De Jeremiah Zagar (USA)

avec Paul Castillo (Paps) Sheila Vand (Ma) Evan  Rosado (Jonah) Isaiah Kristian (Manny) Josiah Gabriel (Joel)  

Prix Fondation Louis Roederer de la Révélation (festival Deauville 2018)

Jonah est le plus jeune d’une fratrie de trois jeunes garçons impétueux et épris de liberté. De milieu modeste, ils vivent à l’écart de la ville avec leurs parents qui s'aiment d’un amour passionnel, violent et imprévisible. Souvent livrés à eux-mêmes, les deux frères de Jonah grandissent en reproduisant le comportement de leur père alors que Jonah se découvre progressivement une identité différente…

Nous sommes trois, nous sommes frères, nous sommes des rois. Manny Joel et Jonah partagent-ils les mêmes rêves les mêmes attentes ? C’est ce que croyait Jonah ce petit être aux yeux bleu profond au sourire d’ange...mutin...dont nous entendons la voix off et dont nous suivrons le cheminement entre réalité fantasme et rêve (ce qu'il écrit et dessine avec ses crayons Crayola, dans son cahier caché sous le matelas) jusqu’à cette prise de conscience où sa vie basculera de l’autre côté, celui où l’on a  quitté définitivement l’enfance.

Car le film -adapté d’ailleurs d’un roman auto biographique de Justin Torres- et qui est vu à hauteur de et par le regard d’un enfant, est  un récit d’apprentissage dont l'originalité vient essentiellement de la forme, de la mise en scène, du montage . Filmé caméra à l'épaule, en 16mm, "We the Animals"  mêle chronique familiale (enfants souvent livrés à eux-mêmes compte tenu de l’impéritie ou de l’immaturité de leurs parents) et animation (ce qui est consigné  prend vie et envahit l’écran), réel et rêve, onirisme et poésie, peurs et fantasmes (l’imaginaire peut transformer une expérience ordinaire en aventure fabuleuse ou l’inverse ; le désir d’abord suggéré se concrétisera ...dans un baiser ...par exemple)

Les trois frères sont d’abord filmés dans cette intimité tiède  typique de l’enfance (vus de dos,  alignés sur leurs matelas, courant dans la forêt, allongés sur le tapis du salon, chapardant dans une supérette) et pourtant on devine une "faille" entre les deux plus âgés et le narrateur. Jonah est plus sensible à l'auto-destruction de ses parents; il est lui-même victime de railleries ou intimidations;  mais à partir de l'instant où il découvre "l'assaut de la chair"...et du même coup son identité sexuelle, la marche fraternelle du trio et son tempo intime se délitent !

C’est bien l’imaginé, redouté ou ardemment souhaité, qui sert de contre-point au réel. Mais c’est bien le réel (et la découverte des cahiers jusque-là tenus au secret, leur émiettement en morceaux signent une brisure) qui préside à l’ultime sursaut aux allures d’assaut (ce qu’exprime la chanson dans le générique de fin)

A ne pas manquer! 

Colette Lallement-Duchoze  

de Ognjen Blavonic (Serbie) 

avec Leon Lucev, Pavle Cemerikic, Tamara Krcunovic

Présenté au festival de Cannes (Quinzaine des Réalisateurs) 

1999, alors que la Serbie est bombardée par l’OTAN, Vlada travaille comme chauffeur de poids lourds. Dans son camion, il transporte un mystérieux chargement du Kosovo jusqu’à Belgrade et traverse un territoire marqué par la guerre. Lorsque sa tâche sera terminée, il devra rentrer chez lui et vivre avec les conséquences de ses actes.

Le film frappe par son minimalisme, ses non-dits, ses ellipses et Vlada (interprété par l’excellent Leon Lucev vu récemment dans the miner) est peu loquace voire mutique (même les deux conversations au téléphone avec sa femme se réduisent à un essentiel bien laconique). Pour éviter monotonie et répétitivité (nous suivons le chauffeur qui le mène du Kosovo à Belgrade pendant une journée) le cinéaste va multiplier les angles de vue (Vlada est vu de profil de dos de trois quarts et parfois à l’habitacle du chauffeur se substituent un "paysage" marqué par la guerre -elle aussi plus suggérée qu’illustrée- ou la route vue à travers le rétroviseur ou encore des mini-scènes prises sur le vif lors des rares pauses plus ou moins tolérées par les donneurs d’ordre (mariage, prostituée quittant un poste militaire et fredonnant une chanson bien nostalgique, gamins qui maraudent)

Métaphorique, le titre rend compte des choix du réalisateur et propose une lecture plurielle au spectateur -lequel ne pourra réagir de la même façon s’il a connu ou non  la douloureuse guerre du Kosovo, s’il est Serbe ou non, s’il a suivi les épisodes via des médias... très manichéens, etc.)

Teret : la charge, le chargement ou encore le fardeau . C’est bien sûr la cargaison que transporte Vlada dans son camion cadenassé verrouillé (comme pourrait l’être une mémoire collective que le réalisateur tente de réveiller ou du moins d’alerter). Son contenu ? Nous le devinons (bruits insolites de cliquetis, réponse évasive à la question formulée par le jeune auto-stoppeur rockeur, bénédiction accordée lors d’un contrôle (rappelons que Vlada a été embauché par l’armée pour le transport) avant que tard dans la soirée des grues treuils et engins enfouissent le "contenu" -vision biaisée à travers des vitres- et qu’au matin Vlada soit pris de nausées…

Cette charge c’est  aussi le fardeau qui habite l’individu à travers le personnage de Vlada, celui d’une mémoire individuelle qui se décline avec une mémoire collective. Car le trajet dans l’espace (souvent brumeux...) est aussi un trajet dans le temps. Le passé -dont le briquet légué par le père était l’effigie; ce que rappelle Vlada à son fils Yvan, - seul moment où il est prolixe d’ailleurs- , tant il admire le courage héroïque de son père et de son oncle pendant la Seconde guerre mondiale luttant contre les nazis.  Le présent celui du film 1999 cette guerre que Vlada compare à des "jeux vidéos"….de ce pays que veut quitter le jeune auto stoppeur pour aller en Allemagne. Ce présent plus proche encore (2018) celui de l’oubli que Ognjen Glavonic tente de convertir en "mémoire" en exhumant un passé relativement proche...

L’itinéraire initialement imposé sera dévié (destruction de certains axes) tout comme l’histoire vécue (sinon racontée) peut emprunter des chemins de traverse !!! le huis clos du camion s’est métamorphosé, et la béance laissée par le Vide n’en sera pas pour autant "purifiée" (Vlada est obligé de "laver" le camion avant de s’en retourner de Belgrade au Kosovo le soir même….pour un nouveau convoyage de….le dernier affirme-t-il à sa femme...)

Un récit allusif qui, sollicitant constamment le spectateur, en fait un "acteur" à part entière

Un film que je vous recommande vivement !!!

Colette Lallement-Duchoze

sur l'intervention de l'Otan en 1999 lire -entre autres-  l'article 

https://www.monde-diplomatique.fr/2000/03/HALIMI/2172

De Çağla Zencirci, Guillaume Giovanetti Turquie 

Avec Damla Sönmez, Emin Gürsoy, Erkan Kolçak Köstendil

Sibel, 25 ans, vit avec son père et sa sœur dans un village isolé des montagnes de la mer noire en Turquie. Sibel est muette mais communique grâce à la langue sifflée ancestrale de la région. Rejetée par les autres habitants, elle traque sans relâche un loup qui rôderait dans la forêt voisine, objet de fantasmes et de craintes des femmes du village. C’est là que sa route croise un fugitif. Blessé, menaçant et vulnérable, il pose, pour la première fois, un regard neuf sur elle.

Des visages scannés aux rayons x alors qu’ils sifflent c’est le premier plan du film. Puis un énorme plan sur les yeux vert profond du personnage éponyme ; le plan s’élargit….voici la jeune fille, fusil en bandoulière, à l’affût de.... Que traque-t-elle ? Le fameux loup censé rôder dans la forêt dont elle connaît le moindre recoin.

Le tuer, arborer sa proie en trophée, ce serait à coup sûr intégrer la communauté de femmes dont elle est exclue à cause de son handicap : elle est muette. Mais elle pratique la langue des oiseaux, cette langue sifflée où chaque note correspond à une syllabe de la langue turque.

Ainsi dès les premiers plans le spectateur devine que le film sera au carrefour du documentaire et du conte (la suite prouvera qu’il s’agit plutôt d’une fable politique)

Sibel, à la différence de sa sœur Fatma circule en toute liberté de la maison familiale (où elle accomplit toutes les tâches domestiques) à la forêt (où elle chasse le loup), de la maison de la « folle » Narin qui habitée par une foi inébranlée attend l’être aimé Fuat, aux champs de thé où, sans foulard, elle pratique la cueillette 

Sibel est de tous les plans : confondue avec et dans l’épaisseur de la forêt dont elle est l’épousée, émergeant d’une fosse où elle a étalé des viscères comme appât, docilement assise à table auprès de son père (qui la chérit), coupant du bois pour Narin. La rencontre avec un fugitif qu’elle héberge dans sa cabane et soigne (mélange de salive et de plantes) sera vécue comme une épiphanie.

Et le Rocher de la Mariée jusque-là bastion inexpugnable de tous les mythes  risque de s’ébranler.....

Réaliste et empreint de grâce, Sibel est un film sur une émancipation, sur l’effritement progressif de toute croyance en la tradition

Un film que je vous recommande vivement

Colette Lallement-Duchoze

de Natalya Merkulova, Aleksey Chupov (Russie)

Avec Evgeniy Tsyganov, Natalya Kudryashova, Yuriy Kuznetsov

Prix d'interprétation féminine, 75ème Mostra de Venise

Prix du meilleur film, du meilleur acteur et de la meilleure actrice  au festival du cinéma russe d'Honfleur (novembre 2018)

Présenté en compétition au festival A L'Est de Rouen

Dans la Taïga sibérienne, Egor garde forestier est un bon père de famille et un bon mari respecté par ses concitoyens. Lui et sa femme Natalia attendent un deuxième enfant. Mais un jour il découvre qu’il est atteint d’un cancer incurable et qu’il ne lui reste plus que deux mois à vivre. Sans espoir de rémission, Egor va tenter de tromper la mort

Des images à la beauté plastique sidérante -qu’il s’agisse des éléments naturels (eau forêt) ou des intérieurs,  une maîtrise de l’espace et du cadre ; un jeu d’alternance entre plans larges embrassant les extérieurs et plans serrés sur des visages, ou des groupes humains, des plans-séquences dilatés, des dialogues au compte-gouttes, oui, les réalisateurs imposent une écriture belle dans son exigence et sa plasticité. Et un sens du rythme qui scande leur dramaturgie.

Au début, une succession de « tableaux » permet au spectateur de « sympathiser » avec le personnage principal ; le voici en garde-forestier qui traque les braconniers (la scène inaugurale oppose la beauté du paysage et la cupidité des hommes) ; le voici dans l'intimité de sa famille,  père, époux aimant. Le film bascule quand Egor (se sachant condamné) décide de changer d’identité. S’inspirant d’une légende sibérienne où le héros était parvenu à tromper la mort en changeant de sexe, il se travestit en femme. Désormais seul, rejeté par tous les siens, il trouve refuge dans la Nature ; mère nourricière, elle accueille ce corps tremblant de fatigue…elle devient un personnage à part entière

La colère vindicative des habitants du village -pour le moins homophobes-, leurs propos comminatoires se concrétisent dans des scènes de passage à tabac : à chaque fois Egor est seul contre tous  ; être fragile et mutique, tabassé (jusqu’à être sodomisé) il n’est plus qu’une tache rouge (rouge de la robe et du sang) gisant sur l’humus ou les graviers.

La séquence de la toilette à l’intérieur de la cabane frappe par son traitement qui lui donne une dimension quasi religieuse et mythique -car elle ressemble à une toilette mortuaire.  Chaque geste de Natalia est décomposé, la caresse sur la peau qu’elle savonne, rince est aussi celle de la caméra qui affleure avec délicatesse le corps blessé ; avant que le couple ne s’allonge sur ce lit de fortune. La seule musique est celle du silence complice

La réalisatrice présente lors de la projection dit s’être inspirée d’une légende, qu’elle a entendue en Sibérie.  Et de fait son film mêle avec habileté, réalisme (parfois cru) et conte ; alors qu’importe la "suite" ...la  fin du film reste "ouverte" à toutes les interprétations...

Un film qui tout en s’interrogeant sur la Mort, dénonce l’homophobie, le rejet de l’autre -quand il ne répond pas aux normes imposées par une société conservatrice et patriarcale

A ne pas rater lors de sa sortie en salle

Colette Lallement-Duchoze

de Laura Mora (Colombie) 2017

avec Juan Pablo Trujillo, Natasha Jaramillo, Giovanny Rodríguez

Présenté au festival A L'Est (section A L'Est dans le monde) 

Paula était présente lors de l’assassinat de son père, professeur à l’université de Medellín. Alors que l’enquête officielle est déjà classée, elle fait la connaissance de l’assassin, Jesús. La relation qui se noue entre eux, malgré le désir de vengeance de Paula, va ébranler les certitudes de cette dernière.

Inspiré par une tragédie qu'a vécue  la réalisatrice.

Le film est dédié au père de la réalisatrice ; c’est d’ailleurs son assassinat qui lui sert de support  

 Soif de vengeance ? Questionnement sur le rôle de la justice ? Justice de droit et justice immanente ? Interrogation sur le difficile passage à l’acte ? Regard clinique sur la violence en Colombie, à Medellin en particulier ? Universalité d’un comportement malgré un ancrage bien particulier ? C’est tout cela à la fois qu'illustre  ce long métrage -le deuxième - de Laura Mora (née en 1981)

Dans un premier temps nous voyons la jeune fille Lita, enjouée, évoluer dans son environnement . Le film bascule après l'assassinat de son père (dont elle est témoin). D'abord tapie dans la douleur, elle décide de "prendre les choses en main" quand l'enquêteur a classé l'affaire (les cas de tueries urbaines sont si nombreux et nous manquons d'indices!!) Après avoir reconnu l'assassin , elle n'a de cesse de le traquer et de l'abattre; elle se lie d'amitié avec lui...s'invente une autre identité elle sera Paula . Dès lors nous allons les suivre dans les rues de Medellin grouillantes de monde et de pétarades, dans les intérieurs de bidonvilles assez glauques, dans les boîtes de nuit, dans l'appartement de la mère; loin de son milieu bourgeois et loin des remontrances de son frère, Paula nous entraîne dans un univers qui peut nous sembler interlope et cruel  mais qui est le quotidien de milliers de personnes et où les sicaires (dont Jesus) ne sont pas forcément habités par le Mal absolu

Caméra à l’épaule Laura Mora filme avec une forme de frénésie -qui rappelle celle des milieux explorés; elle fait aussi alterner séquences au rythme échevelé et ambiances plus lisses (avec d'ailleurs des effets faciles sur les cheveux lors d'une baignade par exemple);  ambiance onirique parfois (sur la piste de danse le couple est brusquement seul et comme auréolé...c'est que "les amoureux sont seuls au monde"; instant fugace car l'ambiance presque toxique reprend le dessus)

Le film obéit à un schéma circulaire: la fin nous ramène au point de départ  (Lita marche avec difficulté jusqu'au promontoire -mirador- et contemple à ses pieds la vaste ville) ainsi  la reprise de la même séquence laisse supposer que  nous avons assisté à un long flash back

Un film qui, certes, ne peut laisser indifférent (ne serait-ce que par le parti pris de réalisme) mais qui peine à entraîner l'adhésion ! 

Colette Lallement-Duchoze