de Florian Zeller · Royaume-Uni, France  (2022) 

 Avec  Hugh Jackman, Laura Dern, Vanessa Kirby, Zen McGrath, Anthony Hopkins, Felix Goddard, Max Goddard, Shin-Fei Chen

À dix-sept ans, Nicholas semble en pleine dérive, il n'est plus cet enfant lumineux qui souriait tout le temps. Que lui arrive-t-il ? Dépassée par la situation, sa mère accepte qu’il aille vivre chez son père, Peter. Remarié depuis peu et père d’un nouveau-né, il va tenter de dépasser l’incompréhension, la colère et l’impuissance dans l’espoir de retrouver son fils...

Adaptant lui-même ses pièces de théâtre, Florian Zeller évite de tomber dans le piège du théâtre filmé. Pari réussi pour the father (dépassant le huis clos de l’appartement et lui superposant l’univers mental du personnage éponyme si brillamment interprété par A Hopkins cf the father - Le blog de cinexpressions). Hélas avec the son la façon de filmer, et ce dès le début (champ contre champ, arrière-plan « bouché », plans très rapprochés sur les personnages) et le fil conducteur (le divorce des parents, comme la cause du mal-être) président à une « logique » que paradoxalement il tente de dénoncer et il nous entraînerait avec lui dans son propre piège ?

Le cinéaste a choisi d'adopter le point de vue  des  parents (et non pas celui du "fils"), et plus particulièrement celui du père -un père, parangon d’une clinquante réussite professionnelle (illustrée par ce plan récurrent où Hugh Jackman, filmé de dos, contemple Manhattan, de l’immense baie vitrée de son cabinet d’avocats !).

Voici des parents aimants mais déboussolés face au mal-être de leur fils, des parents qui se laissent « berner » par ses mensonges sur sa prétendue « intégration sociale. » au lycée. Voici un fils dont nous ne connaîtrons rien des déambulations, des flâneries erratiques (quelles incidences auront sur la façon d’appréhender une complexité, de démêler un écheveau inextricable par nature.??? ces quelques vues en plongée sur un trottoir qu’il emprunte, avant de traverser un passage ….clouté… Lui qui sèche les cours et falsifie les documents officiels du lycée) ; nous le verrons dans une relation malaisée avec ses parents géniteurs et la nouvelle compagne du père. La demande qui se lit sur le visage (ce murmure qui s’échappe de lèvres à peine entrouvertes, ces regards sur le point d’être embués de larmes, cet effarement qui prélude à l’hébétement hagard) ne peut être « entendue » - même si à un moment le père supplie son fils de s’exprimer avec ses « propres mots » (mais comment dire l’indicible ??) et l’interprétation (excellente) de Zen McGrath accentue cet aspect foncièrement énigmatique créant le suspense - et la récurrence du plan sur le lave-linge au moment de l’essorage, alors que l’adolescent est hors champ derrière la porte de la salle de bains…est censée jouer le rôle d'illustration!!

Les flash-back (entente cordiale père/fils dans l’ambiance estivale, cf l'affiche,  apprentissage de la natation, croisière familiale) frappent par leur saugrenuité !!!  

Et ce n’est pas l’épisode du « lâcher prise » (quand le père et Beth improvisent une danse et invitent Nicholas à y participer) qui « rachètera » l’ensemble. Un ensemble qui ne peut se départir de dialogues plus ou moins démonstratifs 

Quant à l’avant-dernière séquence aux relents mélodramatiques (vision conservatrice de la famille et ses clichés éculés) elle frise l’indécence, et la position finale du père, l’inconsolable, recroquevillé -tel un Œdipe moderne renversé- accentue cette fâcheuse impression

Florian Zeller avoue être resté volontairement sur « le seuil » à un endroit d’incompréhension, où il y a beaucoup de questions mais pas de réponse. C’est ainsi que les problèmes de dépression, de maladie mentale, se posent à nous, comme un mystère, comme un trou noir qui peut tout dévorer. »

Et nous restons à quai !

Colette Lallement-Duchoze

de Sam Mendes (G-B , USA 2022)

avec Olivia Colman, Micheal Ward, Colin Firth, Toby Jones 

Nommé aux Oscars 2023 (cérémonie le 12 mars) pour la meilleure photographie

chef opérateur Roger Deakins 

musique Trent Reznor et Atticus Ross

Angleterre, 1980. Hilary travaille dans un cinéma : un lieu tout indiqué qui lui permet d'être en contact avec des gens et de rompre la solitude. Cette femme d'âge mûr est chargée d'apprendre les rudiments du métier à Stephen, un jeune homme noir charismatique. En se rapprochant l’un de l’autre, ils vont apprendre à soigner leurs blessures grâce à la musique, au cinéma et au sentiment d’appartenance à un groupe..

Empire of light : un film élégant et bancal à la fois

Certes on appréciera le travail du chef opérateur Roger Deakins (partenaire et complice des frères Cohen, de  Villeneuve entre autres) on sera particulièrement sensible à  ces  premières images qui font du cinéma Empire un écrin de velours, à ces  lumières- bleutée à l’extérieur et mordorée à l’intérieur,- aux ambiances feutrées qui harmonisent lieux et personnages (opacité du bureau du directeur comme pour camoufler les non-dits, visage éclairé  de lumière d’Hilary en ses  périodes fastes,  etc..

De même on admirera  la prestation d’Olivia Colman en quinquagénaire aimante aimée dépressive ou rayonnante et celle de Micheal Ward. ( victime potentielle du racisme toujours aux aguets)

On sera peut-être moins sensible à cette  "ode" au cinéma (thème récurrent ces derniers temps cf Steven Spielberg, Damien Chazelle) qu’à la solitude du projectionniste (à moins que ce ne soit l’inverse)

On peut établir une liste des  "qualités"  et conclure « Empire of light est un film séduisant »

Oui mais à condition que les armes de séduction ne soient pas des pièges

Si le cinéma « Empire » sert de cadre à, s’il est le lieu qui centralise TOUTES les problématiques (et elles sont très nombreuses : dépression, racisme, politique libérale de Mme Thatcher) le récit manque d’envergure et cumule (souvent poussivement) les clichés ou des mécaniques éculées. Chaque personnage aura sa crise (avec paliers récidive ou pas) ses prises de conscience, que l’on nous enjoint de mesurer, auxquelles on est prié de compatir…La romance elle-même est traitée sur les lignes de crête ou de façon artificielle, et le racisme s’exprime dans une scène lourdingue dans sa violence même ; quant aux rapports sexuels entre le directeur et l’employée (vous en aurez compris l'opportunité !) Et même la séquence qui rappelle Cinema paradisio manque d’authenticité et semble plaquée.

Que dire de ces  "symboles" assez faciles : une salle de cinéma à la fois belle et décrépie, autrefois grandiose immense;  un étage aujourd’hui désolé (désolation à l’image d’Hilary …) refuge de pigeons (dont un blessé qui grâce aux soins du « couple » pourra voler de ses propres ailes ?...)

De ce discours presque grandiloquent du projectionniste sur le regard et sa captation défaillante  ?

De cette séquence finale où Hilary seule dans l’obscurité de la salle, (qui agit tel un baume avec son faisceau lumineux) suit le parcours de Mister Chance (Peter Sellers) jusqu’à cette « apothéose » qui le fait marcher sur les ondes (tel un Christ ) ?

Empire of light : un film à la pernicieuse séduction

Colette Lallement-Duchoze 

d'Elena Lopez Riera  (Espagne 2022)

avec Luna Pamies, Barbara Lennie, Nieve de Medina 

musique Mandine Knoepfel

Présenté au festival de Cannes 2022 Quinzaine des Réalisateurs

C'est l'été dans un petit village du sud-est espagnol. Une tempête menace de faire déborder à nouveau la rivière qui le traverse. Une ancienne croyance populaire assure que certaines femmes sont prédestinées à disparaître à chaque nouvelle inondation, car elles ont « l'eau en elles ». Une bande de jeunes essaie de survivre à la lassitude de l’été, ils fument, dansent, se désirent. Dans cette atmosphère électrique, Ana et José vivent une histoire d'amour, jusqu'à ce que la tempête éclate...

Qu’un fleuve tombe amoureux d’une femme et l’emporte avec lui dans l’impétuosité de ses flots c’est ce que viennent confirmer face à l’écran ces femmes à intervalles réguliers : plan fixe, elles disent -et miment de leurs gestes- cette fougue dévastatrice et « amoureuse » ; une légende incarnée et comme ancrée dans le réel? paroles de femmes et images d’archives télévisuelles (l’inondation de1987) comme si le réel (nous sommes à Orihuela province de Murcie), allait à la rencontre d’un récit et simultanément comme si ce récit fictionnel devait être documenté.

Ana va incarner cette Eve nouvelle et qui sait ? se laisser dompter par le fleuve ou lui résister ? Fleuve Segura dont les colmatages de fortune (la préparation du plâtre par Jose et son père scelle aussi leur réconciliation) ne résistent pas à sa puissance destructrice (cf la dernière séquence)

El agua, l’eau, cet élément liquide dont on connaît toutes les connotations liées à la femme (légendes peuplées de sirènes de nymphes ; liquide amniotique;  l’eau à la fois purificatrice source de vie guérisseuse protectrice et destructrice, etc…). Entourée de sa mère et de sa grand-mère, donc comme en symbiose avec la tradition, le corps embrasé par la fougue amoureuse, Ana incarnerait les deux éléments eau et feu, tout en vénérant certaines idoles religieuses (Sainte Rita au grand dam de Jose son amoureux). Comme la plupart de ses amis (on rit on boit on fume on danse) elle désire « partir ». Partir serait aussi s’émanciper !

El Agua : une romance, le temps d’un été dans un village qui suinte l’ennui

El agua: une légende « charriée par un fleuve qui devient la métaphore d’une jeunesse en plein désarroi » interprétée par des acteurs pour la plupart non professionnels.

Hélas ce premier film n’est pas à la hauteur de ses ambitions : trop de thématiques abordées, ce qui surcharge le scénario   et/ou  accentue son  "manque de relance" ; et le mélange fiction, histoire sentimentale, réel revisité, légende, qui impose aussi de mixer différentes tonalités -réalisme naturalisme et fantastique amplifié par la bande-son-  fait que la mise en scène manque (trop) souvent d'originalité ! 

Dommage !

Colette Lallement-Duchoze

de Li Ruijun (Chine 2022)

avec Wu Renlin et Hai-Qing

Dans la campagne chinoise, province  de Gansu. C'est l'histoire d’un mariage arrangé, entre deux êtres méprisés par leurs familles. Entre eux, la timidité fait place à l’affection. Autour d’eux, la vie rurale se désagrège…

Quelle grâce dans la disgrâce ! Quel émerveillement dans la réappropriation de soi par soi ! Quelle humanité dans cet univers rural que des potentats locaux tentent de désagréger au profit de … ! Oui le retour des hirondelles (le titre français est plus poétique que la simple traduction du titre anglais  Retour à la poussière) ne peut que séduire. Le réalisateur ne verse jamais dans le misérabilisme (et pourtant, la rusticité d’un autre âge, la rudesse du labeur avec des moyens rudimentaires, s’y prêtaient) ni la violence (et pourtant elle est bien prégnante dans l’exploitation des faibles, dans leur vampirisation dont le « don du sang » serait la « métonymie », elle est tangible dans le comportement des propriétaires usuriers, dans les dépossessions successives auxquelles est soumis le couple !!)

Nous assistons au triomphe de l’humain -par-delà l’injustice liminaire et les tourmentes, avant que les dunes de sable n’enfouissent l’âpreté du réel dans leur tombeau. Un film irrigué par des forces contradictoires, et par une tendresse qui n’exclut pas l’indignation, car le réalisateur propose -pour ne pas dire  "impose "- une vision très inquiète -pour ne pas dire "désespérée"  du monde paysan (on comprend pourquoi le film a été « censuré », tant il va à l’encontre du discours politique qui prône la « fin de la pauvreté absolue »,  mais aussi parce qu’il démontre qu’un « damné » de la terre préfère le contact avec la nature  au  croupissement dans les « clapiers » modernes de la ville)

Voici un couple d’éclopés, de « parias ». Un mariage « arrangé ». Lui c’est Ma Youtie (Wu Renlin ) surnommé frère Quatre par les villageois moqueurs de la province de Gansu. « Vieux célibataire », il est contraint d’épouser Cao Guiying (Hai -Qing), une femme handicapée et incontinente, suite aux maltraitances infligées par sa famille! . Qu’à cela ne tienne ! le couple va se  "construire" tout comme se "construit" leur  maison, alors que démolitions et déconstructions sont programmées. La caméra les suit dans leur quotidien. Dans leur intimité -pudeur tendresse en lieu et place de contact charnel ; l’œil de l’objectif est devenu caresse, une caresse comparable à celle que prodigue le couple sur l’encolure de l’âne. En extérieur surtout, dans tous les travaux  " agricoles" - retourner la terre, semer, récolter, etc. Rudesse du labeur dans des espaces arides sublimés grâce à la composition des plans (d’abord cadres dans les cadres puis élargissement en harmonie avec l'indéniable somptuosité de l'environnement) , le choix des couleurs (avec la dominante verte et ocre, ocre qui s’en vient contaminer la carnation des visages) et les effets de lumière (selon les moments de la journée ou les saisons).

Le réalisateur originaire de la région de Gansu (au sud de la Mongolie) aura assisté (et il nous aura entraîné dans son sillage) à une douloureuse destruction de la culture ancestrale, de cette osmose entre paysans et nature -incarnée par un couple de « parias » humble et aimant, déroutant de beauté fruste,  un couple bouleversant, tout simplement ! 

Colette Lallement-Duchoze

Extraits du dépliant   "ARP et GNCR présentent" (ARP= auteurs réalisateurs producteurs; GNCR = groupement national des cinémas de recherche)

"Le titre chinois du film signifie "caché dans le pays des cendres et de la fumée". Cela signifie que les époques passées les vies passées n'ont pas disparu. Elles sont tout simplement enfouies dans les cendres. Ce que nous ne voyons plus ne cesse pas pour autant d'exister"  

Je retourne toujours filmer la terre où je suis né. Les deux héros de mon film viennent d'une campagne que les habitants ont désertée. Ils ont tous pris le train pour la ville. Mes deux protagonistes ont raté ce train"

"nous avons tourné le film au rythme des saisons, en suivant le cycle des cultures et des migrations d'oiseaux. Avec l'aide de l'acteur principal Wu Renlin, qui est mon oncle, de son fils qui joue le second neveu, ainsi que de mon frère et de mon père, nous avons construit la ferme et fait pousser les cultures jusqu'à leur moisson. Nous avons travaillé comme des paysans et consacré notre temps à la terre comme les héros du film. Nous avons tourné durant 85 jours de mars à octobre 2020. La pandémie a mis à mal notre production...

de T Strugar Mitevska (2022 Bosnie Croatie) 

avec Jelena Kordic Kuret, Adnan Omerovic Labina Mitevska Ana Kostovska  Senjia Marinkovic, Izudin Bajrovic

Sarajevo, de nos jours. Asja, 40 ans, célibataire, s'est inscrite à une journée de speed dating pour faire de nouvelles rencontres. On lui présente Zoran, un banquier de son âge. Mais Zoran ne cherche pas l'amour, il cherche le pardon....

Des hôtesses en robe  "panthère", des chemises roses et des étiquettes nominatives pour les "candidats à l’amour" des jeux dits de « socialisation », tel est le rituel auquel Asja doit se soumettre, après son inscription au speed dating. Le décor ? un hôtel de style  "brutaliste"  celui qui avait triomphé après la Seconde Guerre mondiale.

Une mise en scène forcément "complexe": "diriger" tant de personnes, dans un huis clos, implique de changer d’angles de vue, de rythme, de cadrages, d'alterner duos et scènes de groupe, allers et retours -wc/ salle, salle conférence/salle à manger ; et hors de la salle voici tel une acmé. Asja filmée en plongée, danser avec frénésie au milieu d’un groupe de jeunes, avant que l’organisateur ne lui fasse comprendre qu’elle "n’est pas à sa place"  -elle était censée "retrouver" ses 17 ans, cet âge d'avant la "catastrophe" !!

Ambiance "joyeuse" bon enfant ? Légèreté de bon aloi -celle de la bonne humeur qui baptisera voire scellera les « nouvelles » rencontres ; légèreté que la réalisatrice saura faire voler en éclats avec un sens de la dramaturgie ; car dans ce huis clos, (une unité de lieu qui se conjugue avec les deux autres unités de temps et d’action) nous allons suivre les différents étapes comme autant de chemins vers les révélations, comme autant de cercles concentriques, pour que soit rendue palpable cette double cicatrice : celle d’une blessure -qui lacère le dos de l’ex victime-, celle d’un tourment intérieur qui hante la conscience de l’ex bourreau. Et la comédie vire au drame ! une question reste en suspens après la « démolition" (sorte de table rase) par Asja d’un équilibre précaire, le pardon est-il possible  30 ans après les faits ?

Certains "indices" avaient "alerté"  le spectateur : ce très gros plan sur une nuque que des mains croisées triturent et quand le plan s’ élargit nous voici avec cet homme au dernier étage d’un immeuble comme si nous étions happé avec lui par le vide ; -en fait il regardait la silhouette d’une femme en jupe verte traversant un chantier, et nous allons emboîter le pas de cette femme filmée de dos  (deux  ou trois métonymies, deux ou trois fragments -la nuque le dos et les jambes- pour un tout ???) ; voici des excavations -vues en plongée- pour signaler la "reconstruction"  d’une ville, comme celle d'une population ? en contre plongée un cimetière témoin douloureux d’un passé relativement récent! 

Passé/présent, une ambivalence qui est aussi la dynamique de ce film traversé et comme irrigué par des "forces" antagonistes -individu/collectif, réparation/pardon, mémoire/oubli. Oui la ville de Sarajevo est toujours hantée par son siège ; oui la Serbie la Bosnie la Slovénie la Croatie sont toujours hantées par la guerre et ses traumatismes. Sont-ils indélébiles ? Oui. Peuvent-ils, ces traumatismes,  cohabiter avec une forme d’apaisement -voire de réconciliation ? Oui peut-être. Dire et pardonner serait-ce la "leçon" de ce film (ce qu'illustreraient  la superposition des deux  "confessions" puis l'étreinte des deux corps)

Ce film au titre ironique , et dont le huis clos serait comme le microcosme d'un pays, est  servi par l’admirable interprétation des deux acteurs principaux : Adnan Omerovic (Zoran, un anti-héros qui porte les stigmates de la douleur et de l’attente angoissée) Jelena Kordic Kuret (Asja décontenancée par les révélations de son compagnon de "jeu"  mais toujours "combative" !)

Un film qui s’inspire du vécu -ô combien hallucinant !- de la co-scénariste de Teona Strugar Mitevska

Un film que je vous recommande -malgré quelques bémols (cf. les plans trop insistants sur les jambes le dos les pieds d’Asja -quelles qu'en soient les connotations-,  la couleur verte comme filtrée qui au début contamine le décor)

Colette Lallement-Duchoze