Un film de Kavich Neang  ( Cambodge 2020) 

avec Piseth Chhun, Sithan Hout, Sokha Uk, Chinnaro Soem, Sovann Tho, Jany Min, 

Première mondiale, Festival de Venise 2021

Samnang, 20 ans, doit faire face à la démolition de la maison qu'il a toujours habitée à Phnom Penh , le White Building, et aux nombreuses pressions de son entourage -famille, amis et voisins, alors que sonne la destruction du bâtiment...

Vue aérienne ralentie sur le White Building : ainsi s’ouvre le film. Or si cette barre d’immeuble fut détruite en 2017 le réalisateur qui avait commencé le tournage en 2016, a puisé dans ses images d’archives et ses souvenirs...

"Le White Building était une barre d’immeuble conçue par l’architecte cambodgien Lu Ban Hap et le franco-ukrainien Vladimir Bodiansky en 1963, suivant un plan d’urbanisme du modernisateur Vann Molyvann, à l’époque du roi Sihanouk. Cette résidence d’état, située en plein cœur de la ville, était destinée aux fonctionnaires du ministère de la Culture. Elle a été vidée de ses habitants pendant le régime des Khmers rouges. Puis dans les années 1980, la population s’y est réinstallée, comme mon père, sculpteur et moi j’ai grandi avec les nouveaux voisins. C’était un immeuble unique qui était devenu emblématique d’une époque qui disparaît. On y vivait en communauté, des peintres, des musiciens, des couturières, la porte ouverte sur le couloir. Il y régnait une atmosphère spéciale qui m’a fait grandir en tant qu’artiste".  

Composé de trois parties distinctes, Bénédiction, La maison aux esprits, Saison de la mousson, chacune ayant sa spécificité (atmosphère couleurs tonalité) le film établit des parallèles entre la destruction de l’immeuble et celle des rêves, entre les dégâts du capitalisme et ceux de l’histoire tragique du Cambodge (le départ forcé des habitants ne rappelle-t-il, pas l’exil imposé par les Khmers vers les campagnes?) il montre avec pertinence tous les « dégâts collatéraux » sur les habitants, dont le jeune Samnang, le « double » de Kavich Neang 

Voici un trio d’adolescents, que l’on suit sur leur scooter (cf l’affiche) l’ambiance électrique, le rythme, les néons les pétarades rappellent Diamond Island de Davy Chou. cf Diamond Island - Le blog de cinexpressions Insouciance, période des rêves fous!. Mais l’ambiance délétère, les thèmes de la perte, de la maladie (on comprend vite que le pied nécrosé du père est la métaphore d’une autre nécrose….. pourriture qui détruit l’immeuble, pourriture du capitalisme et sa gentrification programmée) vont imprimer aux deux autres parties une certaine mélancolie. Aux nuits cambodgiennes de la capitale, à leur plasticité cinégénique, succèdent les journées à l’intérieur du building, et sur l’expulsion des habitants. . Le rire franc,  le sourire (sur le visage de Samnang) se sont estompés, s’impose désormais une certaine gravité ! Il y a ces clivages opposant ceux qui acceptent l’indemnisation malgré tous les malgré, personnes âgées,  après des décennies de guerre et d’épuisement et ceux qui résistent dont la famille de Samnang…(le père d’ailleurs mène un triple combat : contre les financiers, contre  la copropriété et contre son diabète…)

La façon de filmer le White Building (lents travellings latéraux sur des parties éventrées, sur des murs lépreux ou ambiance apaisante d’ensommeillement pendant la sieste alors que flotte le tulle des rideaux) semble insister sur le fait qu’on assiste non seulement à la disparition définitive d’un "taudis" mais aussi et surtout à celle d’une âme, celle qui habitait ces lieux. Qu’est-ce l’indemnisation comparée à la force d’une vie, à la puissance de souvenirs, à jamais enfoui.e.s ??

On regrettera toutefois qu’en s’inscrivant dans la lignée d’un Apitchapong Weerasethakul, Kavich Neang ne parvienne pas (comme le maître !) à « convaincre » -du moins à entraîner l’adhésion du spectateur-, dans les moments fantasmés oniriques ou plus contemplatifs (quand Samnang par exemple arpente les coursives du bâtiment et qu’apparaissent les « fantômes du passé »)

Hormis ces quelques réserves, White building est un film à voir !

Assurément !

Colette Lallement-Duchoze  

Premier long métrage de Karin Heberlein (Suisse 2020)

avec  Ania Gada  (Sami)   Rabea Lüthi Rabea (Joe)  Jana Sekulovska  (Leyla )  Karim Daoud  (Nadi)

Zurich Film Festival 2020, Focus Competition Zurich Film Festival 2020, Audience Award

à voir sur Arte Kino 

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Sami, Joe et Leyla ont seize ans et sont prêtes pour le meilleur été de tous les temps. Enfin, la vie peut commencer, comme elles l'avaient toujours imaginé. Mais ce que l'été leur réserve n'a rien à voir avec leurs rêves. Au contraire. Il leur arrache le tapis sous leurs pieds. C'est nager ou couler - et couler, comme le savent les trois amies, n'est pas une option.

Non pas un énième film sur l’adolescence et le passage difficile vers ce qu’il est coutume d’appeler « l’âge adulte » mais un portrait sensible sincère ( ton juste) de l’amitié au moment où s’imposent des choix décisifs et que l’on bascule vers…ou dans…

Avec cette devise comme fil d’Ariane que Leyla, la narratrice,  emprunte à sa mère

« Garde toujours dans ton âme plus de rêves que la réalité ne peut en détruire »

Construit comme un drame en plusieurs « actes » il débute par des séquences au rythme enlevé- avec une alternance entre scènes d' extérieur où les adolescentes se confondent dans l’unité du trio et scènes de la vie familiale -où chacune doit assumer des relations plus ou moins complexes avec ses parents, et dans un cadre de vie spécifique.

C’est l’été : on rit bavarde on se confie des secrets on s’éclate on caresse des rêves fous et ce, dans cet environnement de barres d’immeubles que la réalisatrice filme en plongée ou contre plongée pour mieux opposer la compacité verticale aux aplats des espaces verts

C’est l’été et la fin de l’année scolaire.

Progressivement la confrontation avec le « monde du travail » (Leyla puis Joe) et l’insoutenable éducation punitive (Sami) risqueraient de balayer les « rêves » liés jusque-là à l’insouciance de l’été (conçu comme un temps lequel on peut profiter de la liberté retrouvée) et de fissurer l’amitié ? MAIS

Garder la tête haute ! malgré tous les malgré ! sauvegarder cette amitié seule « planche de salut » dans ce monde où des adultes autoritaires pervers mesquins cherchent à les déstabiliser. Seule l'enseignante Mme Novak (Linda Olsansky)   semble être à l’écoute de ces adolescentes !

Il est des stigmates indélébiles ! (cf les gros plans sur le visage devenu sérieux de Joe ou les pleurs qui perlent sur celui de Sami) ! il est des vengeances redoutables (ici ne pas spoiler)

Authenticité et naturel ! oui c’est bien la qualité d’une interprétation, qui colle au quotidien, au service d’une interrogation sur la « normalité » et les formes que revêt le combat pour « survivre »

Un film à voir de toute évidence

Colette Lallement-Duchoze

Premier long métrage de Cécile Ducrocq (2020)

avec Laure Calamy, Nissim Renard, Béatrice Facquer, Romain Brau

A Strasbourg Marie se prostitue depuis 20 ans Elle a son bout de trottoir, ses habitués, sa liberté. Et un fils, Adrien, 17 ans. Pour assurer son avenir, Marie veut lui payer des études. Il lui faut de l'argent, vite.

Non ce n’est pas un film brûlant sur la prostitution » (titre de Marianne)

Ce premier long métrage de Cécile Ducrocq met en scène une mère (certes elle  a fait le choix de la prostitution indépendante) qui coûte que coûte (sens propre et figuré) se bat pour assurer à son fils (viré de son établissement où il préparait un BTS de cuisinier, il risque d'être marginalisé après avoir été déscolarisé ) un cursus à peu près « honorable » (en écho une prostituée du bordel transfrontalier agit de façon identique et planque un magot destiné à sa fille en Afrique...)

Combat d’une mère donc. Une mère habitée par la rage de « vaincre » Marie  est décidée  (accepter l’esclavage des bordels, renoncer provisoirement à son statut de prostituée indépendante) à se procurer ce sésame- quand on vit dans une forme de précarité, qu’on n’est pas né du bon côté- pour entrer dans une boîte privée. De défaites en défaites, d’humiliations en humiliations, un chemin accidenté et scabreux. Une mère courage ? Oui et non . Marie aveuglée par l’ambition de « sortir son fils Adrien » des ornières de sa « classe sociale » d’échapper au « déterminisme social » n’est pas à même de comprendre que cet ado a d’abord besoin qu’on lui fasse confiance et la séquence avec l’avocat (travelo que dans un premier temps Adrien refuse) est à cet égard révélatrice

Le tempo du film est précisément assuré par la succession de ces démarches qui virent à l’engueulade (prises de bec entre Marie et son fils, entre Marie  et certains de ses clients, engueulade avec le boss et les prostituées du  bordel, avec la secrétaire de l’institution et plus en sourdine avec les parents), C'est l'équivalent des  "rebondissements" dans n’importe quelle intrigue scénarisée. Envolée acmé retombée, un schéma narratif et dramatique répété ad libitum jusqu’au moment où …le fils réussit à se prendre lui-même en charge…. On peut discuter de ce dénouement (politiquement c’est le triomphe du statu quo « vous les précaires ne sortez surtout pas des clous » et contentez-vous de…)

Certes Laure Calamy interprète avec talent cette mère fougueuse et bienveillante.

Certes le film brosse sans complaisance le portrait d’une société précarisée (où l’argent-roi dicte les pires comportements) de même qu'il ne cède jamais à la tentation du voyeurisme et du misérabilisme -en nous introduisant dans l'univers de la prostitution

Mais pourquoi diable une démonstration  aussi longue qui flirte avec  la tautologie ? 

Colette Lallement-Duchoze

de Sara Summa (2019 Italie Allemagne)

avec Canio Lancellotti (‘Renzo Durati) Barbara Verrastro (Dora la fille ) Pasquale Lioi (Matteo le fils ) Donatella Viola (Alice Durati)

Sélection  arte kino (festival 6ème édition)

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L’Italie du Sud, la fin de l’été : la famille Durati vit dans une maison isolée au milieu de l’imposant paysage rocheux. A la fois protégés et coupés de tout, ils sont reliés au monde extérieur par une seule route qui traverse leur plantation d’oliviers. Aujourd’hui, alors qu’ils se préparent à célébrer le mariage imminent de la sœur aînée, le temps passe vite dans cette réalité isolée. Dora, Matteo, Renzo et Alice Durati ne réalisent pas que c’est leur dernier jour en vie.

Fin été 2012 des cambrioleurs s’introduisirent dans la maison des Durati et tuèrent toute la famille.

D’emblée le spectateur est prévenu. Compte tenu de ce « pacte » ou de cette « prolepse » son regard sur les quatre membres de la famille sera comme « altéré » ou du moins mis en alerte (chaque geste du quotidien pourtant banal,  questionne, est frappé de suspicion), ou alors tout simplement tout est mis en œuvre pour que le spectateur éprouve de l’empathie envers ces personnages dont il est le seul à partager les dernières heures minutes et secondes ; à un moment Dora évoque au téléphone la soirée passée avec son ami Tommaso « après, on a vu un film d’horreur » il est évident que cette remarque énoncée avec sourire par la jeune fille, aura  une connotation particulière pour nous....

La réalisatrice s’est inspirée de Truman Capote : non seulement le titre du film est celui de la première partie du roman De sang-froid,  mais elle emprunte aussi le schéma narratif   -description/évocation de l’environnement d’abord, puis personnages successivement passés à la loupe- de même qu’elle mentionne certains détails qu’elle transpose dans l’Italie du sud et à une autre époque (le téléphone, le coffret -celui que peaufine le frère – la maladie de la mère - à noter ici que le visage d'Alice renversé sur le lit, filmé en gros plan , avec les cernes et le teint terreux peut s’apparenter au masque de la Mort !!!!

Nous sommes ainsi  conviés  à assister  aux derniers instants.... d’une famille…Et tous les menus détails de leur vie domestique (le père attablé qui épluche une orange, le fils qui lustre le coffret,  la fille et sa machine à coudre (robes des demoiselles d'honneur), ou se lissant les cheveux,  les petites altercations entre frère et sœur, le benedicite avant le repas, l’autoritarisme du père, un même geste répété mais selon des points de vue différents, le passage fugace  de chasseurs, la visite d’un assureur) , tous ces détails "anodins" nous allons les revêtir  d’une certaine gravité, celle du "never more" : tel est bien l'enjeu du film! 

Nous sommes dans la Basilicate. Une route serpente, ruban immense qui traverse (éventre ?) un paysage aride. rocheux Ce plan revient à intervalles réguliers mais avec des changements de lumière (selon le moment de la journée) de perspective, de direction (on peut voir une éolienne à droite puis à gauche)  ; à la toute fin, dans le noir de la nuit,  la voiture de Tommaso quitte la propriété des Durati alors qu’une voiture se dirige en sens inverse…. (celle des cambrioleurs annoncés dès le prologue !!  la tragédie restera hors champ !)

Les plans au début sont, de l’aveu même de la réalisatrice, (cf entretien sur le site arte kino)  assez abstraits : pas de son juste un flux comme la vie qui s’écoule -mais on peut imaginer que ce sont les tueurs qui avancent vers leurs proies!. Et les répétitions inscrites dans ce "décor"  particulier (sauvage escarpé désertique ou plus verdoyant) sont comme des "tronçons" temporels qui personnifient ce paysage ,- en font un personnage -  La Basilicate : son aridité ET son archaïsme!!!

Un film étrange où la  "tension" naît précisément d’un pacte avec le spectateur !

À lui (à vous) de réagir : vacuité d’une telle démarche ? ou interrogation subtile  sur  la meilleure façon de vivre face à notre fin inéluctable ?

Colette Lallement- Duchoze

De Süheyla Schwenk Allemagne 2019

Avec Halima Ilter (Hayat) Sükrü Babacan (Harun) Nizam Nahidar (Irfan) Füsun Demirel (Gülsüm)

41ème Festival Prix Max Ophüls: Prix du Jury œcuménique

Festival international du film Entrevues Belfort:  Prix du public pour ce film de fin d’études

Sélection arte kino (6ème édition)

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Hayat et Harun sont venus à Berlin pour offrir une vie meilleure à leur futur bébé. Ils ont pour seuls bagages une valise et les cauchemars qui agitent les nuits d’Hayat, lui rappelant la Syrie. Une fois dans la capitale allemande ils s’installent chez l’oncle d’Harun, Irfan. Gülsüm son épouse qui n’a aucune envie de partager son quotidien avec une Kurde, harcèle Hayat….

Jiyan (vie en kurde) est un film  de 3^ème année, financé par l’Université, tourné en 11 jours par une réalisatrice née en Suède ayant vécu en Turquie et vivant en Allemagne. Etrangère dans un pays inconnu Süheyla Schwenk le fut, elle connaît les préjugés concernant les réfugiés, ceux qu’on désigne comme une masse indifférenciée désincarnée et sans identité. (les immigrés les réfugiés). A travers le destin tragique d’un jeune couple, elle a voulu rendre palpable « ce que c’est d’être invisible ». C’est à ces invisibles qu’elle dédie ce film (cf l'entretien sur le site arte kino)

Un film qui débute comme une « romance » : un jeune couple éperdument amoureux, l’attente fébrile de l’accouchement ; MAIS Hayat est doublement étrangère (à Berlin et à la communauté turque) et Gülsüm  (turque) n’est pas en reste pour manifester sa haine ( Hayat un poids encombrant !!.) . Après une embellie : naissance de l’enfant et repentance de Gülsüm, ce sera le drame, une double tragédie. Après  avoir survécu à l'enfer de  la guerre,  Hayat survivra-t-elle à  celui de l'exil ?

Confinés dans un appartement, Hayat et Harun n’ont pas d’existence à, (dans, pour), la Ville ; -les démarches de l’oncle Irfan, le travail au noir qu’on proposera au mari resteront délibérément hors champ. L’appartement devient ainsi la métaphore de l'invisibilité. Invisibles pour les autres,  ils sont animés par cette force intérieure: la  quête d’un « avenir » stable pour l’enfant (dont le prénom Umut est gage d’espoir ); ils doivent passer par les fourches caudines  des démarches administratives (avec cette incompréhension due au handicap de la langue, la "fameuse" barrière linguistique!!! alors que Hayat, motivée,  tapisse fenêtre porte etc. de post-it pour se familiariser avec le vocabulaire dans son apprentissage de la langue allemande)  

Caméra fixe le plus souvent, au plus près des personnages  - ce qu'accentue l'exiguïté des lieux-,  longs plans séquences. Une fenêtre que l’on ouvre pour bien vite la fermer et la voiler de tentures, des sonneries intempestives (intrusion de l’extérieur), des non-dits, des ellipses, la récurrence de ces images de villes dévastée par la guerre (le prologue s’ouvre sur des cris des explosions et des maisons éventrées) qui perturbent les nuits d’Hayat et en écho presque inversé  voici cette unique scène d’extérieur sur le chantier où a travaillé Harun, lieu du devenir et de l'anéantissement ; mais que peuvent une pelletée, des larmes,  des cris qui déchirent la nuit contre la tragédie ? Strates et décombres comme uniques linceuls! 

Le dernier plan -pièce vide, "restes" d’un repas- est presque allégorique ("reliefs" d’une Cène, non-dit de la tragédie) MAIS les vagissements du bébé que prolonge la chanson de l’espoir, insufflent le poème qui clôt le film

Vivre comme un arbre seul et libre

 Vivre en frères comme les arbres d’une forêt

 Cette attente est la nôtre    Nazim Hikmet 

Colette Lallement-Duchoze