de Lou Jeunet

Avec Noémie Merlant, Niels Schneider, Benjamin Lavernhe  Camélia Jordana, Amira Casa

Pour éponger les dettes de son père, Marie de Héredia épouse le poète Henri de Régnier, mais c’est Pierre Louÿs qu’elle aime, poète également, érotomane et grand voyageur. C’est avec lui qu’elle va vivre une initiation à l’amour et à l’érotisme à travers la liaison photographique et littéraire qu’ils s’inventent ensemble.

En art, Curiosa désigne une représentation, écrite ou visuelle, érotique voire pornographique ; -ce que rappelle d'emblée le prologue-;  l’art érotique est appelé  erotica ou curiosa

Pierre Louÿs (1870-1925), l’érotomane connu du public, en fut l’adepte ; moins connue, sa maîtresse Marie de Régnier (1875-1963) (fille du poète José Maria de Hérédia ; épouse d’un autre poète Henri de Régnier ) l’a pratiqué elle aussi et c’est la "passion" -érotisme/photographie- entre ces deux êtres que Lou Jeunet porte à l’écran.

Certes la réalisatrice apporte un soin particulier aux décors (ah ces papiers peints!!) aux costumes, aux cadres, aux postures lascives et/ou sculpturales et aux éclairages ; certes le personnage de Marie est admirablement interprété par Noémie Merlant (vue récemment dans "les drapeaux de papier " ); certes le thème de l’amour est scruté dans sa dialectique (séduction manipulation aliénation) et pourtant la volupté languide et flamboyante n’est pas au rendez-vous et le film est moins esthétique qu’esthétisant. Or la recherche plastique à tout prix ne saurait rendre compte de la fulgurance du désir et du plaisir ; et les personnages -surtout Niels Schneider qui interprète Pierre Louÿs- ne sont pas  "habités".

Bien plus, curiosa mêle sans subtilité préciosité et scènes plus triviales (cf les crêpages de chignon entre Marie et Zohra (Camélia Jordana) la maîtresse algérienne)

Et que dire de ce décalage que provoque la musique électro de Rebotini (revisitant par moments Schubert) ?

La toute première séquence donnait le ton : un jeune homme regarde trois filles et leur mère derrière le miroir sans tain d’un appartement ; c’est Pierre Louÿs chez son ami José Maria de Hérédia .C’est aussi derrière un tel miroir que se tiendrait le spectateur ?

Reste le parcours d’une femme  qui s’émancipe des tutelles familiale et conjugale ; elle sera contrainte néanmoins de recourir à un pseudo masculin -Gérard d’Houville- pour éditer son premier livre "l’inconstante"

Colette Lallement-Duchoze

De  Beatriz Seigner (Colombie) 

Avec Doña Albina, Yerson Castellanos, Enrique Díaz 

Présenté au festival de Cannes (Quinzaine des Réalisateurs)

Présenté en avant-première dans le cadre du festival "elles font leur cinéma" à Rouen le samedi 30 mars 2019  en présence de la réalisatrice 

Fuyant les exactions des FARC, des groupes paramilitaires et de l'armée, une mère et ses deux enfants se réfugient à la frontière brésilienne dans un village habité par les fantômes des victimes de la guerre, à commencer par celui du mari et père de famille.

ou

Nuria, 12 ans, Fabio, 9 ans, et leur mère arrivent dans une petite île au milieu de l’Amazonie, aux frontières du Brésil, de la Colombie et du Pérou. Ils ont fui le conflit armé colombien, dans lequel leur père a disparu. Un jour, celui-ci réapparaît mystérieusement dans leur nouvelle maison.

Quelle est donc cette île « de la fantasia » où cohabitent vivants et morts ?

Une île sur l’Amazone à la frontière entre le Brésil, le Pérou et la Colombie ; envahie par les eaux 4 mois par an elle refait surface comme par magie…

C’est là que Beatriz Seigner a tourné « los silencios »

Dès la première séquence le spectateur est plongé dans une atmosphère étrange celle d’un nocturne énigmatique et inquiétant; on devine la silhouette d’un frêle esquif, une pirogue, on entend le clapotis de l’eau, le bruit des rames et voici qu’une mère et ses deux enfants débarquent dans un village sur pilotis accueillis par une parente (Morte ? Vivante?) « c’est un miracle que vous soyez vivants »

Ces déplacés, -suite aux affrontements entre paramilitaires colombiens et guérilleros dont faisait partie le mari tout juste disparu- ces réfugiés vont peiner à s’insérer dans ce village (trouver un emploi, inscrire à la cantine le fils Fabio, lui acheter un uniforme, etc.) mais ils ne sont pas perturbés quand le mari s’assoit tout naturellement à la table, quand la fille caresse le visage de sa mère éplorée, quand la mère dans la lenteur et la délicatesse de ses gestes lisse les cheveux de Nuria ou quand l’assemblée des morts prodigue ses conseils aux habitants...

Les âmes errantes ne sont pas traitées sur le mode surréaliste surnaturel ou fantastique. Beatriz Seigner les signale par de petites touches de couleurs fluorescentes et c’est au spectateur d’accepter  la cohabitation, spectateur si accoutumé aux logiques cartésiennes qu’il en oubliera peut-être tous les signaux qui balisent la narration….

Des bruits répétitifs -bruissement de l’eau et du végétal, chant des oiseaux et de la pluie, frémissements – contribuent eux aussi à transformer un récit en une authentique liturgie (dont la longue séquence finale serait le fulgurant aboutissement)

Cette alliance entre allégorie et réalité sociale et politique s’inscrit-elle dans ce qu’on appelle "réalisme magique" ? Le concept d’abord réservé à la peinture puis à une forme de littérature latino américaine, peut sans conteste s’appliquer à ce film où la normalité du quotidien le plus banal épouse presque à chaque instant (au détour d’un cadre d’une lumière d’un geste) la magie du sublime;

Un réalisme magique comme  "mode d'écriture" 

à voir absolument !

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire réalisé par David Mambouch

Elle est de ces artistes qui creusent des sillons durables et profonds, qui bouleversent les existences. Depuis plus de 35 ans, Maguy Marin s’est imposée comme une chorégraphe majeure et incontournable de la scène mondiale. Fille d’immigrés espagnols, son œuvre est un coup de poing joyeux et rageur dans le visage de la barbarie. Son parcours et ses prises de positions politiques engagent à l’audace, au courage, au combat. En 1981, son spectacle phare, May B, bouleverse tout ce qu’on croyait de la danse. Une déflagration dont l’écho n’a pas fini de résonner.  Le parcours de la chorégraphe Maguy Marin, un vaste mouvement des corps et des cœurs, une aventure de notre époque, immortalisée et transmise à son tour par l’image de cinéma.

Portées par différents interprètes depuis la création en 1981, les figures de May B -inspirées de l'oeuvre de Beckett- ont traversé le temps et les mémoires, gardant intacte, inviolée la force à la fois tragique et cynique, féroce et tendre de ces cabossés de la vie; êtres de poussière, enduits d'argile, glaise qui se craquelle, vêtus de haillons, ils avancent comme un choeur désarticulé, éructant par moments ce cri primal et/ou onomatopéique de la Douleur. May B est bien le fil directeur du film documentaire réalisé par le fils de la chorégraphe,  David Mambouch (il est né en même temps que la pièce; et en 2014 il sera un des interprètes !)

Il s'ouvre sur des extraits du discours de Maguy Marin (urgence d'agir); il mêle images d'archives, interviews (certaines poignantes sont celles de danseurs des années 80 aujourd'hui disparus), extraits de pièces (Cendrillon, 2017, entre autres...), il nous fait assister à des répétitions, nous entraîne en Amérique du Sud (où Lia Rodrigues l'une des premières interprètes a ouvert une école de danse pour les enfants de la favela de Maré, près de Rio de Janeiro), à Ramallah (lors d'une représentation) et dans les différents lieux où Maguy Marin a exercé son art si singulier qui réconcilie danse et théâtre, qui lie étroitement création et engagement dans la vie de la cité (sens étymologique de politis) et qui a fait voler en éclats les canons de la beauté formatée

Sorte de palimpseste (par une double surimpression, celle des reprises répétitions et celle plus intime de chaque visage -en très gros plan parfois- où se lit en filigrane une histoire particulière) le film est à coup sûr, une "oeuvre d'art"  avec des raccords audacieux , des résonances dans la bande-son (extraits de discours de Mitterrand en 1981, de Juppé en 1995 par exemple) et des allers et retours entre présent et passé, garants d'une dynamique celle de la transmission

Malgré la précarité de notre monde ce film rappelle que nous avons le pouvoir d'agir, et à quel point chaque existence, chaque histoire, est précieuse (David Mambouch) 

Vivre ensemble 

Un seul Corps

Visages amis, visages aimés

L'argile unique dont nous sommes faits

Un documentaire à ne pas rater !!!

Colette Lallement-Duchoze
 

László Nemes (Hongrie)

avec Juli Jakab, Vlad Ivanov, Evelin Dobo

1913, au cœur de l’empire austro-hongrois. Irisz Leiter revient à Budapest après avoir passé son enfance dans un orphelinat. Son rêve de travailler dans le célèbre magasin de chapeaux, autrefois tenu par ses parents, est brutalement brisé par Oszkar Brill le nouveau propriétaire. Lorsqu’Írisz apprend qu'elle a un frère dont elle ne sait rien, elle cherche à clarifier les mystères de son passé. A la veille de la guerre, cette quête sur ses origines familiales va entraîner Irisz dans les méandres d’un monde au bord du chaos.

Oui tout -ou presque- est crépusculaire dans ce nouveau film de Laslo Nemes -dont nous avions tant aimé "Le fils de Saul". Aux camps de concentration se substitue ici la ville de Budapest avec ses quartiers chics, son effervescence, sa lutte de classes, sa rivalité avec Vienne, une ville et ses soubresauts qui précèdent la première guerre mondiale !

Un très gros plan sur un visage dont on soulève la voilette ...une mini valse dans l’essayage de chapeaux aux formes ingénieuses et raffinées; c’est l’ouverture...Et voici le film "encodé" : d’emblée est impulsée la dynamique du dévoilement -la plupart seront suggérés plus qu’explicités ; de même que la chapellerie illustre par métonymie l’apparat, le luxe, apanage de la haute bourgeoisie. Au très gros plan sur le visage chapeauté répondra en écho le plan final celui d’un visage nu, le regard hébété par l'effroi!

Et comme dans "Le fils de Saul" une façon de filmer au plus près comme si la caméra était vissée au personnage -ce sera souvent la nuque pour Irisz Leiter-; et comme dans le film précédent une réalité -ici le crépuscule d’un empire- perçue par un seul regard. Le personnage est au premier plan entre ombre et lumière alors que l’arrière-plan est souvent flou. Un flou qui dit la confusion : celle d’Irisz dans ses déambulations à la recherche d’un frère dont elle ignorait jusque-là l’existence. Des plans-séquences la suivent dans des intérieurs -aux jeux savants de clair-obscur- dont elle semble traverser les parois, à bord d’un tramway, dans des lieux interlopes, sur des places publiques où fermentent les révolutions, au cœur de convulsions, préludes à la première guerre mondiale. Confusion qui s’empare du spectateur lequel dispose de peu de repères (bribes de mots, opacité délibérée, scènes suggérées hors champ) dans son appréhension d’une histoire de famille au rendez-vous avec l’Histoire – Histoire dans laquelle il sera projeté, en frontal, dans ce dernier plan-séquence - qui rappelle les sentiers de la gloire ...

"Beauté convulsive" de la forme (que certains n’apprécieront pas…et pourtant elle épouse la décadence d’un monde) mais aussi de la bande-son, sorte de partition, stridente parfois, qui mixe voix humaines, musiques diverses -allant du répertoire classique aux opérettes- et bruits du monde urbain

On ferait un mauvais procès en glorifiant "Le fils de Saul"  et en dénigrant "Sunset" ; or le thème du premier (le rôle d’un Sonderkommando) malgré l’horreur, est plus "porteur"…que la ville de Budapest à la veille de la première guerre mondiale...

Et si Sunset était comme le préquel du  fils de Saul  ?

Un film à ne pas rater!!!

Colette Lallement-Duchoze

De Jeremiah Zagar (USA)

avec Paul Castillo (Paps) Sheila Vand (Ma) Evan  Rosado (Jonah) Isaiah Kristian (Manny) Josiah Gabriel (Joel)  

Prix Fondation Louis Roederer de la Révélation (festival Deauville 2018)

Jonah est le plus jeune d’une fratrie de trois jeunes garçons impétueux et épris de liberté. De milieu modeste, ils vivent à l’écart de la ville avec leurs parents qui s'aiment d’un amour passionnel, violent et imprévisible. Souvent livrés à eux-mêmes, les deux frères de Jonah grandissent en reproduisant le comportement de leur père alors que Jonah se découvre progressivement une identité différente…

Nous sommes trois, nous sommes frères, nous sommes des rois. Manny Joel et Jonah partagent-ils les mêmes rêves les mêmes attentes ? C’est ce que croyait Jonah ce petit être aux yeux bleu profond au sourire d’ange...mutin...dont nous entendons la voix off et dont nous suivrons le cheminement entre réalité fantasme et rêve (ce qu'il écrit et dessine avec ses crayons Crayola, dans son cahier caché sous le matelas) jusqu’à cette prise de conscience où sa vie basculera de l’autre côté, celui où l’on a  quitté définitivement l’enfance.

Car le film -adapté d’ailleurs d’un roman auto biographique de Justin Torres- et qui est vu à hauteur de et par le regard d’un enfant, est  un récit d’apprentissage dont l'originalité vient essentiellement de la forme, de la mise en scène, du montage . Filmé caméra à l'épaule, en 16mm, "We the Animals"  mêle chronique familiale (enfants souvent livrés à eux-mêmes compte tenu de l’impéritie ou de l’immaturité de leurs parents) et animation (ce qui est consigné  prend vie et envahit l’écran), réel et rêve, onirisme et poésie, peurs et fantasmes (l’imaginaire peut transformer une expérience ordinaire en aventure fabuleuse ou l’inverse ; le désir d’abord suggéré se concrétisera ...dans un baiser ...par exemple)

Les trois frères sont d’abord filmés dans cette intimité tiède  typique de l’enfance (vus de dos,  alignés sur leurs matelas, courant dans la forêt, allongés sur le tapis du salon, chapardant dans une supérette) et pourtant on devine une "faille" entre les deux plus âgés et le narrateur. Jonah est plus sensible à l'auto-destruction de ses parents; il est lui-même victime de railleries ou intimidations;  mais à partir de l'instant où il découvre "l'assaut de la chair"...et du même coup son identité sexuelle, la marche fraternelle du trio et son tempo intime se délitent !

C’est bien l’imaginé, redouté ou ardemment souhaité, qui sert de contre-point au réel. Mais c’est bien le réel (et la découverte des cahiers jusque-là tenus au secret, leur émiettement en morceaux signent une brisure) qui préside à l’ultime sursaut aux allures d’assaut (ce qu’exprime la chanson dans le générique de fin)

A ne pas manquer! 

Colette Lallement-Duchoze