De Süheyla Schwenk Allemagne 2019

Avec Halima Ilter (Hayat) Sükrü Babacan (Harun) Nizam Nahidar (Irfan) Füsun Demirel (Gülsüm)

41ème Festival Prix Max Ophüls: Prix du Jury œcuménique

Festival international du film Entrevues Belfort:  Prix du public pour ce film de fin d’études

Sélection arte kino (6ème édition)

Voter pour vos films - ARTE Kino

Hayat et Harun sont venus à Berlin pour offrir une vie meilleure à leur futur bébé. Ils ont pour seuls bagages une valise et les cauchemars qui agitent les nuits d’Hayat, lui rappelant la Syrie. Une fois dans la capitale allemande ils s’installent chez l’oncle d’Harun, Irfan. Gülsüm son épouse qui n’a aucune envie de partager son quotidien avec une Kurde, harcèle Hayat….

Jiyan (vie en kurde) est un film  de 3^ème année, financé par l’Université, tourné en 11 jours par une réalisatrice née en Suède ayant vécu en Turquie et vivant en Allemagne. Etrangère dans un pays inconnu Süheyla Schwenk le fut, elle connaît les préjugés concernant les réfugiés, ceux qu’on désigne comme une masse indifférenciée désincarnée et sans identité. (les immigrés les réfugiés). A travers le destin tragique d’un jeune couple, elle a voulu rendre palpable « ce que c’est d’être invisible ». C’est à ces invisibles qu’elle dédie ce film (cf l'entretien sur le site arte kino)

Un film qui débute comme une « romance » : un jeune couple éperdument amoureux, l’attente fébrile de l’accouchement ; MAIS Hayat est doublement étrangère (à Berlin et à la communauté turque) et Gülsüm  (turque) n’est pas en reste pour manifester sa haine ( Hayat un poids encombrant !!.) . Après une embellie : naissance de l’enfant et repentance de Gülsüm, ce sera le drame, une double tragédie. Après  avoir survécu à l'enfer de  la guerre,  Hayat survivra-t-elle à  celui de l'exil ?

Confinés dans un appartement, Hayat et Harun n’ont pas d’existence à, (dans, pour), la Ville ; -les démarches de l’oncle Irfan, le travail au noir qu’on proposera au mari resteront délibérément hors champ. L’appartement devient ainsi la métaphore de l'invisibilité. Invisibles pour les autres,  ils sont animés par cette force intérieure: la  quête d’un « avenir » stable pour l’enfant (dont le prénom Umut est gage d’espoir ); ils doivent passer par les fourches caudines  des démarches administratives (avec cette incompréhension due au handicap de la langue, la "fameuse" barrière linguistique!!! alors que Hayat, motivée,  tapisse fenêtre porte etc. de post-it pour se familiariser avec le vocabulaire dans son apprentissage de la langue allemande)  

Caméra fixe le plus souvent, au plus près des personnages  - ce qu'accentue l'exiguïté des lieux-,  longs plans séquences. Une fenêtre que l’on ouvre pour bien vite la fermer et la voiler de tentures, des sonneries intempestives (intrusion de l’extérieur), des non-dits, des ellipses, la récurrence de ces images de villes dévastée par la guerre (le prologue s’ouvre sur des cris des explosions et des maisons éventrées) qui perturbent les nuits d’Hayat et en écho presque inversé  voici cette unique scène d’extérieur sur le chantier où a travaillé Harun, lieu du devenir et de l'anéantissement ; mais que peuvent une pelletée, des larmes,  des cris qui déchirent la nuit contre la tragédie ? Strates et décombres comme uniques linceuls! 

Le dernier plan -pièce vide, "restes" d’un repas- est presque allégorique ("reliefs" d’une Cène, non-dit de la tragédie) MAIS les vagissements du bébé que prolonge la chanson de l’espoir, insufflent le poème qui clôt le film

Vivre comme un arbre seul et libre

 Vivre en frères comme les arbres d’une forêt

 Cette attente est la nôtre    Nazim Hikmet 

Colette Lallement-Duchoze

"Diversité culturelle et linguistique, regards de la fiction et du documentaire sur un monde en pleine métamorphose, voyages et curiosité : lancé en 2016 avec le soutien d’Europe Créative afin de faire rayonner et circuler le jeune cinéma d’auteur européen, le ArteKino Festival est de retour pour une 6^e édition qui se déroulera du 1^er au 31 décembre.

Au menu figurent 12 longs métrages (dont 9 signés par des réalisatrices) auxquels les internautes pourront accéder directement sur arte.tv/artekinofestival et sur la chaine YouTube ARTE Cinéma.

Un programme accessible dans 32 pays et en six langues (français, allemand, anglais, italien, espagnol et polonais)."

Voter pour vos films - ARTE Kino

La sélection :

Call Me Marianna [+] – Karolina Bielawska (Pologne)
Inner Mars – Masha Kondakova (Ukraine/France)
Jiyan [+] – Süheyla Schwenk (Allemagne)
LOMO: The Langage of Many Others [+] – Julia Langhof (Allemagne)
Nocturnal [+] – Nathalie Biancheri (Royaume-Uni)
Oasis [+] – Ivan Ikić (Serbie/Pays-Bas/Slovénie/Bosnie-Herzégovine/France)
Petit Samedi [+] – Paloma Sermon-Daï (Belgique)
Sami, Joe and I [+] – Karin Heberlein (Suisse)
Gli ultimi a verderli vivere (The Last To See Them) [+] – Sara Summa (Allemagne)
Uppercase Print [+] – Radu Jude (Roumanie)
When The Trees Fall [+] – Marysia Nikitiuk (Ukraine/Pologne/Macédoine du Nord)
Wood and Water [+] – Jonas Bak (Allemagne)

Deux récompenses (dotées respectivement de 20 000 et 10 000 euros) seront décernées : les internautes pourront voter pour le Prix du Public et le Prix du Jury Jeunes sera attribué par un panel de 15 Européens âgés de 18 à 25 ans.

Pour mémoire, la Fondation ArteKino (qui pilote le festival) soutient également des projets de longs métrages grâce au Prix ArteKino International, bourse d’aide au développement, remis dans une douzaine de grands festivals de cinéma. Par ailleurs, avec ArteKino Sélection, un film ou un cycle est proposé chaque mois gratuitement sur arte.tv et la chaîne Cinéma YouTube d’Arte. Enfin, au second semestre 2022, Artekino s’enrichira d’un nouveau volet avec ArteKino Classics qui permettra de découvrir des titres rares ou essentiels de l’histoire du grand cinéma européen.

Fabien Lemercier  (Cineuropa)

ArteKino Festival : 12 films européens en numérique - Cineuropa

voir le commentaire d' Uppercase print du Roumain Radu Jude 2020 

Uppercase print - Le blog de cinexpressions

de Sharunas Bartas 2020 Lituanie République tchèque, Lettonie 

avec  

^{Arvydas Dapsys : Jurgis Pliauga,  Marius Povilas Elijas Martynenko : Unte ,  Alina Zaliukaite-Ramanauskiene : Elena Pliaugiene,   Salvijus Trepulis : Deacon,  Valdas Virgailis : Ignas,   Rytis Saladzius : Hook,   Saulius Sestavickas : Tusk}

^{Sélection officielle festival de Cannes 2020}

En 1948, au lendemain de la Seconde Guerre Mondiale, dans un village isolé en Lituanie, alors que la misère ne laisse place à aucune liberté, le jeune Unte et le mouvement des Partisans dans lequel il s’est engagé, doivent faire acte de résistance face à l’emprise de l’occupation soviétique. De cette lutte désespérée dépend l’avenir de tout un peuple.

Découvert grâce au festival du cinéma nordique il y a plus de 20  ans -Sharunas Bartas avait d’emblée séduit le public rouennais : intrigue arachnéenne, primat de l’émotion sur la narration, science des cadrages, longs plans fixes contemplatifs, admirable beauté formelle. (Corridor, Few of us, the House, Freedom, Seven invisible men)

Avec   Frost  2018,  il nous avait entraîné dans les coulisses de la guerre (Ukraine Donbass) . Au crépuscule  (son dixième long métrage) poursuit ce travail sur la guerre et surtout  sur l’impérialisme russe.  L’action se situe dans un village reculé de la Lituanie occupée par les Russes (après l'avoir été par les nazis) . Et plus particulièrement dans la forêt dont les premiers plans font éclater les arcanes : espace à la fois hostile et hospitalier ; c’est là dans ses bruissements ses replis ses anfractuosités que, terrés, se réfugient les résistants ; résistants dont les visages (lent travelling latéral et très gros plans) muets ou silencieux semblent regarder vers un ailleurs (s’ils nous regardent nous ne pouvons capter leur regard) ou être à l’écoute d’une force intérieure.

Le film obéit à un mouvement de va-et-vient, d’aller-retour entre ce « camp » et le village, allers et retours qu'accomplit régulièrement Unte  (nous le découvrons  au moment de  ses ablutions dans un plan-séquence digne d’un tableau de maître),  il vit avec son  "père"  Jurgis Pliauga -propriétaire terrien et complice des résistants-,  père dont le visage souvent filmé en gros plan rappelle la  "trogne" des personnages de Rembrandt.

Les scènes d'intérieur   avec leurs  clairs obscurs -halos et frémissements de la bougie- seront traitées  telles des peintures, alors que le vert et le gris dominent pour les scènes extérieures (couleurs crépusculaires par essence). Mais  à chaque fois s'impose la  science du cadrage (souvent plan moyen puis élargissement du champ) de la répartition des couleurs ,de la lumière, de la position du personnage dans l'espace, cette  maîtrise plastique incontestée à laquelle  Sharunas Bartas nous a  habitué.e.s

Le constat est tragique, sans appel. L’ennemi, l’occupant russe, bafoue en les violant toutes les lois du " vivre ensemble",   on  soudoie suborne torture (les contrastes entre le visage tuméfié, les corps qui se tordent de douleur et la froide impassibilité des tortionnaires est éloquente) on dépossède les paysans de leurs terres dans un contexte de pauvreté extrême. Mais la violence est aussi du côté des  "résistants" qui exécutent les traîtres ou supposés tels, quand ce n’est pas le  "chef" , le traître suprême.

Une période noire de l’histoire de la Lituanie et la mort en héritage (sens du titre?) . Les très gros plans sur les mains (celle du fils qui caresse celle de son père agonisant, celle du résistant qui rejoindra la femme aimée dans l’étreinte métaphorique de la mort), sont comme la signature d’un ici-bas à reconquérir.

Le film est aussi récit d’apprentissage : le jeune Unte à partir de révélations (la confession douloureuse du "père") d’interrogations  face à la cruauté du monde, perd son innocence et ses illusions- , et -à travers  ce jeune homme précisément-  Au crépuscule  est comme la mémoire de la Lituanie, un pays meurtri qu’on a dépossédé de …la vie

Mémoire qu’accompagne la plainte musicale de la violoncelliste Gabriele Dikciute sur une création de Jakub Rataj.

Au crépuscule

Un film à ne pas rater !

Colette Lallement-Duchoze 

 D'Elie Grappe (Suisse France Ukraine ) 2020

avec  Anastasia Budiashkina : Olga , Sabrina Rubtsova : Sasha , Caterina Barloggio : Steffi,   Thea Brogli : Zoé,  Jérôme Martin : Adrien , Tanya Mikhina : Ilona,  Alicia Onomor : Juliette ,  Lou Steffen : Andréa

Prix SACD du meilleur scénario de la Semaine de la Critique, (Cannes 2021) "Olga" représente la Suisse dans la course aux Oscars qui s'achèvera le 27 mars 2022. Entre ces deux rendez-vous majeurs du 7e art, le film a raflé de nombreuses récompenses à Bruxelles, Hambourg, Rome ou Angers.

2013. Olga, une jeune gymnaste ukrainienne, quitte Kiev en pleine agitation politique pour la Suisse, le pays natal de son père. Dans ce « pays d’adoption », l’héroïne s’entraîne pour les futurs championnats d’Europe et souffre de savoir ses amis et sa mère, une journaliste d’opposition, combattre lors des événements d’Euromaïdan

La Suisse, explique le cinéaste, est le lieu où Olga est à la fois le plus en sécurité et le plus éloignée de ce qui se passe chez elle. La Confédération, au centre de l’Europe sans en faire partie, revendique une neutralité et une distance qu’Olga ne pourra jamais avoir ».

C’est précisément ce « grand écart » que filme le très jeune cinéaste Elie Grappe (né en 1994)

Avec virtuosité : les exercices d’entraînement font alterner la grâce des corps comme suspendus et les gros plans sur le visage d’Olga comme emprisonné dans le format 4/3 ; l’individuel et le collectif avec ses tensions. Aux tensions internes (concurrence émulation rejets) inhérentes ( ?) au monde « violent » du sport de haut niveau, répondent en écho les violences politiques, la répression dont sont victimes les manifestants à Kiev sur la place Maïdan en 2013. Ce qu’illustre le va-et-vient (peut-être systématique) entre images de la Place (images réelles d’archives) et images de l’entraînement en Suisse (fiction). Certains parallèles se veulent convaincants dans leur suggestivité même : la statue de Lénine que l’on déboulonne et le corps d’Olga suspendu à « sa » barre ; les fumées lacrymogènes de Maïdan et les sapins enneigés en Suisse, les coups de matraque et les « rondades flips saltos arrière » de la gymnaste athlète. Le va-et-vient peut se muer en fondu-enchaîné, une image progressivement s’estompe alors que l’autre apparaît, sur le même écran de portable qui aurait ainsi joué le rôle de « miroir »

La bande-son   (parfois surdimensionnée)  participe aussi de cette démarche. Ainsi  la partition confiée à Pierre Desprats met en parallèle « claquements » des barres de la salle de sport par exemple et « détonations » de la place Maïdan. Elie Grappe dit s’être inspiré de l’histoire d’une violoniste ukrainienne qui, loin de sa ville au moment des « événements » de 2013, fut « imprégnée » par les images de la révolution jusque dans sa pratique du violon…Transposé dans une salle d’entraînement pour compétition, interprété par des athlètes professionnelles, le film va privilégier la puissance à la fois illustrative et suggestive des différents sons : à un moment précis nous suivons Olga qui retourne dans la salle après avoir « visionné » et entendu sur son portable les manifestations sévèrement réprimées, le corps vibrant habité par ces retentissements sonores  !!  

C’est que ce personnage éponyme est tiraillé.e  entre passion personnelle et destin collectif. Entre sa lutte intime pour sa réussite personnelle de gymnaste exceptionnelle et le combat de son pays pour la liberté » Olga incarne à la fois une jeunesse déterminée, fière et pugnace dans le dépassement de soi (maîtriser le fameux jaeger ce mouvement complexe à la barre ; continuer seule l’entraînement malgré les recommandations médicales par exemple) et une figure de l’exil, loin de la lutte collective ou du moins celle que mène sa mère -journaliste d’opposition (l’image du visage tuméfié, perçue comme une ignominie, vécue comme une douloureuse atteinte dans sa propre chair, incite Olga à abandonner…Mais ..). Signalons toutefois que chez cette adolescente (à l’inverse de sa mère ou de Sasha) il ne s’agit nullement de « conscience politique ni de militantisme » : la révolution est vécue dans la sphère de l’intime (la mère la sœur l’amie et même la ville de Kiev)  mais   au bout de cette « double » expérience, l’adolescente sera convaincue que le « sport est politique » quoi qu’en disent ses « supérieurs » (dont l’entraîneur).

Un film singulier à ne pas rater !

Colette Lallement-Duchoze

d'Apichatpong Weerasethakul  (Thaïlande, Colombie, Mexique) 2021

avec Tilda Swinton, Elkin Díaz, Juan Pablo Urrego, Jeanne Balibar

Prix du Jury festival de Cannes 2021

Ex aequo avec "le genou d'Ahed" de Nadav Lapid Le genou d'Ahed - Le blog de cinexpressions

Jessica, une cultivatrice d’orchidées se rend à Bogota pour rendre visite à sa sœur malade. Elle se lie d’amitié avec Agnès une archéologue française qui doit surveiller le chantier de construction d’un tunnel dans la montagne andine, avec un musicien le jeune Hernàn. Mais toutes les nuits elle est dérangée dans son sommeil par des bruits étranges et de plus en plus forts.

Long plan fixe : de la pénombre d’une pièce aux fenêtres voilées, dans ce jour qui va naître, émerge une silhouette une ombre qu’un bruit insolite (terrifiant ?) a soudainement réveillée ; c’est la scène liminaire !

Jessica (extraordinaire Tilda Swinton) sera à la fois cette ombre habitée, cette personne vive et vivante, tout en étant la proie sensorielle d’un phénomène (maudit ?) auditif : explosions de bangs qu’elle semble être la seule à percevoir. Quelle en est l’origine ? hallucination auditive ? Enfouissement d’expériences occultées qui soudainement s’imposent à la conscience ? Memoria est l’histoire de cette femme étrangère à elle-même en quête de son identité

Et sur sa route -qui la conduit de Bogota à la jungle- Jessica  croise une archéologue française qui étudie des squelettes datant de plus de 6000 ans, un musicien Hernàn, une jeune femme accidentée, un homme insomniaque -comme elle- qui avoue avoir les mêmes souvenirs d’enfance.

Ainsi formulé l’énoncé ne saurait rendre compte des confusions à la fois temporelles (le Hernàn musicien du début serait-il le même que celui de la fin ? mais le patronyme du groupe musical est sans ambiguïté « the depth of Delusion » la profondeur de l’illusion) spatiales (passage d’un lieu à un autre sans raccord comme s’ils étaient interdépendants) ou même identitaires (quelle est donc cette sœur à laquelle Jessica rend visite à l’hôpital; est-ce la femme accidentée ?) Car c’est précisément de cette apparente confusion que se nourrit l’expérience des vibrations, comme si l’absence de « logique », de justification présidait à des découvertes des expériences hors du commun auxquelles le cinéaste nous convie.

La statue de Copernic -au pied de laquelle Jessica écoute la musique de Heràn qui "reproduit" ce que précisément elle "entend"-, la sculpture de Dali -à laquelle fait allusion le docteur Constanza et que l’on verra entière et fragmentée-, le trou insolite dans le crâne d'une jeune femme du néolithique, que commente l’archéologue, autant d’indices dans une quête sans cesse renouvelée ? Et/ou comme « objets » et « sujets » de l’histoire antédiluvienne du monde, substrats de la mémoire?

Et dans les frémissements des verts émeraude, les bruissements de la rivière, dans ce tunnel où grouille un chantier, retentit la « mémoire » d’un monde, du monde, tout comme elle peut être contenue dans le microcosme d’une pierre, celle que le toucher fera advenir à une forme d’éternité

Oui le film d'Apichatpong Weerasethakul a cet envoûtement de l’incomplétude dans la complétude (ou l’inverse)

Mais comme sa mise en scène, en image et en musique obéit à la lenteur des perceptions et des émotions, il pourra séduire ou….ennuyer (cf la remarque de David Fontaine dans le canard enchaîné du 17/11/2021« embarquement pour le rêve ….ou le sommeil »)

Un film que je recommande à tous ceux épris de rêves, de fulgurances épiphaniques, dans la lenteur ou l'hébétude des "voix chères qui se sont tues" 

Colette Lallement-Duchoze