2 documentaires réalisés par  Jean Eustache    1968 et 1979

avec les habitants de Pessac, le(s) maire(s) et la(es) rosière(s)

Depuis 1876 à Pessac, la ville natale d'Eustache, le maire et un jury procèdent chaque année à l'élection d'une "Rosière"  une jeune fille choisie pour un an, pour ses qualités morales et sa vertu, qui recevra un prix honorant toute la communauté

Printemps 1968. Une vingtaine de notables se réunit autour du maire de Pessac pour comparer les situations de quelques jeunes filles triées sur le volet. La plus vertueuse est élue 72ème Rosière de Pessac. La cérémonie est organisée selon un protocole strict : la remise de la dot, le cortège mené par la fanfare, la messe, les discours, le banquet et ses chansons à boire.

10 ans après retour à Pessac avec l'idée de "refaire le même film" 

" En 1968 quand j'ai tourné le film, j'ai regretté qu'il n'existe pas le même film tourné en 1896 l'année où cette tradition qui remonte au Moyen Age a été ranimée et instituée et qui correspond à peu près à l'invention du cinéma. J'ai rêvé à ce qu'auraient pu faire les frères Lumière en 1905, en muet, sur cet événement; j'ai rêvé qu'un autre opérateur aurait filmé la cérémonie pendant la guerre de 14-18, on aurait vu les poilus le village et les gens tels qu'ils étaient à l'époque; j'imaginais le même film en 1936, au moment du Front populaire , et puis il y aurait eu la Rosière sous l'Occupation, avec des Allemands regardant passer le défilé.

L'envie m'est venue de le refaire, exactement de la même façon, en filmant la même chose  avec cette idée donc que si on filme la même cérémonie , qui se déroule sous tous les régimes , sous toutes les Républiques , on peut filmer le temps qui passe, l'évolution et la transformation d'une société à l'intérieur d'une certaine permanence, celle d'un lieu et celle d'une tradition. C'est l'idée de temps qui m'intéresse" Jean Eustache 

Je voudrais que les deux films soient montrés ensemble : d'abord celui de 79, ensuite celui de 68. Une façon de dire aux gens : si vous avez envie de savoir comment ça se passait avant, restez, vous allez voir. » J. Eustache, «Cahiers du cinéma», n°306. décembre 1979

En voulant capter un rituel de fête, en respectant scrupuleusement la "matière" même du sujet -une sorte de   "cinéma vérité" avec un dispositif spécifique -place des lumières et des micros, déplacement de l'opérateur et de la caméra, absence de commentaire-,  afin de ne faire jaillir que "la réalité humaine" et surtout les rapports entre les individus (devenus acteurs de leur "destin" ), en jouant le rôle d'un témoin qui  filmerait à distance,  le réalisateur constate que la "reprise du même système de captation" à 11 ans d'intervalle offre une dimension tout autre du réel . Et ce ne sont pas seulement   la couleur (qui s'est substituée au noir et blanc)  les vues aériennes (plus abondantes) les  travellings ascendants sur des façades de buildings,  qui en "changeant la forme"  proposent une autre vision du réel.

Filmer la  mise en scène des autres  (ici une cérémonie avec son rituel immuable) dont on sera le témoin, fait que tôt ou tard elle va s'inscrire dans votre propre façon de "la mettre en scène". Le spectateur est convié à "voir" une double mise en scène celle d'un document ,celle d'un réalisateur qui aura "transformé"  cette matière première.  Dans la version de 1968 il y a comme un sous-texte (qui affleure dans le prêche du curé mais nullement dans le laïus "baveux" du maire au sourire mielleux) il  concerne la révolte de la jeunesse; dans la version de 1979 c'est le chômage qui habite tous les discours (celui du maire et  celui du curé) Si les critères d'exception morale semblent toujours prévaloir, (pour le choix de la Rosière)   le mérite dû au travail est plus prégnant en 1979. Cela étant , à 11 ans d'intervalle le propos antiféministe des "mâles" dominants n'est toujours pas "remis en cause" ( les clins d'oeil et remarques salaces font florès!!) 

Une belle leçon de cinéma!

et une belle définition du "réalisme" 

Colette Lallement-Duchoze

d'Andrea Di Stefano (Italie 2022) 

avec Pierfrancesco Favino, Linda Caridi, Antonio Girardi, Katia Mironova

 Franco Amore porte bien son nom. Il dit de lui-même que, durant toute sa vie, il a toujours essayé d’être un honnête homme, un policier qui, en trente-cinq ans d’une honorable carrière, n’a jamais tiré sur personne. Ce sont en effet les mots qu’il écrit pour le discours qu’il tiendra au lendemain de sa dernière nuit de service. Mais cette dernière nuit sera plus longue et plus éprouvante qu’il ne l’imagine et mettra en danger tout ce qui compte à ses yeux : son travail au service de l’État, son amour pour sa femme Viviana, son amitié avec son collègue Dino, jusqu’à sa propre vie. Et c’est durant cette même nuit, dans les rues d’un Milan qui ne semble jamais voir le jour, que tout va s’enchaîner à un rythme effréné

Certes la structure en flash-back, la chronologie éclatée avec changements de point de vue, la présence et le pouvoir de policiers ripoux, les « corruptions familiales » doublées de « trahisons », n’ont rien d’original !! Le film d’Andrea Di Stefano n’en reste pas moins un polar bien ficelé, qui précisément  "revisite"  les poncifs du "genre" .Un polar au rythme effréné (quasiment pas de temps mort) servi par le jeu de l’époustouflant Pierfrancesco Favino.  On passera outre certaines dilatations du temps et de l’intrigue - encore que, analysées séparément, elles contribuent à  "humaniser"  ou  "suggérer"-, ainsi que ces clichés (faciles) sur la mafia chinoise !!!! –

La séquence autoroutière avec la fusillade est filmée de main de maître (circulation folle d’où s’échappera,  seul, les vêtements maculés de sang, Franco Amore courant vers son destin de flic ! irréprochable 35 ans durant ! MAIS 1 nuit de transgression malhonnête ! Et si  la disproportion n'était  que de façade? Tout l’art du cinéaste est d’entraîner le spectateur à la recherche de cette face cachée....que  le jeu et certaines "mimiques" de l'acteur font advenir!  

Dès le prologue le spectateur est comme happé par cette musique, partition de Santi Pulvirenti à laquelle se superpose -ou l’inverse- une respiration, un souffle, alors que le générique défile en gros caractères rouges : long plan séquence aérien sur Milan, avant que la caméra ne se pose dans cet appartement où une fête « surprise » attend l’intéressé Franco Amore pour son départ à la retraite….A peine arrivé, il est appelé d’urgence (son pote et collègue Dino a été retrouvé mort, criblé de balles) ; il quitte la « fête » -non sans avoir versé quelques larmes - leur interprétation (le bienfondé) sera dévoilée lors de la "seconde" version  … Et il se rend sur les lieux du « crime ».

Puis retour en arrière 10 jours auparavant.

Et seconde version des mêmes faits.

Avant que n’éclate en une série de « rebondissements » une autre Vérité (surtout ne pas spoiler !!)

Plus qu’une composante, Milan serait un personnage à part entière?  Cette ville immense avec ses monuments déserts dans leur  enténèbrement,   avec ses avenues ses échangeurs et ce tunnel – lieu d’action certes mais aussi empreint de ces connotations qui s’imposent aisément ! Son rôle ne serait-il pas (mutatis mutandis) similaire  à celui de Viviana, l'épouse aimée aimante complice dont la personnalité se révèlera progressivement avec ses parts d'ombre et de lumière?

Un film que je vous recommande 

Colette Lallement-Duchoze 

d'Hadi Mohaghegh (Iran 2022)

avec lui-même (l'électricien) ,  Mohammed Eghbali, Hambdollah Azizi, Abdullah Nouri,  Godijan Fathi, Mohammad Alavi

 Grand Prix du Jury au Festival international de Busan,

 Montgolfière d'argent au Festival des trois Continents à Nantes

Dans une maison isolée au milieu d’une plaine d’Iran, un homme vit seul avec son fils alité. Un jour, le transformateur de la maison tombe en panne. Un électricien vient pour le réparer. Une pièce manque, il part à sa recherche qui sera semée de rencontres et d’obstacles…

Le film s’ouvre sur une rencontre :  un homme, handicapé moteur,  ne peut avancer qu’à la force de ses bras ; il gratte le "sol dur" (titre originel du film) à la recherche de plantes ;  il concocte une boisson pour son jeune fils alité.

Au long plan fixe d'ouverture sur sa maison, fera écho au final le même long plan fixe.....mais dans un silence désormais sépulcral …Délicatesse du non-dit !

Entre ces deux plans,  que de   "contretemps"  ! et quelle lenteur  dans leur traitement !! quels silences hormis deux plages musicales et la seule respiration de l’alentour -bruissement du vent et de l’eau-

Il y a une panne de secteur, (transformateur) ,  un électricien (interprété par le cinéaste lui-même) est mandaté. Mais  il manque une pièce ; et ce sera ce  long "périple" semé d’embûches que filme le réalisateur ; rechercher la pièce et simultanément  accueillir ce souffle de générosité, qui, pour nous Occidentaux habitués au primat de l’avoir sur l’être, - nous sommes ce que nous avons et nous n’avons que ce que nous gagnons- ne peut qu’émouvoir. L’opposition entre ce qui se « monnaye » (location de voiture, achat d’un matelas électrique) et ce qui « n’a pas de prix » : une main tendue, le temps passé à contourner et surmonter les « obstacles », sans demander quelque gratitude, semble magnifier cette bonté à l’état pur,  laquelle va faire corps avec le paysage

Lenteur du rythme, plans fixes, minimalisme -ou rareté- des dialogues, loin de susciter l’ennui (certains spectateurs seront rebutés par ces choix) sont au service d’une aventure humaine, dans une zone quasi désertique de l’Iran. Une bipartition de l’espace entre le vert et l’ocre, entre les champs verdissants et les montagnes arides, et les méandres d'un  chemin, celui là-même qu’emprunte l’électricien,  l'agent 752, bipartition spatiale en harmonie d’ailleurs avec la coexistence de la vétusté archaïque (habitations modes de vie) et la contemporanéité « économique » (carte de crédit).

C’est le quotidien que filme Hadi Mohaghegh dans sa simplicité (on est en droit de penser à Abbas Kiarostami) et dans ses composantes vie et mort (dont celle de la gardienne qui s’éteint après avoir  "accompli son devoir"  en interdisant l’accès à un  "inconnu" -illettrée elle ne peut vérifier l’authenticité de la carte professionnelle de l’agent), un univers  où la cécité ne saurait entraver les puissances olfactives (cf l’épisode de l’aveugle).

On ne peut que souscrire aux propos du cinéaste « En faisant ce film, j’ai souhaité montrer la dignité des habitants de cette région, malgré tous les problèmes et les difficultés qu’ils affrontent. Ce qui m’intéressait c’était d’approcher ces gens simples, solidaires et qui vivent dans la simplicité de la nature. Ce film est pour moi le film le plus important que j’ai réalisé

Un film à ne pas rater !

Colette Lallement-Duchoze

de Robin Campillo (Madagascar, Belgique, France)

avec Nadia Tereszkiewicz, Quim Gutiérrez, Sophie Guillemin, Charlie Vauselle

Début des années 1970, sur une base de l’armée française à Madagascar, les militaires et leurs familles vivent les dernières illusions du colonialisme.

« Vous venez d’atterrir dans le plus bel endroit du monde, la base 181, le lieu de tous les plaisirs, un vrai petit village gaulois, une famille ».

Une famille en effet!

Voici  l’adjudant Robert Lopez (l’Espagnol Quim Gutiérrez), sa femme Colette (étonnante Nadia Tereszkiewicz) et leurs amis les Guedj (Sophie Guillemin et David Serero), ils ont  préparé un déjeuner au soleil pour accueillir Bernard (Hugues Delamarlière) qui vient d’être muté depuis la France. On s'invite , on boit , on danse!

Oui un paradis terrestre que cette base avec sa piscine, son mess, le centre médico-légal , l’église,  l’école,   et surtout l’environnement !!! Une vie de « garnison » -il s’agit d’une base de l’aviation française- qui semble s’épanouir dans la dolce vita (sensualité à fleur de peau , corps filmés dans leur immédiateté sensorielle)

Mais vont apparaître, d'abord impalpables, des fêlures !!!

Et ce n’est pas pur hasard si le film s’ouvre sur Fantômette (personnage romanesque créé par G Chaulet,  une gamine portant loup et cape noire doublée de rouge) cette justicière dont le fils de Robert et Colette, Thomas, lit (et simultanément « visualise ») les exploits. Le réalisateur a choisi comme principal angle de vue,  celui de ce gamin (son double?)  ; nous verrons les adultes à travers son regard, regard qui lui-même s’introduit subrepticement à travers des interstices de planches, derrière des vitres (jeu fantastique d’images déformées et d’ombres suspectes). Les parents (couple bancal devenu) l’autoritarisme et le virilisme du père, les relents de racisme, l’impossible relation entre la jeune ouvrière malgache et un lieutenant, tout cela se mêlerait-il (consciemment ou non) à la culpabilité du cinéaste d’avoir été fils de colon ?? (culpabilité qui éclate d’ailleurs en des formules percutantes dignes d’un philosophe).

Hélas ! certaines « scènes » sont comme surjouées visuellement (concomitance à l’écran de paroles ancrées dans le présent, de leur visualisation immédiate qui donne corps au récit, et abondance de flash-backs justificatifs) leur itération frôle le « procédé » et en voici  d'autres beaucoup trop explicatives (soit une table en aragonite ; gros plan sur le plateau, la mère explique qu'il représente le paysage malgache.... dès lors vont se  succéder des images aériennes sur la « géographie physique » de l’île !!!)

L’île a connu l’indépendance en 1960 (ce qui est rappelé dans le film) ; nous sommes en 1970 la France a perpétué 10 ans durant son emprise coloniale, à travers ces « expatriés » militaires, des « usurpateurs ». Le dernier tiers du film est le chant de la victoire. Les « autochtones » jusque-là invisibles ou relégués au rang de subalternes vont occuper le « devant » de la scène ; libération des manifestants, force du collectif, prises de paroles de leaders militants, tout est mis en œuvre pour célébrer la reconquête.

L’île rouge enfin débarrassée de ses « envahisseurs » ?

Foisonnant (abondance de détails suggestifs, festival de couleurs, rythme) audacieux (suggérer l’imperceptible, mêler ambiance crépusculaire celle de la nostalgie du never more côté colons et épiphanies solaires côté enfants), L’île rouge est un film que je vous recommande, malgré tous les malgré…!!

Colette Lallement-Duchoze

de Joe Lawlor et Christine  Molloy (Irlande 2021)

avec  Ann Skelly, Aidan Gillen, Orla Brady

Rose, étudiante en médecine vétérinaire, décide de contacter Ellen, sa mère biologique qu’elle n’a pas connue. C’est une actrice à succès qui ne veut pas développer de relation avec Rose. Cette dernière se montre très tenace et Ellen finira par révéler un secret qu'elle a caché pendant plus de 20 ans. À la suite de cette découverte, Rose va se rapprocher de son père biologique…

Construit comme une tragédie à l’antique ( dans laquelle les deux femmes victimes du diabolique prédateur se vengeront telles les Erinyes ou les Euménides), théâtralisé à l’extrême (jeu des espaces clos, des cadrages, plans fixes prolongés,  et plans séquences) ce film a hélas!  le revers de ses qualités.

Cette quête des origines avec suspense, ce drame de l’identité qui s'opère en deux temps et qui est vécu sur le mode majeur-, cet entremêlement de réalisme cru et d’images mentales (par moments en effet la frontière est ténue entre ce qui s’impose à l’écran et ce qu’imagine, anticipe Rose/Julie dont la pugnacité est sans pareil et l’actrice Ann Skelly brille sans conteste dans son interprétation) , auraient pu entraîner l’adhésion du spectateur.

Hélas ! la musique stridente et envahissante, l’artificialité de la mise en scène, le parallélisme trop appuyé entre le « métier » du père biologique, archéologue, et la volonté d’exhumer les strates du passé, le dénouement attendu, les dialogues qui trop souvent donnent la fâcheuse impression d’être récités, sans conviction, tout cela et bien d’autres choses encore, fait que l’on « décroche » assez vite (alors que le tout début était prometteur ) déçu de s’être allé, presque malgré soi, à sélectionner un tel film.

Attention: La forme peut tuer le fond

Colette Lallement-Duchoze