La 12ème édition du festival international Filmer le travail se tiendra à Poitiers du 19 au 28 février 2021 et aura pour thématique centrale et transversale l’éducation, reliée à la question du travail, de la transmission, de l’émancipation. Autour de ce fil rouge se déclineront de nombreux événements : une rétrospective de films traversant les époques et les genres, une programmation jeune public, des conférences et rencontres portées par des chercheurs/euses, des podcasts, un journal du festival, etc… mais aussi la compétition internationale de films documentaires, une occasion unique de découvrir le regard singulier de cinéastes du monde entier sur le travail.

Le festival se tiendra exceptionnellement en ligne et sera accessible gratuitement sur enligne.filmerletravail.org à partir du vendredi 19 février.

                                             Journal d'un maître d'école dimanche 21 à 16h

Comédie satirique de Matthew Rankin (Canada 2019)

Avec Dan Beirne, Sarianne Cormier, Catherine St-Laurent, Mikhail Ahooja. 

prix du meilleur premier long métrage canadien au Festival international du film de Toronto 2019 

et  Prix FIPRESCI de la Berlinale 2020

à voir sur MUBI

“A Toronto à l'aube du XXe siècle, le jeune Mackenzie King rêve de devenir le Premier ministre du Canada. Mais son attirance pour un soldat britannique et une infirmière française, exacerbée par une obsession fétichiste, pourrait bien provoquer sa chute. Dans sa quête de pouvoir, King devra satisfaire les attentes de sa mère impérieuse, les fantasmes bellicistes du gouverneur général et l'idéalisme utopique d'un mystique québécois

Vous aimez la fantaisie ? ce qui est déjanté, loufoque, débridé? Vous appréciez l’humour (québécois) ? Alors ce film va répondre à vos attentes

En effet, dans The Twentieth Century Matthew Rankin tout en respectant une certaine « chronologie » tout en s’inspirant des écrits de Mackenzie King, tout en faisant vivre des personnages réels (Arthur Meighen Albert Harper Joseph-Israël Tarte, Lord Minto) se veut moins biographe que jongleur et contorsionniste de l’image et de la couleur ; et c’est une histoire de l’identité nationale schizophrène qu’il donne à voir à travers le portrait peu flatteur du jeune Mackenzie King (le public canadien sera plus sensible à toutes les allusions c’est évident) avec une distance qui tient à la fois de la blague farcesque et du surréalisme voire de la science-fiction

Découpé en 10 chapitres (à la manière d’un album de famille que l’on feuillette ou d’une BD) le film suit les étapes d’une formation, les jeux d’influence -politiques et familiaux-. Voici la jeune Charlotte (tuberculeuse au pavillon des « enfants défectueux ») voici une mère castratrice -interprétée par un homme ..-Louis Negin-, aux pouvoirs divinatoires ; il (elle) est alité(e) et ... cloîtré(e). Le gouverneur fasciste Lord Minto, obnubilé par les Boers qu’il souhaite terrasser, et Joseph Israêl Tarte un gourou interprété par une femme à moustache, les deux comme illustration d’une société clivée?  ; le Dr Wakefield (Kee Chang) et son combat contre l’onanisme du personnage (avec cette image récurrente d’un cactus éjaculatoire qui peut rappeler les garçons sauvages de Mandico). Les rites de passage (massacre de jeunes phoques entre autres) sont autant de « jeux » de concurrence fondée sur l’agressivité

Oui le drapeau de la déception mériterait d’être mis en berne définitivement . Voeu pieux du jeune M King? 

Dès le début le spectateur est plongé -pour les scènes en extérieur- dans un univers graphique aux formes géométriques, où l’on passe avec aisance d’un niveau à un autre (horizontal et vertical) ; l’acteur qui interprète M. King (Dan Beirne) est comme un pion sur un échiquier fragmenté dans un infini bleu et opalescent. Et pour les scènes d’intérieur les couleurs dominantes épousent celles des costumes d’époque et des figures en médaillon; les deux personnages qui incarnent la « garde » sont des cyborgs à la voix inhumaine d’outre-tombe (surréalisme et science-fiction). 

Un régal que ce "détournement" - "relecture" de l’ascension de Mackenzie King (quand bien même on ignore l’histoire du Canada...)

Un film qui ne se   "décrit" pas (même si -c’est presque un truisme- on assiste à une démystification de la politique comme à un jeu de massacre) tant domine l’étonnante inventivité plastique!

Colette Lallement-Duchoze

Titre original Koirat Eivät Käytä Housuja

de  Jukka-Pekka Valkeapäâ  (Finlande 2019)

avec Krista Kosonen, Pekka Strang, Ester Geislerovà 

Présenté à Cannes (Quinzaine des Réalisateurs) 2019

à voir sur Mubi

Incapable de surmonter la mort de sa femme qui s'est noyée, Juha vit replié sur lui-même depuis 10 ans auprès de sa fille en pleine adolescence. Il rencontre par hasard Mona, une dominatrice SM. Cet homme à la vie rangée prend goût à ces pratiques dans une escalade de violence qui le conduisent dans des états de transe où il parvient à se rapprocher de son épouse. Cette sexualité masochiste et son rapport étrange avec Mona dont il est dépendant le ramèneront vers des émotions qui lui permettront de faire le deuil de sa femme

« je n’aime pas l’ordinaire » affirmera  péremptoire Mona

Refus de l’ordinaire aussi dans ce 3ème long métrage du Finlandais Jukka-Pekka Valkeapää. À condition bien sûr d’aller au-delà de ces pratiques BDMS (bondage et discipline sadomasochiste) ou du moins de voir dans leur recours un moyen d’illustrer la dialectique vie/mort. Une dialectique teintée d’humour  (cf par exemple la séquence avec une prostituée où la musique d’Albinoni flirte avec les fragrances d’un parfum, les tentatives avortées de suffocation et les rires narquois de la femme)

Tout le film d’ailleurs obéit à un schéma duel. Dualité des couleurs (néons rouges verts, opposés au blanc gris du milieu hospitalier où Juha est chirurgien, ou aux pastels de l’appartement), des ambiances (torride perverse ou glacée) ; dualité jour et nuit ; suffocation et respiration ; douleur et sensualité, violence et bienveillance ; l’eau elle-même est  synonyme de perte (noyade de l’épouse) et de purification (image récurrente de la femme "sauvée" des flots et de la ...mémoire). Jour et nuit. Ambivalence des deux personnages principaux (Mona est physiothérapeute le jour et la nuit s’adonne à tous les sévices sur les mâles en quête de ...Juha est un chirurgien respecté, un père aimant, or une courte scène de masturbation assez « spéciale », dès le début du film,  s’en vient « tordre le cou » à certaines apparences -, une scène qui sert de prélude aux pratiques « dérangées » dont la gradation peut pactiser avec l’insupportable (épisode de la dent arrachée avec comme bande son, les jappements d’un « vrai » chien mêlés aux énormes cris de douleur…dent arrachée en écho à l’ongle arraché lui aussi et montré en très gros  plan ! ou suffocation jusqu’à l’hypoxie comateuse)

Juha sera donc -momentanément- ce chien qui ne porte pas de pantalon en se soumettant à tous les  diktats de la femme dominatrice, quitte parfois à les provoquer!

Lui qui  "répare" les cœurs des malades mais dont le cœur avait cessé de battre depuis la perte de l’être aimé, le sent de nouveau palpiter. 

Corps libéré, visage sans lunettes et riant -bouche édentée-  ...C’est le triomphe de la Vie que célèbre la séquence finale...dans ce bar underground très « spécialisé »

Un film qui peut gêner j’en conviens -du moins pour la thématique ; mais force est de reconnaître l'extraordinaire maîtrise formelle  et de saluer l’audace de cette sélection Cannes 2019 (Quinzaine des Réalisateurs) 

Colette Lallement-Duchoze 

Documentaire de Carl Olsson (Suède, Danemark, Estonie ) 2020

à voir sur Mubi

Quand nous mourons, il reste beaucoup de détails pratiques à régler avant notre départ définitif …du « royaume des vivants »

Pratiques et rituels de l’industrie funéraire en Suède

Carl Olsson nous immerge dans les coulisses de tous les préparatifs (avant l’incinération ou l’inhumation ), à l’hôpital, au crématorium ou au cimetière.

Son documentaire ressemble à un collage où se succèdent des "saynètes" plus ou moins longues , toutes filmées caméra fixe en plans séquences, avec une importance accordée aux premiers et arrière-plans, dans des lieux aux couleurs froides le plus souvent (blanc gris). Personnages  muets ou prolixes (les deux  chauffeurs et les deux  fossoyeurs), aux gestes théâtralisés (une gravité empreinte de compoction)  accompagnement musical de "circonstance"  

Une façon de filmer qui rappelle Roy Andersson (rappelez-vous "chansons du deuxième étage"  "un pigeon perché... "  " nous les vivants")

En se focalisant sur les personnes qui  travaillent au quotidien avec la mort - apparemment délestées de tout affect- (pathologistes, embaumeurs, fossoyeurs, personnel des  pompes funèbres, officiants, instrumentistes, chauffeurs), refusant tout  sensationnalisme et pathos, Carl Olsson  filme une quotidienneté insoupçonnée du spectateur, celle de ces  "corps de métier"  qui s’affairent sur les  "corps morts"   "pendant ce temps sur terre"  (c'est le titre français du film).  Jamais nous ne verrons les "cadavres" (nous  devinons  leur matérialité, leur corporéité  sous des draps blancs, ou les imaginons reposant à l’intérieur de cercueils) ; jamais nous ne verrons les familles éplorées. Non que le cinéaste  "désacralise" la mort mais il promène un regard "ironique et élégiaque sur l'industrie funéraire suédoise"  et son documentaire aurait une vertu cathartique (?)

Les personnages -que nous retrouverons plusieurs fois, dans l'exercice de leur fonction-  mais filmés sous des angles différents, -hormis les chauffeurs toujours en frontal dans l’habitacle du corbillard- accomplissent un rituel avec méthode voire méticulosité (tant pour actionner les élévateurs que pour parer le corps du défunt, disposer les fleurs, gérer le tempo de l’office). Gestes presque solennels ou du moins gestes qui, malgré ou à cause de leur répétition quasi mécanique, solennisent une réalité.

Quant aux duos -chauffeurs, fossoyeurs- ils papotent, évoquent leurs petits problèmes domestiques. Papotages (smoothies nutritifs) et rigolades comme forces vives dans cet apprivoisement de la mort (pourquoi ne pas imaginer un dîner avec tous les fossoyeurs dans ce restaurant bien sympathique ? Propose l’un des deux)

Et pourtant trois  femmes : Saga dans une maison de retraite, une autre dans un fumoir, le visage illuminé à l’écoute des numéros gagnants du bingo, et cette autre dont nous devinons la présence avachie face à l’écran de téléviseur dans une chambre spartiate réduite aux objets essentiels de la Vie,  évoquent en creux l’antichambre de la mort. Corps en sursis. Moratoire dérisoire !

"viens on rentre à la maison"  dit un promeneur à son chien dans le parc où il  "accomplit"  sa balade rituelle (c’est le dernier plan)

Ce documentaire ne serait-il pas tout simplement un hymne à la Vie ?

Colette Lallement-Duchoze

Premier long métrage de Salka Tanziana (Allemagne Espagne) 2020

avec Melanie Straub, Jon Bader, Ole Bader, Pilar del Pino , Amalia Amián del Pino

titre anglais For the time being

titre français Pour le moment 

En lice dans la compétition « bright future » festival de Rotterdam, au programme de la semaine de la critique du 70ème  festival de Berlin,  ce film est diffusé en exclusivité sur MUBI à partir du 4 février 2021 (série Festival Focus Rotterdam)

Larissa et ses jumeaux de neuf ans arrivent d'Allemagne pour se rendre dans  la maison familiale de leur père dans les montagnes espagnoles de la Sierra Morena. Le vol du père a été retardé, mais les invités sont accueillis par sa mère et sa sœur. Au fur et à mesure que les journées torrides passent, tout le monde essaie de se comprendre.

Un film qui peut tout autant séduire que fortement déplaire Certains spectateurs déploreront la ténuité scénaristique, la lenteur du rythme, le minimalisme des dialogues, l'inanité d'un "faux" projet, alors que d'autres (et j'en suis) apprécieront le mode contemplatif, l'interaction entre paysages et personnages, l'étrange sensation du temps qui s'égrène, les menaces latentes (images d'incendies dévastateurs à la télévision) et se laisseront emporter dans (et par) la torpeur de l'été.

Nous sommes dans la Sierra Morena -cette chaîne de montagnes dans le sud de l'Espagne, au nord de Cordoue- un paysage familier à la réalisatrice. Voici trois femmes: Larissa venue d'Allemagne avec ses jumeaux Ole et Jan (le prologue leur est dédié , elle au volant de la voiture, les deux enfants assoupis, elle tente de joindre leur père..) , la belle-mère Pilar -matriarche-  et sa fille Amalia . Une vaste propriété jalousement gardée (à un moment deux cyclistes égarés  se feront tancer). C'est l'été

Peu de paroles, intrigue minimaliste, lente succession de plans sur des paysages (certains filmés au moyen de drones) engourdis par la chaleur torride, alternance entre les intérieurs de la villa -on est allongé on sue abondamment, on consulte son portable- et les extérieurs immédiats -piscine dont l'eau fuit...bétail à entretenir- et plus éloignés -chemin qu'empruntera un des jumeaux, pont, plan d'eau. La répartition des couleurs -blanc de la villa, bleu de la piscine, ocre mordoré de la terre, vert bouteille des oliviers- obéit à une partition de l'espace alors que la stridulation incessante des cigales, les bruits suspects de tirs (présence d'une base militaire), une saute de vent soudaine  -impétuosité annonciatrice de l'orage?, le clapotis de l'eau au passage d'une barque, seront l'accompagnement sonore -avant le morceau de Plastiq et un plan final.... inattendu!

Un séjour "familial" où l'on peine à communiquer et dont le rite sera perturbé par les enfants (trop plein d'énergie dans la torpeur?)

Mais surtout une approche très personnelle et partant très subjective de cette cohabitation entre l'homme et la nature; l'esquisse d'une cartographie où les sinuosités des chemins à travers les oliviers et sur la terre ocre/brun semblent épouser les strates de la mémoire; ne représentent-elles pas les propres souvenirs de la cinéaste? "En cartographiant mes souvenirs j'ai pris conscience de leur texture tangible; un paysage distinct de motifs fibreux et de surfaces qui se chevauchent" 

Colette Lallement-Duchoze