de Youssef Chebbi   (2022 Tunisie)

avec Fatma Oussaifi, Mohamed Houcine Grayaa,  Rami Harrabi, Hichem Riahi, Nabil Trabelsi

présenté au festival de  Cannes 2022 Quinzaine des Réalisateurs 

Tunisie, dans les jardins de Carthage, un quartier nouveau où les constructions modernes se juxtaposent aux chantiers abandonnés et aux friches vacantes, le corps d’un gardien est retrouvé calciné au milieu d’un chantier. Batal, un flic d’une cinquantaine d’années est chargé de l’enquête, il est assisté par sa jeune nièce, Fatma, une femme de trente ans. Les enquêteurs commencent par interroger les ouvriers des chantiers voisins mais sont loin d'imaginer ce qui les attend réellement dans cette affaire...

Un film ambitieux qui tient du polar, du thriller politique et du film fantastique.

C’est par le feu (Mohamed Bouazizi se fit brûler devant la préfecture de Sidi Bouzid en décembre 2010) qu’a débuté la révolution tunisienne. Dans Askhar l’enquête de Tunis "le suicide traumatique" va jouer le rôle de déclencheur, de trame narrative, servir de support à une dénonciation politique avec des  "envolées" fantastiques (carcasses de pierre aux allures de temples, spectres enflammés côtoyant les figures d’un pouvoir "toujours" corrompu , lumières incandescentes et ténébreuses !)

Un film qui de surcroît est placé sous le signe de la dualité : un duo d’enquêteurs (Batal habitué aux turpitudes de l’ère Ben Ali, et Fatma une jeune femme qui  "découvre" …à plusieurs reprises son visage va envahir l’écran les yeux rivés sur un indicible à déchiffrer) ; une double enquête (celle sur ces corps calcinés : s’agit-il de meurtres ou d’immolations ? et celle de la Commission Vérité et Dignité présidée  par un avocat, le père de Fatma, sur le passé de la police complice des crimes de la dictature) ; la double connotation du feu à la fois dévastateur et purificateur, un "double"  regard -l’œil de la caméra relayé par les écrans de smartphone-, la caméra elle-même "rodeuse" et souvent  "subjective" ; le quartier des Jardins de Carthage  à la fois  "décor" et  "personnage"

En choisissant  ce haut lieu promis à une clientèle de luxe sous l’ère Ben Ali, mais resté à l’abandon après la révolution de 2011, le réalisateur joue l’ambiguïté. La construction devrait "reprendre"  annonce au tout début le texte du générique. Voici des bâtiments fantomatiques, des blocs de béton déserts, comme éventrés et donc propices à l’intrusion du "fantastique" ; tout comme leurs façades se prêtent à de lents travellings latéraux ou ascendants (lenteur excessive qu’accentue une musique intrusive). Les figures géométriques assez froides vont s’opposer à l’embrasement. Opposition esthétisante trop évidente et prégnante, d’autant que l’essentiel se passe la nuit (on est loin des images clichés sorties d'un catalogue), une nuit qui nimbe l’énigme, de ses propres mystères, tout comme le personnage encapuchonné -le pyromane tueur ( ?) investi d’une mission( ?) qu’on voit de dos, et ces portraits-robots dont l’aspect  "farce macabre"  est à la fois évident et énigmatique !

Une esthétique recherchée, un décor cinégénique empreint de mystères, un film aux multiples interprétations (comme le suggère le titre -ashkal étant le pluriel de "forme" "structure"), tel serait l’enjeu de ce premier long métrage (remarqué et récompensé dans plusieurs festivals) ?

Jouant constamment (trop) avec les connotations (foyer, combustion) Ashkal l’enquête de Tunis est devenu brasier

Au point d’emporter le spectateur dans le feu de la folie ?

A vous de juger ! l

Colette Lallement-Duchoze

d'Emmanuele Crialese (Italie 2022)

avec Penelope Cruz, Vincenzo Amato, Luana Giuliani 

Rome années 1970. Alors que son couple vacille, une mère de famille trouve refuge dans la relation complice qu'elle entretient avec sa fille Adriana, née dans un corps qui ne lui correspond pas ...

Papa et toi m’avez mal faite  (Adriana à sa mère Clara)

Chanson, chorégraphie, une mère qui s’éclate avec ses trois enfants, en dressant la table: cette scène d’ouverture  encoderait le film ? 

Si le titre renvoie à celui d’une chanson concourant à San Remo en 1967, si le film résonne comme un hommage à la variété italienne des années 70, (Rafaella Carra, Adriano Celentano, Patti Pravo), les "séquences" festives (dont la première)  joueront en fait le rôle "d’intermèdes"  ou  de  "fugues"  !!! l’essentiel étant  placé sous le signe du  "malaise"

Voici une famille pour le moins  " dysfonctionnelle"  (un fils boulimique qui défèque -son mal-être- sur la moquette, l’aînée Adriana, mal à l’aise dans "un" corps étranger qui décide de s’appeler Andrea, s’habille comme un garçon et entame une relation amoureuse avec une rom du campement voisin ; une mère  constamment   "au bord de la crise de nerfs"  victime du machisme  éhonté d’un mari -qu’elle ne peut quitter- et qui  "compense"  dans une relation fusionnelle avec sa progéniture, l’aîné.e en particulier, lui transmettant cet amour de la liberté qui précisément va à l’encontre (en les bafouant) des préceptes rigides édictés et incarnés par le père et sa mère

Or la prolifération des thèmes abordés (transidentité, choc des cultures, violences conjugales, amour maternel, dépression) semble nuire à la narration (quand bien même le réalisateur aura préféré les ambiances aux  "rebondissements")

Et même si le jeu des deux actrices principales Penelope Cruz (Clara la mère) et Luana Giuliani (Adriana/Andrea) est impeccable, si la restitution d’une Rome des années 70 frappe par la palette des couleurs, les décors, l'habitus -dont les  habits seventies chic de la middle class italienne, si le rythme est souvent allègre (excentricités de la mère, courses poursuites des enfants) et le mélange des genres/tonalités (fantaisie/drame, réalisme/onirisme) assez crédible, il manque un  "je ne sais quoi "qui fait que  l’immensita  est un film plutôt bancal et peu convaincant (même la beauté incontestée de Penelope Cruz a le charme douteux des publicités clinquantes ;  peut-être est-ce intentionnel; en tout cas établir une quelconque similitude  avec le film de Bellochio   "fais de beaux rêves"  est  frappé  d'inanité )

Et que penser du  portrait d’un pré-adolescent qui tente de se construire?  Portrait aux résonances autobiographiques (de l’aveu même du réalisateur à la Mostra de Venise); et les tâtonnements dans la quête de soi seraient illustrés (métaphoriquement) par l’exploration du nouveau quartier (la famille Borghetti vient de s'installer dans un des nouveaux complexes résidentiels de la capitale ) et le franchissement de ces limites à valeur d’interdits ?

Un portrait qui, hélas! reste à l'état d'ébauche !!!

Colette Lallement-Duchoze

de Martin McDonagh  (Irlande USA  2022)

avec Colin Farrell, Brendan Gleeson, Kerry Condon , Barry  Keoghan

musique Carter Burwell (connu comme collaborateur des frères Coen  a déjà travaillé avec McDonagh pour Three Billboards)

Golden Globes, meilleure comédie, meilleur scénario et meilleur acteur (Colin Farrell)

Mostra de Venise : coupe Volpi pour la meilleure interprétation masculine Colin Farrell

National Society of Film Critics Award meilleure actrice dans un second rôle Kerry Condon et meilleur acteur Colin Farrell meilleur scénario

Sur Inisherin - une île isolée au large de la côte ouest de l'Irlande - deux compères de toujours, Pádraic et Colm, se retrouvent dans une impasse lorsque Colm décide du jour au lendemain de mettre fin à leur amitié. Abasourdi, Pádraic n’accepte pas la situation et tente par tous les moyens de recoller les morceaux, avec le soutien de sa sœur Siobhan et de Dominic, un jeune insulaire un peu dérangé. Mais les efforts répétés de Pádraic ne font que renforcer la détermination de son ancien ami et lorsque Colm finit par poser un ultimatum désespéré, les événements s’enveniment et vont avoir de terribles conséquences.

« je ne veux plus te voir » décrète brutalement Colm à son "ami"  Pádraic. Ce postulat de départ n’est pas un caprice ; il va résonner comme le fracas de la guerre civile (qui restera hors champ),  transformer les paysages -malgré leur somptuosité et magnificence- en une forme de prison à ciel ouvert, permettre au réalisateur de mieux « cerner » cette petite communauté insulaire, contrainte de s’interroger sur une forme de finitude (du policier véreux à la postière avide de potins en passant par le tavernier débonnaire et  la « sorcière » la banshee de la mythologie celtique), d’opposer la « voix » de la raison (incarnée par la sœur de Pádraic) à la « folie » des habitants. Cette rupture insuffle des questionnements en créant un tempo et un crescendo – de la légèreté à la tragédie dont les étapes sont soulignées et illustrées par la prestation des deux acteurs Colin Farrell et Brendan Gleeson. Le premier incarne un être simplet qui se "nourrit" de la chaleur de ses bêtes, de l’amour pour sa sœur et qui progressivement va se "transformer", le second, violoniste (il est en train de composer « les banshees d’Inisherin) a décidé d'éliminer tout ce qui entrave  sa  "création" (dont l’amitié jusque-là partagée sans faille avec Pádraic). Ce film se prête  ainsi à une lecture plurielle (amitié, création, absurdité de l’existence, usure du temps) tout comme McDonagh mélange la noirceur (solitude, méchanceté) et la tendresse (relation entre le frère et la sœur, relation avec les animaux) ainsi que les tonalités (comédie fantastique et drame), tout en préservant les  "silences"  - la complicité muette avec l'ânesse et les deux chiens, et ces animaux   acquièrent, progressivement, une importance jusque-là insoupçonnée,  dans la confusion espace géographique et mental !!

Voici des statues de la Vierge elles cohabitent avec les croix celtiques, voici des falaises, des immensités balayées par les souffles venteux, des ciels tourmentés de stries orageuses ou embrasés de rouge, voici des maisons isolées,  une taverne. Voici le « fameux » idiot du village (seul à même de percevoir et/ou de comprendre l’indicible). Ces quelques éléments sont déjà porteurs d’une histoire que vient accentuer la présence récurrente d’une vieille femme toute de noir vêtue aux mains de Nosferatu, au bâton sablier (mais qui n’a pas la prestance suggestive de la Mort de certains autres films…). Les potins circulent comme la bière. Et les dialogues - du moins au début- sont savoureux… (cf la répétition de formules préfabriquées !!)

En interrogeant le fameux mythe de « l’artiste torturé » (interprété avec brio par Brendan Gleeson) le réalisateur invite le spectateur à prendre lui-même position : la création a-t-elle inexorablement pour corollaire la tyrannie ? et en l’occurrence doit-elle  anéantir l’amitié -Pádraic  "barbant"  est une entrave au parcours artistique, il faut s'en débarrasser!- Or cette question en maquille une autre : au confessionnal Colm avoue au prêtre qui vient de condamner ses automutilations  Je crois que je m'occupe en repoussant l'inévitable  

La cruauté comme exutoire à la détresse existentielle ?

Riche en questionnements, ce film frappe aussi par la maîtrise de la mise en scène et l’excellence de l’interprétation (mention spéciale outre les trois acteurs récompensés, à Barry Keoghan dans le rôle de Dominic, l’idiot)

Un film à ne pas rater !!

Colette Lallement-Duchoze

de Dénes Nagy (Hongrie 2021) 

avec  Ferenc Szabó, Tamás Garbacz, László Bajkó, Gyula Franczia, Ernő Stuhl, Gyula Szilágyi, Mareks Lapeskis, Krisztián Kozó, József Barta, Aivars Kuzmins, Liene Kislicka

Ours d'argent du meilleur réalisateur - BERLINALE, 2021

Prix du Meilleur Réalisateur, Festival International du Film de Gangneung, Corée du Sud - 2021

1943, l’Union Soviétique est sous occupation allemande. Semetka, un paysan hongrois, est enrôlé comme sous-lieutenant dans une unité spéciale qui traque les groupes de partisans russes. En route vers un village isolé, sa compagnie tombe sur l’ennemi. Le commandant est tué, Semetka doit prendre la tête de l’unité... Va-t-il réussir à conserver son humanité ?

D'emblée le spectateur est comme happé par les choix esthétiques du réalisateur hongrois :   paysages désolés, couleurs terreuses, miasmes morbides des marécages, dialogues réduits au strict minimum, visage impavide de Semetka au regard d’acier, lenteur calculée. Une esthétique qui peut rappeler  celle de ses compatriotes Béla Tarr,  László Nemes ou celle du Lituanien  Bartas et que Dénes Nagy exploite pour évoquer un épisode méconnu (oublié ?) de la seconde guerre mondiale : après l’occupation de l’Ukraine par la Wehrmacht en 1941 des troupes hongroises -dans le cadre de l’alliance avec l’Allemagne-,  ont eu pour mission d’éliminer l’activité partisane soviétique. S’il s’inspire du roman éponyme de Pál Závada,  le réalisateur  (dont c’est le premier long métrage de fiction) dit s’être « concentré sur 3 jours de 1943 » tout en « respectant l’esprit du roman »

Et voici le portrait d’un homme qui « ne comprend pas mais qui aimerait comprendre ». Il regarde, scrute, semble s’interroger mais …; pour illustrer cette constante hésitation voici des plans prolongés sur son visage impavide. La fixité des traits traduit-elle une tristesse face à l’horreur de la guerre ou face à l’inhumanité des supérieurs- ? ou plutôt comme chez Bartas le regard ne saurait se substituer à la parole muette ; même si on devine la volonté du réalisateur de pénétrer ces arcanes, Semetka semble regarder par-delà ce présent, vers un ailleurs qui se dérobe à l’écran et que, ce faisant, le spectateur ne peut capter.

Voici dans cette circulation de regards (soldats,  vieillards,  jeunes femmes, enfants) des zooms qui ne font qu’accentuer l’énigme des « ressentis » ; des visages de paysans parcheminés par le temps, des corps déambulant avec une lenteur élégiaque parmi les bruissements replis et anfractuosités de leur espace familier mais hostile pour qui  vient s’en emparer  et le dilapider !! Ou bien le geste supplée à la parole (mains qui se cherchent, fausse étreinte, offrande de baies sauvages).

Si Semetka est « humain » avec les villageois, s’il n’offense pas la jeune fille, ne poursuit pas les bûcherons, ni les gens du radeau (impressionnant travelling , au début, sur un élan mort),  il « participe» à la spoliation de leurs biens d’autant plus criminelle dans un contexte de pauvreté extrême (ce dont témoignent les scènes d’intérieur aux lumières feutrées qui opposent la tablée des soldats  qui se gavent éructent aux habitants assis apeurés affamés)

Millimétrée, au cordeau, la mise en scène ne peut que séduire voire subjuguer (même si, parfois trop esthétisante ,  elle n’a pas la puissance suggestive d’un Béla Tarr ou d’un Bartas). La photo avec ses teintes gris-vert, ocre -brun terreux, évidemment crépusculaire, peut rappeler certaines peintures  Plans majestueux mais teintés d’effroi, où respire la matière tellurique du monde, plans serrés sur les humains, et gros plans sur les visages, lenteur des mouvements de la caméra, jeu spéculaire de mise en abyme (Semetka dispose d’un petit appareil photo,  pour « immortaliser » des portraits),  tout dans ce film participe d’une approche formelle de l’immobilité et de l’effacement (le tout dernier plan avec cette lente disparition du visage est d’ailleurs éloquent ) alors que l’absence de dialogues qui laisse parler le silence est à même d’amplifier le moindre son (certaines séquences  y gagnent en intensité !!)

Un film à ne pas rater

Colette Lallement-Duchoze

de Marie-Castille Mention-Schaar  (France 2022)

avec  Oulaya Amamra (Zahia), Lina El Arabi (Fettouma), Niels Arestrup (Sergiu Celibidache), Zinedine Soualem (le père), Nadia Kaci (la mère), Laurent Cirade (Claude Burgos), Marin Chapoutot (Dylan),

À 17 ans, Zahia Ziouani rêve de devenir cheffe d’orchestre. Sa sœur jumelle, Fettouma, violoncelliste professionnelle. Bercées depuis leur plus tendre enfance par la musique symphonique classique, elles souhaitent à leur tour la rendre accessible à tous et dans tous les territoires. Alors comment peut-on accomplir ces rêves si ambitieux en 1995 quand on est une femme, d’origine algérienne et qu’on vient de Seine-Saint-Denis ? Avec détermination, passion, courage et surtout le projet incroyable de créer leur propre orchestre : Divertimento

Le maire de Pantin vient de rebaptiser (provisoirement) le nom de la ville dont il est l’élu PS en Pantine !!! Pourquoi ne pas immortaliser les « sœurs jumelles » Ziouani ? lui suggère, à distance,  ironique et bon enfant, la réalisatrice !!!! C’était mercredi soir (5/01) à l’Omnia lors d’une séance-débat après la projection ovation de son film  Divertimento

Un film qui émeut -beaucoup de spectateurs avouent avoir pleuré-, un film d’une indéniable vivacité communicative ; grâce à tous ces "gestes" comme autant d’invitations à regarder et vivre autrement ; geste-accueil, geste-élan, celui bien sûr de cette très jeune cheffe d’orchestre dont la   "baguette"  par-delà l’espace musical trace comme des arabesques sonores, celui de son  "maître"  Celibidache (Niels Arestrup), celui si bienveillant des parents ; celui de la réalisatrice qui incite le public à s’inspirer de l’énergie, de la pugnacité de ces deux sœurs comme d’un viatique.

Ne pas s’attendre à des « originalités » de mise en forme, de mise en scène, l’essentiel est dans la puissance narrative ; un film de facture « classique » donc, mais dont les halos d’émotions vont de pair avec la volonté presque forcenée de concrétiser un rêve et surtout avec ce plaisir de le voir prendre forme et de communiquer cette joie (même en plein désarroi, victime de préjugés de classe, l’actrice ne faillit pas, son visage illumine la pénombre) C’est qu’il s’agit tout autant de « réussir » que de « transmettre » aux autres ce que les parents ont légué : l’amour de la musique symphonique

Nous suivons le parcours de ces deux sœurs ; parcours dont les étapes sont méthodiquement soulignées, (chaque jour le trajet Stains Paris lycée Racine, animation d’ateliers, préparation du concours tout en dirigeant un orchestre) ;à la diversité des lieux, répond celle des relations avec les « supérieurs »; aux différences de langage d’attentes et d’éducation s’oppose le « vivre ensemble » et comme dynamique interne cette volonté irrépressible de faire aboutir un rêve quelles qu’en soient les difficultés (dans le milieu culturel des orchestres symphoniques à dominante masculine, le « métier » de cheffe est discrédité non reconnu objet de quolibets, bien plus que les clivages « bourges » (Paris) et banlieue qui ponctuent les rencontres dans le film)

Un film qui a exigé un an de casting (la condition sine qua non était que les « comédiens » devaient être d’abord instrumentistes),  des rencontres avec les deux sœurs jumelles, avec leurs parents ; un film servi par deux interprètes talentueuses, Oulaya Amamara et Lina El Arabi, qui rendent crédible l’approche biographique (et lors du tournage des séquences musicales Zahia Ziouani était la "guide"). Un film musical (Saint-Saêns, Schubert Prokofiev) qui avec Ravel -en ouverture et dans un final où s’unissent les forces vives d’une cité- nous met au diapason entraînés dans une "folle équipée" (rien à voir bien évidemment avec les success story à l’américaine)

Si divertimento souffre de certains défauts (dont le jeu de la plupart des jeunes interprètes qui donnent la fâcheuse impression de « réciter ») il n’en reste pas moins une leçon de combativité et de persévérance

En dénonçant une discrimination (la profession de chef d’orchestre comprend seulement 4% de femmes en France et 6% dans le monde, rappelle le générique de fin) la cinéaste espère par ce « biopic » ouvrir le champ des possibles grâce à une réflexion sur le contexte social 

"Ça ne va pas changer le monde mais ça peut changer les gens" (Zahia)

Colette Lallement-Duchoze

Depuis deux décennies la formation guidée par Zahia Ziouani met sa musique au service d’une philosophie exigeante celle de s’inscrire dans son temps transmettre et partager dans une quête exploratoire inlassablement portée par sa vocation de démocratisation culturelle » Académie – Divertimento (orchestre-divertimento.com)

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