Film de Cronenberg en compétition à Cannes,

Avec Julianne Moore (prix d'interprétation féminine) Robert Pattinson, Mia Wasikowska (Agatha) Evan Bird (Benjie) John Cusack (le père)

Fond bleu -ciel- émaillé d'étoiles et de figures géométriques, les génériques de début et de fin illustrent au sens littéral le titre "maps to the Stars". Starification? Le film investit un espace, celui d'en-bas, que Cronenberg peuple d'emblée de bizarreries: d'où vient cette jeune post-ado (Mia Wasikowska) qui claque 200 dollars pour se faire conduire en limousine vers la maison de...? Quelle est cette femme hystérique (Julianne Moore), "actrice sur le retour' qui cherche à "rejouer" le rôle de sa mère, star des années 60, fantôme qui la persécute? Et cet ado de 13 ans (cocooné par une mère irresponsable) qui a déjà subi des cures de désintox? Etc. La trame narrative qui s'élabore progressivement, mêle adroitement présent, passé et fantasme (au spectateur de démêler ce qui revient à l'un ou à l'autre). Quelques scènes-choc (le coach-gourou, John Cuzack, juché sa "proie" (Julianne Moore) qu'il triture , l'ado arrogant (Evan Bird) face à ses figures de "tutelle" impresario, producteur etc., la fille "revenante" ou "mutante" frappée violemment par le père) en disent long sur la famille Weiss, installée dans des décors design glacés, famille/microcosme qui renvoie, métaphoriquement, au monde d'Hollywood, la cité des stars! Monde où vont se (re)jouer des scènes de vie familiale marquées par l'inceste, où vont surgir la pourriture (vomissements, défécation) et ses stigmates (brûlures sur le visage et les bras d'Agatha, la sœur pyromane); la pourriture comme métaphore d'un milieu abject où, tous, à tous les niveaux (producteur, star, attaché de presse, etc.) et quel que soit leur âge (surtout les plus jeunes) flagornent pour obtenir un rôle, pour être "reconnus". .Hollywood! La cité du cinéma gangrenée par le Mal.(l'égoïsme surtout). Une fresque  assez trash que scande -comme en contrepoint- le poème d'Eluard "Liberté"...

 Comme souvent chez le réalisateur des plans aux cadrages très précis renvoient par analogie à des espaces mentaux, la présence d'un seul personnage au centre d'un plan semble insister à la fois sur la solitude et l'égoïsme. Alors que des effets spéculaires -le film en train de s'élaborer et des extraits d'autres films "bad baby sitter" par exemple- vont mettre en évidence la ténuité de la frontière entre réel et fiction (le jeune acteur n'interprète-t-il pas à l'écran, le trauma qu'il a réellement subi?). Mais c'est bien Agatha la sœur, gantée de noir, pyromane, consumée elle-même de l'intérieur, qui impose les règles du jeu: son arrivée coïncide avec le début du film, son union incestueuse en position de gisant vue en plongée le clôt; c'est elle qui récite le poème d'Eluard, qui s'incruste comme assistante chez l'actrice (Julianne Moore) pour mieux la "manipuler", la posséder et la déposséder. Ne serait-ce pas là une des fonctions majeures du cinéma?  

"c'était un rêve mais c'est fou comme ça avait l'air vrai" (Benjie/Evan Bird)  

"sur les marches de la mort j'écris ton nom : liberté" (voix off de Mia Wasikowska)

Colette Lallement-Duchoze 

Marcel Elkaim le 30/06

Critique au vitriol (plutôt à l'hémoglobine) d'Hollywood mais d'un Hollywood phantasmé... Dès lors pourquoi tant de sang et de complicité dans l'horreur ? Trop c'est trop ! 

de Dean Wright

Avec Andy Garcia, Jorge Luis Moreno, Santiago Cabrera, Eva Longoria, Peter O'Toole

Sorti en 2012 ce film historique mexican vient seulement d'être projeté en France (Saje Distribution)

Synopsis: en 1926 un soulèvement populaire secoue le Mexique suite aux lois du président Callès qui interdisent toutes pratiques religieuses dans l'ensemble du pays. Des hommes et des femmes de tous horizons, les Cristeros vont alors risquer leur vie pour défendre leur liberté et lutter contre les persécutions menées par le gouvernement. Une des pages les plus sombres de l'Histoire du Mexique

Film d'aventures?  A la gloire des cathos? Peut-être

En tout cas  une vulgaire "guimauve manichéenne" (X Leherpeur)

Et l'emphase de la  musique signée James Horner a de quoi faire "gerber"

Alors? ne quittez pas vos pénates

J-M Denis

Film de Emir Baigazin (Kazakhstan, Russie)

Avec Timur Aidarbekov, Aslan Anarbayev

Ours d’argent de la meilleure image, Berlin 2013 ; Grand Prix / Licorne d’or et Prix d’interprétation masculine, Amiens 2013 ; Mention spéciale, Tribeca 2013 ; Meilleur film, Seattle 2013 ; Grand Prix, Sao Paulo 2013 ; Prix spécial du jury, Tokyo 2013 ; Mention spéciale, Gand 2013

 Il est des films qui longtemps après leur projection vous habitent encore (Le cheval de Turin, Ida, Heli, etc.); ainsi du film kazakh "Leçons d'harmonie". Pourquoi? Grâce à cette adéquation presque alchimique entre  fond et forme: préparation méthodique d'une vengeance  et  froideur souvent glaciale de la mise en scène.  Voici Aslan un jeune de 13 ans, plutôt malingre, capable de maîtriser un mouton rétif puis de le dépecer méticuleusement (c'est la scène d'ouverture); le même, au collège victime d'ostracisme, relégué à une solitude fondamentale, il reste muet  (apparemment) face aux supplices infligés par le caïd Bolat, et sa bande (eux-mêmes soumis à plus forts qu'eux). Dans sa chambre monacale (Aslan vit seul avec sa grand-mère) il s'adonne tel un entomolgiste dans son laboratoire, à des "expériences" sur des insectes (gros plan sur des cafards qu'il soumet à des décharges électriques).... Visage fermé, regard absent, il fabriquera l'arme de "destruction" destinée à ceux-là mêmes qui persécutent les plus faibles; avant de subir lui-même, après son "inculpation", les tortures infligées  par les représentants de l'autorité, impavides ou sadiques. Racket, corruption à tous les étages, violence, élimination; un tel microcosme ne serait-il pas l'image de la société kazakhe dans son ensemble? (où les parents d'ailleurs ont déclaré forfait; mais surtout où le communisme a cédé la place à un ultralibéralisme forcené...)

 Comme on enseigne au collège aussi bien Gandhi, Darwin que l'art de la guerre ou l'énergie, le film se prête à différentes métaphores: d'où l'omniprésence des lézards emprisonnés dans un bocal, le très gros plan sur des fourmis dévoreuses d'un ver de terre, le jeu des cadres dans le cadre, les parallélismes entre espèce animale et humaine, ou encore les effets spéculaires (le film s'ouvre sur la scène de dépeçage d'un mouton, il se clôt sur la danse d'un mouton  vu de profil sur les eaux d'un lac, divisant ainsi l'espace entre Aslan vu de dos sur une rive et les silhouettes de ses deux "victimes" vues de face sur l'autre rive...)

 Rythme lent, longs plans d'ensemble fixes, blanc laiteux opalescent de certaines ambiances en contrepoint aux "aveugles ténèbres" de l'antre des caïds, ellipses (qui laissent toujours hors champ les exécutions), récurrence quasi obsédante de certains gestes (Aslan et sa "toilette" forcément lustrale, Aslan et ses vomissements à la simple vue d'un verre...-c'était le trauma originel), pas ou peu de musique (additionnelle)

 Et malgré quelques échappées oniriques, c'est un peu KO (ou frigorifié, c'est selon) que l'on sort de la salle, mais ô combien "ravi"!

Colette Lallement-Duchoze

Film canadien de Xavier Dolan (à la fois scénariste, réalisateur, monteur, acteur) d'après la pièce de Michel Marc Bouchard . Avec Xavier Dolan (Tom) Lise Roy (Agathe, la mère) Pierre-Yves Cardinal (Francis) Evelyne Brochu (Sarah). Musique de Gabriel Yared

 De grâce, laissons les références au vestiaire. Xavier Dolan  avoue lui-même qu'il ne connaît de Hitchcock que Vertigo, mais on s'obstine à voir dans la séquence de la douche une réminiscence de Psychose et dans le rôle de la mère, plus qu'un clin d'oeil à Pas de printemps pour Marnie, etc. Tom à la ferme illustre, selon les propos du réalisateur, "le rat des villes et le rat des champs" "Deux animaux blessés qui s'apprivoisent, et le film montre la manière dont ce rat des villes et ce rat des champs, deux étrangers en deuil, trouvent des façons, aussi violentes soient-elles, de colmater leurs brèches communes".

Voici Tom, publicitaire à Montréal, qui se rend aux obsèques de son ami/amant Guillaume, à la campagne. Voici Francis le frère de Guillaume, un fruste homophobe, qui "sent l'étable"; tyrannique, il va imposer à Tom (afin de préserver Agathe, la mère éplorée, qui ignorait l'homosexualité de son fils décédé) de jouer ce qu'il n'est pas (ce que révélait plus ou moins dès le premier plan, l'emploi du verbe "remplacer" dans le billet d'amour et d'adieu qu'écrit Tom sur un mouchoir).

Le spectateur assiste à un drame: celui des faux-semblants, de la violence (contenue ou explosive) que sous-tend la dynamique Eros/Thanatos - le point d'orgue étant la scène de tango dans une grange immense où Francis guide, domine, rejette pour mieux l'enlacer Tom, son partenaire.... Le premier face-à-face entre les deux hommes est filmé dans le noir; l'ombre menaçante de Francis vient percuter le corps de Tom et cherche à l'étouffer...Ce sera aussi une course-poursuite dans les champs de maïs, aiguisés comme des "couteaux"...Unis dans le mensonge, et progressivement par une relation sado-masochiste qui ne dit pas son nom, les "frères ennemis" cohabitent dans l'atmosphère assez oppressante d'un huis clos: chaque lieu de cette ferme isolée -cuisine, chambre, étable, garage - suinte d'angoisse et dénonce le piège...(effets de clair-obscur, de profondeurs de champ, de changements d'échelle)

Ce qui m'a gênée toutefois, c'est la complaisance du réalisateur à se filmer. Pour preuves: après une vue aérienne sur la voiture qui sillonne la morne immensité de la campagne, voici un gros plan sur le visage de Tom au volant; à son arrivée à la ferme, long travelling sur le personnage et sa valise; dans la scène du bar (les explications/révélations du barman sur le passé de Francis m'ont paru "artificielles") Tom est assis au zinc: gros plan sur ses grimaces/tics et sa façon de siroter sa bière; idem pour le flash back du karaoké; pas un plan (ou presque) où n'apparaisse, effarouché, moqueur, humilié, balafré, le visage (ou une partie du corps) de Tom!

Cela étant, le jeune réalisateur de 25 ans qui signe là son quatrième film, n'en est pas moins talentueux. Et puis il y a la musique de Gabriel Yared

Colette Lallement-Duchoze

PS: Les spectateurs qui ont quitté la salle dès le début du générique de fin, n'auront pas vu les "images" d'un décor urbain suggéré (retour de Tom à Montréal ) contrastant avec cette  parenthèse "champêtre" qui n'eut rien de "bucolique".... 

Film mexicain de Amat Escalante

Prix de la mise en scène à Cannes 2013

Avec Andrea Vergara (Estala) Juan Eduardo Palacos (Beto) Armando Espitia (Heli)

La scène inaugurale a de quoi faire frémir! Un long plan fixe en plongée sur un visage ensanglanté calé par un pied; puis la caméra glisse sur le corps et celui d'un acolyte, tous deux allongés à l'arrière d'un pick-up; extérieur nuit; une route; arrêt; le corps du premier sera pendu à la balustrade d'un pont; plan d'ensemble; vision quasi fantomatique de ce corps qui n'est plus qu'épouvantail. Les bourreaux? Ils sont masqués. Les raisons d'une telle violence? Ce sera l'objet du premier tiers du film. Voici une famille ordinaire -cinq personnes: le père, la fille Estala, le fils Heli sa femme et leur bambin - qui vit très modestement dans une petite ville perdue dans un désert aride (voir l'affiche). Heli travaille comme son père à l'usine automobile locale, il rêve d'être "responsable"; sa petite soeur quant à elle rêve de concrétiser sa "romance" avec Beto (jeune recrue de l'armée mexicaine). Rêves à jamais brisés suite au vol de deux paquets de cocaïne par Beto! C'est toute la famille qui va subir d'atroces représailles!  La scène de torture en est le point culminant: un bourreau s'acharne à frapper le dos de Beto (jusqu'à ce que mort s'ensuive); puis on brûle ses parties génitales -une bande-son amplifie les cris de douleur. Violence filmée sans concession, sans détour, crûment, frontalement! . Scène d'autant plus insoutenable qu'elle est "vue" par des gamins (invités d'ailleurs à participer à cette barbarie) et qu'en profondeur de champ se devine la silhouette d'une femme préparant un repas....Et ce fut précisément le grief formulé par certains festivaliers... Mais le problème de la "légitimité": a-t-on le droit (dans une fiction) de filmer de tels actes de violence, est à mon avis un faux problème; la seule interrogation "légitime" porte sur les causes de cette violence: pourquoi en est-on arrivé là (dans la réalité) dans un pays désormais gangrené de toutes parts; même dans cette "immensité aride" la télé diffuse la barbarie. Moins criante, plus insidieuse la violence perdure dans la seconde partie du film : comment survivre à un tel traumatisme? Est-ce tout simplement possible? Quel sera le rôle de la justice ? (là encore une commissaire se contente d'offrir sa poitrine plantureuse au jeune Heli...)     

On sera peut-être déstabilisé voire pétrifié, on n'en appréciera pas moins la façon de filmer d'Escalante (qui rappelle un peu celle de son maître et devancier Reygadas), longs plans fixes, qui progressivement vont s'élargissant et ainsi contrarient ou confortent les premières impressions du spectateur; plans savamment cadrés; ellipses et non-dits; profondeurs de champ; effets spéculaires, lueurs bleutées lumière blafarde, etc.

Interrogé à Cannes (suite à la controverse) le réalisateur affirmait "mon film n'est pas une comédie; il montre la violence dans ce qu'elle a de douloureux de déplaisant et de triste" "cela (= montrer) est nécessaire d'un point de vue moral (c'est une question de responsabilité)

Colette Lallement-Duchoze