Denis Villeneuve. Avec Hugh Jackman (Keller Dover) , Jake Gyllenhaal (détective Locki) Paul Dano (Alex Jones)

Ce premier film américain de Villeneuve (le réalisateur de l'admirable "Incendies") est un thriller sombre et majestueux et partant terriblement efficace. Pourquoi?  Grâce à la qualité de l'image tout d'abord. Denis Villeneuve  a choisi comme chef opérateur celui des frères Coen, Roger Deakins. On ne peut rester insensible à ces dégradés de gris,de bleu,  aux nuances de blanc, aux effets de nuit, de lumière. On pourra toujours gloser sur leur fonction spéculaire ou métaphorique  ("personnages bloqués dans les brumes du Styx" "ciels gris comme miroir des eaux troubles où barbote le thriller"). Ce thriller nous entraîne aussi dans des méandres avec d'incroyables rebondissements, jusqu'à nous égarer et nous rendre  prisonniers d'une intrigue aux fils arachnéens (ce dont rend compte la "pièce à conviction" le labyrinthe...) car un repère/indice s'inscrit souvent dans un repaire aux pièges insidieux et désarmants (cave cuisine enclos maison retirée inhabitée égout ) . Le rythme quant à lui fait alterner courses poursuites affolées (en voiture ou dans la recherche du kidnappeur) et moments de pause réflexion (surtout Locki le flic détective); scènes de torture (la plupart toutefois seront hors champ mais ce faisant d'autant plus suggestives) de violence verbale ou physique et d'accalmie (plus rares il est vrai). En luttant contre ce que l'on croit être le Mal absolu (kidnapper des enfants) on en vient à être soi-même bourreau (et juste avant de torturer on s'agenouille en récitant des "pater" ...). Le film oppose ainsi deux attitudes face à  la loi: son respect et sa stricte application (celle qu'incarne le détective) son contournement et le recours à une justice immanente (incarnée par Keller Dover le père d'Anna l'une des deux gamines enlevées; la scène d'ouverture: une forêt le passage d'un élégant chevreuil le coup de feu et les félicitations du père à son fils pour avoir "bien visé" avait déjà permis au spectateur de pénétrer son moi profond..).  Mais le réalisateur pimente son propos en donnant à voir une  autre forme de violence: celle que l'on a subie enfant et que, devenu adulte, on cherche à évacuer ou revivre par des moyens déraisonnables (voir le suspect n°2 et sa collection de  vêtements de gamins "disparus" qu'il tache de sang...animal).

La fin de ce film est délibérément "ouverte" alors que le père est enfermé/prisonnier sous terre... Au spectateur d'imaginer un dénouement... Strident comme le sifflet rouge? (celui-là même que la petite Anna Dover recherchait tout au début du film...)

Et si le Bien était le Mal? ou l'inverse? Ou pour reprendre l'équation d'Incendies mais en l'appliquant à la morale, si 1+1 = 1?  Et les propos du prêtre  "a war against God" n'avaient-ils pas la stridence de la résolution (celle de l'intrigue?)  à moins qu'ils nous soient parvenus  "déformés" à cause de leur voyage dans l'espace Noir?

Colette Lallement-Duchoze

Film russe de Youri Bykov (à la fois scénariste, réalisateur, monteur, compositeur et acteur) avec Denis Shvedov, Irina Nizina, Ilya Isayev

Vous connaissez l'argument scénaristique: un "major" (commandant de police) en roulant à vive allure vers la maternité où accouche sa femme, renverse et tue un gamin de 7 ans; il appelle ses collègues à la rescousse; on maquillera par des subterfuges les vraies raisons de l'accident quitte à pénaliser la mère endeuillée....

Et la machine infernale se met en place; son mécanisme est si "précis" les rouages si bien huilés qu'au moment où Sergey Sobolev, the major, taraudé par le remords ou prenant conscience de l'ignominie, veut se rétracter et faire éclater la vérité, il "est déjà trop tard" ....

On a beaucoup glosé sur ce film comme photographie ou du moins métaphore d'une Russie corrompue; certes Youri Bykov aborde le problème des relations entre la police et le citoyen russe lequel, malgré  sa conscience aiguë d'une corruption généralisée, serait enclin à se résigner...tant les institutions politiques juridiques sont gangrenées, tant les chefs locaux ont pouvoir de vie et de mort...Je préfère (en citant le réalisateur) y voir aussi cette autre dénonciation : le devoir civique a été supplanté voire écrasé par des intérêts claniques, familiaux ou autres  "on ne peut continuer à vivre ainsi" (Y Bykov)  il faut réapprendre à "conserver sa dignité dans des moments cruels"

La mise en scène agressive et/ou glacée, la répartition extérieur (immensité neigeuse) intérieur (commissariat délabré) avec unité de temps (une journée), les personnages filmés de très près (caméra à l'épaule) le recours au floutage (personnages en retrait) la composition musicale de Youri Bykov, tout concourt à faire de ce  film présenté à Cannes (semaine de la critique) une oeuvre noire au coup de poing salvateur (?)

Colette Lallement-Duchoze

Edgar Reitz. Avec Jan Dieter Schneider, Antonia Bill, Maximilian Scheidt

Comme on a pu le lire, le nouvel opus d'Edgar Reitz sous forme de diptyque est le préquel de la trilogie  Heimat  (25 ans de travail plus de 50 heures de film) dans laquelle le réalisateur évoquait le quotidien de la famille Simon au XX° siècle .

Dans "chronique d'un rêve" (suivi de "exode") nous sommes en 1842. Schabbach, Rhénanie (le village de Gehlweiler qui a servi de modèle, a été "reconstitué": maisons existantes recouvertes par des façades et fenêtres anciennes; la plupart des vrais habitants du village ont participé au film comme figurants, jouant devant le pas de leur porte...). Sur fond de misère économique (voire de famine) et d'exploitation outrancière (d'abord occupation française puis potentat de hobereaux tyranniques, ce qui est mentionné au détour de phrases pendant la fête de novembre) beaucoup de paysans sont tentés par un "ailleurs" (il est bon de rappeler que l'Allemagne a été au XIX° un pays d'émigration....). C'est le cas du jeune Jakob (le personnage principal); un "rêveur" plongé dans ses livres de récits amazoniens, au grand dam de son père forgeron qui le tabasse sauvagement. Lui "l'Indien" promène un regard hébété ou illuminé sur tout ce qui l'entoure; lui le 'lettré" semble  vivre en osmose avec la nature; il n'en est pas moins amoureux de Jettchen. Son "rêve? Partir au Brésil; partir avec sa dulcinée  qu'il initie déjà aux arcanes de la langue caycachua! IMais …

Le choix du noir et blanc (hormis quelques incrustations de couleurs à la fonction symbolique surtout, voir le gros plan sur la pièce d'or dans la paume de la main de Margarethe la mère) permet de jouer sur les contrastes de lumière, de clair-obscur; celui du format cinémascope, d'insérer les gros plans dans leur "contexte"et non de les détacher. Réalisme dans le traitement des métiers revisités (forge du père, machine à tisser de l'oncle) ou des scènes reconstituées (grande fête populaire villageoise, préparatifs funèbres, vendanges, etc..) tout cela contribue à illustrer de façon convaincante que le cinéma est une "école du regard" avant tout ! 

Le titre de ce premier volet? le réalisateur l'explicite lui-même "Notre film parle de la capacité de l’homme à diriger sa vie en fonction de ses utopies, de l’image intérieure d’un paradis, à se libérer du cadre prédéterminé de son existence et des contraintes sociales apparemment imposées par le destin, voilà qui est à nos yeux un de ses élans les plus productifs. Nous dédions ce film à tous ceux qui suivent leurs rêves"

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire de Martin Esposito

Citoyens vous étiez persuadés que vos déchets si minutieusement, si consciencieusement triés, seraient savamment recyclés; détrompez-vous; il n'en est rien. Car c'est en aval -et non en amont- que se situe le problème: une véritable arnaque, une catastrophe écologique! Voilà ce que dénonce avec fougue ce documentaire.

Martin Esposito a passé 14 mois dans une décharge au sud-est de la France, celle de Villeneuve-Loubet, lieu géré par une filiale de Véolia. Il a  écrit sans relâche dans sa cabane d'enfance reconstituée, il a  interrogé les employés, il a filmé au plus près ce monde "trash". Et  le documentaire qu'il a réalisé  nous convie à une "visite" d'un "site archéologique du présent" (trash est à prendre dans ses deux sens "corbeille" et "répugnant")

Voici des camions qui déversent des tonnes de nourriture non périmée (elle sort à peine des chambres froides et le réalisateur à plusieurs reprises s'ingénie à "manger" et "boire" quelques-uns de ces produits/ordures...); voici des flots puants d'hydrocarbures, voici des fusées de détresse, du verre, du plastique, et même des cercueils....Des monticules effrayants, aux odeurs méphitiques, où parfois s'engluent des oiseaux. Et tout cela sera "définitivement" enfoui, sous une chape de terre. Mais (et c'est l'image finale) des sacs de plastique volettent - exhumés expulsés des  profondeurs, ou rebelles à l'enfouissement?- et ils font  un pied de nez à la caméra en la "percutant"!

La récurrence de certaines images (dégoulinement visqueux des détritus de toutes sortes, moquettes/tapis du festival de Cannes, poupées démantibulées, commande TV, flots d'hydrocarbure avec en voix off "mais c'est de la merde") si elle correspond au ballet incessant des camions (qui se rendent plusieurs fois par jour sur la décharge) n'en reste pas moins trop répétitive. Une caméra qui virevolte jusqu'à donner le tournis, des effets d'accéléré, des commentaires incrustés, des réflexions, des interrogations avec ou sans réponses, des images d'archives (les condamnations réitérées du maire de Villeneuve–Loubet). Tout cela mieux "structuré" aurait pu être convaincant; et que dire de cette omniprésence à l'écran du réalisateur (parfois en gros plan) sinon qu'elle nuit à la "monstration/démonstration"? À moins qu'elle ne métaphorise la volonté d'ingérer son paradis perdu!

Colette Lallement-Duchoze

Je rappelle que Michael Moore dans son ouvrage "Mike contre-attaque; bienvenue aux Etats stupides d'Amérique" (2002) avait (déjà) consacré un chapitre "Sauve qui peut la planète" à cette catastrophe planifiée!