de Lillah Halla (Brésil 2023)

avec Ayomi Domenica, Loro Bardot, Grace Passô

Présenté à Cannes 2023 Semaine de la Critique  Prix Fipresci 2023 - Section parallèles

Festival Biarritz Amérique latine Abrazo du meilleur film.

Argument: Sofia, jeune et prometteuse joueuse de volleyball, fait partie d’un club inclusif féminin – comme il en existe peu – du nom de Capão Leste. Toutes les joueuses sont issues de la communauté LGBTQI+ et forment une équipe très soudée. Un jour, Sofia est repérée par un centre de formation professionnel chilien. Enthousiasmée par cette nouvelle susceptible de changer sa vie, elle est plus motivée que jamais. Elle découvre alors qu’elle est enceinte. L’avortement étant illégal au Brésil, Sofia cherche par tous les moyens à interrompre sa grossesse. Elle devient la cible d’un groupe fondamentaliste bien décidé à l’empêcher d’arriver à ses fins

Lillah Halla, réalisatrice queer, féministe, va dans ce premier long métrage non seulement tordre le cou à certains préjugés, mais  mettre  toute son énergie à combattre la peur "paralysante".  Tourné non sans difficultés, en 2022 alors que Bolsonaro est encore au pouvoir et qu’il avait légitimé toutes les violences dès janvier 2019, son film engagé va démontrer que  le collectif est l’arme contre le fascisme  en s’attaquant presque frontalement à un sujet tabou : l’avortement

Quelle vitalité ! quelle solidarité énergisante ! Et tout dans ce film (rythme et tempo couleurs musique) illustre l’audace ! en harmonie d’ailleurs avec la polysémie du titre « levante » (soulèvement/insurrection,  mouvement au volley qui consiste à propulser le ballon vers la partie adverse ou encore plante aux propriétés énergisantes). Voici Sofia (étonnante Ayomi Domenica) une jeune métisse bisexuelle, volleyeuse talentueuse, qui, enceinte, décide de se faire avorter. Or l’IVG est illégale au Brésil, -rappelons que l’avortement clandestin est la 5^ème cause de la mortalité féminine dans ce pays !!!- Dans son épreuve-calvaire elle aura le soutien sans faille de son équipe inclusive de volleyeuses, et celui d’un père bienveillant et compréhensif. En face d’elle, des cliniques faussement abortives, les pressions des mouvements pro-vies, et des sectes religieuses, et jusqu’aux regards méchamment  réprobateurs de voisins qui préfèrent leur douillet chez soi en s’y calfeutrant ; une dénonciation qui n’évite pas -par moments- les pièges de la caricature (cf le personnage très -trop- stéréotypé de cette femme militante fondamentaliste)

Flamboyante cette équipe inclusive ! gros plan sur un crâne rasé, des mèches roses, des aisselles velues, un ventre qui frétille, une langue qui lèche avec avidité. Ces volleyeuses se contrefoutent hardiment d’être cis, trans tout comme dans la bonne humeur, elles se contrefoutent des normes (le ton était donné dès la scène d’ouverture, exaltation de la complicité du chapardage ,   dans une pharmacie, médocs hormones test de grossesse,...)  (à noter qu’au vestiaire le mot femmes est raturé et remplacé par le pronom "iels")  .Un cinéma autre qui proposerait la vision d’un Brésil moins sclérosé  moins infernal pour les minorités c’est le vœu de Lillah Halla

Malgré certaines « lourdeurs » -dont le déplacement  en Uruguay, le parallélisme métaphorique entre le « destin » de Sofia et celui des abeilles (le père est apiculteur) ou encore la récurrence de ces très gros plans sur des fragments de corps censés  les magnifier  -  Levante a au moins le mérite de rendre visible ce qui est intolérable ; or n’est-ce pas un moyen efficace pour combattre l’intolérable ?

Colette Lallement-Duchoze

d'Alice Rohrwacher (Italie 2023) 

avec Josh O’Connor, Carol Duarte, Isabella Rossellini

Présenté en Compétition officielle Cannes 2023

Festival du film italien de Villerupt (2023) Amilcar du jury de la critique et Amilcar du jury des exploitants 

Argument: Chacun poursuit sa chimère sans jamais parvenir à la saisir. Pour certains, c'est un rêve d’argent facile, pour d'autres la quête d’un amour passé… De retour dans sa petite ville du bord de la mer Tyrrhénienne, Arthur retrouve sa bande de Tombaroli, des pilleurs de tombes étrusques et de merveilles archéologiques. Arthur a un don qu’il met au service de ses amis brigands : il ressent le vide. Le vide de la terre dans laquelle se trouvent les vestiges d’un monde passé. Le même vide qu’a laissé en lui le souvenir de son amour perdu, Beniamina.

Eclatement de la chronologie avec changements de format, mélange de réalisme et de fantasmagorie, de burlesque et de satire sociale, références -dont certaines appuyées - à Fellini et à la commedia dell arte, contraste entre l’apparente placidité du personnage principal et la fougue primesautière de ses acolytes pilleurs de tombes, opposition entre forces chtoniennes et apolliniennes sur fond de trafic, de marché noir, présence d’une figure tutélaire dans un univers en ruine. Oui il y a tout cela dans le film d’Alice Rohrwacher ce qui en fait sa singularité son charme sa richesse mais aussi ses « limites » Ne serait-ce que dans cette multiplication de "fils directeurs" (dont le rouge qui, s’il est saisi, va détricoter la robe de  l’amoureuse perdue  et partant le souvenir ??? comme le suggère la construction circulaire du film qui s’ouvre et se clôt précisément sur ce "fil rouge"). Multiplication qui va de pair avec des dissonances et des disparités de traitement (autant la réalisatrice excelle dans l’évocation de ces néo  Vitelloni ,  autant certains épisodes (dont la vente aux enchères sur le bateau) sont peu convaincants  . Dès lors ne pourrait-on pas comparer le film à un patchwork?  Tant pour la forme -de l’hétéroclisme surgiraient certains "morceaux"  mieux travaillés et/ou singularisés- que pour la musique -chansons de saltimbanques et fantômes d’un opéra « muet » -incarné précisément par Italia !!!

Voici un archéologue doué d’un incroyable " flair", (grand découvreur de cavités …) qui à l’opposé des tombaroli n’est pas attiré par l’argent mais par une Chimère (dans ses sens propre et figuré) incarnée par Beniamina : le film s’ouvre d’ailleurs sur un superbe plan où la lumière accompagne le sourire de l’aimée alors que la voix de l'amoureux retentit d’adieux feutrés ; nous sommes en fait à l’intérieur du rêve d’Arthur, ce voyageur qui  "revient"  dans son village  natal ( ?) voyageur dont se moquent les passagères, le bonimenteur vendeur de chaussettes ou le contrôleur (jamais une fonction n’aura été autant déterminante par  ses secrets- le symbolisme du  fameux trousseau… de ...clés). Le train reviendra telle la métonymie de tous les « voyages » dans le temps et l’espace. Adulateur de Flora (mère de la femme aimée, elle croit tout comme lui au retour de Baniamina) il (re)prend possession d’un boui-boui témoin du passé ( ?) tout comme les tunnels sont les entrailles de la terre, terre si féconde en "trésors"  terre qui abrite les âmes de tous les disparus et surtout ces Etrusques dont les rites funéraires ont laissé pour l’éternité( ?) tant d’objets « sacrés » ou du moins sacralisés) et auxquels les « pilleurs » rendent hommage….à leur façon…émerveillement et vénalité! 

Un film qui exalte une forme de solidarité dans une Italie des années 80 où les individus étaient parfaitement intégrés à leur environnement, leur culture ou leur histoire (fête de village, habitations biscornues...). Tout comme la réalisatrice rend hommage à une forme de cinéma patrimonial (?) 

Argument suffisant  pour découvrir La Chimère  et ses fantômes éternels ?

Colette Lallement-Duchoze

de Wim Wenders (2023 Japon)

avec Koji Yakusho, Tokio Emoto, Arisa Nakano, Aoi Yamada

 Prix d'interprétation masculine (Koji Yakusho)  Cannes 2023

Argument: Hirayama travaille à l'entretien des toilettes publiques de Tokyo et semble se satisfaire d'une vie simple. En dehors de sa routine quotidienne très structurée, il s'adonne à sa passion pour la musique et les livres. Il aime les arbres, et les prend en photo. Une série de rencontres inattendues révèlent peu à peu son passé.

Un "thème"  qui n’a rien d’original (on pense bien évidemment au Paterson de Jim Jarmusch, ( Paterson - Le blog de cinexpressions) avec Adam Driver dans le rôle d'un chauffeur de bus, auteur et poète à ses heures ou encore au rituel répétitif de Jeanne Dielman).

Au départ une commande :  la ville a sollicité Wim Wenders pour un documentaire sur les " toilettes hi-tech"  d'un quartier de Tokyo, Shibuya . Mais renouant avec le   "voyage cinématographique"  de Tokyo-Ga (1985), le cinéaste, plus de 30 ans après, va créer une  fiction qui  "sublime"  le quotidien d’un « Sisyphe des chiottes » (expression ô combien savoureuse!!!…) un agent d’entretien bossant pour la société "The Tokyo Toilet." Sublimer? moins par  l’élégance de gestes toujours recommencés, de gestes ritualisés chorégraphiés,  que grâce à  ces captations parfois furtives d’une feuille qui tombe d’un regard qui se dérobe(rait) d’un sourire (il illuminera d’ailleurs les derniers plans), grâce à cette façon de filmer le vertige du réseau labyrinthique  urbain (tant transversal que vertical) ou  de faire cohabiter solitude d’une chambre monacale et  présence   de la  littérature !

En optant pour  le format « dit carré » le cinéaste non seulement enserre son personnage (gros plans sur son visage par exemple) mais a toute latitude pour varier l’apparente routine : il ponctue le périple en camionnette par des titres de rock vintage différents (Lou Reed Patti Smith The Rolling Stones, the Animals, Otis Redding…) et comme de surcroit Hirayama est poète et photographe à ses heures, voici une nuance de jaune de vert un rai de lumière diffractée –Sur les lieux mêmes du travail, diagonales ou profondeurs de champ alternent avec plans très rapprochés ou gros plans sur les mains gantées alors que dominent des couleurs froides, pour faire advenir l’inattendu ?..Mais surtout dans ce faux « road movie » Wim Wenders fait la part belle aux rencontres qui en de courtes scènes denses et comme habitées permettent au spectateur de mieux cerner un personnage peu loquace.  De même le film est entrecoupé par des séquences oniriques (en noir et blanc, elles ont été créées par Donata la femme de Wim Wenders ) comme autant de haïkus ? comme autant de « virgules » sur la partition du Temps? 

De l’arte povera à l’écran ? Je  ne pense pas mais plutôt beauté fugace des petits riens (et peu importe dès lors si l’on frôle parfois la mièvrerie)

Colette Lallement-Duchoze

de Bertrand Mandico (2023)

avec Elina Löwensohn, Christa Theret, Sandra Parfait, Julia Riedler, Claire Duburcq, Agata Buzek, Nathalie Richard, Françoise Brion

Présenté à la Quinzaine des Cinéastes,  Cannes 2023

Synopsis au choix:

Gardien des enfers, le cerbère a toujours sa gueule de chien, mais il est bipède et s'appelle Rainer, a les seins et la voix d'une femme, un blouson de cuir clouté et un appareil de paparazzi toujours prêt à lancer ses flashes. Depuis l'au-delà, il nous raconte les réincarnations successives de Conann la barbare, amazone sanguinaire venue de la nuit des temps.

Parcourant les abîmes, le chien des enfers Rainer raconte les six vies de Conann, perpétuellement mise à mort par son propre avenir, à travers les époques, les mythes et les âges. Depuis son enfance, esclave de Sanja et de sa horde barbare, jusqu’à son accession aux sommets de la cruauté aux portes de notre monde...

Un univers visuellement et musicalement très particulier (fantasque pour certains) c’est une évidence. Mandico a en effet habitué son public à ses délirantes  allégories; mais ici le carnage,  le passage abrupt du noir et blanc (les abîmes le chaos) à la couleur (le purgatoire), le visqueux à la Cronenberg, nous plongent dans le cru (dévoration) et le barbare (sens multiples) à partir d’un récit assuré par  Rainer- incroyable Elina Löwensohn.! Rainer le démon à tête de chien, est non seulement la voix qui raconte, il est celui qui  "filme",  qui photographie la mort, celui qui  renifle  pour corrompre ; il emprunte au langage de Shakespeare et par rapport à la dynamique interne il ira s’humanisant alors que Conann se déshumanise (contrepoint à la barbarie ?). A noter que par moments l’image suffirait sans l’apport redondant du verbe !

Si le générique donne le ton - des néons, des lettres de sang, des stigmates qui marient (élégamment ???) putrescence et sensualité-, on retrouvera tout au long du film ce goût si prononcé pour les surimpressions, les longs travellings, alors que les personnages (apparente multiplicité mais unicité fondamentale) devant des écrans créent des mises en abyme dans un univers où la barrière entre la vie et la mort ne peut être traitée que par une forme d’expressionnisme. Entièrement tourné de nuit ce film ne représentera jamais le ciel (on est coincé avec Conann et sa mémoire à tiroir ; la caméra enserre les personnages tel un dragon le plus souvent en plongée,  affirme le réalisateur; filmé à la  grue et en plongée Conann adopte en effet le point de vue "flottant" des "morts" qui surplomberait "le monde des vivants", en une vaste orgie "dégoûtante" - de l'aveu même de Rainer-,  (mais après tout la barbarie n'est-elle pas un monstre que l'on génère et/ou que l'on ingère  ???) 

« Le film a été tourné au Luxembourg dans une ancienne usine de sidérurgie ; endroit très inspirant avec d’incroyables capacités d’accueil de décors : ici ma vision de New York 1998, là le temple antique démesuré, ailleurs champs de bataille avec damier surréel ou petit lac et bunker englouti (extrait entretien dépliant UFO distribution)

Conann LA barbare est interprétée par 5 femmes à des âges différents ; Conann ou  la « relecture » féminine d’un mythe qui avait été « popularisé » au cinéma par un Arnold Schwarzenegger (super testostéroné !!) Car  Mandico part précisément de son « contraire » ou plutôt il remonte à la mythologie celte et propose une "barbare"  polymorphe traversant les âges. S'ouvrant  sur le réveil (?) d'une vieille femme amnésique il se déploie en un long flash back  -depuis  l'épisode de la  jeune fille témoin du massacre de sa mère jusqu'à la Reine des Enfers-, soit les différentes formes de barbarie .qui ont traversé les siècles (chaque métamorphose étant incluse  dans la précédente!). De même il revisite un genre « laissé à l’abandon et pourtant envoûtant » (celui du pacte faustien de la « diablerie » René Clair Marcel Carné Jean Cocteau) ; et il se plaît à faire cohabiter l’ancien et le nouveau, le médiéval et le contemporain (cf la présence d’une voiture argentée ou d’un fusil d’assaut)

La dynamique du film ? Comment peut-on trahir ses convictions ses idéaux ses désirs comment on s’endurcit au fur et à mesure que l’on vieillit"  Et si la vengeance est « un acquis narratif jamais contesté » c’est précisément une forme de barbarie. 

Le sens? Conannn n’est pas un monde clos dans un océan mais une succession d’éclosions en eau trouble 

Ingère ou crève (dernière partie) 

Un film à ne pas rater!

Colette Lallement-Duchoze

Court métrage d'Enzo Martinez (27' France 2023)

avec Agnès Soral, Pierre Hancisse, Marie Kauffmann, Olmo Hidalgo

Festival de films francophones CINEMANIA Canada 2023 sélection officielle

Festival international du film francophone de namur (FIFF) Belgique 2023 Compétition internationale

Adaptation d’une des scènes de La Réunification des deux Corées, de Joël Pommerat (tectonique des cœurs plus que géopolitique) créée aux ateliers Berthier en 2012

Inquiets par le comportement étrange de leur enfant Antoine depuis son retour de classe de neige, un couple de parents souhaite rencontrer Daniel, son professeur

Apathique, notre enfant pleure, il fait des cauchemars ; il ne s’est rien passé ? j’aimerais comprendre (propos de la mère) 

Non à part cette soirée dont je vous ai parlé à mon retour (Daniel s’adressant à la proviseure)

Une nuit particulière (celle de tous les « dangers »  imaginent les parents, celle de l’amour sans connotation de pédophilie selon  le professeur)

Voici un dispositif (multi)frontal : Daniel face aux parents et face à la proviseure, tout comme il est face à sa conscience, avec ces visages tantôt rapprochés tantôt éloignés, et parfois élargissement du cadre quand les quatre personnages sont "recasés" in situ (une salle de classe bien particulière où les chaises sont dressées à l’envers, l’humain ayant provisoirement déserté, tout comme ce plan furtif sur le blanc quasi mortuaire du lavabo). Chacun des quatre  semble incarner un archétype (le must étant la proviseure, louvoyant, soucieuse avant tout de la notoriété de son établissement). La parole de l’enfant sera restituée, déformée par le prisme du discours parental, parents affolés qui n’auront retenu que ce qui prête à confusion et partant, ce qui entache l’intégrité de leur enfant (l’abus des adjectifs possessifs prouverait s’il était besoin que l’enfant est leur  "bien inaliénable" et que certains comportements éducatifs sont l’apanage.... des parents). Et quand le père d’origine étrangère s’exprime dans sa langue maternelle on peut imaginer que l’accusation est sans appel.

Voilà un professeur accusé de pédophilie (le mot n’est jamais prononcé mais amplement suggéré) Son  "crime" ? avoir voulu réconforter un gamin harcelé par les autres, un gamin brimé (l’incontinence urinaire révélatrice du trauma) : il fallait changer les vêtements, poser délicatement le corps sur un lit hors de la vue de ses agresseurs Mais précisément dans l’accomplissement de ce rituel -et en écho l’éveil de Daniel hors de son lit-suaire ? l’eau lustrale de la douche  qui suinte  sur le corps ? - le professeur sera désormais l’agresseur : Oui il a fait preuve d’amour Oui il aime Antoine comme il aime ses enfants, ses 25 élèves. Et si précisément ce dont souffrait Antoine était un "manque d’amour ? c'en est trop pour le ...père !!!

Et la perle qui larmoie au coin de l’œil filmée en très gros plan, un aveu ?  La séquence finale, et  le miroitement de l'eau comme sépulture? Tout est dans l'ineffable ou plutôt dans le rejet ou l'acquiescement  du  "dit",  de ce qui est "proféré"  Daniel serait-il coupable? son plaidoyer pro domo une piètre défense? Les parents obnubilés par les marques d'attouchement pédophile ressassent-ils les mêmes accusations (même voilées) comme moyen d'auto persuasion? 

Obéissant à une dynamique interne (qui culminera dans la scène de violence verbale et gestuelle avec cette amplification sonore propre aux acmés de la tragédie), ce court métrage aux couleurs bleutées (le plan d’ouverture sur la vertigineuse compacité de l’établissement scolaire que le martèlement des pas accompagne comme unique bande-son se mue en habitacle de solitude) interroge le mot et ses connotations, la relation professeur/élève, le poids de l’administration et plus de 10 ans après la création de Joël Pommerat, a des résonances bien  « particulières » dans notre société 

Un court métrage de 27’ à ne pas rater !

Colette Lallement-Duchoze

ps  ce court métrage sera diffusé sur France 2