d'Alain Raoust (France Portugal)

avec Salomé Richard (Salomé) Yoann Zimmer (Clément) , Estelle Meyer (Jessica) 

Salomé revient dans le Sud, le village de son adolescence, pour y travailler le temps d'un été. Sous une chaleur accablante, elle se rend compte qu'elle n'aura aucun logement et décide d'établir un campement de secours dans la déchetterie où elle travaille. Elle va y croiser des êtres plus ou moins perdus, pleins de révoltes, de regrets et de rêves  (Jessica rescapée d'une télé-réalité, Clément dont le frère Mathis ex de la sœur de Salomé a été tué dans une ZAD, un cycliste dépressif ....)

J’ai tenu 3/4 heure avant de quitter la salle de cinéma. Peut-on, ou a-t-on le droit de critiquer un film qu’on n’a vu qu’à la moitié ?

Je dirai simplement, pour ma défense,  qu’il n’est pas nécessaire de voir un film en entier pour savoir qu’il est mauvais... C’est comme un plat de cuisine puant, il ne donne pas envie de le consommer. Trop d’indices suffisent à un cinéphile moyen pour juger de la suite quand un film part si mal.

L’ingénieur du son aux abonnés absents, les dialogues sont à peine audibles tant les acteurs bredouillent à toute vitesse dans un langage rudimentaire. La musique techno indispose dès le générique, et on se retrouve très vite dans une déchetterie dans une ambiance mi réaliste mi n’importe quoi, facile pour cacher les insuffisances de construction. 

On sent l’absence de moyens mais aussi de profondeur du sujet, le ton est donné avec une fille pétée, perdue, au milieu d’un jeu de télé-réalité, son jeu pauvre ne sert qu’à créer une tension agressive permanente pour combler le vide de psychologie du personnage.

Parler du malaise de la jeunesse mériterait mieux qu’un scénario paresseux.

Enfin las d’avoir la tête dans la poubelle, je suis sorti respirer l’air du dehors !

Un film à éviter absolument.

Serge Diaz

de Kantemir Balagov (Russie)

avec Viktoria Miroshnichenko (Iya) , Vasilisa Perelygina (Masha) , Timofey Glazkov (Pashka) Andrey Bykov (Nikolay)  Igor Shirokov (Sasha) 

Prix de la mise en scène festival de Cannes (Un certain Regard) 

1945. La Deuxième Guerre mondiale a ravagé Leningrad. Au sein de ces ruines, deux jeunes femmes, Iya et Masha, tentent de se reconstruire et de donner un sens à leur vie.

S’il s’est inspiré du livre de Svetlana Aleksievitch (prix Nobel de littérature en 2015) "La guerre n’a pas un visage de femme" (1985)  Kantemir Balagov situe les faits rapportés dans « une grande fille » juste après 1945 dans la ville dévastée, comme le sont d’ailleurs Iya et Masha -ex soldates de l’Armée rouge. Les séquelles et la possibilité d’une reconstruction, voilà ce que privilégie le réalisateur.

Et si le rythme semble à certains trop lent n’épouse-t-il pas celui d’une longue et lente reconstruction ? De même que les silences ou les paralysies respiratoires sont en harmonie avec l’atmosphère asphyxiante de cette période qui a suivi le siège de Leningrad. À intervalles réguliers Iya a le souffle coupé – dès le générique la bande son alertait le spectateur- .

Et c’est presque tout au long du film que le spectateur est à la fois hébété et envoûté par un mélange de diaphanéité et de sourde opacité, de sensualité violente et de poésie éthérée, de réalisme cru et de délicatesse, par cette science du cadrage de la lumière et de la répartition des couleurs (ingénieuse étonnante Ksénia Sereda) qui rappelle la peinture mais aussi par les ellipses et les non-dits, les cris et les susurrements. 

Chacun des trois mouvements qui structurent le film a une tonalité particulière;  on pourra  moins apprécier le troisième (qui coïncide avec l'entrée en scène de Sasha) car il est plus conventionnel et plus démonstratif -au sens de explicite. Le premier mouvement au contraire est tout en nuances suggestives;  centré sur Iya, il joue sur les parallèles entre l’univers en ruines -tant à l’intérieur de l’hôpital qu’à l’extérieur – une dévastation amplifiée par la saison hivernale- et les psychés désaccordées ou en lambeaux (cf le tétraplégique) autant que sur les oppositions entre l’aspect quasi fantomatique de la Girafe (surnom d’Iya) et la rudesse du quotidien. Le deuxième mouvement  qui  coïncide avec la mort de l’enfant Pachka et le retour de Masha, a les allures d’un road movie à la fois féminin et féministe (dans un monde machiste s’affirme avec fierté l’amour au féminin et la GPA si problématique !!! semble résolue….) Le vert  triomphe dans  la séquence où Masha si fière de porter la robe verte  tournoie jusqu’à l’étourdissement comme pour exorciser la douleur et le mal qui l’habitent !

N'est-ce pas elle qui  incarne -par la flétrissure de ses entrailles, par sa maîtrise du langage et des situations, par son opposition aux privilégiés -le fussent-ils  de naissance ou par allégeance  servile au pouvoir- ce que fut la Vie des femmes de l'Armée rouge !!!! 

Un film à ne pas rater

Colette Lallement-Duchoze

Bien vu Colette ! mais à une différence près : je ne trouve pas le personnage du médecin Sasha conventionnel du tout, L'acteur extraordinaire joue un homme fracassé par la guerre et la perte de sa famille mais qui reste humaniste, courageux, énigmatique.Un personnage secondaire d'une grande richesse, tout en finesse et tristesse. La scène de l"insémination forcée" est un grand moment de cinéma. Oui, effectivement, ce film russe est puissant à plusieurs points de vue.

Serge Diaz 9/08/2019

On s'est mal compris....et/ou je me suis mal exprimée....(ai un peu modifié la phrase que d'aucuns jugeraient sibylline  !)

L'épithète "conventionnel" s'appliquait au 3ème mouvement,  à la façon dont il est traité (cinématographiquement parlant ) et non au personnage - ce mouvement coïncide avec l'entrée en scène de Sasha

Sasha est le  jeune infirmier  apparemment simplet... (clan des "privilégiés") 

Rien à voir avec Nikolay le médecin chef de l'hôpital militaire (interprété par Andrej Bykov) qui,  bien évidemment, est paré de toutes les qualités que tu évoques, celles d'un humaniste bienveillant

Colette 9/08/2019

De Youri Bykov (Russie) 

avec Denis Shvedov, Vladislav Abashin , Andrey Smolyakov

festival de Beaune 2019

Réagissant à la vente frauduleuse de leur usine, plusieurs ouvriers décident d'enlever l'oligarque propriétaire des lieux. Ils sont menés par 'Le Gris', un ancien des forces armées. L'enlèvement tourne à la prise d'otage, et, rapidement, la garde personnelle du patron encercle les lieux.

Youri Bykov (Le major, l'Idiot) vilipende avec un certain brio la corruption qui gangrène la société russe, la répartition très inégalitaire des richesses, l'engluement dans le fatalisme. Thèmes qui sont au coeur de Factory, un film qui mêle polar et drame social, avec unité de lieu de temps et d'action

Le lieu c'est l'usine (factory). D'abord vue de loin fantomatique dans le brouillard glacial du matin alors qu'Alexeï dit Le Gris se rend à pied seul vers ce lieu de travail (en écho dans  le dernier plan c'est le mercenaire Fog qui désabusé fera le chemin en sens inverse...). Puis avec Le Gris nous pénétrons dans le ventre de ce monstre métallique. Et le temps d'une nuit (après que la patron a décidé de la fermeture et que quelques ouvriers sous la houlette du Gris ont procédé à son enlèvement) l'usine devient le siège d'une bataille. Bataille autant idéologique qu'à balles réelles; c'est l'unité d'action: séquestration, demande de rançon, rebondissements avec changements de stratégie

C'est bien la rage qui habite le Gris (admirable Denis Shvedov dont nous avions apprécié le talent  dans Le Major) avec cet oeil d'acier qui fixe la machine-outil, cette force herculéenne, une maîtrise des mécanismes retors de la pensée dominante qui l'empêche de tomber dans le piège, lui, Le Borgne, le rescapé de la guerre, porte avec sincérité tout le poids du malaise social dans le face-à-face l'opposant aux adversaires de "classe" (et à certains de son clan, les traîtres en puissance ou les "lâches").

La critique virulente de Bykov épouse son scénario (ou l'inverse) : qui a l'audace de remettre en cause le statut des possédants sera pris dans un étau mortifère!!

Hélas des moments inspirés et haletants côtoient trop de ressassements (dans les discours entre l'ouvrier qui cogite et l'oligarque ou le patron de la milice) un sur-jeu quasi permanent, de sorte que la "maîtrise formelle" incontestable se perd dans une forme de théâtralité (à un moment qui se veut suprême le décor de l'usine constellé de coups de feu se mue en un vaste écran "d'opéra"); et le discours politique (idéologique) trop appuyé a parfois des allures de "virilisme" 

Cela étant, Factory n'en reste pas moins un film audacieux  que je vous recommande

Colette Lallement-Duchoze

de Wang Xiaoshuai (Chine)

avec Jing-chun Wang, Mei Yong, Qi Xi

Au début des années 1980, Liyun et Yaojun forment un couple heureux. Tandis que le régime vient de mettre en place la politique de l’enfant unique, un évènement tragique va bouleverser leur vie. Pendant 40 ans, alors qu’ils tentent de se reconstruire, leur destin va s’entrelacer avec celui de la Chine contemporaine.

Superposition des temps narratifs,  éclatement chronologique avec raccords (audacieux ou fluides), ellipses,  changement de points de vue, telle est bien la structure complexe de cette fresque familiale sociale et politique, de ce puzzle qui vibre d’émotions contenues (la mort de l’enfant en ouverture…) qui mêle l’intime et le collectif,  l'histoire individuelle et l'Histoire, le passé et le présent

Qui oserait encore prétendre que seule l’histoire prime dans l’appréciation d’une œuvre ?

Ici c’est bien plus la façon dont l’histoire est racontée...qui suscite l’intérêt et crée le suspense

Au montage vertigineux (où les changements d’époques épousent aussi les changements de lieux) s’ajoute  l’interprétation des deux acteurs principaux (Wang Jing-chun dans le rôle de Liu Yaojun le père et Yong Mei dans celui de Wang Liyun la mère) récompensés d’ailleurs à Berlin (Ours d’argent) interprétation qui va de pair avec la direction d’acteurs. Ajoutons la maîtrise des cadrages et la science des lumières;  ce tempo - qui fait alterner duos,  et scènes de groupes ; intimité toujours pudique et collectif, colères vives et paroles apaisantes  etc.-  ; la récurrence d'un thème musical et  la reprise de "ce n’est qu’un au revoir"

Le cinéaste illustre les conséquences de la politique mise en place par Deng Xiaoping (celle d’une démographie planifiée) sur la vie d’un couple pendant  plus de 30 ans (de 1980 à 2015). Un couple qui à l’écran est bouleversant d’humanité et d’abnégation. Le mélo (et la tentation guette insidieuse…) est .à chaque fois évité …Et si la longue séquence finale éclate de ferveur oecuménique voire d’irénisme, elle s’inscrit dans un contexte qui échappe forcément à  "notre"  façon d’appréhender d’autres pratiques culturelles que les nôtres…Esprits chagrins évitez l’ethnocentrisme !

Un film à voir!

Absolument!!

Colette Lallement-Duchoze

de F Henckel von Donnersmarck (Allemagne) 

avec Tom Schilling, Paula Beer, Sebastian Koch, Saskia Rosendahl 

À Dresde en 1937, le tout jeune Kurt Barnet visite, grâce à sa tante Elisabeth, l’exposition sur "l’art dégénéré" organisée par le régime nazi. Il découvre alors sa vocation de peintre. Dix ans plus tard en RDA, étudiant aux Beaux-arts, Kurt peine à s'adapter aux diktats du « réalisme socialiste ». Tandis qu'il cherche sa voix et tente d’affirmer son style, il tombe amoureux d'Ellie. Mais Kurt ignore que le père de celle-ci, le professeur Seeband, médecin influent, est lié à lui par un terrible passé. Epris d’amour et de liberté, ils décident de passer à l’Ouest…

Ce film en deux parties s’inspire de la vie et l’oeuvre du peintre Gerhard Richter . Né en 1932 cet héritier de "la tradition académique enseignée à Dresde s’empare de la photographie dès les années 1960 pour construire une réflexion sur la peinture et la finalité de l’art" .(il est  exposé d’ailleurs en ce moment avec d’autres artistes contemporains à la fondation Vuitton jusqu’au 26 août). 

L'oeuvre sans auteur (qui certes n’est pas un biopic) a été mal accueilli par cet artiste qui l’a jugé « racoleur » (Et on peut aisément imaginer ce qu’il a pensé de la reconstitution de son fameux tableau Ema Auf einer Treppe .....!!!)

Et de fait que de clichés dans le traitement (très académique de surcroît), que de platitudes dans certains dialogues, que de mièvrerie dans le couple Kurt et Ellie, que de phrases sur la finalité de l’art qui semblent plaquées, que de difficultés à filmer l’artiste « au travail » face à son chevalet ou en mal d’inspiration -suite aux conseils du professeur en qui on aura reconnu ...Beuys! cf le flash back sur sa  "résurrection"  après un crash en Crimée grâce à des Tatares qui l’ont enduit de graisse et enroulé dans des couvertures de feutre!

Est-ce parce qu’il accorde trop d’importance au gynécologue (père d’Ellie d’ailleurs) interprété par Sebastian Koch, qui a oeuvré sans complexe avec les nazis (donnant son aval à la stérilisation et à la solution finale pour malades mentaux…) puis en RDA avec les Russes (pour avoir réussi un accouchement difficile – la parturiente étant la femme d‘un gradé) puis en RFA … sans oublier l’avortement pratiqué sur sa propre fille (le gendre n’étant pas digne de sa lignée!!!) ? Un individu qui incarne et symbolise le Mal,  parasite le propos que sous-entendait le titre énigmatique et prometteur « l’oeuvre sans auteur »

Il y a certes des moments assez réussis (encore que...):  la visite commentée de l’expo itinérante sur  "l’art dégénéré" ; la belle folie de la jeune tante Elisabeth -Saskia Rosendahl  (Partie I) mais  la scène finale (Partie 2) qui lui fait écho en atténue la portée qui se voulait triomphale !! 
 

Heureusement le film est proposé en deux séances distinctes (1h30 chacune) ennui et insipidité  sont plus "supportables"

Colette Lallement-Duchoze