d'Alexander Abaturov (2022)

Photographie Paul Guilhaume 

Son Myriam René, Sorin Apostol, Frédéric Buy 

Musique Benoît de Villeneuve, Benjamin Morando, Delphine Malausséna, Les Percussions de Strasbourg 

À l’été 2021, une vague de chaleur et une sécheresse exceptionnelle provoquent des incendies géants qui ravagent 19 millions d’hectares dans le nord-est de la Sibérie. Dans cette région, au cœur de la taïga, le village de Shologon se voile d’un épais nuage de fumée. Les cendres noires portées par le vent propagent des nouvelles alarmantes : la forêt est en feu et les flammes approchent. Abandonnés par le gouvernement, livrés à eux-mêmes, les habitants doivent s’unir pour combattre le Dragon

Pénétrer dans les entrailles du Monstre, filmer au plus près la solidarité humaine tout en dénonçant l’incurie délibérée des pouvoirs tel est le parti pris assumé du documentariste  Alexander Abaturov (dont nous avions apprécié Le Fils Le fils - Le blog de cinexpressions)

C’est l’apocalypse zombie s’esclaffent les gamins.

Un paradis transformé en enfer ? La vie en Sibérie est peut-être plus rude qu’ailleurs, mais c’est notre paradis et nous n’en avons pas d’autre. Le paradis, c’est l’ici et le maintenant. Mais le paradis est aussi fragile et peut se transformer en enfer Dans ces zones de contrôle  (appellation ironique, cynique, qui ne résisterait pas à un examen critique et historique) l’état s’est désengagé   "légalement"  et laisse les habitants livrés à eux-mêmes au plus fort des désastres

Refus du sensationnalisme ? Or les crépitements tumultueux, les couleurs jaunes rouges ambrées des flammes qui saignent de rage et de véhémence, les visages affairés et souillés, la répartition des couleurs contrastées et celle de l’espace -forêt et immensité céleste- rappellent un embrasement apocalyptique et transforment l’écran de la salle en brasier. Comme si en  "filmant"  le feu on ne pouvait échapper à ces aspects  "spectaculaires". Et les images sur écran dé téléphone en décuplent la tragique portée. Or, dans cette contrée si lointaine de Sibérie, et plus particulièrement le village de Shologon, une  "foi"  animiste habite les villageois qui vont convoquer les « divinités » ancestrales. Le feu est perçu comme un prédateur un Dragon qui dort, menace, rugit, s’empare de la forêt ; lui faire face ensemble, parer sa menace, puis contrer  son piège dévastateur, n’est-ce pas  la force intrinsèque de Paradis, sa dynamique ?

La fumée (plus que le rouge flamboiement ou le crépitement) est assurément « la trame dramaturgique » du film (symbole de la menace qui gronde, elle aussi est mortifère) Le film semble composé de deux « parties » : la menace (attente angoissée, analyse précise de cartes, mesures préventives) et l’incendie lui-même dévastateur (lutte, mise en place d’un contre incendie).

Le son est très important  dans ce film/documentaire  J’ai décidé de ne pas utiliser de musique traditionnelle yakoute ni de chant de gorge. Notre choix s’est porté sur les tambours et les instruments à percussion. C’est un patrimoine partagé : dans le monde entier, les humains ont toujours joué des percussions. Elles existent partout, dans toutes les cultures. L’idée n’était pas de poser un regard exotique sur les personnes filmées, mais de montrer ce que nous avons en commun avec elles

Paradis: une catastrophe écologique?  Ce que confirme le carton informatif qui s’affiche à l’écran avant que ne défile le générique de fin 19 millions d’hectares consumés  en Russie pendant l’été 2021, 90 % des incendies venaient des « zones de contrôle ». Pour la première fois, on a vu des cendres voler jusqu’au pôle Nord .

Certes il y a un happy end (la pluie salvatrice puis la pêche « miraculeuse ») mais ce n’est que « provisoire » (tant que l’inconscience en haut lieu et son lot de choix capitalistes éhontés perdureront !!!)

Un film à voir de toute urgence

Colette Lallement-Duchoze

de  Nuri Bilge Ceylan (Turquie 1997)

avec Mehmet Emin Toprak : Saffet Havva Saglam : Hulya Cihat Butun : Ali Fatma Ceylan : la grand-mère Mehmet Emin Ceylan : le grand-père Sercihan Alioglu : le père Semra Yilmaz : la mère Latif Altintas : l'instituteur Muzaffer Özdemir : Ahmet le fou

Les années 1970 dans un petit village turc. Au fil des saisons, une fille et son frère se frottent au monde  adulte, à sa complexité, à sa cruauté, alors que le temps de l'enfance se déploie lentement 

Premier long métrage -jusque-là inédit en France- Kasaba  est une chronique familiale (Nuri Bilge Ceylan adapte un récit écrit par sa soeur Emine Ceylan,   inspiré des souvenirs de leur enfance commune dans une petite ville reculée d'Anatolie dans les années 1970 )

Son découpage correspond aux saisons et le point de vue adopté est celui des deux enfants.

Un noir et blanc (souvent charbonneux) avec des effets de contraste surprenants (cette plume d’un blanc duveteux sur laquelle souffle un écolier dans une salle de classe « sinistre » ; ce cauchemar de l’enfant qui compare sa mère à cette tortue agonisant lentement, et qui la voit s’écrouler de sa masse noire dans l’embrasure de la fenêtre, cette silhouette du jeune oncle qui se détache sur un chemin sinueux afin de rejoindre la ville …un rêve jamais réalisé !!!).

Une  chronique qui  contient déjà des « thématiques » chères au cinéaste turc : le problème des « racines » à la fois historiques et géographiques, la guerre, la mort. Une chronique ou plutôt une évocation « nostalgique » parfois « amère » La première séquence, un hiver, une salle de classe, invite immanquablement à établir un parallèle avec le dernier film « les herbes sèches » (les rapports presque sadiques entre maître et élève ; la gamine humiliée devant  tous ses camarades : car sa gamelle, que l’instituteur a reniflée,  ne contenait que des produits périmés à l’odeur méphitique…

On retiendra la longue séquence du piquenique en forêt dans laquelle les « adultes » discutent (vie chère, mesquineries reproches) ou racontent (la geste d’Alexandre le Grand par exemple) alors que leurs paroles sont comme intériorisées par les deux enfants et que les reflets du feu irisent les visages  d’une pâle lueur;  mais aussi ce très gros plan sur les yeux de l’âne que des mouches s’en viennent douloureusement importuner et en contrepoint l’œil moqueur d’Ali ; ou encore ce très gros plan sur ce visage du « fou » qui a chuté sur la plaque de verglas et qui est la risée des gamins…

Kasaba un récit minimaliste, qui révèle déjà les exigences de son auteur (dont le sens de l'image, du cadre, et la capacité à transcender le quotidien le plus banal)

Un film à ne pas manquer !

Colette Lallement-Duchoze

programme de deux courts métrages inédits La voix humaine (2020) et Strange way of life (2023) 

La Voix Humaine  (2020)

drame théâtral avec Tilda  Swinton

Depuis trois jours, une femme, recluse dans son appartement avec un chien, attend avec fébrilité l'appel de l'homme qui l'a récemment quittée. Tandis qu'elle sombre dans le désespoir, la sonnerie du téléphone retentit et la sort de sa torpeur

"Mon rêve était de disparaître avec toi, n’importe où".

Un décor (théâtre ? cinéma ?) un plateau désert (parce que déserté par ?) une femme éblouissante dans une robe (Balenciaga ?) d’un rouge éclatant ; puis toute de noir vêtue (comme si elle changeait à la fois de peau et d’intériorité) ; seule, elle  arpente comme hébétée des lieux dont la facticité contraste avec le tourment profond (que nous devinons).

Suit un générique facétieux : des instruments des ustensiles de quincaillerie agencés en forme de lettres

Le décor -une vue aérienne prouve, si besoin était, que les "pièces"  sont agencées en enfilade pour un espace provisoire et sophistiqué – sera celui d’un appartement. - soit une « boîte » dans une plus grande ! Une hache délicieusement empaquetée, un chien en laisse, ou déboussolé, des produits de beauté de marque jouxtant des boîtes de comprimés, un costume noir épousant sur le lit le corps de l’absent !!! nous  suivons la femme  d'une pièce à l'autre dans l'attente  fébrile d'un appel téléphonique 

Almodovar va revisiter le texte de Cocteau en l’actualisant  et en l'irriguant de ses propres appétences

 Il reste fidèle  à certains extraits du monologue de 1930 - des plans rapprochés ou gros plans sur le visage de Tilda Swinton quand elle répond à l'appel tant attendu, saisissent le désarroi d'une femme abandonnée  et recluse (même si  fanfaronne elle avoue avoir "bien profité"  de la Vie!!!

Le décor devient un personnage à part entière: mobilier tableaux luminaires, bar en bois courbé, chaises Art déco à imprimé léopard, couleurs; apparemment tout cela contraste  avec les tenues si ajustées que porte Tilda Swinton -même si leurs couleurs sont éclatantes. On sait les exigences du cinéaste espagnol pour créer harmonies ou dysharmonies entre  un "environnement"  et ses personnages

La pièce de Cocteau revisitée aura une  fin  ouverte - sens propre :sur l’extérieur, après l'enfermement ; sens figuré  sur un futur désormais maîtrisé  Délaissée par l'infidèle ,  la femme  impose sa voix au chien (qui n'obéissait jusque-là qu'à son maître) et surtout change la donne,  elle sera  " maîtresse"   de son propre destin ! (ah l’impériale Tilda Swinton) . De TOUT faire table rase: en mettant le feu à l’appartement elle brûle aussi  ce qui la reliait à l’homme  (costume déjà lacéré à coups de hache, valises -qu’il était censé venir chercher-,  et surtout  illusion de l’amour….)

Un court métrage d’une puissance à la fois suggestive  et flamboyante 

Un court métrage à ne pas rater ! 

Colette Lallement-Duchoze

de Patric Chiha (France Belgique 2023)

avec Anaïs Demoustier, Tom Mercier, Béatrice Dalle

Diagonale 2023 : prix du meilleur costume pour Claire Dubien

Festival du film de Cabourg 2023 : compétition officielle

Pendant 25 ans, dans une immense boîte de nuit, un homme et une femme guettent ensemble un événement mystérieux. De 1979 à 2004, l’histoire du disco à la techno, l’histoire d’un amour, l’histoire d’une obsession. La " chose " finalement se manifestera, mais sous une forme autrement plus tragique que prévu

Au départ la nouvelle de Henry James 1903

La Bête dans la jungle « me hante depuis très longtemps ». Ainsi s’exprimait Patric Chiha lors de la rencontre débat (Omnia jeudi 17/08). Ce sentiment terrifiant de passer à côté de sa vie, justement parce qu’on espère une vie au-dessus de la vie, une vie extraordinaire

Pour l’adaptation cinématographique, il avoue avoir été fidèle au texte originel tout en s’en démarquant.

La " gardienne"  la physionomiste  (Béatrice Dalle) - Parque des temps modernes ?  allégorie de la mort? du temps?-, va  "raconter, commenter"  l’histoire de May et John à travers les différentes mutations de l’époque choisie 1979 / 2004 et par-delà des événements majeurs ( Mitterrand, sida, chute du mur, world trade center). Or certaines incursions dans le "réel" (quand le hors champ s'invite)  se muent en  intrusions trop appuyées et  font redondance avec les "incidences" évidentes de ces événements sur les personnages . Il en va de même de ce   point de vue "omniscient" trop  répétitif de La physionomiste

En revanche, le choix d’une boîte de nuit, en tant que huis clos, épouse l’enfermement des deux protagonistes dans leur "quête d’absolu"; l’omniprésence de la musique (disco puis techno) s’impose telle une sensuelle transcendance, l’importance des personnages dits secondaires (l’homme pipi la femme vestiaire le mari) et du groupe des danseurs -acteurs à part entière : leur corporéité leurs murmures leurs gestes leurs sourires, chorégraphient un espace saturé de volutes, dans leur "manière d'être au monde"  tout en enserrant le duo dans sa quête d’un sens dont le mystère est précisément de ne pas advenir ; le choix de phrasés particuliers dont celui de Tom Mercier (théâtraliser le texte? Imposer une distanciation voire une artificialité?), des clins d’œil à Cocteau (la belle et la bête les enfants terribles) mais en l’absence de l’onirisme fantastique, un clin d’œil plus évident à Lynch (quand Anaïs Demoustier pénètre dans le temple de la musique qui est aussi celui du Temps, suspendu). Tout cela n’entache en rien l’essentiel  de la nouvelle de H James : faire vibrer deux êtres dans l’intensité d’une attente … dans l’inassouvissement perpétuel (jusqu’à en « mourir ») (Anaïs Demoustier resplendissante d’énergie solaire, Tom  Mercier comme figé dans son être-là d’un bloc d’absence,  donnent « corps » à cette « douloureuse attente »). Peu importe que les acteurs ne « soient pas grimés » quand ils passent le cap des 30, 40 ans (c’est précisément la force de cette attente intérieure, leur présent immobile dans la fixité de l’éternel  ; tout peut changer (la mode vestimentaire, la musique) tout peut s’effondrer, eux ne changent pas  (surtout John ) et dès lors la question « pourquoi ne pas les avoir vieillis eux qui traversent 25 ans  d’une vie» peut paraître saugrenue (il faut reconnaître que Patric Chiha l’a contournée -habilement-, tel un casuiste, pour revendiquer sa spécificité par rapport à d’autres réalisateurs…)

De l’alchimie -travail très solidaire avec toute l’équipe technique, affirmait-il,  naît une œuvre singulière, hypnotique -parfois- où, en dehors de la musique, le regard est souverain pour la « narration » (c’est du moins mon impression). Jeu de miroirs (réels ou symboliques)  qui renvoient l’image du couple (comme pour le décupler ad libitum) Regard qui épie l’autre, (cf la variété des angles de vue) le saisit dans les moments où il se livre par le Verbe MAIS en ne percevant de lui que de furtives « présences » comme si un « faisceau de réciprocités » habitait chacun et que le corps électrisé par la musique aurait dû mais n’a pu, faire advenir. Et l’état de catalepsie dans lequel est plongé John l’empêche de voir que May serait précisément la solution…(il ne se souvient  pas avoir dévoilé son « secret » lors de leur première rencontre « Vous m’avez dit que depuis votre plus tendre enfance, vous aviez, au plus profond de vous, la conviction d'être réservé à un sort rare et mystérieux », ils étaient ados (cf le plan d’ouverture d’abord délibérément flou , auquel répond en écho le dernier dans une circularité à valeur "universelle" ? ) 

 Si je le pouvais je vivrais encore pour vous, mais je ne le peux plus

Quand John COMPREND…. il est trop tard !

Et la métaphore de la montre – un cadeau de May-, qui se brise sur la pierre tombale, n’en sera que plus éloquente !

Une proposition ambitieuse, un traitement  audacieux et curieux  certes, mais dont les  afféteries et les redondances sont susceptibles de gêner  la "perception" du regardeur !!!

Colette Lallement-Duchoze

ps: La Bête, adaptation de la nouvelle par Bonello, sortira dans les salles en février 2024 

de  Daigo  Matsui (Japon 2021) 

avec Sosuke Ikematsu, Sairo Ito, Yumi Kawai, Reika Ohzeki

Prix du public Festival international du film  de Tokyo (octobre 2021)

Les 26 juillet se suivent et ne se ressemblent pas. C'est le jour où un danseur professionnel et une conductrice de taxi se sont rencontrés , celui où ils se sont aimés, et celui où ils se sont séparés....

Une chronologie inversée ( de la rupture à  la rencontre)  le principe d'une narration centrée sur seule journée  ( le 26 juillet date de l' anniversaire de Teruo)  une  histoire d'amour ( avec ses émerveillements  ses douleurs ses attentes ses pièges, sa banalité et son caractère d’exception ) jusque-là   rien d'original! 

Mais  le réalisateur a su mêler les ambiances, alterner les contraires et surtout faire du  spectateur un témoin et un  complice, en parsemant sa narration de détails comme autant d'indices, et c'est à ce dernier  de reconstituer le puzzle apparent, de revisiter le film de Jarmusch ( Night on earth, le  taxi, habitacle de tous les possibles,  l'horloge, qui ponctue la temporalité, le premier fragment avec Gena Rowlands et Wivona Ryder (re)vu sur petit écran), et dans les flashbacks successifs, de sympathiser "aussi" avec les personnages dits secondaires (mais qui ont participé peu ou prou à cette histoire plus mélancolique que romantique ) : l'homme qui attend la femme sur un banc, les clients du taxi, le barman , et dont la présence est traitée à  la manière de  vignettes  

7 rendez-vous, (le titre original  "je viens juste de me souvenir"  est moins médiocre) 7 étapes initiatiques 7 facettes d'une histoire, d'un parcours 7 façons de transcender l'ordinaire (même  si chaque séquence débute "apparemment" par le même rituel matinal - plans  sur le lit, sur la table basse, sur  la pièce,-  puis passage devant l'homme assis ) Il y a des moments de grâce absolue  ( la danse improvisée dans une rue où les amoureux sont "seuls au monde") d'autres plus "conventionnels" (aquarium) Il y a des dialogues  "convenus" mais qui font partie du répertoire amoureux (peu importe à quel point tu changes je t’aimerai toujours)

C'est aussi un film "d'atmosphère "  et la capitale ne sera pas seulement décor mais l'écrin des  états d'âme (ainsi au tout début la pluvieuse et grouillante mégapole  se donne à  voir et à entendre  comme la musique d'une rupture - définitive ??? )

 Ajoutons la prestation de l'actrice Saisi Ito, la raucité sensuelle de sa voix, son air clownesque (on pense à  Gelsomina dans la Strada )

Tout cela pour affirmer qu'il eût été bien dommage de passer à côté de cette pépite -même si par moments j'ai eu l'impression d'assister à un " exercice de style" ( la dernière séance:  c'était  hier 15 août )

Colette Lallement-Duchoze