Documentaire réalisé par Laura Chiossone et Giulio Boato (Italie 2023)

avec Sara Lazzaro (voix narratrice ) Tommaso Amadio (Titien)  Leonardo Scarpa (Le Titien jeune ) Giovanni Tomassetti (Le Titien âgé)  Titian)  Diego Carli  (Pierre l'Arétin)   Alessia Di Fiore (Isabelle D'Este) Jessica Piccolo Valerani (comédienne) 

Duché de Venise, au début du XVIe siècle. Le jeune Tiziano Vecellio descend des montagnes pour rejoindre la ville dorée. De Ferrare à Urbino, de Mantoue à Rome en passant par l’Espagne de Charles Quint et de son fils Philippe II, Le Titien a traversé le siècle en l’éclairant de ses peintures. Extraordinaire maître de la couleur et brillant entrepreneur de lui-même, innovant tant dans la composition d'un tableau que dans la manière de le vendre, il devient en quelques années le peintre officiel de la Sérénissime, l'artiste le plus recherché par les cours les plus riches et les plus influentes d'Europe

Un titre prometteur.  Un synopsis alléchant.

Oui le "peintre phare" de la Renaissance italienne formé par les frères Bellini peaufinera sa vie durant les techniques du « chromatisme et du tonalisme » afin de donner l’impression que  "la lumière émane des corps représentés ou de la peau ". Oui Le Titien fut animé d’une ambition démesurée Oui Le Titien est dans les plus grandes collections muséales

Les poncifs "peintre de la couleur, peintre de l’invention, peintre de l’idéologie impériale " les deux cinéastes ont pour ambition de les décrypter : en analysant un itinéraire, en faisant appel à des experts internationaux et en choisissant les œuvres les plus emblématiques (profanes mythologiques ou religieuses) où la Madone les Nymphes les Venus font jaillir  la sensualité de la chair, où les portraits des puissants rivalisent d’ambition (dans l’auto célébration de leur pouvoir)

Dont acte.

Mais le choix des « reconstitutions » et leur traitement rappellent les insipides vulgarisations dans lesquelles se complaisent certains documentaires -sous couvert de « pédagogie » Que le peintre soit interprété par plusieurs acteurs correspondant aux différents âges de sa vie, à la limite pourquoi pas (encore qu’il ne s’agit pas de biopic ) Mais voici des comédiennes mimant, imitant les poses des toiles et dans le même plan/cadre voici une confrontation/miroir qui hélas ! vire au grotesque ! (le pire étant cette mini séquence où la comédienne Jessica Piccolo Valerani « double » de Cecilia Soldano, la femme aimée du peintre, agonise sur son lit de parturiente…)

Et que dire de la « reproduction du geste artistique » sinon qu’il s’inscrit dans une débilitante supercherie ? du recours aux fumigènes ?

Ce documentaire pèche en outre par excès de didactisme proche du bavardage pontifiant : historiens de l’art, conservateurs et directeurs de musées, universitaires et artistes se succèdent ; filmés assis ou debout, le débit assez rapide pour certains, ils évoquent qui la genèse d’un tableau, qui un contexte politique géographique ou social, qui la modernité du Titien « entrepreneur »

On retiendra les interventions de Jeff Koons, grand  "démystificateur" : évoquant le rôle du mécénat et  la vie d’atelier au XVI°, il les met en parallèle avec des situations "contemporaines" .Ironie ? Autodérision ?

Au final on a la fâcheuse impression que les deux réalisateurs ont concentré dans cette « célébration » tous les clichés (spécieux et décevants) du documentaire sur l’art

Colette Lallement-Duchoze

D' İlker Çatak  (Allemagne 2023 )

avec Leonie Benesch (Carla Nowak), Michael Klammer (Thomas Liebenwerda), Rafael Stachoviak (Milosz Dudek), Anne-Kathrin Gummich (Dr. Bettina Böhm), Eva Löbau (Friederike Kuhn)...

Alors qu’une série de vols a lieu en salle des profs, Carla Nowak mène l’enquête dans le collège où elle enseigne. Très vite, tout l’établissement est ébranlé par ses découvertes

En resserrant l’action dans le huis clos qu’est le gymnasium, en focalisant le propos sur une enseignante (professeure de math de sport et professeure principale), en faisant le distinguo entre « avoir raison » et « avoir ses raisons » le cinéaste cherche à enfermer le spectateur dans cette ère du soupçon …si contemporaine !!

L’enseignante aime son métier, ses élèves ; elle a choisi la « justice »-or les moyens sont contestables, voire illégaux- (la vidéo comme arme de révélation massive, ne serait-elle pas un clin d’œil à Haneke ? ) Admirablement interprétée par Léonie Benesch, Carla Nowak va se mettre à dos des parents indignés, forcément indignés, des collègues frustrés, des élèves désobéissants (ah la fronde du silence) une direction plutôt mollassonne et vers le dernier tiers du film elle sera la spectatrice de ses échecs et non plus sujet (le basculement est lisible dans cette scène où elle perd littéralement pied, s’immobilise seule dans une foule/marée qui, l’enveloppant, lui fait perdre l’équilibre tel un tsunami). L’ultime sursaut -défendre coûte que coûte Oskar le fils de la « prétendue » voleuse - sera un cuisant échec (ce dont témoigne le plan final, peu convaincant d’ailleurs, même s’il allie onirisme et dérision)

Echec d’une « méthode » pédagogique ? échec de tout un système ?

Inégalités de traitement, relents délétères de racisme, défaite de la sacro-sainte autorité, fabrique de l’opinion (avec la caricature des médias) ces problèmes reflets de la société, -dont certains abondamment illustrés- participent à une tension qui ira crescendo (d’ailleurs on compare ce film à un thriller). Et les différents « groupes » (élèves professeurs administration parents) peinent à « communiquer » tant chacun veut exercer le « pouvoir » qui lui est dévolu (la rencontre entre équipe pédagogique et représentants d’élèves ou celle entre professeurs et parents valent leur pesant d’hypocrisie…)

Le cinéaste a opté pour le format 1,33 ; souvent étouffant il est censé enfermer le(s) personnage(s) dans le cadre); or dans le contexte du huis clos n'y aurait-il  pas redondance? Ou du moins surlignage ? (Simple question). D’autant que la « topographie » interne à l’établissement scolaire, et sur laquelle enchérit le cinéaste dans la façon de la filmer, est précisément celle du cloisonnement et du labyrinthe (avec ses portes ses escaliers ses vitres et ses salles)

Prisonnière de ses idéaux, seule contre tous, Carla Nowak tâtonne, se rebelle, ose la contradiction qui la met en porte-à-faux, hébétée au regard hagard, (et le leitmotiv du compositeur Marvin Miller, accompagnera chaque retournement de situation de ses violons lancinants)

Se méfier du « genre hybride » -film de fiction aux allures de documentaire ! Quand bien même le spectateur serait le témoin privilégié d’une tranche de vie documentée à la matérialité réaliste ou naturaliste, il aura assisté à une une « parabole sociale » un « thriller pédagogique » au rythme soutenu grâce aux effets « boule de neige »

Un film qui « a secoué l’Allemagne » (clame l’accroche publicitaire)

Est-ce un « chef d’œuvre » ? on peut en douter…

Colette Lallement-Duchoze

De Stéphane Brizé (2023)

avec Guillaume Canet,   Alba Rohrwacher 

Musique Vincent Delerm 

Présenté à Venise Compétition 2023

Avant-première Omnia lundi 4 mars 2024 en présence de Stéphane Brizé et de Vincent Delerm 

Sortie 20 mars 2024

Mathieu habite Paris, Alice vit dans une petite cité balnéaire dans l’ouest de la France. Il caresse la cinquantaine, c’est un acteur connu. Elle a dépassé la quarantaine, elle est professeure de piano. Ils se sont aimés il y a une quinzaine d’années. Puis séparés. Depuis, le temps est passé, chacun a suivi sa route et les plaies se sont refermées peu à peu. Quand Mathieu vient diluer sa mélancolie dans les bains à remous d’une thalasso, il retrouve Alice par hasard.

Après la trilogie sociale (​La  loi du marché 2015, ​En guerre 2018 et Un autre monde 2022, avec Vincent Lindon en « figure de proue ») voici un film plus intimiste : soit une énième « variation » sur le thème de l’amour. Mathieu  un  célèbre acteur  hyper nanti,  vient d’abandonner un rôle de théâtre …un mois avant la première...Hors saison dans une cité balnéaire de la côte bretonne, hors circuit médiatique (encore qu’il ne peut se soustraire aux demandes de selfies) assumera-t-il  sa "lâcheté"?

Une vue aérienne sur une route rectiligne à travers la lande ouvre et clôt le film (une seule voiture au tout début, à la fin deux voitures roulant en sens inverse ..) L’aspect «rectiligne » est-il censé contraster avec le prétendu « tourment  intérieur »? De même que les faux allers retours seraient-ils censés reproduire un itinéraire qui a eu lieu mais qui aura cessé d’être ? (Alice ne vient-elle pas poursuivre et clore ce qui avait été laissé en suspens 15 ans auparavant ?). Le film semble obéir à cette dialectique. Une première partie tel le réceptacle immobile d’états d’âme et dans une seconde un questionnement « à deux » sur les réminiscences sur un amour passé sur ses possibles « antérieurs » et « futurs » mais qui s’exprimera précisément par les « non-dits » Une caméra fixe -à l’instar de Guillaume Canet figé dans son mutisme et son immobilité-, avant la « rencontre » avec Alice. Soit la fixité dans un décor aseptisé blanc, celui de l’enfermement -choisi consenti et pourtant si mal assumé ; puis la présence « solaire » d’Alba Rohrwacher ainsi que son phrasé irrigueront le film. De même l’alternance plage, thalasso tout en créant un tempo participe à cette prétendue dichotomie Avoir opté pour la décorrélation (rupture entre le son et l’image) est en soi original mais trop récurrent ce choix vire au « procédé » . Il en va de même d’ailleurs pour l’humour : comique de situation ou absurde à la Tati (machine à café, porte de placard motorisée) mais sans l’effet gag si particulier (Mon Oncle).

Certes le paysage, est à la fois décor état d’âme et personnage (pour exemple ces blocs de froideur minérale qui simultanément servent d’assises récompenses aux pauses de silence méditatif que s’en vient – à peine ?-, perturber une rafale d’eau ou de vent ; ou encore la profondeur du bleu céruléen qui envahit les flots ou le ciel ; et ces embruns hors saison…. ) Mais que de longs plans trop appuyés  sur l’écume ! Que de silences  trop étirés !!

Est-ce dû à la première collaboration de Stéphane Brizé avec Gaumont ? Au scénario co-écrit avec Marie Drucker (dont nous entendrons la voix, car elle interprète l’épouse de Mathieu, une femme au ton ferme, donneuse d’ordres, sans état d’âme, soit l’opposée d’Alice) … ???

Quoi qu’il en soit voilà un film convenu avec un côté désuet et cette « petite musique » signée Vincent Delerm.

On retiendra toutefois le mini film dans le film : l’interview de Lucette filmée par Alice sur son portable ; le minuscule écran s’élargit ; nous voyons la septuagénaire de face, évoquer sans réticences son parcours d’amoureuse : elle a enfin trouvé l’âme sœur qu’elle épouse à 72 ans après une vie de femme fidèle, sans amour, et de mère pleine de sollicitude.

A vous de juger!!!

Colette Lallement-Duchoze

de Veerle Baetens (Belgique Pays-Bas 2023)

avec Rosa Marchant, Charlotte de Bruyne Amber Metdepenningen, Matthijs Meertens, Anthony Vyt, Sebastien Dewael

De nombreuses années après cet été où tout a basculé, Eva retourne pour la première fois dans son village natal avec un énorme bloc de glace dans son coffre, bien déterminée à affronter son passé...

Adapté du bestseller Het Smelt (ça fond ; en français « débâcle ») de Lize Spit, ce premier long métrage de Veerle Baetens est un film sur la non résilience. Deux temporalités -en miroir-, (faire progresser en parallèle deux moments de la vie d’Eva), un « fil rouge » : la devinette (d’abord « ludique » elle participera au « macabre ») deux façons de filmer

Mutique esseulée assez « gauche » telle apparait au tout début Eva assistante photographe à Bruxelles. Un gros plan sur un regard énigmatique (fuyant ?) un autre sur un paquet/cadeau qu’elle fait chuter de la table. Quel secret enfoui au profond ? Les infos sont livrées avec parcimonie et les gestes frappent par leur lenteur calculée. En acceptant l’invitation pour une soirée commémorative organisée dans le petit village des Flandres où elle passait ses vacances, Eva sait qu’elle trouvera tous les protagonistes de son enfance – ceux, notamment, d’un événement qui a bouleversé sa vie, l’été de ses 13 ans…. Mais elle ne sera pas animée par la vengeance. La cinéaste affirme d’ailleurs avoir réalisé Débâcle pour « tous ceux qui enfouissent leurs souffrances au plus profond d’eux-mêmes, à un endroit où personne ne pourra les deviner et d’où elles les dévorent peu à peu. ».

Veerle Baetens a de toute évidence travaillé les « raccords » entre les deux périodes : l’été des 13 ans (où tout a basculé) et le présent, jusqu’au plan final où les deux visages d’Eva vont se saluer, dans la simultanéité de leur apprivoisement réciproque …par-delà et à travers la vitre.

Faire dialoguer les temporalités en passant par exemple d’un plan d’Eva enfant regardant vers la gauche à un plan d’Eva adulte regardant vers la droite ; importance du regard tourné ou tendu vers…quand l’autre (famille ami) détourne le sien et accepte plus ou moins le climat de misogynie.  Ou au contraire en enfermant Eva adulte dans le cadre, afin de la rendre prisonnière alors que le cadre est le réceptacle de tous les possibles pour la période de l’enfance. Un contraste s’impose aussi dans la façon de filmer les deux temporalités. Ainsi l’été de l’enfance est dominé par le chatoiement de couleurs chaudes alors que le présent frappe par des teintes plus « glacées » -qu’accentuent le mutisme et certaines longueurs. Constat purement formel toutefois car le passé restitué à hauteur d’enfant sait mêler exubérance complexité et sadisme (la jeune Rosa Marchant a reçu le prix d’interprétation à Sundance tant son jeu est formidable); aucun temps mort, aucun détail superflu, aucune complaisance dans la « maltraitance ». Eva souffre de ne pas être reconnue par une mère alcoolique qui lui préfère la cadette ; Eva souffre de n'être que la « copine » de Tim dont elle est amoureuse, elle accepte pour lui plaire d’hameçonner de « belles » jeunes filles pour un quiz & strip.

Bourreau elle sera victime.

Et si la caméra est souvent virevoltante pour capter l’effervescence de l’adolescence, alors qu’elle est plus distante pour filmer Eva adulte, les deux Eva n’ont de cesse de « retrouver » -chacune à sa façon certes-, cette place confisquée, qui participe à l’identité…galvanise une personnalité

Eva ma sœur de quel amour blessé…

Eva ton hurlement silencieux !

Un film à ne pas manquer

Colette Lallement-Duchoze

De Lisandro Alonso (Argentine France Mexique 2023)

avec Viggo Mortensen (Murphy) Chiara Mastroianni (Maya / Colonel) Alaina Clifford (Alaina) Sadie Lapointe (Sadie) Viilbjørk Malling Agger (Molly) Adanilo (L'indigène disparu) 

Festival de Cannes 2023 Hors compétition 

Alaina, accablée par son travail d'officier de police dans la Réserve de Pine  Ridge, décide de ne plus répondre à sa radio. Sans nouvelles, sa nièce  part en Amérique latine pour un voyage qui s'avère mystique

Le temps est une fiction inventée par les hommes 

Le film s’ouvre sur un western (une parodie ?) en noir et blanc au format 1,33, puis le cadre s’élargit en même temps que s’étrécit la série…. Télévisée… avant les infos météo ; nous sommes (second mouvement) dans la réserve de Pine Ridge (Dakota) où nous allons suivre la « ronde de nuit » d’une policière ; elle disparaît de l’écran et de la fiction et c’est avec sa nièce Sadie que nous allons effectuer un voyage dans le temps et l’espace (années 1970 jungle amazonienne). Conquête de l’Ouest, politique d’oppression de l’Amérique actuelle, et politique capitaliste au Brésil -dernier quart du XX°- telles sont les trois séquences constitutives de ce film

Un « motif » imagé formel semble les relier celui de l’oiseau, (le jabiru d’Amérique ?) une plume que caresse et interroge Murphy dans le saloon (western) plumes sur le canapé où s’était assise Sadie (avant le « trip » concocté par le grand-père) et voici que (faussement) majestueux l’oiseau entre dans la chambre où « repose » le transfuge après avoir été soigné par la "guérisseuse" ; l’oiseau qui surplombait de ses ailes éployées la réserve, l’oiseau qui aura permis de passer d’une contrée à une autre, d’une temporalité à une autre. Mais ce lien narratif s’enrichit d’une critique suggérée ou explicite. Le réalisateur ne se contente pas de "montrer" les indiens Natifs déshumanisés réduits à des épaves et ce, avec  réalisme,  il s’insurge contre leur anéantissement programmé et la récurrence de l’effacement -voire de l’enfouissement-, d’une séquence à l’autre le prouverait aisément : les Amérindiens sont « effacés » du western (à la fois par Murphy et la femme shérif) ; la policière et sa nièce sont vouées à « disparaître » (mort symbolique) tant elles sont mésestimées et les autochtones en III sont « dépouillés » de leurs biens par les colons rapaces…

Un film exigeant, audacieux. (quand bien même on serait insensible à  l'animisme mystique qui préside à la troisième partie) Certains plans sont d’une sidérante beauté (quand le blanc envahit tout le cadre, quand la barque motorisée semble confondre l’élément liquide et l’imaginaire du blessé, quand une contre plongée magnifie le rôle du guide ou de l’oiseau, quand la policière impose sa corpulence placide au réel) et la bande son (due au percussionniste Domingo Cura) est parfois envoûtante

Mais en optant pour la complexité (et son inévitable artificialité, transformant le réalisateur en « chamane  de la condition indigène» suppléant les trois guides de sa fiction) en recourant aux très longs plans fixes (comme dans Jauja), aux contrastes appuyés (monde des vivants et  des morts, neige et jungle, réalisme et imaginaire, vie moderne tumultueuse et vie contemplative, mutisme et paranoïa, misère et chercheurs d’or) le cinéaste a pris le risque de décevoir:  la dynamique de la rupture  ne brouille -t-elle pas l’implicite de la « théorie » ? et on est acculé  à s’interroger au lieu de se laisser (trans)porter……

Certains spectateurs risquent de rester à quai…..

Colette Lallement-Duchoze