de F Henckel von Donnersmarck (Allemagne) 

avec Tom Schilling, Paula Beer, Sebastian Koch, Saskia Rosendahl 

À Dresde en 1937, le tout jeune Kurt Barnet visite, grâce à sa tante Elisabeth, l’exposition sur "l’art dégénéré" organisée par le régime nazi. Il découvre alors sa vocation de peintre. Dix ans plus tard en RDA, étudiant aux Beaux-arts, Kurt peine à s'adapter aux diktats du « réalisme socialiste ». Tandis qu'il cherche sa voix et tente d’affirmer son style, il tombe amoureux d'Ellie. Mais Kurt ignore que le père de celle-ci, le professeur Seeband, médecin influent, est lié à lui par un terrible passé. Epris d’amour et de liberté, ils décident de passer à l’Ouest…

Ce film en deux parties s’inspire de la vie et l’oeuvre du peintre Gerhard Richter . Né en 1932 cet héritier de "la tradition académique enseignée à Dresde s’empare de la photographie dès les années 1960 pour construire une réflexion sur la peinture et la finalité de l’art" .(il est  exposé d’ailleurs en ce moment avec d’autres artistes contemporains à la fondation Vuitton jusqu’au 26 août). 

L'oeuvre sans auteur (qui certes n’est pas un biopic) a été mal accueilli par cet artiste qui l’a jugé « racoleur » (Et on peut aisément imaginer ce qu’il a pensé de la reconstitution de son fameux tableau Ema Auf einer Treppe .....!!!)

Et de fait que de clichés dans le traitement (très académique de surcroît), que de platitudes dans certains dialogues, que de mièvrerie dans le couple Kurt et Ellie, que de phrases sur la finalité de l’art qui semblent plaquées, que de difficultés à filmer l’artiste « au travail » face à son chevalet ou en mal d’inspiration -suite aux conseils du professeur en qui on aura reconnu ...Beuys! cf le flash back sur sa  "résurrection"  après un crash en Crimée grâce à des Tatares qui l’ont enduit de graisse et enroulé dans des couvertures de feutre!

Est-ce parce qu’il accorde trop d’importance au gynécologue (père d’Ellie d’ailleurs) interprété par Sebastian Koch, qui a oeuvré sans complexe avec les nazis (donnant son aval à la stérilisation et à la solution finale pour malades mentaux…) puis en RDA avec les Russes (pour avoir réussi un accouchement difficile – la parturiente étant la femme d‘un gradé) puis en RFA … sans oublier l’avortement pratiqué sur sa propre fille (le gendre n’étant pas digne de sa lignée!!!) ? Un individu qui incarne et symbolise le Mal,  parasite le propos que sous-entendait le titre énigmatique et prometteur « l’oeuvre sans auteur »

Il y a certes des moments assez réussis (encore que...):  la visite commentée de l’expo itinérante sur  "l’art dégénéré" ; la belle folie de la jeune tante Elisabeth -Saskia Rosendahl  (Partie I) mais  la scène finale (Partie 2) qui lui fait écho en atténue la portée qui se voulait triomphale !! 
 

Heureusement le film est proposé en deux séances distinctes (1h30 chacune) ennui et insipidité  sont plus "supportables"

Colette Lallement-Duchoze

de Benjamin Naishtat (Argentine)

avec Dario Grandinetti (Claudio)  Andrea Frigerio,  Alfredo Castro (l'inspecteur ) , Laura Grandinetti, Diego Cremonesi 

Festival de San Sebastian : prix Meilleur Acteur, (pour Dario Grandinetti) Meilleur Réalisateur et Meilleure Photographie

Argentine, 1975. Claudio, avocat réputé et notable local, mène une existence confortable, acceptant de fermer les yeux sur les pratiques du régime en place. Lors d’un dîner, il est violemment pris à partie par un inconnu et l’altercation vire au drame. Claudio fait en sorte d’étouffer l’affaire, sans se douter que cette décision va l’entraîner dans une spirale sans fin.

Non l’écriture n’est pas décousue -comme certains le prétendent

Oui le spectateur est constamment sollicité pour combler interstices ellipses ou chaînons apparemment manquants

Oui en évoquant une période précise -l'année  qui a précédé "le coup d’Etat" et la dictature de Videla en 1976 en Argentine – le réalisateur non seulement restitue une ambiance mais filme à la manière de.. .. ralentis, zooms, fondus enchaînés, scènes de route filmées du capot, choix de certaines couleurs par exemple

Au tout début nous sommes confrontés à une sorte  d’énigme. Plan fixe sur la façade d’une maison ; puis un par un des gens vont sortir emportant du matériel, du mobilier ; on pense d’abord à un déménagement;  mais quand un militaire s’assure que la maison est bien vide.....on devine qu’on a assisté à un pillage ! (Cette  "maison  abandonnée" fera l’objet de magouilles immobilières….plus tard dans la narration)

Puis sans transition un pré-générique nous immerge dans l’ambiance festive  d’un restaurant plutôt bourgeois ; un homme seul attablé attend son épouse ; il est pris à partie  par un client ..debout...Notable connu et respecté il  consent à céder sa place moins par politesse que par condescendance et sa tirade-diatribe à l’encontre de l’intrus, convaincra toute l’assistance... La suite ? Scène d’extérieur .. l’avocat sera  responsable ....de la "disparition" de ce perturbateur…

Alors peut apparaître sur l’écran en lettres géantes rouges le titre du film ROJO

Prologue et pré-générique ou les présages de disparitions à venir ? Rôle de la bourgeoisie dans ce processus ?

Le réalisateur cherche à  "disséquer" une société qui par son silence aura été complice.(la junte militaire est au pouvoir depuis 1973). Son film suit -trois mois après l’épisode inaugural- l’itinéraire de Claudio, (en famille, en réunions, au spectacle, lors de réceptions) notable interprété par Dario Grandinetti -(rappelez-vous son rôle dans "Parle avec elle" d’Almodovar). Rojo se découpe en tableaux à valeur "démonstrative"  -entendons par là que chaque tableau est censé illustrer une "preuve" -citons par exemple le spectacle que prépare la fille de Claudio sur la colonisation espagnole ; une visite d’un élevage, le jour de la castration des veaux, les rapports de force entre jeunes de milieux sociaux différents…). L’arrivée d’un enquêteur ….chilien...(formidable Alfredo Castro l'acteur fétiche de Pablo  Larrain) qui joue son Colombo pour identifier l'assassin de  l’intrus.... de la séquence du pré générique..., insuffle un peu d’humour burlesque dans une  atmosphère  souvent délétère

On retiendra la belle séquence de l’éclipse : le rouge envahit tout l’écran ; le rouge et toutes ses connotations (sang, communisme entre autres) Et les personnages protégés par leurs lunettes n’incarnent-ils pas cet aveuglement généralisé que dénonce précisément Benjamin Naishtat ???

A voir absolument !!!

Colette Lallement-Duchoze

De Monia Chokri  Canada 

Avec  Anne-Elisabeth Bossé, Patrick Hivon, Sasson Gabai, Evelyne Brochu

présenté au festival de Cannes (Un Certain Regard)

Montréal. Sophia, jeune et brillante diplômée sans emploi, vit chez son frère Karim. Leur relation fusionnelle est mise à l’épreuve lorsque Karim, séducteur invétéré, tombe éperdument amoureux d’Eloïse, la gynécologue de Sophia…

Tout est exacerbé voire hystérique dans ce film de Monia Chokri (on l’avait vue comme actrice dans des films de Xavier Dolan). Rythme, montage et raccords, couleurs, dialogues – ponctués de fameuses punchlines- débités à une vitesse folle et même les références à Xavier Dolan. L’actrice Anne Elizabeth Bossé qui interprète Sophia, une trentenaire super diplômée mais sans emploi, célibataire, "amoureuse" de son frère (du moins la relation est très fusionnelle) , est aussi survoltée que le film (attention cela n’enlève rien à sa prestation !!). Et tout en riant -sans se moquer tout à fait- de ce personnage, le spectateur risque sinon d’être exaspéré (à moins que ce ne soit le but recherché par la réalisatrice) du moins de s’ennuyer quelque peu...

Et pourtant la scène d’ouverture était prometteuse (pour le ton et pour la façon de filmer). La présidente du jury (Sophia défend une thèse d’anthropologie sur les politiques familiales chez Gramsci) s’exprime face à la caméra dans son jargon philosophique le ponctuant de mimiques qui la transforment en pantin ridicule et névrosé puis elle sollicite l’avis des membres du jury -visages en gros plan face à l’objectif- eux aussi vite discrédités….Un prénom pour le moins symbolique (Sophia) le sujet d’une thèse comme mise en abyme du film, et les querelles de chapelles comme caricature du milieu universitaire... Règlement de comptes? Peu importe.

Suit une exposition sous forme de galerie de portraits (Karim le frère, et les parents assez excentriques). Nous voici immergés dans une comédie humaine (façon québécoise) dont les scènes de repas festives exubérantes mais aussi sarcastiques  seront la  "ponctuation" 

À partir du moment où la réalisatrice opte pour la sur-stylisation et l’outrance (dans la mise en scène comme dans les dialogues) même si des scènes empreintes de tendresse sont censées assurer un tempo, même si le personnage principal est censé évoluer (de son "infantilisme" initial à une forme de "maturité"  qui passe par l’acceptation de soi et l’acceptation de la "femme de son frère") le film dans son exubérance même a tendance à s’embourber

Dommage !!

Colette Lallement-Duchoze

De Quentin Dupieux (Belgique, France) 

avec jean Dujardin, Adèle Haenel, Albert Delpy

Sélection Cannes 2019  Quinzaine des réalisateurs

Georges, 44 ans, quitte sa banlieue pavillonnaire et plaque tout du jour au lendemain pour s'acheter le blouson 100% daim de ses rêves. L'achat vire à l'obsession et finit par plonger le détenteur du daim dans un délire criminel....

Plus minimaliste qu’au Poste, aussi perturbant que Rubber (le pneu psychopathe ) moins trash que Wrong cops  ( polar dégénéré) encore que… Le daim propose un univers humain aux couleurs marronnasses  (à l’instar de la couleur du blouson 100 % daim), des paysages "naturels" comme floutés (anomalie du regard de Georges qui la communiquerait au spectateur ?) et surtout met en scène une forme de folie qu’incarne avec un certain brio Jean Dujardin.

Georges a décidé d’éradiquer le monde de tous les  blousons ; sa mégalomanie le pousse à en être le seul détenteur. Et nous allons suivre son cheminement depuis ce "caprice"  jusqu’à la schizophrénie, depuis une forme de dépression (style de malade... se plaît-il  à répéter) jusqu’au meurtre. Comme il a reçu en prime (lors de son achat) un caméscope, il va s’amuser à filmer…à .se filmer (jouant son  Alain Cavalier) imaginant un dialogue entre lui et son blouson. Denise, une barmaid (admirable Adèle Haenel) qui rêve d’être monteuse,  sera son acolyte…

Ainsi et à l’inverse des autres films de Quentin Dupieux,  la  " folie" n’est pas dans la construction du récit mais elle habite le personnage principal: ce qui autorise à  suivre sa progression, scandée d'ailleurs par le motif instrumental récurrent de Mort Stevens -tiré de la série  Hawaii Five-0 - The Long Wait -

Mais comme dans d’autres films de ce réalisateur,    il y a le film et l’histoire du film. Georges (double peut-être du cinéaste qui pratiquerait l'auto-dérision)  est un piètre "réalisateur":  il apprend son  "métier" sur le tas en s’aidant d’un manuel et il est encouragé par Denise (elle a remonté dans l’ordre Pulp fiction et c’est franchement nul …) Il commande il cadre il impose de rares répliques à de rares individus de " passage"  (cinéphiles accostés  à la sortie de l’unique salle de cinéma dans un bled assez paumé par exemple) "je promets de ne plus jamais porter de blouson" . Et ce qu’il filme, Denise le voit sur petit écran tout comme le spectateur d’ailleurs (cf l’affiche)

Une étrange  étrangeté, un humour comme "décalé", des cadrages qui rappellent parfois des "vignettes", une bande sonore qui convoque entre autres Jo Dassin (en ouverture) Et si tu n'existais pas.....autant de bonnes raisons (parmi d'autres...) pour aller voir cette comédie! 

Mais il y a les irréductibles, ennemis farouches de cet univers déjanté ! 

Colette Lallement-Duchoze

….

de Dexter Flectcher

avec Taron Egerton, Jamie Bell,  Richard Madden

Sélection Cannes 2019

 Le film retrace la métamorphose de Reginald Dwight, un jeune pianiste prodige timide, en une superstar mondiale. Il est aujourd’hui connu sous le nom d’Elton John. Son histoire inspirante – sur fond des plus belles chansons de la star – nous fait vivre l’incroyable succès d’un enfant d’une petite ville de province devenu icône de la pop culture mondiale. 

Producteur du film, Elton John avait demandé à ce que la personne qui joue son rôle "sache chanter ". Ainsi et contrairement à la majorité des biopics musicaux, l'acteur Taron Egerton chante en les réinterprétant chacune des chansons de Rocketman. Et rien que pour la "prestation" de l’acteur et le plaisir de réentendre les tubes des années 70 80, cette fiction romancée qui tient du biopic et de la comédie musicale vaudrait le déplacement!!!

Une scène d’ouverture fracassante : le chanteur en costume à plumes et cornes rouges, entre dans le champ de la caméra avançant vers elle comme s’il allait se produire sur scène...En fait il est attendu par le groupe des alcooliques anonymes ; dès lors il va "raconter"  "se raconter" : son enfance entre un père militaire très distant et une mère folâtre, le trauma dû au  manque d’affection (hormis celle prodiguée par la grand-mère) ses débuts de jeune pianiste prodige, et son ascension fulgurante,  jusqu’à la cure de désintoxication. Soit pour simplifier enfance, ascension, rédemption. Ce schéma lui-même est frappé de suspicion

Et si j’étais moins bon sans l’alcool et les drogues ?

La suite du parcours ce sera pour le générique de fin mais qui  insiste plus sur des choix de vie que sur la musique (abstinence depuis 28 ans…création d’une fondation qui lutte contre le sida, découverte de l’amour).

Le film doit dire toute la vérité, sur l’addiction à l’alcool, aux drogues, sur la solitude de l’homosexuel  Hélas leur traitement est souvent entaché par une forme très désagréable de complaisance… L'émotion sincère (?) d'Elton John en découvrant le film à Cannes  ne serait-elle pas liée à la fabrication d’une légende -à laquelle d'ailleurs il a été fier de participer ??? Un biopic aux accents d’hagiographie ???

Il est regrettable que le symbolisme du  "dénuement" (Taron Egerton au cours de sa "confession" se débarrasse progressivement de son costume flamboyant pour se revêtir in fine d’un peignoir gris terne) soit si éculé.

Dommage aussi que le trauma de l’enfant mal aimé - thématique  récurrente- soit si appuyé (et la séquence au fond d’une piscine où le chanteur est confronté à son moi/enfant en scaphandre est d'un   goût  douteux …)

De même les "scènes d’apesanteur"  censées illustrer la chanson titre (homme fusée) où l’on voit le chanteur décoller de son piano alors que la foule en délire est en lévitation, frisent le grotesque

Un film au rythme souvent enlevé qui, à n’en pas douter, aura autant de détracteurs que de zélateurs !!

Colette Lallement-Duchoze