D'Emmanuelle Bercot

Avec Rod Paradot, Catherine Deneuve, Sara Forestier, Benoît Magimel

Quelque chose ne tourne pas rond dans ce film qui a fait l'ouverture du festival de Cannes; et pourtant il serait, dit-on,  ovationné et plébiscité par le public et la critique

Faisons fi des invraisemblances (irruption du jeune Malony au bloc opératoire afin d'éviter une IVG, choix de Catherine Deneuve pour interpréter la juge; un procureur forcément inhumain, des éducateurs forcément dévoués) puisque nous sommes dans une fiction et non dans un documentaire. Mais la dialectique intrinsèque qui fait de Malony (et de ce qu'il est censé représenter -incarner un  déterminisme social, à Dunkerque de surcroît -) un individu partagé constamment entre deux forces contradictoires qu'un happy end va dissoudre, est assez suspecte. Si l'on ajoute l'interprétation de Sara Forestier qui en fait trop en mère ignare, fragile et pourtant aimante (pourquoi diable l'avoir en plus défigurée avec ces lamentables chicots....) Et violoncelle sur le gâteau, du Schubert....

On est trimbalé avec Malony en centres d'accueil, en CEF et jusqu'à la prison, avec visites régulières dans le bureau de la juge. (10 ans  ça crée des liens!!  ce que renforcent les clichés faciles -mère de substitution ou gros plan sur les mains qui se cherchent).  La caméra est certes souvent convulsive virevoltante à l'image de ce rebelle délinquant; et le rythme de la narration fait alterner moments de rage et d'accalmie. Mais on fait comprendre que le "dressage" est nécessaire au processus "réinsertion éducation". Le spectateur assiste à un face à face quasi permanent entre deux camps aux comportements antinomiques: réserve, empathie parfois, ténacité dans la volonté de "bien faire" d'une part, violence comportementale et verbale de l'autre . Pire, on prend soin de rappeler à cet ado combien il coûte à la "société" (200 voire 800 euros/jour)

Un manichéisme trop voyant; un hommage appuyé au système qui a su mettre en place tant de structures d'accueil de réinsertion d'éducation (dont les jeunes n'auraient que faire....) après tout "on les met sur des rails à eux de...."

Un bémol: la scène inaugurale: dans le bureau de la juge, Malony, 6, 7 ans, est abandonné par sa mère qui a pété les plombs; quelques gueulantes quelques mouvements de caméra, et le regard presque hébété de l'enfant: tout est dit!

Et une mention spéciale à Diane Rouxel (en Tess la petite amie de Malony) dont le jeu si élégant de sobriété force l'admiration (on l'on avait vue récemment dans The Smell of us )

Colette Lallement-Duchoze

de Israël Horovitz

Avec Maggie Smith (Mathilde) Kevin Kline (Mathias) Kristin Scott Thomas (Chloé)

Israël Horovitz est un dramaturge bien connu de certains spectateurs rouennais (en effet il a accompagné la Comédie errante depuis sa création; en 1995 il assistait à deux de ses pièces présentées par la compagnie; et surtout il lui a offert de créer en France plusieurs de ses textes...). Avec My old Lady il signe son premier film en adaptant pour l'écran sa pièce "Très chère Mathilde". Afin d'éviter le piège du "théâtre filmé" il promène sa caméra au gré de l'itinéraire de son personnage principal: Mathias (Kevin Kline) qui vient prendre possession d'un appartement légué par le père défunt. Ainsi quand il n'est pas à l'intérieur de l'hôtel particulier, il déambule dans le Marais, sur les quais, sur les bords de Seine, il découvre des "jardins secrets" etc. Paris, la ville où ont vécu les auteurs que le réalisateur vénère Ionesco, Beckett et auxquels il rend hommage dans le générique de fin. Mais cette immersion dans le "charme de la capitale" ne résiste pas aux pièges du dépliant touristique (un panoramique saisit Notre Dame drapée de lumière, un travelling suit le flux ondulant de la Seine, et que dire de ces gros plans isolant des panneaux?) C'est à mon humble avis la partie faible de ce film...

Reste la comédie, soit l'essentiel; et comme souvent chez l'auteur la légèreté n'est qu'apparente. Le viager -pratique bien française mais saugrenue pour un étranger, un Américain à Paris de surcroît - va être le prétexte à des élucubrations, à des jeux de mots (comique de situation, comique de langage). Mais bien vite les "maux" qui ressurgissent tels des fantômes -et dont les trophées ne seraient que la piètre caricature – loin de solder définitivement le passé, le réhabilitent en un jeu de miroirs grâce à une série de légers rebondissements, pour mieux l'assumer!!! Dans cet intérieur où s'entassent meubles et objets poussiéreux, où certaines pièces ne sont même plus "habitées", où les photos de famille sont lovées dans des tiroirs, Mathias guidé par Mathilde la nonagénaire et sa fille Chloé, entraînera le spectateur dans son voyage intérieur, la quête de soi!

Si le contraste entre le jeu (exubérant) de Kevin Kline et celui (plus en retenue) des deux actrices Maggie Smith et Kristin Scott Thomas participe du ressort de la comédie; le décalage entre Mathilde la nonagénaire qui impose désormais ses horaires fixes, et la jeune femme au tempérament volcanique qu'elle a été, en dit long sur la dégradation de la vie....Ne serait-ce pas, au final, la thématique essentielle de ce film?

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire autrichien de Johannes Holzhausen

 A l'occasion de la rénovation d'une aile du Musée de l'Histoire de l'Art à Vienne, le film nous plonge au coeur de cette institution colossale, et nous fait partager l'intimité de ses employés. Directeur général, conservateurs, équipes de nettoyage, manutentionnaires, historiens de l'art... nous entraînent dans leur quotidien, au service des oeuvres...

De Roy Andersson (Suède)

Avec Holger Anfersson (Jonathan), Nils Westblom (Sam) Charlotta Larsson (Lotta la boiteuse) Viktor Gyllenberg (le roi Charles XII) Lotti Törnros (le professeur de flamenco) Jonas Gerholm (le colonel solitaire) Ola Stensson (le capitaine/barbier) Roger Olsen Likvern (le gardien)

Musique: traditionnelle

Lion d'Or festival de Venise 2014

Voici le troisième volet de "la trilogie des vivants"; 39 tableaux, 39 plans-séquences et cette façon de filmer si caractéristique de ce cinéaste suédois: caméra et plans fixes, importance des premiers et arrière-plans (quelque chose se joue ou se noue dans la profondeur de champ)  choix de personnages en déshérence -pantins mutilés par la  vie-, choix de couleurs ternes délavées, mélange de réalisme et d'onirisme. Mais si dans "Chansons du deuxième étage" (découvert à Rouen grâce au festival du cinéma nordique 2000/2001) les emprunts à Otto Dix et le thème de la culpabilité collective dominaient, ici "tout serait onirique mais sans explication" . Et de fait nous pouvons voir un homme brusquement s'effondrer alors qu'il tentait d'ouvrir une bouteille de vin, une patronne de bar (Lotta la boiteuse) offrir une coupe en échange de baisers, mais aussi le roi Charles XII demander dans un bar où sont les toilettes, les veuves éplorées suite à la bataille de Patlova (ah ce fourbe de Russe!) et surtout vers la fin un énorme cylindre en cuivre mis au point par les colonialistes pour broyer des esclaves...

Le cinéaste alterne scènes d'intérieur (appartement, bar, salle de gym, couloir et chambre d'un asile, etc.) et extérieurs (des décors bien évidemment avec des fenêtres aux improbables reflets et cette ambiance de désolation!). Sam et Jonathan à la mine terreuse et triste sont vendeurs de "farces et attrapes" (dents de vampire, masques et coussins péteurs) et ce duo sert de fil conducteur à la thématique de la joie de vivre (lebenslust) même si leur sort est peu enviable (hébergement dans un asile de nuit à l'atmosphère sordide, glauque). Mais au-delà du décalage entre leur fonction et leur apparence, ils rappellent le couple Laurel et Hardy dans la relation dominant dominé....Et Roy Andersson qui déteste l'humiliation est toujours parti en guerre contre cette forme d'aliénation qu'il a dénoncée dans des séquences mémorables et inimitables depuis "Chansons du deuxième étage"

Ainsi la joie de vivre c'est la panoplie des deux vendeurs (à plusieurs reprises on entendra des personnages dire au téléphone "je suis content(e) de savoir que vous allez bien"  même si...) Roy Andersson, lui, a cherché à créer une tension entre le comique et le tragique, entre le banal et l'essentiel"  Pari réussi!

En tout cas, on devine son bonheur de filmer dans le sillage de ce tandem -et surtout dans la veine des peintres Otto Dix, Georg Scholz - et de signer ainsi une oeuvre/fable où dominent "humour et horreur" ; n'en déplaise à tous ses contempteurs, et ils sont nombreux !

Colette Lallement-Duchoze

De Antoine Barraud

Avec Bertrand Bonello (Bertrand) Jeanne Balibar (Célia Bhy) Géraldine Pailhas (l'autre Célia Bhy) Joana Preiss (Barbara) Barbet Schroeder (le médecin) Pascal Gregorry (Pascal) Nicolas Maury (le jeune journaliste)... et la voix de Charlotte Rampling

Image Antoine Parouty

musique Bertrand Bonello

Festival international du film de Berlin 2015  

Prix d'intrprétation pour Bertrand Bonello -festival de La Roche-Sur-Yon 2014

Voici un cinéaste en crise d'inspiration (la tache rouge dans le dos ou les affres de la création?) interprété par le cinéaste Bertrand Bonello; voici le film en gestation et le film abouti (?). Des extraits de plusieurs films (dont la séquence avec Isild Le Besco dans la Madeleine d’entre les morts) dans le film. Une déambulation dans les musées (Gustave Moreau Beaubourg Le Louvre) et les commentaires d'une historienne de l'art (j'ose espérer que le phrasé de Jeanne Balibar se prête à la "critique" des discours pédants et abscons). Des clins d'oeil (peut-être appuyés) à Vertigo -la thématique du double -deux historiennes de l'art et l'on passe de l'une à l'autre sans ménagement, la scène du musée. D'autres (tout aussi appuyés) à la filmographie de Bonello (la statue de l'Hermaphrodite, des commentaires sur Tiresia; certaines ambiances aux couleurs chaudes qui rappellent l'Apollonide, etc...).

Mais si tout convergeait vers le tableau "Autoportrait au miroir" de l'artiste belge Léon Spilliaert?

“je voudrais bien… faire un film… autour de la monstruosité”  dit le cinéaste à sa productrice et à ses acteurs (dont Pascal Gregorry) ; la voix off de la mère (Charlotte Rampling) au début du film nous informait déjà sur les goûts esthétiques de son "fils". Après Chasseriau Moreau Miro Balthus, le cinéaste se trouve face au tableau de Spilliaert et par un jeu de champ contrechamp, lui le regardeur est devenu le regardé. Spilliaert révèle le caractère inquiétant de notre propre reflet (il surgit dos au miroir et voici son visage en décomposition: une bouche, trou béant, un oeil vitreux; la présence d'une horloge sous cloche rappellant la menace du Temps, et la perspective en contre-plongée renforcent l'étrange étrangeté). Dans le film "le dos rouge", le cinéaste (mais aussi son interprète) devenu un "monstre" se "vampirise" en même temps qu'il vampirise ses comparses?. Est-ce là le prix de la Création? En tout cas l'autoportrait au miroir  (et ce serait une mise en abyme) illustre les thèmes du reflet et de la solitude chers au réalisateur ainsi que ses partis pris dans les choix de cadrages pour les oeuvres d'art (vision frontale ou parcellaire; vision globale ou fragmentée et fragmentaire; déformations; vues en contre-plongée)

Mais quelles que soient les "interprétations" ce film  est "avant tout construit comme une fiction, sur le rapport d'un homme à l'art et aux femmes -mère, épouse, amante amie etc.- comme créatures multiples, fascinantes mystérieuses et abyssales" (propos du réalisateur)

Cela étant, on adhère ou on décroche!!!

Colette Lallement-Duchoze