d'Emmanuelle Nicot (2022)

avec Zelda Samson, Alexis Manenti, Fanta Guirassy 

présenté au festival de  Cannes Semaine de la Critique 2022

prix Fondation Louis Roederer de la révélation décerné à Zelda Samson 

Dalva a 12 ans mais s'habille, se maquille et se vit comme une femme. Un soir, elle est brusquement retirée du domicile paternel. D'abord révoltée et dans l'incompréhension totale, elle va faire la connaissance de Jayden, un éducateur, et de Samia, une adolescente au fort caractère. Une nouvelle vie semble alors s'offrir à Dalva, celle d'une jeune fille de son âge.

NON Dalva, premier long métrage d'Emmanuelle Nicot, ne saurait être "un film convenu sur l'inceste"

La problématique soulevée est moins l’inceste que la   "résilience". La réalisatrice l’a dit et répété lors de la discussion qui a suivi la projection du film au festival d’Angers Premiers Plans  en janvier 2023  Mon intention était de faire un film de reconstruction, de libération, d’émancipation, montrer un cheminement vers la lumière 

Y est-elle parvenue ?

La réponse est, sans conteste,  OUI

Entre le prologue, écran noir, cris de déchirement, arrachement supposé au  "père", hors champ, et la séquence finale -salle d’audience, pour le procès "à venir" -  où la « distance » entre le père et la fille n’est pas seulement d’ordre spatial mais surtout -et définitivement- mental-,  c’est le chemin parcouru par Dalva qui « intéresse » la cinéaste.

Une quête de l’existence, plus qu’une quête de sens ,  même si les deux sont intimement liées. Une quête douloureuse en ses étapes successives (tentatives de fugue, résistances, refus, dénégations, tentatives de « séduction », violences verbales ou comportementales, etc…et première « révélation » lors du « choc de la rencontre au parloir !)

Douleur qu’accentue le format 4,3 (soit un rapport de 1,3 entre la largeur et la hauteur de l’image) celui de l’enfermement, celui de l’emprise (car Dalva avant d’être placée dans le centre de protection de l’enfance n’aura connu -cela est suggéré- que la relation au père sans référent extérieur sans la présence de la mère)

Enfermée dans le cadre, comme dans le déni.

Univers qui ira se craquelant ; fragmentaire et contradictoire, mutique et solitaire, avant de se « re »constituer » lentement,  plus sensoriel et affectif ( ce dont témoigne ce gros plan sur la main de Dalva serrant la cuisse de sa mère, mère longtemps déniée, conspuée) 

La jeune Zelda Samson (qui est quasiment de tous les plans et dont le visage de trois quarts envahit parfois l’écran) rend palpable ce huis clos intérieur tout comme elle illumine les métamorphoses ; elle a d’ailleurs gagné le prix Fondation Louis Roederer décerné à la Semaine de la Critique 2022

Le rôle de l’éducateur est primordial dans la « libération » et Alexis Manenti (César du meilleur espoir pour les Misérables) interprète avec beaucoup de nuances le personnage de Jayden. Ses regards ses silences comme autant de paroles apaisantes, ses réactions plus véhémentes comme autant d’armes de dissuasion, ses gestes comme autant de marques d’empathie. Non pas prodiguer un amour de "substitution"  mais être près d’elle, l’accompagner afin qu’elle soit « mieux aimée »

Rien de didactique ni de sentencieux donc, qui ferait de Dalva un film convenu

Comment « incarner » le père ? que l’on voit à deux reprises (visite au parloir de la prison, banc des accusés) comment rendre compte de la dualité Homme/Monstre, pour ne pas tomber dans les clichés ?

Cette question délicate épineuse n’a pu être soulevée lors de la rencontre mardi 14 mars à l’Omnia Rouen (en présence de la réalisatrice, de Zelda Samson et d'Alexis Menanti)

Car -et il faut bien l’avouer- un film est souvent prétexte à…

On a entendu des interventions très autocentrées à valeur de témoignages (fonction déterminante de la parole pour « sauver » l’enfant de l’emprise ; rôle dévolu à l’Education nationale, etc…) florilège des « moi, je… » Dommage !

Sortie nationale  le 22 mars 2023 

Un film à ne pas manquer! 

Colette Lallement-Duchoze

documentaire réalisé par Xavier Gayan (2022)

SEANCE SPECIALE DIMANCHE 19 MARS 11H

OMNIA REPUBLIQUE

EN PRESENCE DU REALISATEUR 

Aujourd’hui, nous vivons dans un monde où la logique de rentabilité s’applique à tous les domaines. Les lieux dédiés aux métiers du soin, du social, de l’éducation, de la culture… sont gérés par des managers ou des experts pour qui seuls comptent les chiffres, niant les besoins humains. Le psychanalyste Roland Gori se bat depuis des années contre le délitement de notre société. Ce film est un portrait de sa pensée, de son engagement, comme "L’Appel des appels", qu’il avait coinitié avec Stefan Chedri, pour nous opposer à cette casse des métiers et à la marchandisation de l’existence. Ce film propose un portrait intime de Roland Gori, accompagné de témoignages de proches : ses éditeurs Henri Trubert et Sophie Marinopoulos (éditions Les Liens qui libèrent), la philosophe et académicienne Barbara Cassin, le médecin hospitalier et auteure Marie-José del Volgo, le directeur du théâtre Toursky (Marseille) Richard Martin.

"Le réalisateur amène le psychanalyste à développer des thèmes nombreux qui, en réalité, interrogent la vacuité de la modernité. Sa parole est humaniste, au sens d’une expérience de la vie dégagée du démon de l’efficience qui ramène chaque individu à son enfance, son désir, son manque et son identité multiple.

Roland Gori invite à l’intelligence. Du moins, son témoignage humble et mesuré est une ode à la réflexion qui remet l’individu dans sa capacité à penser son existence, au lieu de la subir.

Il produit un langage de l’amour, de la tolérance et de l’élévation intellectuelle et émotionnelle

 Roland Gori, une époque sans esprit s’affirme comme un film nécessaire, au cœur du rythme fou de l’existence contemporaine. Le psychanalyste emprunte un langage métaphorique, parfois poétique, parfois drôle, en tous les cas au plus près des préoccupations des spectateurs"

Laurent Cambon

d'Ali Cherri ·(Soudan Liban 2022)

avec Maher El Khair, Mudathir Musa, Santino Aguer Ding, Abo Algassim Sir Alkhatim, Ayman Sharif, Hassan Hamza Ali Mohamad, Jacob Jorjia Garrang, Khamees Idrees Ibrahim

Présenté au festival de Cannes 2022 Quinzaine des Réalisateurs

Soudan, près du barrage de Merowe. Maher travaille dans une briqueterie traditionnelle alimentée par les eaux du Nil. Chaque soir, il s’aventure en secret dans le désert, pour bâtir une mystérieuse construction faite de boue. Alors que les Soudanais se soulèvent pour réclamer leur liberté, sa création semble prendre vie...

Non ce film n’est pas à ranger  dans la catégorie « films qu’on peut voir à la rigueur » mais plutôt dans celle « à voir absolument »

Plasticien d’origine libanaise Ali Cherri s’intéresse à « la dialectique entre antiquité et monde moderne, nature et culture, catastrophe et reconstruction ». Dialectique qui préside à son long métrage « Le barrage »

Or, dès le tout début une vague indication (quelque part au nord du Soudan près du barrage Merowe) risque de bloquer les attentes d’un spectateur désireux avant tout d’analyse politique et pourtant….. Si les infos sur la situation révolutionnaire du Soudan livrées par la radio, ne semblent pas perturber le travail titanesque des ouvriers c’est parce que "les briquetiers soudanais, ne vivent pas comme des citoyens, explique le réalisateur, ils ont intériorisé un sentiment d’impuissance politique ; ont vécu toute leur vie sous un régime dictatorial ; le film rend compte de ce type de comportement". De même le personnage principal semble porter en lui et sur lui -comme un mal endémique-, toutes les douleurs secrétées par la terre et en premier lieu la guerre dévastatrice …Une seule séquence, la rétribution des travailleurs par un patron qui se soucie plus du  "facies"  que de la tâche accomplie, et c’est le racisme ambiant qui est " dénoncé"  Si les conséquences sociétales et écologiques du barrage construit par des ingénieurs chinois ne sont pas explicitement abordées, elles sont toujours au premier plan ; tout est en fait suggéré, et ce sont bien les  "traces"  de la violence au Soudan qui se lisent, quand bien même elles semblent  énigmatiques (au spectateur de se documenter !!)

L’essentiel il est vrai est dans les "énergies intérieures",  dans cette densité poétique où tout a une dimension métaphorique (barrage intérieur, boue glaise, golem, interpénétration ciel et désert, blessure cicatrice) et dans l’orchestration souveraine des cadres et mouvements de lumière (avec cette dominante ocre), du réel et du fantasmé comme du refoulé et du surnaturel. Et quand la somptuosité « naturelle » s’estompe ce sont des images de synthèse qui prennent  le relais (tableaux dans l'univers mental du personnage principal Maher El Khair, un ouvrier de la briqueterie qui régulièrement s’évade dans le désert ; un voyage aux confins du mystique et de l'artistique qu’illustre cette immense statue de glaise qui s’anime respire comme une divinité chthonienne et qui l’enjoint d’aller toujours plus loin dans sa quête) Dans la région où a tourné Ali Cherri on pratique l’afro-soufisme (mélange d’islam et de paganisme qui comporte beaucoup d’histoires de djinns)

Oui osons les épithètes les plus laudatives : graphisme splendide, forces vives -que sont le fleuve, le désert, le soleil, l’orage,- magnifiées tant dans l’intangibilité que dans l’explosion d’une puissance torrentielle, magnificence du rendu visuel et compositions savamment élaborées (voyez les courbes de ces corps, les jeux d’horizontalité et de verticalité, les longs plans fixes sur les bras travailleurs, sur les jambes dont les écailles épousent la terre/mère dans la fécondation de la boue, cette glaise créatrice et dévastatrice : boue malaxée triturée transformée, évaporée et qui s’en va mourant comme pour mieux renaître( ?)  

A cela s’ajoute une partition (musique signée ROB Robin Coudert) qui joue « avec les éléments l’eau, la terre d’argile, le feu  dans un mélange de sonorités lourdes et aériennes. Elle apparait parcimonieusement pour relater le périple du personnage dans le désert »

A ne pas rater!!

Colette Lallement-Duchoze

Long métrage d'animation réalisé par José Miguel Ribeiro (Portugal 2022)

musique  signée  Alex Dibicki 

Présenté en ouverture du festival Anima Belgique 

Angola. Trois générations de femmes dans une guerre civile qui dure depuis 25 ans : Lelena (la grand-mère), Nayola (la fille) et Yara (la petite-fille). Le passé et le présent s’entrecroisent. Nayola part à la recherche de son mari, qui a disparu au pire moment de la guerre. Des décennies plus tard, alors que Nayola n’est toujours pas revenue, sa fille Yara est une adolescente rebelle et une chanteuse de rap très subversif. Une nuit, un intrus masqué fait irruption dans leur maison, armé d’une machette. Une rencontre qu’elles n’auraient jamais pu imaginer

Nous avons tant tué, eu de tant de morts, il ne reste plus grand monde pour raconter comment c’était." Eh bien ce film d’animation -même s’il tend vers l’universel- sera le "récit" de ces folies meurtrières (exécutions sommaires bombardements qu’accentue une bande-son parfois trop illustrative) à travers le parcours de Nayola. (Parcours consigné sous forme de journal qu’est en train de lire Yara … )  alors que Yara, sa fille,  en illustrera  les traumatismes

Angola 1995,  Angola 2011 : seules indications précises signalées en bas de l’écran

Le voyage de Nayola à la recherche de son époux disparu se déploie dans de vastes contrées colorées appartenant à une nature où se mêlent l’ocre le rouge flamboyant et le vert acide en une étonnante palette (rutilante le plus souvent) alors qu’en gros plan se détache sa chevelure noire. Ce personnage traverse aussi des décombres (ici dessins d’immeubles éventrés désertés par l’humain),  renouera avec le « vivant » (personnage du garde-barrière qui, en sautillant annonce la « paix » tout en alertant sur une « fausse » destination, une impasse !). Terrorisée, épuisée par un si long périple, accompagnée d’un chacal (animal totem) dont elle empruntera le masque (masque qui protège et enferme tout à la fois), elle connaîtra aussi une forme de résilience (thérapie ancestrale : son corps relié à la Lune par une corde salvatrice va vomir tous les ingrédients de la folie meurtrière ! une purification pour un  personnage qui ne semble appartenir qu’au monde des morts !)

Aux déflagrations du passé meurtrier correspondent en écho les perquisitions nocturnes du présent celui que vit sa fille Yara - qu’elle a délaissée et dont elle a confié la garde et l’éducation à Lelena, -cette grand-mère,  au visage à la Gromaire, un bloc orangé qui crève l’écran, et qui contraste avec l’aspect filiforme de sa petite fille Yara. Yara, qui à la barbe des policiers tente de diffuser son album de rap « nouveau pays »  et revendique une liberté d'expression "je n’accepte pas de vivre dans un pays qui au lieu de nous protéger nous opprime. Qui pense autrement n’a pas le droit à la liberté d’expression ? Et mes droits ? Je chante la réalité donc je mérite d’être punie ?"

Deux temporalités donc mais qui s'entrelacent se superposent, parfois s'enchevêtrent, deux univers (nature et ville le plus souvent), deux traitements de l’animation (2 D et 3 D),  reliés -dans le sommeil ou les rêves( ?) - par des images oniriques (dessins à peine esquissés en bleu où se profile la vision d’une famille réunie, dessins aux pointillés furtifs qui iront s’effaçant), avant de se "rejoindre" dans une séquence telle une Cène des temps modernes

Nayola est un vibrant hommage à la femme, à travers le parcours des trois personnages féminins que la guerre aura traumatisés, trois femmes fortes, indépendantes. Il faut voir Nayola lutter contre les hyènes, terrasser animaux et humains, quand il s’agit d’aider les plus faibles ; affronter -seule dans un premier temps- la faim, la soif, la chaleur, tout entière chevillée à son désir de retrouver l’époux combattant (et peut-être déjà disparu). Sa fille ne craint pas les représailles ni les coups de matraque, elle crée des textes subversifs irrévérencieux à l’encontre du gouvernement en place ; quant à Lelena elle incarne cette force tranquille qui sait résister et au besoin « mentir » pour sauver les « siens »

En entrelaçant deux époques, en rendant hommage aux femmes, en exploitant toutes les ressources de l'animation  et celles d’une palette, rutilante ou sombre, solaire ou ténébreuse,  ce film  ne peut qu’entraîner l’adhésion du public. Rien d’étonnant à ce qu’il ait ouvert le festival Anima en Belgique  " Spectacle de couleurs, de coups de fusil, de bombes, de répression ..Nayola  un florilège d’émotions"

Un film à ne pas rater! 

Colette Lallement-Duchoze

de Gustav Machaty (1929 Tchécoslovaquie )

avec  Karel Schleichert : Le cheminot Ita Rina : Andrea Olaf Fjord : George Sydney Theodor Pištěk : Hilbert Charlotte Susa : Gilda

Présenté en soirée d'ouverture au festival à L'Est (17ème édition) avec accompagnement musical en live

Groupe In Fine (  duo instrumental, avec entre autres  trompette, flûte à bec,  bugle)

Andrea, la fille d'un garde-barrière est séduite par un étranger. Mais l'homme l'abandonne en la laissant enceinte. Elle épousera alors un homme rencontré au cours d'une nuit dramatique. Plus tard, elle retrouvera son séducteur...

Erotikon. C’est la marque du parfum que le voyageur séducteur offre à la fille du garde-barrière- lequel venait d’accepter du whisky et un briquet !! Un parfum aux subtiles fragrances, qui agirait tel un élixir? à la limite peu importe ! Le titre met en exergue le triomphe de la séduction, du désir, par-delà les convenances morales !! Erotisme ou la concupiscence filmée dans l’audace de la suggestion : voici Andrea seule allongée sur son lit ; elle se pâme, son corps vibre de l’attente amoureuse…Et pour la « scène d’amour » voici des plans fragmentés, des chevelures que les mains triturent, un fondu enchaîné des deux visages, un regard dilaté, une caméra qui épouse le mouvement du corps, et après un fondu au noir, voici les deux amants se prélassant avec une cigarette. Désir palpable à fleur de peau, à fleur d’extase ! Une aimantation illustrée (redondance métaphorique ? peut-être) par le gros plan sur ces deux gouttes d’eau allant à la rencontre l’une de l’autre sur la vitre  (à moins que l’élément liquide ne s’inscrive dans une autre suggestion !)

Tout cela concerne surtout la première partie. Andrea sera délaissée par l’amant volage -qui croit se « dédommager » en donnant de l’argent (à noter que la missive est apportée par un facteur dont on ne voit que l’ombre …) Elle devra tout assumer, seule. Figure de la transgression? Mariée, elle rencontrera à nouveau l’amant et usera de subterfuges pour forcer une rencontre ! Andrea la jeune femme abusée, Andrea la  séductrice !

Après plusieurs ellipses temporelles (avec fondu au noir) lors d’une soirée dansante elle délaisse son époux : les touches du piano et du saxo se meuvent agiles et muettes , et les corps des ex amants dans une langoureuse étreinte ressuscitent pour l’assouvir le désir -au grand dam de la maîtresse (le comique de situation ne minimise pas pour autant la force de l’excitation sexuelle)

Le corps contre la raison. Corps que la caméra se plaît à capter, suave, dans ses fragments d’attentes fébriles (visage genoux main regards) Erotikon

Le train qui revient à intervalles réguliers dit à la fois la prégnance de la machine dans l’univers cinématographique des années 1920 et la symbolique d’une marche inéluctable vers ??? Ici, en outre, il permet de relier – tout en les opposant- la stagnation d’un monde de labeur et l’effervescence du milieu urbain (hôtels, salles de jeux, salons de coiffure, tailleur).

Une main tendue qui dit adieu alors que les lignes aériennes et les rails (voies ferrées qui se croisent) dessinent leur implacable linéarité ; une main qui se tord de douleur (lors de l’accouchement) ; la même main s’était tordue de plaisir – et en surimpression tel un flashback revient l’image du baiser.

Le film est ainsi traversé d’effets spéculaires que renforcent les éléments dits naturels (dont la pluie dévastatrice ou annonciatrice de ?  et l’orage) 

Une « fin » « ouverte » , une fin qui  se prête à un « nouveau » départ, 

La morale serait-elle sauve ?  Que nenni !!!

Colette Lallement-Duchoze