Documentaire réalisé par Alexander Nanau (Roumanie 2019)

 Nominé aux Oscars

Prix LUX du public 2021, décerné par le public européen et les membres du Parlement européen

Après un tragique incendie au Colectiv Club, discothèque de Bucarest, le 30 octobre 2015, de nombreuses victimes meurent dans les hôpitaux des suites de blessures qui n’auraient pas dû mettre leur vie en danger. Suite au témoignage d’un médecin, une équipe de journalistes d’investigation de la Gazette des Sports passe à l’action afin de dénoncer la corruption massive du système de santé publique. Suivant ces journalistes, les lanceurs d’alerte et les responsables gouvernementaux impliqués, « L’Affaire Colectiv » jette un regard sans compromis sur la corruption et le prix à payer pour la vérité

Pourquoi ne sommes- nous plus humains ? "Parce que l'argent domine tout

Visages éplorés des parents des victimes- dont celui d’un père-, déclarations douloureuses, alors que défile le générique. Et dans la séquence finale on verra ce même père au volant de sa voiture : il conduit sa famille sur la tombe du fils. La construction circulaire du film n’est pas anodine !!!

Puis dans l’embrasement de la discothèque, -un club sans issue de secours !!- on assiste à la déroute des 400 participants, mouvements de panique, affolement et cris de désespoir…

Mais c’est aux  "morts suspectes" plus qu’au sinistre en lui-même que s’intéresse le documentariste. Il suit -et entraîne le spectateur dans le sillage d'une caméra alerte- les investigations des journalistes de la gazette des sports et surtout son charismatique Catalin Tolontan. Méthodiquement, progressivement sont mis à nu les dysfonctionnements d’un système gangrené, corrompu par l’argent, la recherche du profit. Le rythme est enlevé et l’ambiance de la salle de rédaction rappelle certaines fictions américaines sauf qu'ici….on est dans le REEL : Un grand nombre d’hôpitaux ont acheté sans sourciller des produits désinfectants dont les ingrédients actifs ont été dilués. Le gouvernement, qui avait refusé que les victimes de l’incendie soient transférées à l’étranger, nie en bloc par la voix de son ministre de la santé, lui-même ancien directeur d’hôpital

Un scandale sanitaire généralisé éhonté ! et le peuple roumain réagit à ces révélations ; sa révolte  parvient à "renverser"  le gouvernement en place !  Dès lors,  le documentaire  se concentre sur le « parcours » du nouveau ministre de la santé Vlad Voiculescu déterminé à TOUT changer. Est-il sincère ?  on sera en droit de le penser…Or les élections ….vont le désavouer

Pour pallier "l’aridité" du jargon scientifique juridique politique, et en contrepoint à l’effervescence de l’investigation, le documentaire alterne avec le témoignage d’une survivante (brûlée au visage et au corps) dans sa "reconstruction". Voici Tedy : elle teste face à la caméra, la prothèse de main ; elle accepte aussi de poser pour un photographe d’art (thématique d’une exposition).

 Une image terrible et insoutenable : celle d’un visage qui se décompose et pourrit sous la vermine ! Image métaphore aussi : celle de la pourriture du système.

Mêler en les assemblant des styles très différents (témoignages des victimes, vidéos, thriller, portrait politique enquête minutieuse   ) c’est bien la force persuasive – même si elle est assez didactique- de ce documentaire que je vous recommande vivement

Colette Lallement-Duchoze

Ps On s’offusque que de tels scandales aient sévi dans un pays d’Europe ! L’Europe des démocraties l’Europe vertueuse !!!  Mais le népotisme, le clientélisme et le conflit d’intérêts (ex : l’école de santé publique qui reçoit des pots-de-vin en échange de la nomination de directeurs d’hôpitaux, une commission qui donne son aval moyennant rétribution, etc…) sont-ils le triste apanage de la Roumanie ? hélas non….

De Ryusuke Hamaguchi   (Japon 2021)

Avec Hidetoshi Nishijima, Tôko Miura, Reika Kirishima

Prix du scénario Festival de Cannes 2021

Alors qu'il n'arrive toujours pas à se remettre d'un drame personnel, Yusuke Kafuku, acteur et metteur en scène de théâtre, accepte de monter Oncle Vania dans un festival, à Hiroshima. Il y fait la connaissance de Misaki, une jeune femme réservée qu'on lui a assignée comme chauffeure. Au fil des trajets, la sincérité croissante de leurs échanges les oblige à faire face à leur passé 

Adapté d’une nouvelle de Murakami (tirée du recueil  "des hommes sans femmes") le film du japonais Ryusuke Hamaguchi frappe par les audaces de mise en scène, les ruptures de rythme mais surtout par l’exploitation tout en délicatesse de ses thèmes de prédilection (travail du deuil, communication en souffrance, culpabilité, cf Asako I et II) sans jamais verser dans le pathos ni l’insistance dramatique.

Un long prologue (plus de 40’) permet au cinéaste « d'installer » le personnage principal Yüsuke Kafuku dans son rôle d’acteur et de metteur en scène mais surtout dans sa relation avec sa femme Oto, scénariste de télé. Un prologue qui marie Eros (cf la séquence d’ouverture entre autres où la parole inventée et récitée stimule le désir) et Thanatos (perte de l’enfant, en écho perte de l’être aimé). Une porte se ferme sur la découverte de l’adultère… Silence et  non-dit. Générique 

Ellipse.

Et nous voici des années plus tard, à Hiroshima où Yüsuke Kafuku, prépare la représentation de la pièce de Tchékhov "Oncle Vania". Porte ouverte désormais au monde extérieur ? ce dont témoignerait la présence des personnages castés et dans l’intimité desquels le cinéaste fait pénétrer spectateur ? Mais surtout la relation entre Kafuku et sa conductrice Misaki qui du mutisme initial évolue vers les confidences souveraines sur la culpabilité, va consolider la trame essentielle du film à savoir le long travail de deuil. D’abord Yüsuke Kafuku lors de ses trajets entre le domicile et le lieu des répétitions, écoute en boucle les enregistrements de la pièce de Tchékhov (où sa femme lui donnait la réplique) puis la Saab (le rouge écarlate tranche avec les couleurs bleues vertes ou blanches des paysages traversés et sublimés selon les angles de vue, mais s’harmonise avec les lumières rougeoyantes des tunnels… ) devient par métaphore l’habitacle de la pensée, ce lieu de l’intériorité, cet espace propice au choix suprême ?…

Le tiraillement entre « conduire » et « être conduit » (sens du titre) la troisième partie (retour aux sources de la culpabilité pour Misaki, dans le blanc immaculé de la province d'Hokkaido,  confidences partagées) le  "dénoue" ; avant que sur scène nous n’assistions au  "dénouement" de la pièce:

nous nous reposerons

Ce film qui suggère plus qu’il ne montre, qui enchevêtre tous les allers et retours (dans le temps et l’espace) en un maillage dont la pièce de Tchékhov a tissé les échos, qui à l'instar de fondus enchaînés ou d'effets spéculaires nous invite à voir au-delà des cadres dans les cadres, qui exploite toutes les « langues » mais surtout le langage du silence -ineffable dans son éloquence même-, est à voir absolument ( 3h de pur plaisir )

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire réalisé par Gilles Perret et François Ruffin 2020

Mais qui m’a mis cette tête de con ?  » Ce n’est pas le grand amour entre le député En Marche ! Bruno Bonnell et l’insoumis François Ruffin. Et pourtant… C’est parti pour le premier « road-movie parlementaire » à la rencontre des femmes qui s’occupent de nos enfants, nos malades, nos personnes âgées. Ensemble, avec ces invisibles du soin et du lien, ils vont traverser confinement et couvre-feu, partager rires et larmes, colère et espoir. Ensemble, ils vont se bagarrer, des plateaux télés à la tribune de l’Hémicycle, pour que ces travailleuses soient enfin reconnues, dans leur statut, dans leurs revenus. Et s’il le faut, ils réinventeront l’Assemblée…

Après "Merci Patron" et "J'veux du soleil !" François Ruffin persiste et signe avec bonheur un 3ème film en prise directe avec l'actualité : La vie des Assistantes de vie et femmes de ménages, ces femmes sans statut, si peu reconnues, en 2020 pendant le confinement dû au Covid. Le tournage s'est fait à Amiens et la région Nord où le réalisateur a été élu député en 2017, mais aussi en partie à Dieppe.

Comme d'habitude, un film coup de poing où on rit et on pleure. L'émotion est ici au service d'une belle idée : redonner de la dignité à ces femmes précaires qui malgré la difficulté de leur condition aiment leur métier. La méthode de Ruffin est efficace, il les accompagne dans leur travail, les écoute surtout, et se bat à l'Assemblée nationale ("usine à gaz où il ne se passe rien" confesse-t-il lors du débat) pour essayer de mettre fin à leur situation de quasi esclave. Il convoque ensuite une assemblée de femmes qui donne des frissons...

800 € par mois pour un lever à 5 Heures du matin et une fin de journée à 20 H. Ces femmes ne sont payées qu'à la tâche et font un parcours quotidien insensé pour se rendre d'un malade à l'autre, d'un chantier à l'autre.

On perçoit nettement  à travers ce film comment ces métiers du lien si utiles aux handicapés, aux personnes âgées isolées, dépendantes, ces métiers que Macron a reconnu hypocritement comme très mal payés pour ce qu'ils font, n'ont aucun statut ! Elles sont méprisées, ignorées par ceux qui nous gouvernent et font partie de ces 5 millions de pauvres en France.

Ruffin mène le combat, comme à son habitude, en commission parlementaire d'abord en tandem avec un député de la REM non choisi par lui, puis dans l'hémicycle pour qu'un véritable statut de Service public (Education nationale, Santé)  mette fin à l'ubérisation des métiers du social. Ses efforts sont cassés par la droite majoritaire, ses amendements retoqués les uns après les autres. Mais ses efforts  n'auront pas été totalement vains car ça et là, grâce à la mobilisation avec les intéressées menée tambour battant, il décroche quelques victoires dont la liste pas négligeable apparaît à la fin du film.

Avec Ruffin on ne sombre jamais dans le désespoir, certes il apporte la preuve que nous ne vivons pas en démocratie, que la haine de classe des nantis contre les pauvres existe bel et bien, mais il a le talent pour mettre en lumière ces  "derniers de corvée", leur redonner chair et dignité avec courage et lucidité.

Allez voir ce film qui donne à voir clairement avec humour sans pathos ce que pourrait être une société où l'économie serait au service de l'humain et non l'inverse. Et dites à vos amis d'y aller, ils seront surpris d'y apprendre tant de choses cachées.

Vu à Rouen à l'Omnia le 14 septembre. Sortie nationale dans les bons cinémas le 15 octobre .

Serge Diaz

de Bruno Dumont (France, Belgique, Allemagne, Italie 2020)

avec Léa Seydoux, Blanche Gardin, Benjamin Biolay, Emanuele Arioli

Présenté en compétition au festival Cannes 2021 

à ce synopsis: 

"Chronique de la vie frénétique d’une journaliste star de la télévision, prise entre la célébrité́ et une spirale d’événements qui entraîneront sa chute"

Je préfère celui-ci

entre drame et humour Léa Seydoux interprète une journaliste vedette de la télévision qui prend conscience de la vacuité de son approche de l'information

Un orage montait que nul ne voyait venir (Un demi-clair matin de Charles Péguy dont le réalisateur s’est inspiré)

Un début nerveux et qui « contient le tout » : rôle de la coache hystérique branchée sur les réseaux sociaux, avide de rendement ; interview avec le président Macron (afin de mettre en évidence les accointances entre le journalisme et le politique) ; dualité du personnage éponyme en harmonie d’ailleurs avec le « in » et le « off » des médias qui -et ce sont les propos du réalisateur interviewé par Cineuropa- ont totalement évacué le "off" : tout est beau, propre, hygiénique. C’est cela qui est cynique : le sourire de France quand la caméra s’allume et derrière, elle rigole

On reproche au réalisateur la surenchère ! Certes l’appartement et son luxe ostentatoire, les tenues vestimentaires de la journaliste/star, son maquillage, l’outrecuidance dans le « trafic » des reportages et l’obscénité à dévoyer la misère humaine, criant criard invraisemblable, tout cela pourrait « choquer » si ce n’était le miroir grossissant d’une réalité…

Et il me semble que l’on fait un mauvais procès à Bruno Dumont. Les médias ne m’intéressent pas plus que cela. La critique des médias, on la connaît et ce que je dis n’apporte rien. Ce qui m’intéresse, c’est France, rentrer dans ce personnage qui est à la fois son propre milieu, mais qui va s’en détacher

France c’est précisément l'histoire (fictive) d'une prise de conscience qui s’opère en plusieurs étapes et que scandent   les changements de lieux et de maquillages de regards et de propos ; le point de départ? Un accident de la circulation dont elle est responsable…. "mon métier, c’est mon métier. Je l’accepte. Il n’y a plus que le présent" conclut-elle après des déboires des velléités d’abandon et de rétractations comme un écho aux propos de Péguy?  Trouver la grâce dans le présent sans éliminer les turpitudes de la nature humaine

Que penser du choix du prénom et du nom France de Meurs ? On peut gloser sur l’opposition entre la graphie (évidence de la mort) et la phonétique (incitation à la pérennité) et invoquer Lacan. Mais la dichotomie  "formelle" n’est-elle pas au cœur de la problématique : ambivalence entre la gangrène qui paralyse  notre société de (et du) «"spectacle"  et la prise de conscience bouleversante de cet état des lieux qui pourrait déboucher sur la revendication d’un autre monde ? car France est   "le milieu et en même temps le moyen de le dépasser"

Des longueurs ? oui…mais.

La balade en voiture, les regards entre le père au volant et le fils, l’opposition entre le paysage inviolé et l’accident traité avec cette recherche du sensationnalisme du « spectaculaire »  (à l’instar d’ailleurs des faux documentaires signés France). Un drame capillotracté.

Les visites chez le psy (avec inversion des rôles ou clichés redondants)

Dans une clinique huppée (réservée aux ultra riches) l’intrusion d’une patiente, avec ce contraste facile entre la dégénérescence cognitive et la fierté de côtoyer les membres d’une jet set dont .....elle a oublié les noms…(même si cette séquence illustre la gangrène de la société du spectacle, et simultanément son impermanence?) 

L’interview de cette femme qui a vécu plus de 20 ans aux côtés d’un monstre…. est ambigüe (tout comme ses paroles se contredisent)

A vous de juger !!!

Colette Lallement-Duchoze

d' Andreï Kontchalovski (Russie  2020)

avec Julia Vyssotskaïa,  Andreï Goussev, Ioulia Bourava

Prix Spécial du Jury à la 77ème Mostra de Venise

À Novotcherkassk, petite ville industrielle de l’URSS des années 60, Lyudmila est une communiste convaincue et membre du pouvoir exécutif local de la ville. Son idéologie est profondément ancrée dans le stalinisme et elle fait une confiance aveugle à son gouvernement soviétique. Après une sanglante répression de la grève des ouvriers de la ville, Lyudmila va néanmoins tout faire pour retrouver sa fille qui a disparu lors des manifestations…

Si on ne peut plus croire au communisme, alors il nous reste quoi ?

Certes le réalisateur rappelle à notre mémoire la répression sanglante d’une grève (les événements de juin 1962 à Novotcherkassk seront occultés jusqu’en 1992). Mais à travers l’itinéraire d’une femme, membre du comité local, fervente admiratrice du défunt Staline, à l’ère de la « déstalinisation » entreprise par Khrouchtchev, mais qui en tant que mère voit sa foi, ses idéaux vaciller, se fissurer, il rend palpable un basculement et sans oublier vraiment les enjeux initiaux il les humanise, les inscrivant dans une histoire personnelle qui pourrait être universelle

Après les somptueuses couleurs ocres ambrées et les ambiances « renaissance italienne » du biopic Michel Ange, Konchalovsky a choisi pour « chers camarades » le noir et blanc. Pourquoi ? l’histoire russe et soviétique est toujours en noir et blanc, très manichéenne. La mentalité russe n’a pas de gris, de neutralité, c’est toujours les extrêmes. C’est très médiéval finalement affirme-t-il non sans humour non sans cynisme. Mais ce faisant c’est aussi un hommage au cinéma russe, à une forme d’académisme qu’accentue le format 1,33 :1 (qui rappelons-le enferme le(s) personnage(s) dans le cadre). Et la comédienne Julia Vyssotskaïa , femme du réalisateur, théâtralise par son jeu certaines « situations » (cf les réunions où s’affrontent les représentants du KGB et ceux de l’Armée, la tourmente d’une épicerie assaillie par la foule affamée qu’elle parvient à juguler grâce à «son « laisser passer », la confrontation grévistes et forces répressives qu’elle défie à la recherche de sa fille, etc.)

Une scène -parmi tant d’autres- au puissant symbolisme :  Lyudmila est assise sur un banc public (dévastée par l’attente torturante…sa fille est-elle vivante ?)  elle regarde une chienne qui vient de mettre bas, ses chiots tètent avec avidité, pour leur …survie... alors qu’au même instant la Russie cette fameuse Mère Russie « massacre ses propres enfants »…

Comme dans Paradis le réalisateur préfère suggérer plutôt que montrer avec insistance (la place maculée de sang qu’on doit de nouveau asphalter tout comme on ensevelit l’histoire sous une chape de silence, une chaussure comme métonymie de l’ampleur de la répression) et comme dans le film de 2016 aussi les héros seront volontairement ambivalents ; c’est que le réalisateur traque ce qu’il peut y avoir à la fois de pur et de corrompu dans la croyance aveugle en un système.

Un film au titre ironique à ne pas rater !

Colette Lallement-Duchoze