Film de Antonin Peretjatko

Avec Vimala Pons (Truquette) Vincent Macaigne Grégoire Tachnakian...

J'ai pu lire, entendre "c'est n'importe quoi filmé n'importe comment"  

Double reproche -et sur le fond et sur la forme- pour le moins injustifié !!!

Fond? Un road-movie burlesque. Truquette, la brunette, Hector l'amoureux fou (allusion à Nadja de Breton) Pator son pote (ex-assistant du médecin Placenta) Charlotte la copine et Berthier son frère, vont sillonner les routes d'une France en plein marasme économique. De Paris (le film s'ouvre sur la parade du 14 juillet version Sarkozy puis en accéléré version Hollande, alors que Truquette s'époumone à vendre à la criée "la commune", clin d'oeil à Jean Seberg?) jusqu'à la plage! Voyage "faussement" périlleux avec ses chemins de traverse et ses créatures  incongrues qui le balisent. On peut être dérangé par le loufoque, le burlesque; doit-on pour autant incriminer le réalisateur d'un tel choix? D'autant qu'avec Peretjatko, la Poésie transfigure souvent le réel en surréel...

Construction? Se méfier des apparences. Le film donne l'impression d'un millefeuille à l'instar du folioscope que feuillette Truquette quand elle s'évade vers ces paysages enneigés où Hector lui déclare son amour. Mais cette impression a été voulue par le réalisateur. Ecoutons-le " Il est vrai que l'esthétique du film ne repose pas du tout sur le raccord. Je recherche toujours une imperfection de raccord de manière à ce que le film ne soit pas trop propre. J'ai toujours peur de trop aseptiser le film" "Mon film paraît un peu foutraque comme s'il partait dans tous les sens. Pourtant il est très écrit, très préparé, il n'y a pas d'improvisation et très peu de caméra à l'épaule. Mais il donne une impression d'improvisation. C'est ce que je voulais"

"C'est la crise, partez en vacances"!

à voir ABSOLUMENT

Colette Lallement-Duchoze

Film de Paolo Sorrentino Avec Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli 

 Esquisses de commentaire

"Voyage au bout de la nuit". C'est sur une citation de Céline que s'ouvre le film . Et Sorrentino transporte son monde sur un rythme à la diable (souvent) au bout de nuits orgiaques, dans une sarabande de "grotesques" qui est aussi une danse de la mort..Nuit/Néant? Jep Gamberdella cite à plusieurs reprises Flaubert qui aurait désiré écrire un roman sur le néant...       

"Ce sont de beaux petits trains parce qu'ils ne vont nulle part".commente Jep  au sujet des soirées étourdissantes auxquelles il est convié ou qu'il organise; lui l'ex écrivain en panne de création, d'imagination d'écriture, devenu journaliste de la  jet set. Flegme? détachement? concupiscence? Non "je ne voulais pas seulement  participer aux soirées, je voulais avoir le pouvoir de les gâcher"  

 "Mélange incroyable de sublime et de bouffonnerie", ce dont rend compte la musique à la fois religieuse et profane, à l'image de Rome, Janus des temps modernes! Voici un cardinal qui imperturbable récite ses recettes de cuisine avec une gestuelle qui rappelle celle des prêches; voici la sainte centenaire (gros plan   sur son visage strié de rides profondes et sa bouche édentée) elle couche à même le sol, ou gravit péniblement, à genoux, les marches de l'Assomption! Voici une éditrice naine à cheveux bleus; sa devise? "boire une soupe  et baiser". Voici des corps saturés de graisses et de maquillages qui rappellent l'univers de Fellini. Voici un  chirurgien esthétique "ami de ses patients"qui pour 700 euros (ou plus "s’ils ne sont pas sages") injecte du  Botox. Mais il y a la "grande belleza" ces ensembles architecturaux, ces statues; ces palais "sublimes" de paix et de silence; on ne peut y accéder qu'animé par la grâce -celle qu'offre un guide boiteux porteur des clefs vigilantes.... Le cinéaste joue ainsi sur les différences de rythme : endiablé ou allegro sostenuto, à coups de travellings rapides ou de caméra qui virevolte ou au contraire adagio et andante -quand la caméra s'insinue dans les pensées- fantasmes ou rêves d'innocence- de Jep  

Mon film est totalement débiteur du grand cinéma italien(propos de Sorrentino) Le spectateur aura deviné  les références explicites ou non : Fellini (Huit et demi, Roma (ici Fanny Ardant renvoie à Anna Magnani) la Dolce Vita) mais aussi Ettore Scola (la terrasse) Ferreri. Mais pour certains , le film de Sorrentino est tellement saturé de références qu'il en devient indigeste; que "le pauvre Fellini a dû se retourner 100 fois dans sa tombe"; Sorrentino serait "certes un faiseur de luxe mais reste un faiseur"....

La fin de la récré a sonné: la performeuse, la jeune "artiste" aux bidons de Ripolin, l'actrice guindée et tous les personnages se sont évanouis dans le néant de la nuit; les sarcasmes se sont tus. Mais le Colisée rutile encore de ses feux de lumière! Une girafe s'est égarée dans une ruine où reposent des flamants roses. ô mirage des sens! ô magie du cinéma! 

Colette Lallement-Duchoze

Film japonais de Kiyoshi Kurosawa. Avec Kyoko Koizumi, Hazuki Jimura, Yu Aoi

Film en deux volets Shokuzai (pénitence) a été diffusé au Japon en une série de cinq épisodes.

La première partie du diptyque "Celles qui voulaient se souvenir" est elle-même composée d'un prologue et de deux chapitres.

Le prologue assez long mériterait un commentaire particulier. Arrivée de la petite Emili à l'école -filmée de dos comme isolée dans le cadre. Extérieur: plan large, Emili et 4 autres fillettes jouent dans la cour; un prétendu chauffagiste réclame de l'aide et "choisit" Emili; les gamines sont filmées de face, elles voient l'homme -dont le spectateur ne peut voir que la masse énorme de son dos...Mais suite au trauma -mort de leur camarade -elles ne se rappelleront plus le visage de l'assassin...Asako, la mère de la victime, excédée par la lenteur de l'enquête et le mutisme des 4 fillettes profère ces propos comminatoires "je ne vous pardonnerai jamais. Trouvez-le ou donnez-moi une compensation. Sinon vous n'échapperez pas à la pénitence". Un prologue comme lieu et lien nodal, un prologue comme substrat organique et psychique d'une menace diffuse; un prologue qui d'un point de vue purement narratif et/formel distille peur et inquiétude.

Celles-ci taraudent Sae et Maki 15 ans après les faits. Et dans les deux chapitres (consacrés successivement à l'une et à l'autre car chaque destin est autonome ne serait-ce que par la nature des conséquences du trauma, de la relation au "meurtre" à la mort, et à la promesse faite à Asako) le spectateur sera sensible à l'art de géométriser l'espace (Sae dans l'appartement conjugal; Maki dans sa salle de cours ou au bord de la piscine), aux jeux de lumière, à la force symbolique de certains gros plans même si quelques-uns sont un peu appuyés (vol de corbeaux oiseaux de mauvais augure; sang qui suinte le long de la cuisse de Sae; passage du blanc au noir dans l'accoutrement de Sae/poupée), à la théâtralisation de certaines scènes/séquences, à la bande-son. Tout cela au service d'une sorte de "radiographie" sans complaisance des troubles (avec des effets spéculaires : Sae traumatisée au point de refuser la sexualité poursuivie par un jeune homme fétichiste voleur de poupée...)

Maudit destin! destins maudits!

Suite le 5 juin pour le second volet du diptyque!

Colette Lallement-Duchoze

Film de Margarethe Von Trotta; avec Barbara Sukowa (Hannah) , Axel Milberg  (Heinrich), Janet McTeer (Mary), Julia Jentsch (Lotte), Ulrich Klaus ...

Comment filmer une pensée qui se pense? une pensée dans sa gestation, dans son expression, dans sa mise en situation? C'est Barbara Sukowa qui, dans le nouveau film de Margarethe Von Trotta, va donner corps aux concepts philosophiques élaborés par Hannah Arendt. Comment? Par ses déplacements dans l'espace (appartement, amphithéâtre...), par ses pauses (filmée tel un gisant sur un canapé, clope et cendrier à portée de main), par ses sourires et regards ironiques, par un visage en méditation (quelques gros plans), par son énergie à taper sur le clavier de sa machine à écrire (bruit souvent amplifié) et dans un environnement où s'amoncellent les dossiers (un entassement qui métaphorise l'ampleur de la tâche). Filmer la "controverse" semble plus aisé: la réalisatrice oppose des personnages (assis autour d'une table, debout en promenade, etc.) qui expriment des arguments contradictoires. Encore que!! On est loin ici des joutes oratoires (même si de leur propre aveu Kurt et Hannah sont coutumiers du fait quand cette dernière se rend en Israël); la plupart des adversaires/détracteurs" sacrifient au conformisme ambiant, alors que Hannah Arendt s'interroge sur "les mécanismes profonds du mal"! Et que lui reproche-t-on? De ne pas voir en Eichmann (elle a couvert le procès en Israël pour "The New Yorker") un "monstre" (entendons l'exceptionnelle et spectaculaire incarnation du Mal) mais un "être normal" (comme vous et moi) , un "lâche dépourvu de pensée" ; en outre, on lui fait grief de faire de  certains Judenrats (conseils juifs) les complices de la déportation...

Mais le film de Margarethe Von Trotta -un séduisant portrait de femme dans les années 1961/63-  n'est-il pas aussi (et surtout) un plaidoyer en faveur de l'exigence de la pensée, de la "rigueur intellectuelle"? Celles qu'une philosophe juive allemande a incarnées; cette jeune femme formée par Martin Heidegger (là il faut reconnaître que les flash back sur la relation amant/maîtresse, maître/étudiante frisent un peu le ridicule) aura toujours, fût-elle ostracisée par les siens, privilégié la raison à l'émotion !

Deux phares dans la nuit; un véhicule (un car) approche et pile net. Un homme (silhouetté) descend; il traverse la chaussée et chemine lentement, seul, appuyé sur sa canne; puis il se fait "kidnapper" par deux (trois?) hommes -une fourgonnette est arrivée en sens inverse. Ecran noir! Rétrospectivement, ne peut-on lire cette scène inaugurale comme séquence oraculaire?

Colette Lallement-Duchoze

De Dustin Hoffman.

Avec : Maggie Smith (Jean Horton), Tom Courtenay (Reginald Paget), Billy Connolly (Wilfred Bond), Pauline Collins (Cissy Robson), Michael Gambon (Cedric Livingston). Scénario : Ronald Harwood, d’après sa pièce éponyme

 Vous n'êtes ni anglophile ni septuagénaire (voire octogénaire) ni mélomane? Qu'importe !

 Vous allez pénétrer dans "Beecham House" (du nom du chef d’orchestre britannique Thomas Beecham) –somptueuse demeure où "vivent" des artistes retraités (musiciens et chanteurs d'opéra), vous allez entendre les murs vibrer des répétitions de Rigoletto ou de la Traviata, l'immense parc (filmé de façon très conventionnelle) résonner des secrets sur le temps passé, les salons de thé caqueter de railleries et d'anecdotes. Car ces "vieux" (voir le plan d'ouverture qui s'attarde sur le visage, le cou et les mains de la pianiste) sont encore bien "gaillards" malgré d'évidents problèmes de santé (maladie d'Alzheimer, prostate, séquelles d'AVC); la directrice dans son discours inaugural lors du gala le clamera haut et fort "leur amour de la vie nous donne foi en l'avenir"

 Un film au rythme soutenu -peu de temps mort-, à la nostalgie salvatrice -Jean dans sa chambre écoute sur un 33 tours Decca des airs de Verdi; dans le générique de fin on peut voir en médaillon la photo et le titre de tous ces pensionnaires quand ils étaient en activité

 Un film où Dustin Hoffman, 75 ans, en empathie avec ses personnages conjugue avec humour et tendresse, son amour de l'art -celui de la musique mais aussi du cinéma - et son amour de la vie -à travers l'histoire de ce couple désuni qui renaît 40 ans après des "infidélités" réelles ou supposées. Et voici le quatuor interprétant (dans un contexte qui fleure la mort) le fameux air "Bella figlia dell’amore" de Rigoletto!

Bien sûr on aura reconnu la voix de Pavarotti dans la scène finale. Mais on était déjà hors champ!

Colette Lallement-Duchoze