De Laure De Clermont-Tonnerre (France USA)

Avec Matthias Schoenarts, Jason Mitchell 

Incarcéré dans une prison du Nevada, Roman n’a plus de contact avec l’extérieur ni avec sa fille... Pour tenter de le sortir de son mutisme et de sa violence, on lui propose d’intégrer un programme de réhabilitation sociale grâce au dressage de chevaux sauvages. Aux côtés de ces mustangs aussi imprévisibles que lui, Roman va peu à peu réapprendre à se contrôler et surmonter son passé.

Robert Redford a produit le film. Et Laure de Clermont-Tonnerre installée aux USA s’est documentée sur des expériences en cours dans diverses prisons - ce que mentionne d’ailleurs le générique d’ouverture et ce qu’illustre le générique de fin.

Certes la réalisatrice insuffle une part de romanesque (dont la relation de Roman avec sa fille) dans un cadre et une démarche proches du documentaire. Certes son film est très bien construit : après un prologue assez époustouflant, on va suivre les différentes étapes du dressage jusqu’à la connivence complice entre l’équidé et l’homme que semble immortaliser ce cadrage repris pour l’affiche ; dressage de l’animal qui va de pair avec l’apprentissage du self-control : Roman progressivement apprivoise ses pulsions et s’ouvre  au monde extérieur.

Certes il y a les plaines du Nevada -ces grandes étendues désertiques- (attention il ne s’agit pas de western comme se complaisent à l’affirmer certains critiques pour simplifier ou se référant uniquement à la séquence d'ouverture), et surtout  il y a la présence et  le jeu de Matthias Schoenarts  à la puissance fragile, au mutisme éloquent et au regard qui semble sonder un infini bleu et tourmenté......

Mais à partir d'un thème assez convenu - réhabilitation sociale de détenus par une formation au dressage de chevaux sauvages ou en termes plus cliniques et dans d'autres contextes, rédemption par l’équithérapie- la réalisatrice sur-ligne sa métaphore filée (analogies entre la condition de Marquis le cheval et Roman le détenu -deux "bêtes" sauvages - et leur apprivoisement réciproque). De plus, elle semble recourir aux clichés propres au  " film carcéral" - deal, drogue, incompréhension au parloir, cellules et mitard, corps des hommes sous la douche, etc. - comme simples référents illustratifs et il en va de même (parfois) avec la bande-son !!

Dommage !

Colette Lallement-Duchoze

de Darko Stante  2018 Slovénie

avec Matej Zemljic, Timon Sturbej, Gasper Markun

A 17 ans, Andrej est placé dans un centre de détention pour jeunes. Il y intègre un groupe de garçons délinquants avec lesquels il se perd dans la drogue et la violence. Mais bientôt les désirs d'Andrej le rattrapent. Démasqué, il va devoir faire un choix pour rester fidèle à lui-même..

En enfermant le spectateur avec Andrej dans un centre de détention, le réalisateur (qui s’inspire de sa propre d’expérience d’éducateur) attaque frontalement un système incompétent et simultanément plaide la tolérance dans un pays où l’homosexualité est encore tabou où les droits de la communauté LGBT évoluent (trop) lentement

Après quelques scènes rapides qui illustrent la faillite du milieu parental, nous allons suivre la trajectoire d'Andrej dans le  centre... Là aussi le personnel de surveillance et les éducateurs semblent impuissants face à l’existence d’un microcosme régi par la loi du plus fort, où l'on doit " faire ses preuves" sous la houlette d’un leader à la fois charismatique et violent., Zelko.

Rackets, drogue, alcool, vol de voiture, pugilats, filles ...sont illustrés en des scènes-tableaux au rythme souvent trépidant. Les étapes d’un engrenage, la progression dans la Violence sont saisies  dans une approche réaliste, sans fard.  Et les propos comminatoires des adultes  "sur les conséquences inéluctables"  d'actes répréhensibles  sont frappés d’inanité !

Andrej est de tous les plans imposant sa présence de jeune homme à la gueule d'ange et aux muscles d'acier!!!  

Refoulant dans un premier temps son homosexualité,  il l'assume en la concrétisant dans une relation   avec Zelko (plusieurs scènes exaltent le désir ardent du corps ) ...Mais  il sera  trahi…Rejeté par tous les siens (la communication téléphonique avec sa mère, les salves dévastatrices des jeunes du centre  témoignent de l'incompréhension généralisée),  il est  relégué à une  Solitude fondamentale 

Andrej incarne une jeunesse sauvage et tendre à la fois  (cf sa relation avec SON rat  blanc et surtout son  choix final...) Et  le plan fixe prolongé qui clôt le film  semble  le magnifier en icône! 

Un film saisissant ; un film coup de poing.

A voir! 

Colette Lallement-Duchoze 

De  Salvador Simó (Espagne) 

Avec Jorge Usón, Fernando Ramos, Luis Enrique de Tomás

Suite au scandale de la projection de L’ÂGE D’OR à Paris en 1930, Luis Buñuel se retrouve totalement déprimé et désargenté. Un ticket gagnant de loterie, acheté par son ami le sculpteur Ramon Acin, va changer le cours des choses et permettre à Buñuel de réaliser le film TERRE SANS PAIN et de retrouver foi en son incroyable talent. 

Ce film d’animation raconte le tournage (assez épique) du documentaire "terre sans pain", réalisé en 1932  par Bunuel (1900-1983) Sorte de making of il  mêle réalisme et onirisme, incrustant aussi des images en noir et blanc du documentaire lui-même.

Nous voici projetés à la fois dans l’univers mental du cinéaste (ne serait-ce que par la récurrence de scènes de son enfance traumatisée par la relation au père et par des cauchemars), dans le paysage et les mœurs d’une des régions les plus pauvres d’Espagne, les Hurdes, et au coeur même de l’acte Créateur.

L’équipe de tournage ? Un jeune poète parisien Pierre Unik, le photographe français Eli Lotar, l’ami sculpteur Ramon Acin -qui a financé le projet après avoir gagné à la loterie... - et Luis Buñuel. Salvador Simo (ex dessinateur pour Disney) a opté pour les couleurs à dominante mordorée jaune-brun et brunâtre ; il a fait appel à Arturo Cardelus pour la partition -dont certains extraits hanteront la sensibilité du spectateur bien après la projection…

.Et le portrait qu’il brosse du cinéaste est sans complaisance : non seulement par souci de "réalisme"  (quitte à le « forcer ») ce dernier n’a pas hésité à faire décapiter un coq, à "tuer" des chèvres afin de les filmer dans leur chute dans le ravin, ou encore à sacrifier un âne ….dévoré par des abeilles ; il va jusqu’à  "mettre en scène"  une liturgie funèbre, un bébé mort, dans un moïse qui s’en va rejoindre l’élément liquide…..

Mais au cours de ce tournage, cet homme autoritaire, exigeant et fantasque va s’humaniser -et en cela le film de Salvador Simo est aussi un récit initiatique- ; de même que "Terre sans pain" -même s’il fut un temps interdit de projection- marquera un tournant dans le parcours du cinéaste (il devient ce qu’il sera)

Choquer pour conscientiser les esprits ? Donner à VOIR une population laissée à l’abandon, aux conditions de vie insalubre (et c’est un euphémisme). Une vue en plongée sur des toits qui ressemblent étrangement à des carapaces de tortues, un labyrinthe de ruelles, des êtres faméliques, des bouches édentées, un environnement austère, la mort qui rôde. Après le délire surréaliste de L’Age d’or, voici le documentaire social Terre sans pain .

Mais dans Bunuel après l’âge d’or, la veine surréaliste coexiste avec le making of. Voici des éléphants aux pattes graciles, (on pense à la tentation de Saint Antoine de Dali) voici une théorie de poules au bec rouge prédateur: ils envahissent l’écran comme ils taraudent l’esprit tourmenté de Luis Bunuel...Et le voici lui-même déguisé en Bonne Sœur (au grand dam des autorités locales…) Pied de nez à ??? Toute sa filmographie -à venir- sera à jamais marquée par la coexistence du rêve et de la réalité, du vécu et du fantasmé, de l’intériorité et de l’extériorité bousculant l’ordre existant obligeant le spectateur à douter de sa pérennité

Un film d’animation à ne pas rater !!

Colette Lallement-Duchoze 

Voici un lien pour  visionner terre sans pain 

https://www.dailymotion.com/video/x2t72xy

de Bertrand Bonnello (France Haïti)

avec Louise Lebeque, Wislanda Louimat, Adilé  David

présenté à Cannes 2019 (Sélection Officielle) 

Haïti, 1962. Un homme est ramené d'entre les morts pour être envoyé de force dans l'enfer des plantations de canne à sucre. 55 ans plus tard, au prestigieux pensionnat de la Légion d'honneur à Paris, une adolescente haïtienne confie à ses nouvelles amies le secret qui hante sa famille. Elle est loin de se douter que ces mystères vont persuader l'une d'entre elles, en proie à un chagrin d'amour, à commettre l'irréparable.

Comment faire coexister l’histoire vraie de Clairvius Narcisse, celle d’adolescentes pensionnaires à l’école de la Légion d’honneur (fondée par Napoléon…) , l’interrogation sur la liberté, la transmission de l’histoire, la dénonciation de l’esclavage ?

Bertrand Bonello (réalisateur exceptionnel  de Tiresia, l’Apollonide, Nocturama) a certes choisi le montage alterné – deux lieux, deux temporalités (Haïti en 1962 1980 et Paris XXI°siècle), deux façons de filmer; mais il les relie par de subtiles correspondances  : ainsi la voix de Melissa récitant un extrait d’un poème de René Depestre semble se confondre avec celle du poète ; ainsi les parallèles -inclus dans le titre-, entre la souffrance du vrai zombi et les inquiétudes des lycéennes de Saint-Denis ; (mais avec ces audaces contrastées entre la rigidité des salles de cours à la lumière froide, des élèves figées telles des statues, et sa transgression par la musique rap de Damso..)

Mais  c’est la séquence du cours d’histoire où l’on entend Patrick Boucheron (professeur au Collège de France il interprète ici un enseignant) énoncer ces vérités  "Napoléon a achevé la Révolution dans les deux sens du terme" ou "comment raconter l’Histoire alors qu’elle est hoquetante"  qui -située juste après une scène d’ouverture presque terrifiante-, va irriguer telle une mise en abyme tout le film…( par un jeu permanent d’échos tant formels que thématiques ne serait-ce que par ces histoires souterraines hésitantes et résurgentes)

Le film s’ouvre sur les "préparatifs" à la  lenteur calculée d’une mise à mort : on extirpe d’un poisson spongieux ce qui va servir à fabriquer une poudre que l’on verse dans une paire de chaussures ; puis dans une rue déserte et sombre la caméra suit en travelling la victime titubante qui s’effondre : c’est Clairvius Narcisse. Nous sommes en 1962 Haïti ...Il sera enterré, déterré, exploité dans les champs de canne à sucre .La figure de ce zombi hante encore l'Histoire et les mentalités !

Et c’est Melissa (personnage de fiction) dont les parents ont connu la dictature de Duvalier, qui servira de relais ; pensionnaire intronisée par Fanny dans le cercle des sororités, elle "racontera"  l’histoire de son grand-père

Progressivement les frontières s’abolissent : images et paroles se confondant par des effets de superposition ; images mentales et réalité (l’être aimé fantasmé(?) dont se languit Fanny jusqu'à en être possédée) ; rites et rituels à l’atmosphère curieusement envoûtante (ceux pratiqués par le cercle des 5 pensionnaires à Saint-Denis et ceux des Haïtiens avec Baron Samedi par exemple); etc.

Tout cela fait de Zombi Child un film presque hypnotique ; à condition -excusons ce truisme- de se laisser porter voire transporter  !

Colette Lallement-Duchoze

de Jim Jarmusch (USA)

avec Bill Murray, Adam Driver, Tilda Swinton, Tom Waits

présenté en ouverture du festival de Cannes 2019

Dans la sereine petite ville de Centerville, quelque chose cloche. La lune est omniprésente dans le ciel, la lumière du jour se manifeste à des horaires imprévisibles et les animaux commencent à avoir des comportements inhabituels. Personne ne sait vraiment pourquoi. Les nouvelles sont effrayantes et les scientifiques sont inquiets. Mais personne ne pouvait prévoir l’évènement le plus étrange et dangereux qui allait s’abattre sur Centerville : THE DEAD DON’T DIE – les morts sortent de leurs tombes et s’attaquent sauvagement aux vivants pour s’en nourrir. La bataille pour la survie commence pour les habitants de la ville.  

Voici Ronnie (Adam River) et Cliff (Billy Murray) son chef désabusé ; ils patrouillent, la routine quoi ! et la ville défilera en un long travelling latéral (avec les images iconiques du commissariat, des pompes funèbres, de la station service avec son tenancier friand de fanzines et d’histoires d’horreur(mise en abyme).) et voici le diner (façade alu)

Mais la terre est sortie de son axe suite à une fracture hydraulique polaire. Les repères temporels sont abolis. Et cette catastrophe écologique fait sortir les morts de leurs tombes, leur nombre grossit envahit une ville jusque-là pépère... Ces "zombies" voraces  se nourrissent  des vivants (alors on aura droit à des plans prolongés sur les premiers corps éventrés, sur des morceaux d’intestin que suce un zombie en qui on aura reconnu Iggy Pop ; mauvais goût ...apparemment revendiqué...)

Protégés dans leur habitacle, les deux "patrouilleurs" -quand ils ne participent pas à la décapitation de zombies par le sabre ou les armes à feu- s’interrogent sur le scénario : oui ils ont lu le script oui ils connaissent la chanson de Sturgill Simpson the dead don’t die (normal c’est la chanson-titre affirme nonchalant Ronnie). Oser un pied de nez au réalisateur avant de disparaître eux aussi (mort du scénario?)

Que la préposée aux pompes funèbres aux allures de samouraï (Tilda Swinton) soit protégée par la soucoupe qui in fine la recueille dans les airs (non contaminés ?), que les trois ados échappent à l’apocalypse (on ne sait trop pourquoi), que la voix de l’ermite qui a élu domicile depuis belle lurette dans la forêt (Tom Waits en homme des cavernes hirsute) soit celle de la Sagesse, que tout cela joue le rôle de contre point pourquoi pas ??

Mais avouons-le quelque chose "cloche" dans ce film

Un message  si poussif et tautologique qu’il est contre-productif. Un scénario et une mise en scène aux références (tant au cinéma qu’à la littérature) trop visibles. La métaphore appuyée de la voracité -matérialiste-

On  pourra toujours objecter que le film n’était qu’un jeu, une farce mi-grotesque mi-tragique!!

Colette Lallement-Duchoze