de David Schickele 1971 USA  (film en noir et blanc restauré)

avec Paul Eyam Nzie Okpokam, Elaine Featherstone

 festival international de Chicago 1971 Best first feature 

jamais diffusé en France 

En 1968, Martin Luther King est assassiné et la guerre du Biafra entraîne une terrible famine. Gabriel a fui le Nigéria et vit à San Francisco, au contact de la communauté afro-américaine comme des milieux bohèmes blancs. Dans ces États-Unis très agités des Sixties, sa vie d'exil est jalonnée de rencontres, d'escapades et d'errances, mais il reste habité de souvenirs et de la nostalgie du village de son enfance. Bientôt, son visa arrive à expiration.

Bushman ou 

Le périple américain de Gabriel, un immigré nigérian dans le San Francisco de la fin des années 60... jusqu'à ce que son interprète (Paul Eyam Nzie Okpokam) se retrouve lui-même renvoyé du territoire

Voici Gabriel (interprété par Paul Eyam Nzie Okpokam) exilé en Californie professeur à l’Université (la guerre civile dans son pays est palpable et dans les propos et dans les photos d’archives de cadavres jonchant les rues) ; et d’ailleurs l’alternance Californie/Nigéria, pays « d’accueil » et « pays d’origine », avec des parallèles d’un continent à l’autre, sera comme la colonne vertébrale de ce film où les différents récits de Gabriel vont mettre comme en exergue la double thématique douleur de l’exil et illusion de l’intégration, ce que permet le croisement entre « récit oral » et «récit filmé »

La scène d’ouverture encode le film (comme très souvent les prologues d’ailleurs) Pieds nus sur le goudron un homme (les baskets sur la tête) avance dans l’immensité d’un paysage post industriel… ; puis il est pris en stop par un biker lequel lui pose la question « comment résister aux seins nus des filles de ton pays » (comment le cliché est préjugé racial, comment la « contre-culture » américaine est elle-même imprégnée du racisme ambiant…)

Nous suivons -au fil de ses récits- ses déambulations, ses errances où s’entrechoquent différentes temporalités (le flash-back est traité en simultanéité avec l’instant présent). Faisant fi des « convenances » Paul/Gabriel dit avec humour parfois (le visage envahit l’écran alors que se dessine l’ironie sur les lèvres) à la fois l’incompréhension face à ses « frères » (des Blancs… à la peau noire) et le traitement infligé par la « plus grande démocratie » du monde aux Noirs exilés L’acteur Paul Eyam Nzie Okpokam en sera lui-même la victime (dans le dernier tiers du film quand il n’apparait plus à l’écran et que son sort -accusation bidon, prison, maltraitance, expulsion - est relaté en voix off par le réalisateur Schickele  … (rappelons que ce cinéaste était alors considéré alors comme un des représentants du cinéma direct, ce courant qui entendait, dans les années 70, montrer la vérité par l’artifice, obtenir le spontané par la mise en scène, une sorte de procédé revendiqué auparavant par les tenants français de ce qui s’appelait alors le cinéma vérité dont un des grands théoriciens fut Jean Rouch)

Si le contenu des différents «récits » filmés est varié -réaliste, empreint d’onirisme, franchement documentaire-, la récurrence de ce plan fixe où l’acteur assis face à la caméra « raconte » … sa jeunesse au Nigeria -  crée précisément une rupture  - uniquement formelle-  avec le flux des séquences (on retiendra celle du dandy en kimono qui lui fait des « avances »-comme un écho aux « invitations » du père Salomon au Nigeria, celle de la danse au rythme de « respect » d’Aretha Franklin ou encore celle où sa partenaire blanche le félicite de ne pas avoir été perverti par la « culture américaine » ; de même on sera guidé par le regard du protagoniste fixant cette affiche publicitaire -éloge de la femme noire occidentalisée au brushing « impeccable »- dans le bar où il est avec son amie noire (cf affiche…)

Les Blancs considèrent cet immigré comme une « bête de cirque » -sur laquelle le cas échéant on projette ses fantasmes, l’administration comme un « être nauséabond » à éliminer, alors que la « communauté noire américaine » a une vision spécieuse et faussée du continent africain, tout cela dans un contexte de racisme mortifère (USA 1968 assassinat de Martin Luther King); et de guerres civiles en Afrique (notamment entre la province sécessionniste du Biafra et le pouvoir fédéral du Nigeria)

Gabriel/ Paul bushman pour l’éternité ?

Voilà ce que dénonce David Schickele (1937-1999) dans ce film tourné en 1968

Un film qui ne souffre nullement du mélange fiction documentaire et réalité documentée

Un film d’une grande liberté formelle (montage et ton) et dont le contenu résonne encore dans notre actualité

UN FILM A NE PAS RATER  

Colette Lallement-Duchoze

( séances Omnia jeudi 20h20 salle 8; samedi 18h15 salle 8, dimanche 11h  salle 3 et mardi 14h salle 6)

d'Olivier Casas (2024)

avec Mathieu Kassovitz, Yvan Attal.

Informé de la soudaine disparition de son frère, avec lequel il partage un incroyable secret, un quinquagénaire part à la recherche de ce dernier.

La survie de jeunes gamins (au départ 5 et 7 ans) dans la forêt de Charente Maritime, vivant d’expédients,  grelottant de froid etc. et ce, pendant 7 ans…enfants qui seront soudés à jamais, en une fusion incompressible …c'est "l'histoire vraie" dont s'est inspiré Olivier Casas

En la portant à l'écran, le cinéaste  a fait le choix de l’alternance -allers et retours entre le présent et le passé : Michel architecte quinquagénaire, père de famille, part -en abandonnant TOUT- à la recherche de son " frère" au Québec, frère porté disparu depuis quelques jours. I Sa voix off « raconte» (redondance avec l’image à l’écran souvent), interprète la teneur du lien qui l’unit à Patrice (on vous passe les pseudo réflexions existentielles ! et les commentaires « virilistes » !) Il est donc censé se revoir enfant, et ce, à plusieurs moments de leur survie, moments annoncés à chaque fois par des encarts en bas de l’écran. Or ce choix de l'alternance, par son systématisme devient vite procédé quand il ne se double pas d’une autre confrontation (en surimpression) dans une même temporalité ; avec des raccords artificiellement surlignés (le fusil en très gros plan qu’utilise Patrice au Canada, l’œil du chasseur adulte et celui de l’enfant armé de sa fronde visant un animal, l’étreinte des corps). De plus ce sont les mêmes images qui reviennent, dont ces plans prolongés sur les enlacements, au cœur de la forêt -ennemie et tutélaire- quand elles ne sont pas nimbées d’invraisemblances (en rappelant la froidure on voit les deux gamins cou, jambes et bras dénudé.e.s et on devine l’artificialité du prétendu grelottement)

L’épisode canadien est censé reproduire » (dupliquer) à des décennies d’intervalle celui de l’enfance (cabane au fond des bois, muette complicité, étreinte) auquel il est nécessaire d’ajouter ce jeu d’échecs -avec sa prétendue symbolique !!! Las ! non seulement Michel ne pourra « guérir » son frère aîné de son mal-être, mais le spectateur a droit à une longue séquence souvent soporifique (qu’agrémente parfois la singularité de l'accent canadien) 

Malgré les ellipses temporelles, malgré l’omerta sur le brillant cursus post universitaire des deux frères, fâcheuse et désagréable impression d’étirements et de longueurs inutiles et la captation de l’émotion (genre tire-larmes) est accentuée par une musique illustrative envahissante. …

La disparité flagrante entre les deux interprétations (Mathieu Kassovitz bien plus convaincant qu’Yvan Attal) nuit au propos (d’autant que Michel/Yvan Attal est le « narrateur » exégète ! celui qui  « dévoile » le secret  ) Quant aux personnages dits secondaires, ils sont réduits à de pures figurations (la petite fille du réalisateur Jodorowsky qui interprète Murielle de Robert, la mère, semble poser pour une revue de mannequinat, les propos comminatoires de la fille de Michel « je ne te parle plus si tu n’es pas présent pour mon anniversaire » sont d’une ringardise !!!  et j’en passe….)

Au final le film  pèche précisément par les choix narratifs et visuels que s’est imposés Olivier Casas et par cette injonction à l’adresse du public de se sentir en empathie avec la nostalgie d’une fratrie édénique d’avant (ou hors de) la civilisation…

Un film  décevant (et c’est un euphémisme)

Un film que je vous déconseille

Colette Lallement-Duchoze

Ps  Au générique de fin apparaîtra le "vrai" Michel… 78 ans. De même on pourra lire des informations qui inscrivent l’histoire de Michel et Patrice dans la triste réalité des enfants abandonnés pendant la seconde guerre mondiale surtout quand ils ont été conçus hors mariage

documentaire réalisé par Sonia Kronlund ((France 2023)

Il s'appelle Alexandre, Ricardo ou Daniel. Il se dit chirurgien ou ingénieur, argentin ou brésilien. Il vit avec quatre femmes en même temps, adaptant à chacune son récit, et même ses traits de caractère. Enquête à la première personne, avec l'aide d'un détective privé, sur un imposteur aux mille vies imaginaires.

Sonia Kronlund a découvert l’immense imposture de l’escroc en 2017 (par le témoignage de Marianne pour l’émission « les pieds sur terre ») ; témoignage qui est entré en résonance avec son propre vécu (lequel est d’ailleurs rappelé dès le prologue « les hommes que j’ai aimés étaient souvent menteurs ») et après avoir consacré un livre à "l'homme aux mille visages"  elle va se lancer à la recherche de cet escroc ce "serial lover" , aidée par un détecteur privé …c’est le sujet de ce documentaire !

D’abord volontairement brouillé le visage de cet homme va se « révéler » (suite à l’entrevue avec une juriste) et au final ce sera de pied en cap qu’il apparaîtra à l’écran en une sorte d’épilogue assez savoureux ; la réalisatrice usant elle-même de subterfuges, pour le « coincer ».

Son documentaire frappe  par un montage « musclé » qui épouse le labyrinthe en forme de kaléidoscope où les multiples identités du « serial lover » la mènent en des lieux très éloignés,(Brésil Pologne France)  aux côtés de ces femmes abusées

Récit composite qui joue autant avec les temporalités qu’avec les lieux,  qui multiplie les points de vue, qui fait la part belle aux « confessions » des femmes « victimes de l’imposture » (signalons que ce sont pour la plupart des actrices qui endossent en la racontant la douloureuse réalité),

Un récit où intervient la réalisatrice: elle se filme dans le cadre aux côtés de ces femmes interviewées (que ce soit au volant d’une voiture ou à l’intérieur d’appartements) ou en frontal;  et sa voix va rejoindre  tel un écho celle de toutes ces femmes (une chorale polyphonique)

Récit aux allures de thriller parfois (la planque du détective dans l’habitacle de sa voiture dans l’attente de l'instant propice à…, les rideaux de l’appartement qui s’écartent, les voix off etc.)

Un récit qui n’a nullement la prétention de faire œuvre de psy, sur la mythomanie par exemple

Un récit à la vertu cathartique ? vengeresse (comme le dit explicitement Sonia Kronlund dans la toute dernière séquence) ?

Les réponses seront multiples....

Colette Lallement-Duchoze

De Jalone Camborda (Espagne 2023)

avec Janet Novás, Siobhan Fernándes, Carla Rivas, Daniela Hernán Marchaán, María Lado, Julia Gómez, José Navarro, Nuria Lestegás, Diego Anido

Coquille d'or au Festival de San Sebastián.

1971, Espagne franquiste. Dans la campagne galicienne, María assiste les femmes qui accouchent et plus occasionnellement celles qui ne veulent pas avoir d'enfant. Après avoir tenté d'aider une jeune femme, elle est contrainte de fuir le pays en laissant tout derrière elle. Au cours de son périlleux voyage au Portugal, María rencontre la solidarité féminine et se rend compte qu'elle n'est pas seule et qu'elle pourrait enfin retrouver sa liberté.

O Corno L’ergot de seigle en galicien, champignon vénéneux pour la céréale. Il favorise aussi les contractions lors d’accouchement et d’avortements, Et par deux fois dans le film nous verrons les doigts délicats de Maria l’extraire, avant concoction  « Une histoire de femmes » : la réalisatrice va mettre en scène tout un réseau féminin de solidarité (une voisine prévient Maria de quitter au plus vite l’île suite à un tragique avortement, Mebel l’héberge au poste frontière, la « prostituée » lui accordera  une aide précieuse  O corno est aussi un plaidoyer pour que les femmes puissent disposer d'elles-mêmes, de  leur corps - et si les faits sont censés se dérouler en 1971 -soit sous l’ère franquiste- il interroge aussi notre présent où l’avortement est remis en cause…

Le film s’ouvre sur le corps d’une parturiente : convulsions, spasmes, sueur, cris, visage taraudé par la douleur. Gros plans et plans serrés sur ce corps allongé debout assis accroupi ; et dans les ultimes contractions voici deux corps soudés : celui de Maria (aux mains agiles, à la voix de plus en plus ferme) enlaçant le corps de celle qui va accoucher …

En écho à cette séquence liminaire répondra la scène finale (bande-son coupée … ne pas spoiler !) et en écho inversé la scène de l’avortement…mais l’apparente discordance ou défiguration s’inscrit avec force dans ce poème toujours recommencé qui célèbre le(s) pouvoir(s) de la femme. A l’instar de cette barque qui glisse sur les interdits de la contrebande, de ces regards complices qui bravent les lois, de ces lumières qui clignotent, comme autant d’appels au secours pour « libérer » la voie qui rendra la vie sauve

Maria (interprétée par la danseuse Janet Novàs) est cette femme généreuse, Maria à la cicatrice au ventre que remarque l’enfant, Maria et ses secrets enfouis, Maria qui confrontée aux propos comminatoires de la jeune femme « si tu ne veux pas m’avorter je le ferai moi-même » sera expulsée de son pays (après le drame) Maria exilée survivant au Portugal entourée d’autres femmes. Maria allégorie de toutes ces femmes qui bravent ce qui entrave leurs libertés !!!. Le film semble structuré en deux mouvements distincts ?  aux scènes de la vie villageoise succéderait la fuite, la longue errance (avec ses embûches, ses pauses) jusqu’à la brisure définitive des chaînes. En fait l’enjeu de la première partie est de révéler le malaise social qui restreint les choix de vie de ces femmes, coupées en deux pour le spectacle d’hommes qui ne sont ni des génies ni des magiciens…

L’attention accordée aux détails aux atmosphères sera une constante dans le film , constante renforcée par la lenteur du rythme. Voici un gros plan sur l’ergot, sur les mains qui cueillent délicatement l’eau, sur les pieds meurtris par tant d’errances ; voici des ambiances feutrées, celles de la taverne aux couleurs ocres mordorées aux jeux de clair-obscur sur des visages avinés  et en vaste panoramique c’est la majesté stupéfiante des paysages de Galice, la blancheur moite ou opalescente des champs de blé.

Tout cela participe de(et à) de la même célébration d’une histoire de femmes

A ne pas rater !!!

Colette Lallement-Duchoze

De Ryüsuke  Hamaguchi  (Japon 2023)

Musique d'Eiko Ishibashi

avec Hitoshi Omika, Ryo Nishikawa, Ryüji Kosaka

Lion d'Argent Grand Prix du Jury Mostra de Venise 2023

Takumi et sa fille Hana vivent dans le village de Mizubiki, près de Tokyo. Comme leurs aînés avant eux, ils mènent une vie modeste en harmonie avec leur environnement. Le projet de construction d’un « camping glamour » dans le parc naturel voisin, offrant aux citadins une échappatoire tout confort vers la nature, va mettre en danger l’équilibre écologique du site et affecter profondément la vie de Takumi et des villageois…

" Ne lâche pas la bûche des yeux"

Après les mégapoles, toiles de fond des précédents films de Ryusuke Hamaguchi, voici le village de Mizubiki perdu dans les montagnes de Nagano, et une immense forêt où l’on s’égare en même temps que l’intrigue gagne en consistance…; là où vivent Takumi, bûcheron père célibataire et homme à tout faire,  sa fille Hana ; là où une réunion oppose les « locaux » les villageois aux représentants de Playmode défendant le projet de « glamping » (glamour + camping). (Longue séquence traitée comme un film dans le film)

Non pas un film écologique (c’est ce qu’affirme le réalisateur) quand bien même le titre serait une antiphrase, quand bien même la récurrence de ce plan sur la carcasse d’un faon, la stridence de coups de feu et certaines scènes plus champêtres (couper le bois, s’approvisionner en eau) nous inciteraient à comparer ce film -aux allures de conte - à une « fable écologique »- Fable où la musique envoûtante d’Eiko Ishibashi -qui a préexisté - la fixité de certains plans, la lenteur de gestes presque séculaires célèbrent la connivence entre Takumi et une nature qu’il «vénère » apprivoise dans sa flore et  sa faune, tout en accomplissant les gestes de destruction -dont l'abattage d'arbres-,  mais une nature dont il a appris les « lois » fussent elles les plus mortifères, (l’épisode de la cognée, le discours sur les cerfs, la battue et la scène finale font de Takumi le dépositaire d’un savoir et d’une philosophie : accepter les équilibres entre les forces en présence  )

Tout ne serait-il pas « dit » ou du moins « encodé » dès le début ? Voici un très long et très lent travelling ascendant vers le gris du ciel, ciel que l’on devine à travers les branchages et les feuilles, feuilles de moins en moins drues branchages devenus stigmates de la mort, alors qu’un ample mouvement musical, épousant la majesté de la tristesse, accompagne cette contreplongée… Dès le plan suivant, l’œil de la gamine, Hana, s’est substitué à celui de la caméra. La musique s’est tue mais Hana est à l’écoute d’autres musiques celles que dispense cette forêt ….où elle va se perdre !

Le film est parcouru de « signaux » comme autant d’alertes, de balises traitées souvent avec la grâce de la pudeur ou de la poésie (ce que renforce le choix de plans-séquence qui étirent le temps); tout comme le réalisateur se plaît à multiplier les regards et les perspectives et en leur absence il fait la part belle à ce mariage entre bande-son et image dans la captation du vivant « l’eau coule toujours vers le bas » (dit le maire lors de la réunion) …Tout en nous incitant (sans injonction morale) à ne pas rompre  l'équilibre entre les forces (dont celles des humains) entre les "ordres" 

Un film qui se regarde comme on écoute de la musique. C’est-à-dire, plus que pour son sens, pour les remous qu’il produit à la surface de notre conscience. (tel est le vœu du cinéaste)

Un film à ne pas rater!

Colette Lallement-Duchoze