme des dialogues et cette succession de plans fixes (dont certains avouons-le...un peu longs...). Enfin absence de musique -hormis quelques morceaux d’électronique de Teonoki Rozynek

Mais...cynisme et insolence progressivement s’estompent : le regard d’Ermano aura l’éclat d’une épiphanie et l’indolence affichée de Lena (aux postures balthusiennes, parfois) va se transfigurer en son contraire dans un sursaut ...final.

Ainsi nous aurons assisté à une autre naissance que celle de Sole, celle des deux personnages à eux-mêmes

Un film de regard

Un « film sur la pudeur de l’amour »

Un film que je vous recommande (Omnia aux toiles) 

Colette Lallement-Duchoze

de David Zonana (Mexique) 

avec Luis Alberti, Hugo Mendoza,  Jonathan Sanchez

Francisco voit son frère mourir d’un accident sur le chantier où ils travaillaient ensemble. N‘obtenant aucun dédommagement du propriétaire, Francisco invente une façon inédite de se venger de lui.

Non nous ne sommes pas dans un film à la Ken Loach (malgré la prégnance de la thématique « lutte de classes » ou du moins malgré la peinture des inégalités sociales éhontées) mais plutôt du côté de Parasite de Bong Joon-ho En mettant au premier plan la « main d’oeuvre », celle des ouvriers du bâtiment, en mêlant film social et thriller, David Zonana signe une œuvre étrange déconcertante, une fable au déterminisme implacable « personne n’est complètement bon ou mauvais » (avertissement) manipulation et corruption gangrènent les rapports humains, de classe et de travail

Après la mort accidentelle de son frère Claudio sur un chantier, (construction d’une luxueuse villa) Francisco n’a de cesse de faire triompher la justice ; face à l’incompréhension aux dénis aux refus (une pseudo enquête conclut à l’imprégnation alcoolique du travailleur au moment de la chute, alors qu’il a toujours été sobre, ce qui dispense de verser des indemnités à la veuve …) il met en œuvre progressivement et méthodiquement une « justice immanente ». S’approprier la luxueuse villa, en faire bénéficier tous ses compagnons d’infortune...avec leur famille. Mais la communauté sera confrontée à des dissensions, à une gestion plus ou moins mafieuse et à la guerre des égos jusque….

Pour illustrer ce cheminement David Zonana opte pour une caméra fixe, une succession de plans séquences comme autant de « saynètes » avec plans fixes, panoramiques ou lents zooms, et pour un traitement minimaliste (avec ellipses ou hors champ …Il appartiendra  au spectateur de reconstituer d'imaginer certains faits et gestes de Francisco par exemple! ).

Il fait de la luxueuse villa blanche le microcosme des confrontations. Au moment de sa construction, elle oppose le monde du travail à celui du capital. Occupée par les ouvriers, elle est d'abord espace d’une « réappropriation », avant de devenir celui  d’affrontements irréversibles.

Alors que simultanément nous aurons cheminé de l’extérieur (jardins murs, baies vitrées, terrasses) vers l’intérieur (chambres, immenses salles de bains, espaces de loisirs et de détente) et que nous aurons été témoins de drames  (la mort d’un ouvrier sur le chantier, le délitement de la communauté à l’intérieur )

Une démonstration fulgurante de justesse!

Un film original à voir assurément !

Colette Lallement-Duchoze