Documentaire réalisé par Karim AÏnouz (2021 Brésil/France/Argentine) 

// Image : Juan Sarmiento G. // Son : Björn Wiese, Laure Arto // Montage : Ricardo Saraiva // Musique originale : Benedikt Schiefer

• 2021 Festival de  Cannes  Sélection officielle - Séances spéciales
• 2021 FIFAM festival international du film d'Amiens Grand prix catégorie long métrage documentaire & prix étudiant 

Janvier 2019. Le cinéaste Karim Aïnouz décide d'entreprendre son tout premier voyage en Algérie. Accompagné de sa caméra et du souvenir de sa mère Iracema, il livre ici un récit détaillé du voyage vers la terre natale de son père ; de la traversée de la mer à son arrivée dans les montagnes de l'Atlas en Kabylie jusqu'à son retour, entremêlant présent, passé et futur.

La mer s’agite, un nouveau départ. Je voyage pour toi, je voyage pour finir ce que tu as commencé. Je pars aussi pour trouver enfin mon Ithaque, mes origines, un sens à mon existence. Pour trouver ce que tu n’as jamais pu avoir. La mer m’emporte, presque malgré moi.

Cartographie du souvenir, lettre d’amour à la mère Iracema Brésilienne qui aura élevé seule son fils, (récit intime à la première personne, en voix off, qui poursuit autant l’être aimé par-delà la mort que le spectateur et que l’auteur lui-même) interrogations sur l’identité (qu’illustre l’apparent oxymore du titre) mais aussi questionnement(s) sur deux cultures dont l’Histoire souvent chaotique a bafoué saccagé les règles de la démocratie

Oui Marin des montagnes (sorte de « retour aux sources ») est tout cela à la fois

Et d’un point de vue purement formel le cinéaste multiplie en les exploitant les spécificités du 7^ème art : ralentis ou accélérés, enchâssement de récits ou légendes, insertion d’extraits de films ou de photos, vibrations colorées, incrustations, changements de perspective, profondeur de champ et arrêts sur images, surimpressions,

Déconstruction et reconstruction, deux forces animent ce « voyage » (le premier qu’il effectue en Algérie), un voyage essentiellement « poétique » : avoir préféré le bateau à l’avion c’est prendre le temps de construire les « ponts » entre les deux cultures, s’adresser à la mère défunte comme à l’aimée c’est entreprendre pour elle, avec elle, dans le sillage de son ombre tutélaire, un voyage qu’elle aurait dû( ?) ou pu ( ?) faire avec le fils

Rappelons que Brésilien par sa mère et Kabyle par son père Karim Aïnouz (dont nous avions tant apprécié La vie invisible d’Euridice Gusmao mais aussi plus récemment le (très) controversé Jeu de la reine) aura su mêler (souvent habilement) intimité et Histoire. Creuser les origines de deux cultures, n’est-ce pas creuser les siennes ?

Et loin de certains clichés -sur Alger la blanche par exemple- peut s’imposer le rouge de l’embrasement…

Ecoutons Karim Aïnouz

Pour Marin des Montagnes, j’ai voulu prendre les risques que la maturité et l’expérience m’autorisent - avant tout un risque artistique en me distançant de ce que je connais, en ouvrant le projet à l’inattendu, en laissant le hasard, qui est après tout mon droit de naissance, m’amener à découvrir des choses que je n’aurais pas pu savoir au début de mon voyage. Ce film nous invite à tendre la main, à croire en l’inattendu, à nous souvenir d’avoir l’espoir et la foi en nos compatriotes qui vivent sur la planète. Peu importe la distance ou la différence que nous pensons avoir, nous sommes tous, en fait, intimement liés.

A ne pas rater!

(attention horaires Omnia Rouen jeudi  18h10, vendredi 20h20, samedi 16h, dimanche 14h,  lundi 18h10, et  mardi   11h )

Colette Lallement-Duchoze

 De Delphine Girard (Belgique 2023)

avec Selma Alaoui, Anne Dorval, Guillaume Duhesme Veerle Baetens

Prix du public à la Mostra de Venise 2023 dans la section parallèle Giornate degli autori, (équivalent de la Quinzaine des réalisateurs à Cannes)

Une nuit, une femme en danger appelle la police. Anna prend l’appel. Un homme est arrêté. Les semaines passent, la justice cherche des preuves, Aly, Anna et Dary font face aux échos de cette nuit qu’ils ne parviennent pas à quitter...

La première séquence (qui joue le rôle de prologue) est à couper le souffle, tant le mystère et le suspense sont savamment entretenus. Nous sommes embarqués, -tel un passager clandestin- dans l’habitacle d’une voiture. C'est la nuit. La  route semble déserte!…La passagère (dont nous ne voyons que la nuque et la main) est censée appeler sa sœur, elle déguise son affolement par des détails plausibles (garde de l’enfant par exemple, retard) C’est en fait un appel au secours que captera – après hésitation- ….la policière du centre d’urgence à l’autre bout du fil , à ses questions précises (afin de localiser puis intervenir) la passagère répond par des monosyllabes (donner le change au conducteur qui maugrée, s’impatiente)

En parallèle, deux univers dans le bleu de la nuit :- un habitacle de voiture, un centre d’urgence open-space dans une tour , deux paroles, deux discours ; deux formes d’affolement, de terreur,! Mais  un lien qui se tisse entre les deux femmes, pour une séquence filmée en temps réel (temps minuté,  minutes d'éternité!  )

Mais que va-t-il se passer après  ? La mémoire de la nuit, de cette nuit entachera le quotidien des trois protagonistes .... Quitter la nuit, ​​​​​​ Est-ce  possible ?

Entrevues ressassements interrogatoires;  analepses aussi : ces retours en arrière qui permettent au spectateur de visualiser un avant de se familiariser avec lui,  Tout cela conjugué  frappe  moins par l’éclatement des  points de vue que par la tendance affichée (en écho au mode de pensée qui continue à sévir -même après #Me Too)- qui veut inscrire une histoire réelle de viol dans l’ambiguïté permanente (et si c’était consenti ?) et dans la minoration des faits (simple incident de parcours) et faire le procès de « deux discours » (parole contre parole) en évacuant la réalité (d’ailleurs à un moment Aly a l’intention de retirer sa plainte…) Aly ne serait pas la "bonne victime"? (elle a entre autres refusé l'examen médical complet)  Dary un violeur? (trop affable amène avec  les siens..) 

Un éclaircissement lent et douloureux ; au brouillage à la suspicion entretenue substituer la clarté de l’évidence, tel est bien l’intérêt majeur de ce film,  son enjeu :  "quitter la nuit"  (seconde acception de la formule  à valeur programmatique) 

Y contribuent l’éclatement de la chronologie, l’enchâssement et/ou le télescopage et la confrontation des récits, des différents points de vue, les tâtonnements réitérés. et bien sûr la prestation des trois acteurs

Une approche originale -surtout si on la compare aux propos édifiants de certaines productions…

Un film que je vous recommande, même s’il n’échappe pas à certains poncifs

Même si la lenteur ….calculée,.... peut parfois irriter

Colette Lallement-Duchoze

De Jawad  Rhalib   (Belgique 2023)

avec Lubna Azabal, Fabrizio Rongione, Catherine Salée, Kenza Benbouchta Ethelle Gonzales-Lardued, Johan Heldenberg, Babetida Sadjo, Mehdy Khachachi

Prix du Public, CitéCiné, le Festival International du Film Politique de Carcassonne –

Prix du Public, Festival Palm Springs - Best of Fest 2024

Présenté en avant-première à Rouen, lors du  festival Ciné Friendly  vendredi 11 avril en présence du réalisateur 

Sortie en salles mercredi 17

Argument: Amal, enseignante dans un lycée à Bruxelles, encourage ses élèves à s’exprimer librement. Avec ses méthodes pédagogiques audacieuses et son enthousiasme, elle va bouleverser leur vie. Jusqu’à en choquer certains. Peu à peu Amal va se sentir harcelée, menacée

Non ce film n’est pas une diatribe contre la communauté musulmane. Le titre n’est-il pas suffisamment éloquent ? Amal ou le portrait d’’une enseignante (admirablement interprétée par la talentueuse Lubna Azabal) qui contre vents et marées revendique sa passion pour la liberté d’expression,  milite pour la sauvegarder (le choix du poète musulman Abu Nuwàs-libertin et bi- du VIII° siècle n’est pas anodin). Oui , l’école est et doit rester ce lieu privilégié où s’épanouit l’esprit critique (et non de critique) loin des idéologies sectaires (dont le radicalisme musulman) Allah n’a pas sa place dans une salle de classe ; affirme péremptoire l’enseignante. OR quid de la laïcité dans les écoles belges ? (nous l’apprendrons par le générique de fin…)

Courageux le réalisateur Jawal Rhalib a su mettre les « mots »  sur les « maux » loin des stéréotypes (attendus et clivants)

La scène d’ouverture est à couper le souffle ; en écho lui répondra la toute dernière, dure acérée tel un couperet. Entre les deux le « parcours » de deux victimes « sacrificatoires ». (on a tous en mémoire la tragédie de Samuel Paty) Voici en plan très rapproché une jeune fille vue de profil qui vient d’être tabassée (meurtrissures bleutées arcades sourcilières sanguinolente) la cloison des toilettes encaisse ses cris, les frappements de ses mains comme une caisse de résonance ; puis un gros plan sur son tatouage « memento mori » (« souviens-toi que tu vas mourir » mais la traduction littérale souviens-toi que tu es en train de mourir serait-elle prélude à… ?). De quoi Monia est-elle le « nom » ou le « non », pour être ainsi harcelée jusqu’au « châtiment» par les « siens » ? (Modernité tenues vestimentaires tatouages, et surtout ... homosexualité ?)

Amal -esprit libre car libéré du carcan de l’intolérance- va s’employer à « gérer » la sauvagerie de la discorde, (par une méthode qui rappelle la maïeutique), évacuer coûte que coûte les effluves délétères voire morbides qui polluent l’ambiance où l’imam (interprété par Fabrizio Rongione) exerce une influence néfaste, insidieuse en dehors de tout contrôle, où certains parents s’immiscent dans la vie scolaire en exigeant le respect de leur loi dans le choix des auteurs inscrits au programme, où l’administration prône avant tout la sécurité » (argument qui sert à maquiller la lâcheté) ambiance où la puissance virale des réseaux sociaux et la haine diffusée (et diffuse) peuvent décider du sort d’une « victime » (justice immanente et charia). Amal est …. seule, dans ce parcours de combattant dont le film restitue les étapes, telle une tragédie à l'antique ( avec son chœur et son coryphée, avec sa structure  de l’exposition au dénouement-), étapes souvent lisibles sur le visage de Lubna Azabal, qui d’un regard d’un battement de cil d’un sourire, de lèvres closes comme suturées exprime  bienveillance ironie, détermination  ou au contraire exaspération, affolement

La bande-son coupée au plus fort d’une empoignade en classe et voici qu’à la violence verbale se substitue celle des gestes ou des grimaces de visages déformés, comme autant de stigmates de la haine ; avant que ne retentisse l’injonction « silence » proférée avec fermeté par l’enseignante, un moment décontenancée par l’explosion. C’était comme l’acmé de la « tragédie »

Le film tourné essentiellement à l’intérieur de l’établissement -salle de classe salle de réunion- ou dans l’appartement d’Amal- ,plonge le spectateur in situ, in media res (un seul plan en large panoramique sur la ville). La caméra immersive l’invite ainsi à n’être pas seulement « regardeur »

Un film coup de poing à ne pas rater ! 

Colette Lallement-Duchoze

'De Rodrigo Moreno  (Argentine/Brésil/Luxembourg/ Chili) 2023 (durée 3h10)

avec Daniel Elias, Esteban Bigliardi, Margarita Malfino, German de Silva, Laura Paredes, Cecilia Rainero 

présenté au  festival de Cannes 2023 (section Un Certain Regard)

présenté à Rouen  lors du festival à L'Est  du 12 au 17 mars en Compétition d 'Est en Ouest

Román et Morán, deux modestes employés de banque de Buenos Aires, sont piégés par la routine. Morán met en oeuvre un projet fou : voler au coffre une somme équivalente à leurs vies de salaires. Désormais délinquants, leurs destins sont liés. Au gré de leur cavale et des rencontres, chacun à sa manière emprunte une voie nouvelle vers la liberté...

Un film étrange audacieux qui mêle habilement  -parfois en les pulvérisant- les codes de certains films de genre : le polar la romance. Un  film où l’onirisme côtoie le réalisme cru, où la poésie transcende l’immanence, où le burlesque et l'humour pactisent avec le sérieux et le grave.  Composé de deux parties il oppose ville (Buenos Aires) et nature quasi idyllique (région de Cordoba); le grouillement les architectures (cf les différents angles de vue pour cerner une forteresse, la banque où sont employés Román et Morán) à la musique du  silence,  à la précieuse rareté des fleurs, à  la majesté d’un cheval , à la somptuosité des étendues (vastes panoramiques) à la vie idyllique dans une nature comme « inviolée » (l’ascension de Morán et les vues en contre plongée n’en seront que plus exemplaires).

Oppositions mais aussi échos : ainsi la banque est présentée d’emblée comme un univers carcéral (gros plans sur les serrures et grillages, et bruitages inhumains) et c’est le même acteur qui interprète le « boss » (banque) et le « caïd » (prison) ; deux employés de banque (le « complice » d’abord réticent assumera le choix imposé) deux sœurs ; un vidéaste cinéaste qui arpente les étendues magiques (et ce très gros plan sur une fleur rouge improbable) double de Rodrigo Moreno?  (peut-être). On  pourrait multiplier les exemples et inscrire ce film dans la production argentine foisonnante (cf  Trenque Lauquen Trenque Lauquen Parties 1 & 2 - Le blog de cinexpressions ) signe d’un incroyable dynamisme  culturel (hélas compromis  par les choix mortifères du nouveau président  ???…)

Certes le découpage peut sembler artificiel (d’autant que le début de la partie II n’est que le prolongement d’une séquence de I) peut-être que le film a été conçu dans la durée ; certes les split-screen d’abord assez singuliers (les bras des deux protagonistes filmés en des décors et circonstances dissembalbles donnent l’impression de se « toucher » ) répétés, ils perdent leur originalité ; les anagrammes (Moran Roman Norma) , doublées par le jeu des initiales du réalisateur (R M)  et certaines interprétations confiées aux mêmes acteurs, mêlent un peu facilement le ludique et le  symbolique et on pourra toujours déplorer l’irréalisme d’une rédemption par la poésie (cf le caïd en prison)

Mais tout cela -broutilles pour esprits chagrins - s’inscrit en fait dans une approche qui fait la part belle aux lectures plurielles (d’où le choix du « double ») de même que la déclamation de la grande salina (Ricardo Zalarayá) irrigue le film de poésie, de même que la pochette du disque Pappos Blues, baladée au rythme du scénario apparemment (ou délibérément) tortueux joue le rôle de talisman ; et ce n’est pas pur hasard si le film se clôt sur  un  hymne à la liberté  

 A ne pas manquer

Coletet Lallement-Duchoze

Documentaire réalisé par Andrés Peyrot (Panama/France 2023) 

En 1975, Pierre-Dominique Gaisseau, explorateur français, se rend au Panama pour réaliser un film sur la communauté fermée des Kunas, où la femme est sacrée. Or, le projet fait faillite et les Kunas attendent toujours de découvrir leur film.

Tout commence (film + histoires)  par ces images d’archives ; nous voyons Pierre Dominique Gaisseau recevoir en 1962 un Oscar pour son documentaire Le ciel et la boue ; nous apprenons aussi qu’en 1975, il fut l’hôte de la communauté Kuna (peuple d’Amérindiens vivant dans l’archipel de Kuna Yala, le long de la côte caribéenne du pays). Communauté matrilocale qu’il avait filmée (fasciné par son mode vie, ses pratiques cultuelles et son organisation sociale , si éloigné.e. s de sa « civilisation occidentale »)  et à laquelle il avait fait la promesse solennelle de faire connaître « dieu est une femme » Mais rien ne se passa comme prévu…

Andrés Payrot cinéaste suisse d’origine panaméenne se rend en 2010 à Ustupu ; le souvenir de cette promesse est toujours vivant (Dieu est une femme jamais visionné serait attendu comme un film miroir?) Dès lors va débuter une « quête » (retrouver ces bobines) qui se double d’une enquête. Film d’aventures ! Nous serons aux côtés du cinéaste et du poète Arysteides Turpana, âme de cette communauté ;  après sa mort en 2020 le récit serait désormais orphelin de son héraut ? Peut-être,  mais le cinéaste le veut avant tout « collectif » , et surtout débarrassé de ces oripeaux censés épater le  "touriste " (et flatter son regard "ethnocentrique")

Ainsi deux récits vont être menés de pair ou de front, le questionnement sur la fonction du documentaire dit « ethnographique » n’en sera que plus percutant. Après avoir assisté (comme en direct à la découverte des bobines puis à leur restauration, à leur transport presque dédaléen) nous serons convoqués au plus près de tous les habitants de l’île pour voir sur cet immense « écran » de fortune ce qu’étaient ces gamines (aujourd’hui adultes) ou leur père (aujourd’hui décédé) accomplir le rite de l’hyménée par une danse rituelle, la communauté dans son ensemble (rites de passage, "tonte" des cheveux certainement douloureuse)

Une « mise en abyme » donc pour un film hybride. Avec l’option de la simultanéité (comme dans des split screen) Juxtaposer dans le même cadre des extraits d’un passé restauré et le moment présent, voilà un exercice d’autant plus périlleux que le commentaire en off s’offusque de l’approche « occidentalisante » et que la proximité du présent d’hier avec celui d’aujourd’hui abuse parfois de surimpressions ou de fondus enchaînés 

Restera gravée la personnalité de cette femme qui tout en commentant l’image de ce qu’elle a été, est comme déifiée, mais sans être idéalisée tout simplement parce que son regard authentique bat en brèche toute tentative de « folklorisation » mal venue…

A voir !

Colette Lallement-Duchoze