Un film de Bertrand Tavernier; avec Thierry Lhermitte, Raphaël Personnaz, Niels Arestrup, Bruno Raffaelli, Anaïs Demoustier Julie Gayet

D'après le premier tome de la bande dessinée de Abel Lanzac et Christophe Blain  "quai d'Orsay" (Dargaud)

Après avoir vu le film de Tavernier, j'ai voulu acheter la BD dont il est l'adaptation;

je "sentais intuitivement" qu'elle me séduirait plus  ....Et de fait!

Si le cinéaste est fidèle à "l'esprit" des "chroniques diplomatiques" (un monde de farce et chausse- trapes; une interrogation sur la force persuasive du langage, entre autres), s'il respecte scrupuleusement (et ce fut un travail de réécriture à 6 mains: les 2 auteurs de la BD + Tavernier) le découpage en chapitres (annoncé à chaque fois par une pensée d'Héraclite), s'il transpose les dialogues (les paroles de chacun des protagonistes -ministre, chef de cabinet, conseillers et secrétaires- telles qu'on les lit dans les phylactères), si des détails (le stabilo entre autres) sont restitués avec minutie; il faut se rendre à l'évidence: certains graphiques propres à la BD ne peuvent pas toujours fonctionner à l'écran :ainsi le gemmick des papiers qui s'envolent à chaque passage du ministre – une vraie tornade-; trop répété il perd en efficacité et se vide de son contenu comique. En outre, les transformations du physique (dos qui s'élargit jusqu'à envahir l'espace d'une vignette, visage et mains qui se démultiplient par exemple) les changements de couleurs, les oppositions masse compacte et dessins ou contours épurés, les onomatopées, -avec leurs polices et leurs tailles qui s'enflent progressivement - inscrites dans des éclairs ou des nuages ou des stries, perdent leur pouvoir suggestif que ne sauraient compenser dans leur transposition,  les effets sonores, le recours au split-screen, les changements de cadre ou de point de vue

Thierry Lhermitte a beau être pétulant il est étonnamment loin  du personnage de la bande dessinée (une caricature de Dominique de Villepin en géant volcanique qui veut en imposer à l'univers, en Hercule naïvement (?) persuadé qu'Héraclite est la solution à tous les problèmes, même celui de l'anchois). En revanche j'ai apprécié l'interprétation de Niels Arestup: habitué à des rôles qui l'invitent à extérioriser les sentiments, il a trouvé ici (en Claude Maupas chef de cabinet) un phrasé une retenue une certaine pudeur qui contrastent -c'est délibéré- avec la force explosive du ministre. L'ensemble du casting révèle d'ailleurs  des choix judicieux (Bruno Raffaelli en Stéphane Cahut, Thierry Frémont en Guillaume Van Effentem, Anaïs Demoustier en Marina...et même Jane Birkin en Molly Hutchinson..)

Le principe "légitimité -ta ca ta ca tac, unité-ta ca ta ca tac,efficacité-tchac tchac tchac"que martèle le ministre Alexandre Taillard de Worms et qui sera la clef de voûte de son fameux discours à l'ONU, ne peut-il pas nous servir de critère pour apprécier le film? 

à défaut méditons avec Alexandre ces pensées d'Héraclite"le combat est le père de toutes choses"(fragment n°129 ) "fatigue, c'est: peiner aux mêmes tâches et par elles commencer" (fragment n°93) "si toutes les choses devenaient fumées, les narines les connaîtraient" (fragment n°78) "l'homme stupide, devant tout discours, demeure frappé d'effroi"(fragment n°173)

Colette Lallement-Duchoze

De Clio Barnard

Avec Conner Chapman (Arbor) Shaun Tomas (Swifty) Sean Gilder (Kitten) 

Film présenté à Cannes 2013 (Quinzaine des réalisateurs)

Caméra à l'épaule, Clio Barnard nous immerge dans le quotidien de deux ados aussi dissemblables -par leur morphologie et leurs ambitions- que complémentaires. A la "faveur " d'un renvoi de l'école, ils vont s'adonner (à cheval) à des activités illégales sous la férule du "géant égoïste" Kitten: la récupération ou le vol d'objets métalliques usagés. Swifty amoureux des chevaux (et à un moment un gros plan fait fusionner son visage avec la tête de l'équidé) participera à des courses "illégales" (elles aussi). Tout cela sur fond de crise, de chômage, de distorsion dans les rapports familiaux,  d'irresponsabilité des adultes (certains sont violents et/ou rapaces) dans la zone "industrielle" de  Bradford. Un film tendre et violent, qui jamais ne verse  dans le misérabilisme..

Un "film social britannique"? Et l'on pense tout naturellement à Ken Loach Mike Leigh (les pionniers incontestés) Certes. Mais...Dans ce premier long métrage Clio Barnard non seulement fait coexister réalisme, fantastique et onirisme, mais elle parvient au final à ouvrir sa narration à tous les possibles... Les plans récurrents sur la centrale électrique abandonnée et les lignes à haute tension qui émergent du brouillard comme des fantômes scandent la narration et servent de contrepoint à cet autre plan récurernt : la ligne d'horizon où se profile la procession immobile de chevaux (rêve et réalité). Le gros plan sur les mains qui se nouent se serrent (scène inaugurale) dit le réconfort qu'apporte Swifty à son pote Arbor; en écho à la fin le jeune Arbor toujours en proie à ses crises recherche une main salvatrice et en surimpression au visage de Swifty qui se dissout, celui du frère junkie! Voici un gros plan sur la mère et l'enfant; d'abord une sorte de Piéta inversée -Arbor console sa mère désemparée car elle est dépassée par les événements-; à la fin après la tragédie, l'étreinte consolatrice de la mère aimante aura valeur de "rédemption": (re) naissance d'Arbor

."Si vous vous ouvrez à l’amour, vous vous ouvrez aussi à la souffrance" affirmait la réalisatrice....

Colette Lallement-Duchoze

Film japonais de Hirokazu Koreda

Avec Masaharu Fukuyama, Machiko Ono, Lily Franky, Yoko Maki

Prix du jury à Cannes 2013

"Ryoata, un architecte obsédé par la réussite professionnelle, forme avec sa jeune épouse et leur fils de 6 ans une famille idéale. Tous ses repères volent en éclats quand la maternité de l'hôpital où est né leur enfant leur apprend que deux nourrissons ont été échangés à la naissance : le garçon qu’il a élevé n’est pas le sien et leur fils biologique a grandi dans un milieu plus modeste… "

Quelques bons moments dus en particulier au petit acteur qui interprète Keita, l'un des enfants

Mais le film est long et pétri de bons sentiments

L'opposition du cadre arrogant (mais avec un passé douloureux quand même !) au quasi-raté sympathique en diable est cousue de fil blanc.

Sans compter la fin que je ne raconterai pas !

Bref, on s'ennuie.

Isabelle Lepicard

J'ai vu le film hier soir (24/01/14) puisqu'il passe à l'Ariel ce week end (beaucoup de monde car dernière programmation sur Rouen).

Je te trouve un peu sévère, pour ma part j'ai trouvé que la problématique du rapport parents enfants (autant que père fils) est traitée avec beaucoup de subtilité et je me suis laissée prendre.

Le rythme sert le propos: le temps est un acteur majeur dans cette histoire.

Je t'accorde quand même que les personnalités des pères sont un peu caricaturales et qu'il est dommage que le père qui a "réussi" soit le seul à évoluer (ce qui bien sûr le rend le plus intéressant) comme si les autres avaient tout compris!

Jacqueline  

Documentaire de Kaveh Bahktiari

Musique: variations de Luc Rambo

Présenté à Cannes (Un certain regard) soutenu par 9 associations, ce film a obtenu plusieurs prix (à Namur, Montréal et Leipzig) 

À l'heure où à l'échelle européenne l'on verse des larmes de crocodile sur les malheureux migrants que la mer ou la terre a ensevelis, à l'heure où l'on est fier d'afficher des quotas de retour aux frontières, à l'heure surtout où l'autre -précisément à cause de cette altérité- sert de bouc-émissaire à toutes les turpitudes (idéologiques) et à toutes les dérives du comportement, voici un film documentaire salutaire! Non parce qu'il s'interroge sur les causes politiques ou économiques de la migration clandestine, mais parce qu'il donne à voir, palper même (la caméra dans l'espace étouffant de l'appartement filme au plus près) une situation humaine très violente dans sa quotidienneté (même si quelquefois on rit de bon cœur ou que le réalisateur dédramatise une situation: le recours à des lentilles pour faire coïncider la couleur des yeux avec celle du faux passeport par exemple!)

  Le réalisateur   Iranien d'origine, immigré en Suisse, est en outre le cousin d'un des protagonistes (c'est à lui qu'il dédie L'Escale): ce statut de filmeur/complice/parent permet au spectateur de se sentir lui aussi au cœur de la clandestinité (et non pas de rester extérieur... comme c'est souvent le cas dans des docus/fictions); nous sympathisons avec "Bruce Lee" ex prof de sport, avec cet ado révolté, avec ces deux cuisiniers ventrus, avec Moshen le cousin à la lèvre suturée, avec Ahmid dont l'ultime recours est la grève de la faim!. Film clandestin (le cousin a servi de "passeur" au cinéaste qui partagera et filmera leur quotidien) sur la clandestinité!

Film qui fait alterner les scènes d'intérieur (promiscuité dans l'appartement d'Amir où se sont retrouvés quelques Iraniens en "escale" à Athènes dans l'attente de passeports pour un ailleurs) et scènes d'extérieur: la déambulation dans les rues entravée par la peur permanente des contrôles (surtout ne jamais courir...), la pause en bord de mer.. moins anxiogène ....où les corps filmés de dos sont comme silhouettés dans la pénombre entre terre mer et ciel, loin des "barrières" qu'escaladent certains, parfois avec succès...

 Voici un gros plan sur un rideau épais  à l'intérieur de l'appartement d'Amir (ce plan ouvre et clôt le film); une lumière le lacère en sa moitié; oblitérer l'ouverture -vers l'extérieur, vers le regard d'autrui-  dit la volonté de se rendre "invisibles", car être clandestin n'est-ce pas précisément être "hors du champ social"?Voici une scène en extérieur : migrants et famille grecque, un enfant comme objet de "culte" on lui sourit on le caresse; cette scène  comme illustration de "non-dits" à la fois sur un passé (famille en Iran?) et sur le futur proche (après l'escale la joie d'être père un jour?). Voici une scène de nuit non loin de l'embarcadère: une foule en masse compacte sur laquelle la caméra à distance va zoomer; escalades (réussies ou avortées) de la grille puis des fils barbelés; cette scène comme métonymie du sort de tous les migrants clandestins?  

Ce film prouve que Kaveh Bahktiari a bien bien assimilé la leçon de son maître Abbas Kiarostami "dans chaque film, il y a une pierre précieuse qu'il te faut trouver" Et si la pierre précieuse sortie de son écrin/écran continuait à rutiler et chanter en nous au son des variations de Luc Rambo!! 

Colette Lallement-Duchoze

Film sino-japonais de Jia Zhangke

Avec Wu Jiang, Wang Baoqiang, et Zhao Tao (l'épouse du réalisateur) Chef oprateur Liu Likwai

Prix du scénario au festival de Cannes 2013

Inspirée de faits divers (sur lesquels Jia Zhangke a d'ailleurs enquêté), cette chronique de la barbarie, découpée en 4 fragments (4 personnages 4 histoires individuelles de révolte dans 4 régions de la Chine) nous entraîne au cœur d'un immense pays gangrené par la corruption et la violence, un pays où les rapports humains à l'ère de l'ultra libéralisme naissant et sévissant, sont réduits à des affrontements permanents....Ce dont rendent compte, entre autres, la scène où le client d'un sauna frappe à coup de liasses de yuans  et d'éructations ignobles, la réceptionniste qui résistait à ses avances (épisode 3), celle où Dahai, mineur, est "acculé" à tuer les corrompus -ses discours accusateurs restant jusque-là lettre morte- ( épisode 1)

Les quatre personnages sont de simples individus (travailleurs à la mine, à l'usine, réceptionniste) mais un jour ils "déraillent" de leur trajectoire et le cinéaste va montrer comment en une fraction de seconde on peut basculer vers le meurtre...ou se suicider! À chaque fois une prise de conscience suite à une injustice, un accident, ou une insoutenable solitude.

Certes les 4 histoires sont ancrées géographiquement dans la Chine moderne (province houillère du nord/ mégalopole de Changqing au sud-est / Hubei centre-est / Dongguan sud); mais la révolte de l'individu face à un avenir englué dans les marasmes de l'ultra libéralisme ne concerne-t-elle pas tous les pays occidentaux? Dès lors nous ne sommes plus seulement "spectateurs" ....Et quel sens donner à la statue "triomphante" de Mao que l'on aperçoit presque furtivement à un moment?

La force époustouflante du rythme, la maîtrise de tous les plans et des cadrages (pour évoquer un personnage dans une situation donnée ou pour restituer la diversité des paysages et des lieux citadins), le questionnement (implicite ou explicite) sur la notion de "péché", font de "a touch of sin" un film à ne pas manquer (même et surtout si on sort de la séance un peu KO)

Colette Lallement-Duchoze