de Marie-Castille Mention-Schaar  (France 2022)

avec  Oulaya Amamra (Zahia), Lina El Arabi (Fettouma), Niels Arestrup (Sergiu Celibidache), Zinedine Soualem (le père), Nadia Kaci (la mère), Laurent Cirade (Claude Burgos), Marin Chapoutot (Dylan),

À 17 ans, Zahia Ziouani rêve de devenir cheffe d’orchestre. Sa sœur jumelle, Fettouma, violoncelliste professionnelle. Bercées depuis leur plus tendre enfance par la musique symphonique classique, elles souhaitent à leur tour la rendre accessible à tous et dans tous les territoires. Alors comment peut-on accomplir ces rêves si ambitieux en 1995 quand on est une femme, d’origine algérienne et qu’on vient de Seine-Saint-Denis ? Avec détermination, passion, courage et surtout le projet incroyable de créer leur propre orchestre : Divertimento

Le maire de Pantin vient de rebaptiser (provisoirement) le nom de la ville dont il est l’élu PS en Pantine !!! Pourquoi ne pas immortaliser les « sœurs jumelles » Ziouani ? lui suggère, à distance,  ironique et bon enfant, la réalisatrice !!!! C’était mercredi soir (5/01) à l’Omnia lors d’une séance-débat après la projection ovation de son film  Divertimento

Un film qui émeut -beaucoup de spectateurs avouent avoir pleuré-, un film d’une indéniable vivacité communicative ; grâce à tous ces "gestes" comme autant d’invitations à regarder et vivre autrement ; geste-accueil, geste-élan, celui bien sûr de cette très jeune cheffe d’orchestre dont la   "baguette"  par-delà l’espace musical trace comme des arabesques sonores, celui de son  "maître"  Celibidache (Niels Arestrup), celui si bienveillant des parents ; celui de la réalisatrice qui incite le public à s’inspirer de l’énergie, de la pugnacité de ces deux sœurs comme d’un viatique.

Ne pas s’attendre à des « originalités » de mise en forme, de mise en scène, l’essentiel est dans la puissance narrative ; un film de facture « classique » donc, mais dont les halos d’émotions vont de pair avec la volonté presque forcenée de concrétiser un rêve et surtout avec ce plaisir de le voir prendre forme et de communiquer cette joie (même en plein désarroi, victime de préjugés de classe, l’actrice ne faillit pas, son visage illumine la pénombre) C’est qu’il s’agit tout autant de « réussir » que de « transmettre » aux autres ce que les parents ont légué : l’amour de la musique symphonique

Nous suivons le parcours de ces deux sœurs ; parcours dont les étapes sont méthodiquement soulignées, (chaque jour le trajet Stains Paris lycée Racine, animation d’ateliers, préparation du concours tout en dirigeant un orchestre) ;à la diversité des lieux, répond celle des relations avec les « supérieurs »; aux différences de langage d’attentes et d’éducation s’oppose le « vivre ensemble » et comme dynamique interne cette volonté irrépressible de faire aboutir un rêve quelles qu’en soient les difficultés (dans le milieu culturel des orchestres symphoniques à dominante masculine, le « métier » de cheffe est discrédité non reconnu objet de quolibets, bien plus que les clivages « bourges » (Paris) et banlieue qui ponctuent les rencontres dans le film)

Un film qui a exigé un an de casting (la condition sine qua non était que les « comédiens » devaient être d’abord instrumentistes),  des rencontres avec les deux sœurs jumelles, avec leurs parents ; un film servi par deux interprètes talentueuses, Oulaya Amamara et Lina El Arabi, qui rendent crédible l’approche biographique (et lors du tournage des séquences musicales Zahia Ziouani était la "guide"). Un film musical (Saint-Saêns, Schubert Prokofiev) qui avec Ravel -en ouverture et dans un final où s’unissent les forces vives d’une cité- nous met au diapason entraînés dans une "folle équipée" (rien à voir bien évidemment avec les success story à l’américaine)

Si divertimento souffre de certains défauts (dont le jeu de la plupart des jeunes interprètes qui donnent la fâcheuse impression de « réciter ») il n’en reste pas moins une leçon de combativité et de persévérance

En dénonçant une discrimination (la profession de chef d’orchestre comprend seulement 4% de femmes en France et 6% dans le monde, rappelle le générique de fin) la cinéaste espère par ce « biopic » ouvrir le champ des possibles grâce à une réflexion sur le contexte social 

"Ça ne va pas changer le monde mais ça peut changer les gens" (Zahia)

Colette Lallement-Duchoze

Depuis deux décennies la formation guidée par Zahia Ziouani met sa musique au service d’une philosophie exigeante celle de s’inscrire dans son temps transmettre et partager dans une quête exploratoire inlassablement portée par sa vocation de démocratisation culturelle » Académie – Divertimento (orchestre-divertimento.com)

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documentaire réalisé par  Benoît Jacquot (2021)

avec Isabelle Huppert et Fabrice Luchini

Festival d’Avignon, été 2021. Une comédienne, un comédien, face à leur rôle, leur texte, juste avant les représentations. Devant la caméra documentaire de Benoit Jacquot, Isabelle Huppert et Fabrice Luchini au travail.

Il importe de rester bravement à la surface, de s’en tenir à l’épiderme, d’adorer l’apparence, de croire à la forme, aux sons, aux paroles, à tout l’Olympe de l’apparence !Ah ces Grecs ils étaient superficiels par profondeur! ( Le gai savoir Nietzsche ) 

Elle est assez discrète, lui volubile dans une forme de cabotinage affiché et assumé tout à la fois. Elle répète le rôle de Lioubov pour la pièce qui sera jouée à la Cour  d’Honneur du Palais des Papes, lui répète des extraits du Gai savoir et de Zarathoustra de Nietzsche qu’il lira, seul, dans la Cour du Musée Calvet. Elle est intégrée à un groupe d’acteurs sous la direction de Tiago Rodrigues, (cf le générique de fin),  lui est son propre "metteur en scène" (instaurant d’ailleurs un dialogue entre le philosophe et le poète Baudelaire).

Des enjeux au départ très différents, donc. Mais ce qui intéresse Benoît Jacquot c’est de montrer les deux artistes/acteurs dans l’exercice de ce qu’ils font. D’abord successivement, séparément (caméra à l’épaule ou posée sur un coin de table) puis dans les dernières minutes, en montage parallèle et "faussement" alterné. L’une effacée -voire minuscule- dans  l’immensité du lieu théâtral, l’autre envahissant un espace moins scénique que mental

Isabelle Huppert "bute" sur une phrase (le malheur est tellement invraisemblable que j’en viens même à ne plus savoir que penser); elle la triture, la décompose, en interroge le sens -et ce, quel que soit l’endroit où elle se trouve : dans la voiture -qui la mène en longeant le Rhône vers Avignon- dans les coulisses de la Cour d’Honneur, dans sa loge. Luchini cherche le ton juste pour une phrase qu’il module à sa guise "on a nécessairement la philosophie de sa personne, à supposer qu’on en soit une" ; mais aussi en fonction du souffle du mistral !! Si l’actrice s’interroge sur un « handicap » si elle avoue connaître le « trac », l’acteur rompu à tous les contretemps se plaît à passer outre certaines « règles » ; c’est en jouant qu’il serait à l’abri du trac et il avoue être encore à table quelques minutes avant de se présenter sur scène (cf la longue file d’attente rue Joseph Vernet)

Nous suivons la première dans ses déambulations, la surprenons somnolant sur une couche, alors que le second à l’instar de Flaubert semble reproduire, assis, une forme de gueuloir (ce dont témoignent ces plans très rapprochés sur le visage les lèvres et les dents). Isabelle Huppert doit savoir « par cœur » un texte précis à restituer dans son intégralité,  alors que F Luchini se plaît à « oublier » provisoirement le texte originel; non seulement pour le commenter (quand le destinataire est le public) mais pour expliquer (face à la caméra de Benoît Jacquot) son propre jeu d’acteur -celui de la diction, de l’effacement du moi profond pour parvenir à ce que recommandaient ses devanciers – Jouvet, Bouquet ses « maîtres » qu’il cite avec passion-, non pas imposer un « sens » mais entendre tout simplement le « ça parle »  le « ça dit » (une sorte de métalangage de l’interprétation et de la diction)

Chez des "monstres" -du cinéma ou du théâtre- il y aurait une part non négligeable d’hubris ? peut-être. Or la caméra de Benoît Jacquot a réussi un tour de force dans cet apprivoisement  du langage, de ces textes que l’on caresse et que l'on doit savoir "par cœur" . Dans les dévoilements -qui précédent la  "représentation" -,  il aura mis à nu une Isabelle Huppert en proie au doute, loin des clichés (elle fait du Isabelle Huppert ; elle maîtrise tout froidement) et -quelle gageure !-,  il sera parvenu à rendre presque "sympathique"  un Luchini (que d’aucuns détestent, d’une haine quasi viscérale)

Je ne peux que recommander ce documentaire/ exercice de style tant Benoît Jacquot, avec un dispositif très sobre, a su communiquer sa fascination pour la relation particulière entre un acteur et son texte : "l’élégance de la précision" pour l’une, "l’exubérance de la passion" pour l’autre ! mais toujours cette  "obsession du travail bien fait"  dans la  "soumission aux textes", une soumission dictée par l’amour des mots !

Colette Lallement-Duchoze

De Stefan Ruzowitzky (Autriche Luxembourg 2021)

Avec Murathan Muslu (Peter Perg) , Max von der Groeben  (Komissar Paul Severin ) Liv Lisa Fries (Dr Theresa Körner) Matthias Schweighöfer (Josef Severin) Marc Limpach (Polizeirat Victor Renner) Miriam Fontaine (Anna Perg) Margarete Tiesel (la concierge) 

74ème Festival de Locarno (août 2021) Prix du public 

Vienne, 1920. Après l’effondrement de l’empire austro-hongrois, Peter Perg, soldat de la Grande Guerre revient de captivité. Tout a changé dans sa ville, où le chômage et les pulsions nationalistes prennent chaque jour un peu plus d’ampleur. Il se sent étranger chez lui. Soudainement, plusieurs vétérans sont brutalement assassinés. Touché de près par ces crimes, Peter Perg s’allie à Theresa Korner, médecin légiste, pour mener l’enquête. Au fur et à mesure de ses découvertes, Peter se retrouve malgré lui mêlé aux évènements et doit faire face à des choix cruciaux dans un chassé-croisé aux allures de thriller expressionniste.

En situant son intrigue en 1920 le réalisateur opte pour une esthétique expressionniste, rendant ainsi hommage à ses devanciers Robert Wiene, Fritz Lang, Murnau. Il va d’abord tout filmer sur fond bleu puis il rajoutera la ville, grâce des effets spéciaux. Le résultat ? tous les décors numériques imposent à l’écran une ville tortueuse avec des façades distordues, des perspectives tronquées, au service d’une atmosphère glauque (fonds verts dominants).

Et ce travail esthétique, ce style pictural, Stefan Ruzowitzky le met  en parallèle avec  l'univers mental  d’un ancien lieutenant de l’armée austro-hongroise, prisonnier de guerre en URSS,  qui, à son retour, est dans l'impossibilité de "reconnaître"  Vienne, de  "se"  retrouver dans  "sa" ville.  Tout a été "chamboulé",  tout lui semble déformé déséquilibré. Voyez ces gens, gueux  misérables,  agglutinés dans la rue,  ces immeubles qui effraient par leur apparente instabilité ; lui-même, déboussolé, arpente les rues, le corps et le visage comme "décalés" (changement d'échelle, de proportion et de perspective)….D'autant qu'il appartient désormais à la catégorie  des  "vaincus", des "humiliés"  et que la "virilité"  inhérente à l’esprit de la guerre est non seulement bafouée mais provisoirement ou définitivement abolie!!

C’est dans ce contexte que sévit un tueur en série obnubilé par le chiffre 19, trucidant ses victimes - les "compagnons" de Perg, d'ailleurs-, après leur avoir infligé d’atroces souffrances, (lui-même avouera être  "mort depuis longtemps" ; quant à son identité - ne pas spoiler- c’est le twist final !!!). Précieuse sera l’aide  de la médecin-légiste Theresa Körner qui sollicite  le soutien de l'ex flic Peter Perg, dans la résolution des crimes !!

Or les atrocités de la guerre que lui  et les siens ont subies, les traumatismes et leurs inévitables séquelles, tels des stigmates indélébiles, la haine de l’autre, le sadomasochisme, l’émergence d’extrémismes dans cet environnement sordide à la poisseuse densité,  sont comme les prodromes d’une autre conflagration !!! et les questionnements sur les sacrifices et les choix à faire en temps de guerre, sur la vengeance en temps de paix -le tueur à un moment placera Perg face à un cruel dilemme ! même s’ils paraissent alambiqués,  n’en sont pas moins  salutaires !

On peut être séduit par cette esthétique (annoncée dès le prologue par un tableau de Kokoschka) et accompagner Perg dans cette plongée quasi hallucinatoire – où tout sens logique dans notre perception de l’espace semble annihilé-, tout en "affirmant" (mais ce n’est qu’un point de vue) que la bande-son est surdimensionnée, que les plans prolongés sur les mutilations, les cadavres,  sont complaisants et que l’exercice, de par son artificialité même, peut pécher par ostentation

Cela étant, Hinterland vaut,  à n’en pas douter, le déplacement !

Colette Lallement-Duchoze

                01 BetaFilm- Hinterland-copyright -FreibeuterFilm- Amour-Fou

de Felix Van Groeningen et Charlotte Vandermeersch · (Italie Belgique France 2022) 

avec Luca Marinelli Alessandro Borghi, Filippo Timi, Elena Lietti, Elisabetta Mazzullo, Lupo Barbiero, Cristiano Sassella, Francesco Palombelli

Festival Cannes 2022 Prix du jury (ex aequo avec EO de Jerzy Skolimowski )

Pietro est un garçon de la ville, Bruno est le dernier enfant à vivre dans un village oublié du Val d’Aoste. Ils se lient d’amitié dans ce coin caché des Alpes qui leur tient lieu de royaume. La vie les éloigne sans pouvoir les séparer complètement. Alors que Bruno reste fidèle à sa montagne, Pietro parcourt le monde. Cette traversée leur fera connaître l’amour et la perte, leurs origines et leurs destinées, mais surtout une amitié à la vie à la mort.

Récit rétrospectif et introspectif, Les huit montagnes, est l’histoire d’une amitié née en 1984 (Bruno et Pietro sont alors des préadolescents) qui, malgré tempêtes bouleversements, ruptures -ou à cause d’eux (elles), ne peut que perdurer (on pense immanquablement aux aveux de Montaigne à propos de La Boétie « parce que c’était lui parce que c’était moi), Quête de soi à travers l’autre. Cet autre si différent (mode de vie, éducation), et qui devient l’alter ego. Deux vies qui s’entrecroisent -et la maison  commune  érigée sur une ruine, en recèle les puissants symboles-. Le format choisi 1,37 qui enserre les corps, à l’instar de ces montagnes prédatrices, les cadres dans le cadre (on croirait un tableau dira émerveillée une convive), les « trajectoires » qui éloignent ou rapprochent, tout le film semble construit comme la "maison" , une maison "mise en abyme" ,  tabernacle des pensées et souvenirs, des projets, "lignes"  de crête (Pietro refera le chemin sur les traces de… découvrant à chaque étape un lambeau de ce qui fut le père…) lignes de fuite, effets de "miroir",  narration éclatée avec force ellipses  (en harmonie avec les brisures et ruptures de rythme qui auront marqué les deux itinéraires)

Cette histoire d’amitié ( le film est l'adaptation du roman de Paolo Cognetti) se pare de la légèreté et/ou de la rudesse de l’environnement, celui des pentes alpestres de la région d’Aoste, principalement. Montagne dont la majestuosité peut être dévastatrice dans sa puissance vorace d’engloutissement (sens propre et figuré) ; montagne que sublime le chef opérateur Ruben Impens (jusqu’à l’excès, parfois…) alors que le thème musical (piano) invite le spectateur à la contemplation, et que les deux protagonistes incarnent une problématique existentielle  Tout quitter pour se (re)trouver ou s’ancrer pour se construire 

Si la première partie a le charme de la  "découverte", obéit au rythme du vivant, du devenir (Bruno et Pietro ne cessent de courir dans les pâturages, accaparent le lac pour leur baignade ensoleillée, etc…un été le père de Pietro sera le "guide" d'une randonnée à valeur épiphanique ) la deuxième souffre de quelques longueurs -ou de complaisance-, alors que dans la troisième s’opposent les forces -apparemment -antagonistes de construction et déconstruction, mais qui scellent l’indéfectibilité du lien, avant que ne se profile un déchirant épilogue !

Luca Marinelli (que nous avions vu dans Ricordi ? Martin Eden,  la grande belleza, une affaire personnelle) donne au personnage de Pietro (adulte)  la "consistance" attendue  de tout récit introspectif  grâce à son charisme,  son regard de transparence romantique et son jeu qui jamais ne force le trait,  bannissant toute effusion inutile!

Et tout en restant hors champ le fantôme du père continue(ra) à hanter les lieux (hymne à l'amitié, ode à la nature, le film  est aussi un vibrant hommage à des figures tutélaires !)

Le titre?

À l’intérieur d’un cercle se trouvent huit montagnes et huit mers, et au centre une grande montagne : l’axe du monde dans la mythologie hindoue. "Qui en a vu le plus ? Celui qui a fait le tour des huit montagnes et des huit mers ou celui qui est au centre ?" Telle est la question que pose, graphique à l’appui, Pietro de retour du Népal à son ami (« retrouvé ») Bruno ; ce dernier bien que fortement imbibé répond qu’il est « au centre »  et que forcément Pietro…Or ce même Pietro (voix off, celle qui nous aura accompagné) en vient au final - qui est aussi le terme d’un récit initiatique-  à contester ses choix !! La mythologie hindoue aura-t-elle eu raison de cette farouche  détermination à  "sortir de soi vers un ailleurs". Toujours toujours recommencer ?

Un film que je vous recommande 

Colette Lallement-Duchoze

de Hlynur Pálmason (Danemark Islande 2021) 

avec : Elliott Crosset Hove (Lucas)  Ingvar Eggert Sigurôsson (Ragnar)  Victoria Carmen Sonne

 Cannes 2022 Un certain Regard

À la fin du XIXème siècle, un jeune prêtre danois arrive en Islande avec pour mission de construire une église et photographier la population. Mais plus il s’enfonce dans le paysage impitoyable, plus il est livré aux affres de la tentation et du péché́.

Dans la lignée de Dreyer voici un film qui frappe par ses qualités plastiques et sa réflexion sur les croyances religieuses.

Mais foin de toute thaumaturgie !

Godland semble placé sous le signe de la dualité et/ou du double. A l’instar du réalisateur -mais harnaché d’un matériel lourd-- Lucas cherche à immortaliser la lumière, ses diffractions dans une nature aussi somptueuse que dangereuse, ainsi que les habitants dans des portraits au format proche de celui utilisé par Hlynur Pálmason, le 4,3 aux coins arrondis.

Aux rapports hiérarchiques entre Danois (cf scène d’ouverture, une caméra fixe, pour un face à face entre un supérieur et le disciple Lucas, dans une blancheur bleutée, où l’un dispense les ordres tout en mangeant goulûment et l’autre acquiesce, servile) font écho les rapports colons/colonisés, (langue imposée et langue maternelle, arrogance et condescendance de Lucas le Danois face aux autochtones)

Le combat entre la chair et l’esprit, la quête impossible du « pardon » (le guide local, le rustre Ragnar -double de Lucas(?), répète vers la fin du film sous forme de litanie et sur le ton de la complainte "prie pour moi", qui ai péché  …et quels péchés !!!) ; les sacrifices et meurtres comme autant de signes d’une ordalie

Mais ce film est avant tout une admirable épopée qui ne pourra qu’envoûter le spectateur tant la beauté y est sublime et magnifiée voire terrassante ! Une épopée aux allures de chemin de croix (les premières chutes de Lucas épuisé après avoir traversé une mer agitée, la Croix destinée à l’église rejoint les abysses d’une rivière, la mort du fidèle traducteur celle de chevaux, le personnage principal en butte à la fois aux éléments et aux hommes, ses affres tant physiques que spirituelles). Histoire d’une forme de "désintégration morale"  (histoire de quelqu’un qui avait des idéaux et qui est progressivement anéanti et se retrouve mis à nu »)

Et cette « aventure mystique » a pour cadre une nature que le réalisateur filme comme un personnage à part entière. Admirez la palette: bleu-marin, vert mauve des plaines,  rouge incandescent des laves, brun chaud de la terre des robes des chevaux, blanc cassé poudreux! Contemplez ces panoramiques et ces plans larges où l’homme paraît si minuscule perdu dans une immensité indomptée. Celle d’une nature que l’on ne peut apprivoiser dans sa rugosité sa minéralité et ses ciels tourmentés. Tempêtes vents pluie neige en harmonie d’ailleurs avec la tempête intérieure qui meurtrit Lucas. Alors que les meurtrissures de la chair seront filmées à différents stades de la putréfaction au fil des saisons (dans la confusion des règne animal et humain) 

"tu seras désormais un  tapis de fleurs" ( "prophétise" Ida, agenouillée éplorée, en rendant un ultime hommage)

Comme  un  devenir de l'impermanence ?

Un film à ne pas rater !!

Colette Lallement-Duchoze

Pour info

Elliott Crosset Hove  est Emil dans "winter brothers"  (Winter Brothers - Le blog de cinexpressions)

 Ingvar Eggert Sigurôsson  est Ingimundur dans "un jour si blanc"  (Un jour si blanc - Le blog de cinexpressions)