de Maryam Touzani (Maroc 2022) 

avec Lubna Azabal, Saleh Bakri, Ayoub Missioui

Cannes Festival 2022 Un Certain Regard Prix critique internationale FIPRESCI

Valois de la mise en scène au festival du film francophone d’Angoulême 2022

Halim est marié depuis longtemps à Mina, avec qui il tient un magasin traditionnel de caftans dans la médina de Salé, au Maroc. Le couple vit depuis toujours avec le secret d'Halim, son homosexualité qu'il a appris à taire. Afin de répondre à une clientèle exigeante, ils engagent un jeune homme talentueux comme apprenti. Mina réalise peu à peu à quel point son mari est ému par sa présence.

N'aie pas peur d'aimer (Mina à Halim)

Suavité, sensualité, délicatesse, langueur, pudeur, volupté, autant de substantifs déclinés pour faire l’éloge de ce film ! Un film où s’entrelacent le désir, ses interdits -l’homosexualité est criminalisée dans le code pénal marocain- la nostalgie du travail artisanal séculaire, un film où l’on revisite la dialectique Eros et Thanatos. Un film épure où les regards les frôlements esquissent (ou signent) les aveux. Un film où les différents huis clos (échoppe, appartement, hammam) seront les écrins de forces vives réprimées ou exaltées

Certes la prestation de l’actrice belge Lubna Azabal (rappelez-vous Incendies et plus récemment Pour la France) et celle de l’acteur palestinien Saleh Bakri  (la visite de la fanfare, la source des femmes, Wajib entre autres) sont impeccables. Certes le travail de la directrice de la photographie, Virginie Surdej, qui avait déjà travaillé avec Maryam Touzani pour Adam est "exemplaire" ( cf la répartition des couleurs ocres ternes ou au contraires très vives, jeux de lumière, ombres silhouettées au hammam) 

Mais l’insistance sur le "tissage" des thématiques, (les nouages dans leur sens propre et figuré), la lenteur des travellings sur les plis et déplis du tissu (auxquels répondent en écho plis et déplis du sens), la surenchère de certains gestes qu’accentue le recours quasi systématique au gros plan (mains visages),  la vacuité de certains plans (cf au hammam quand la caméra filme le mouvement et la rotation des pieds comme métonymies …),  la redondance (inutile) de certains autres (superposition des mains pour caresser la cicatrice),  toutes les connotations -trop évidentes- du caftan, la retenue dans le jeu qui tend à  " figer"  les deux personnages masculins -avant un final/apothéose ou du moins prétendu tel-, autant de  " bémols"  dans le concert de louanges !

Colette Lallement-Duchoze

d'Andrès Ramirez Pulido (Colombie 2022) 

avec  Jhojan Estiven Jiménez, Maicol Andrés Jimenez, Miguel Viera, Diego Rincon .

Grand Prix et Prix SACD de la 61e Semaine de la Critique, Cannes 2022

 Rouen Festival A L'Est mercredi 1^er mars 2023 

Eliú, un garçon de la campagne, est incarcéré dans un centre expérimental pour mineurs au coeur de la forêt tropicale colombienne, pour un crime qu'il a commis avec son ami El Mono. Chaque jour, les adolescents effectuent des travaux manuels éprouvants et suivent des thérapies de groupe intenses. Un jour, El Mono est transféré dans le même centre et ramène avec lui un passé dont Eliú tente de s'éloigner.

"Je reconnais ma culpabilité, je suis le seul à blâmer et je suis ici pour en payer le prix" formule mantra que des jeunes "délinquants" regroupés dans un coin isolé de la forêt tropicale colombienne, doivent psalmodier pour se débarrasser à jamais du mal qui les habite. Du moins cela fait partie de la méthode du thérapeute Alvaro (un illuminé ?), méthode opposée à celle du garde-chiourme Godoy adepte des sévices physiques !

Un "bassin" où stagne une eau poisseuse, où surnagent des nénuphars et des déchets, où la lumière peine à se diffracter, un univers clos par les arbres ténébreux de la jungle, un fourmillement de bruits insolites, tel est l’environnement de ce "camp de rééducation" , un camp où les conditions d’hébergement sont non seulement rudimentaires mais inhumaines (les 7 sont enchaînés la nuit dans ce qui fait office de "dortoir" ) Du glauque -sens propre et figuré-, en harmonie avec le Mal ? avec le lourd passé ? (dont la relation au père abject que l’on désire éliminer) . Tout cela (soit l’essentiel du film)  vient juste après une séquence nocturne assez elliptique - en guise de prologue ; qui mériterait à elle seule un commentaire détaillé -comme pour pallier le minimalisme des paroles et des indices, l’ambiance mortifère et la fuite -qui d’ailleurs sera reprise en flash-back…Scène d’ouverture -drogue alcool meurtre- comme prélude à ?

Voici des délinquants. Leurs forfaits ? selon les cases du formulaire à remplir « menteur, rebelle, dealer, harceleur, bâtard, insomniaque, épileptique, suicidaire, dépressif, narcoleptique » El Mono qui rejoindra Eliù -complice de l’assassinat- cochera sans fard, les cases "voleur, escroc, bandit, assassin, drug addict et criminel ";  El Mono perspicace ( ?) refuserait l’intox ? Se méfier des apparences, se méfier des grilles de lecture…(Même si à un moment  nous constatons que ces délinquants sont  de  vrais esclaves économiques -leurs durs labeurs quotidiens servent en fait des magnats de la finance désireux de  "récupérer" un sol impeccable pour leurs spéculations immobilières-)

Le film est centré sur le personnage d’Eliù un jeune qui se débat avec sa culpabilité. Un enfant de la campagne presque mutique au visage éteint morne, dont le regard semble scruter son for intérieur à la recherche de ? A l'instar de ce personnage c'est le film  tout entier qui  est à la fois "sombre et radical". Bien plus le réalisateur a voulu  "que cette histoire connecte le spectateur à sa propre humanité"  (un film à la  portée universelle? )

Hésitant entre le ton du documentaire (froid et distant) et celui de la fiction voire du fantastique (où l’on descend dans les entrailles de la terre comme dans celles du passé, où la nature redevient métaphoriquement le ventre maternel avec ses grottes et ses forêts très humides ; où l’invisible va garantir une forme de rédemption) le film illustre surtout un vide affectif pour ne pas dire un   "néant"  et un questionnement sur la figure du père! 

Au titre antiphrastique l’Eden (sortie nationale mars 2023) préférons celui de « jauria » la Meute (Cannes 2022)

Un film à la beauté "convulsive" et "atmosphérique" : travail méticuleux sur la texture de la peau,  sur tout ce qui suinte, sur les lumières autour de  cette hacienda abandonnée,  choix  et traitement des plans séquences; musique suggestive de Pierre  Desprats pour évoquer la moiteur torpide ou la sauvagerie 

A voir, assurément!

Colette Lallement-Duchoze 

de Fabian Hernandez  (Colombie 2021) 

avec Felipe Ramirez , Juanita Carrillo Ortiz, Diego Alexander Mayorga

Quinzaine des Réalisateurs Cannes 2022

Présenté à Rouen dans le cadre du festival à L' Est  jeudi 2 mars 2023

Carlos vit dans un foyer à Bogota, un refuge à l’abri de la violence extérieure. C’est Noël et il aimerait partager un moment avec sa famille, -sa sœur Nicole et sa mère, incarcérée, dont il se sent responsable . A sa sortie du foyer il est confronté à la rudesse des rues de son quartier, où règne la loi du plus fort. Il doit montrer qu'il peut lui aussi être l’un de ces mâles alpha. Il lui faudra choisir entre adopter les codes d’une masculinité agressive, ou, à l’opposé, embrasser sa nature profonde.

Le film est dédié au père Javier de Nicolo (celui qui avait accueilli le jeune Fabiàn Hernandez)

Face à la caméra en plan fixe défilent plusieurs « varons » ( ?) : Tout dans leurs mimiques leur accent leur gestuelle leur vocabulaire, semble décliner une définition de leur masculinité, de leur virilité telle qu’elle doit se manifester dès lors qu’on est confronté aux puissances infernales de la rue ; défile ainsi tout ce qui participe à la fabrique du « mâle » drogue, sexe, arme. La masculinité comme passeport pour la vie. C’est la scène d’ouverture

Puis la caméra va suivre Carlos qui sera de tous les plans. Il incarne un questionnement à la fois humain et existentiel « est-ce qu’être varon va de pair avec la violence » et dans l’affirmative « y aurait-il une autre voie pour un être un homme ? Le réalisateur dit s’être inspiré de sa propre expérience et avoir voulu « faire un film honnête sur un sujet traité le plus souvent d’une manière qui ne l’est pas » ; entendons par là, refuser les clichés sur la Colombie pourvoyeuse de .. et de…. ; bannir toute esthétisation de la violence.  Celle-ci est certes manifeste dans les discours dans les rixes les propos, on la devine, menaçante, prête à exploser mais elle sera filmée "sans érotisation, sans instrumentalisation plus ou moins sordide, à des fins de divertissement".  Plus authentique plus sincère serait le film mais par ricochet moins dense, moins intense ? pas sûr !  car ce jeune homme solitaire,  contraint à « exhiber sa masculinité », laisse échapper par intermittences des aspirations profondes (cf la scène avec la femme aux ongles longs,  cette prostituée si maternelle, le rouge à lèvres qui s’en vient colorer son reflet sur le miroir, le regard équivoque, les appels téléphoniques à la mère adulée)

Voici Carlos chez la coiffeuse exigeant une « coupe de mec », celle qui se marierait si bien avec des sourcils taillés au rasoir, un accoutrement fait d’un jean taille basse et de tee-shirts, avec l’exercice de ces poings tendus signes de ralliement !  Tout cela vaut pour l’apparence !!  Or le film est construit sur un tiraillement intérieur, illustré d’ailleurs par les constants allers et retours, les allées et venues de Carlos, et par les « conseils » opposés prodigués par les femmes (dont la sœur) et par ses « pairs » (autres varons) ; le plan final laisse ouverte la possibilité d’un choix que ne dicterait plus le « déterminisme social » ?

Dans l’environnement de Carlos seules résistent -ô paradoxe éloquent ! les habitations minables masures des favelas à côté de ces champs de « ruines » -démolitions de constructions plus récentes et dont les monticules de gravats servent d’itinéraires,  de cheminements qui louvoient , difficiles.

Tracer sa propre voie et laisser les larmes inonder le visage, (dont rend compte un très (trop) long plan) alors que la décision de « tuer » engage sa propre survie.

Ô  douleur non encore éprouvée! 

Un film que je vous recommande

Colette Lallement-Duchoze

de Steven Spielberg   (USA 2022)

avec Gabriel LeBelle, Michelle Williams, Paul Dano 

Sammy Fabelman grandit aux États-Unis après la Seconde Guerre mondiale. L'adolescent découvre un jour un secret de famille bouleversant. Il se rend compte que le cinéma va l'aider à voir et accepter la réalité.

The Fabelmans ou Le grand déraillement.

Cela commence avec le film de Cecil B De Mille Sous le plus grand chapiteau du monde. Sammy gamin est à la fois émerveillé intrigué et choqué par le déraillement d’un train qui s’opère là,  sur l’écran,  au Fox Theater de Philadelphie. Et il n’aura de cesse de le  "rejouer"  d’abord avec une maquette, puis un appareil caméra super 8,. Car c’est précisément en "reproduisant"  cette scène originelle qu’il pourra s’en affranchir

De là serait né le besoin irrépressible du très jeune Spielberg de faire des images ….animées ? (si l’on admet que le film met à nu sa vie et sa vision du cinéma,  si l’on admet que the fabelmans (l’homme à fables ?) est autobiographique)

Déraillement du train : à la fois trauma et antidote   (et le paradoxe est précisément  dans cette simultanéité) On pourrait multiplier les dénotations et connotations du "déraillement" (bousculement des habitudes, secousses et perturbations dues au divorce des parents; ébranlement des convictions et troubles consécutifs à un antisémitisme primaire). Aisé et scolaire -j'en conviens-, cet exercice ne rendrait pas suffisamment compte de la dynamique interne :confrontations de forces contradictoires jusqu’à leur dépassement presque dialectique en une sorte d’acmé qui éclate dans la scène finale ; la plus belle leçon de cinéma  prodiguée  en  quelques mots  par John Ford (interprété par un David Lynch méconnaissable, caricaturé tel un personnage de BD): comment cadrer l’horizon ; il n’y a  que les imbéciles pour croire que le mieux est le « centre »

Ainsi la recherche de l’équilibre – quête fondamentale de Sammy tout au long de ce film- tombe à faux !

Le cinéma ne serait-il pas avant tout l’art du « déséquilibre » ?

Plus de 2h à la rencontre d’une telle épiphanie !!!!

(Mais heureusement  les prestations de certains acteurs sont convaincantes, et parfois s’exhalent  des effluences d’humour ) 

A  vous de juger

Colette Lallement-Duchoze

documentaire réalisé par Laura Poitras (2022 USA) 

Lion d'Or Festival de Venise 2022

Festival international du film de Stockholm 2022 : meilleur film documentaire

Nan Goldin a révolutionné l'art de la photographie.

Immense artiste elle est aussi une activiste infatigable qui se bat contre les médicaments opiacés responsables de centaines de milliers de morts

Structuré en plusieurs séquences,  ce documentaire réinscrit le parcours de l’artiste et de la militante dans une trajectoire familiale. Ainsi dès le 2^ème  "mouvement"   (après une ouverture sur la manifestation devant le Metropolitan Museum de New York contre la famille Sackler géant de l’industrie pharmaceutique qui s’enrichit grâce aux opiacés mais aussi grand mécène de la culture) c’est la relation entre les deux sœurs – illustrée par maintes photographies- qui est mise en valeur (Barbara, la sœur aînée, éjectée du foyer familial, Barbara une adolescente rebelle régulièrement internée et qui se "suicide"  à 18 ans)

Le documentaire obéit à une construction circulaire : la sœur revendiquant son homosexualité et prématurément disparue va irriguer la dernière séquence (cf le split screen de rails mortifères si tragique dans son élégance !) de même qu’elle aura insufflé un esprit libertaire, esprit en conformité avec les choix de l’artiste dont nous avons suivi  le parcours (archives interviews œuvres).

Plusieurs fils narratifs -comme autant de visages ou plutôt comme autant d'éléments composant une personnalité- (Nan Goldin activiste et militante, Nan Goldin artiste photographe, Nan Goldin l’amoureuse, l’amante Nan Goldin marquée à jamais par la mort  de sa sœur aînée) s’enchevêtrent ainsi  dans ce documentaire  "exemplaire"  (=à nul autre pareil!) tissant une intrigue à la chronologie éclatée et à la beauté (souvent) subversive

Voici le collectif P.A.I.N (prescription addiction intervention now) avec lequel Nan Goldin mène un combat -dont le documentaire retrace les différentes étapes. Si les stratégies rappellent celles d’Act-up, d’autres seront complètement « inédites » compte tenu de la "notoriété" de l’artiste : Nan Goldin menace en effet  de retirer ses œuvres là où les "partenaires culturels"  -musées et galeries-,  reçoivent de l’argent du  "mécène"   Sackler (odieusement impuni  !!)  

Voici, en outre, un procès en « téléjustice » : nous voyons les visages de deux ou trois membres de la famille Sackler, contraints d’entendre les cris de douleur de « patients » au seuil de la mort, suite à l’ingestion de ces médicaments opiacés (on dénombre 500 000 morts !!)

Toute la beauté et le sang versé (extrait d’une lettre de la sœur ) : un  réquisitoire qui vibre ainsi d’un souffle pamphlétaire !

C'est aussi  un "bel"  hommage à  l'artiste photographe,  qui toujours  s’est inspirée de sa propre  "vie"  (questionnement sur les « marges », sur ses addictions, sur les formes d’existence en dehors des normes sacralisées, sur la  "contre-culture" , les homosexuels, les travestis, les toxicos,  les paumés). Artiste qui était entrée dans le monde de l'art en taillant une pipe à un chauffeur de taxi qu'elle "ne pouvait pas payer, pour se rendre à la seule galerie alors prête à montrer ses photos" !!

Une artiste de renommée mondiale !! (honorée dans les musées et galeries. On  a pu la "découvrir"  à Paris au Centre Pompidou en 2001 et 2008, et en 2004 dans le cadre du Festival d’automne elle avait « installé » Chapelle Saint Louis de la Salpêtrière, Sœurs Saintes et Sibylles,)

Guide précieux,  toute la beauté et le sang versé est un documentaire à ne pas rater !!

Colette Lallement-Duchoze