de Tran Anh Hung (France 2023)

avec Juliette Binoche, (Eugénie) Benoît Magimel (Dodin)  Galatea Bellugi  (Violette) Emmanuel Sallinger (Rabaz) Patrick d'Assumçao (Grimaud ) Jan Hammenecker (Magot)

Prix de la Mise en Scène Cannes 2023

Argument: Eugénie, cuisinière hors pair, est depuis 20 ans au service du célèbre gastronome Dodin. A force de passer du temps ensemble en cuisine, une passion amoureuse s’est construite entre eux où l’amour est étroitement lié à la pratique de la gastronomie. De cette union naissent des plats tous plus savoureux et délicats les uns que les autres qui vont jusqu’à émerveiller les plus grands de ce monde. Pourtant, Eugénie, avide de liberté, n’a jamais voulu se marier avec Dodin. Ce dernier décide alors de faire quelque chose qu’il n’a encore jamais fait : cuisiner pour elle.

Elle cueille avec délicatesse des légumes; sa main experte lacère à peine la terre féconde du potager, (scène d’ouverture) Chapeautée, robe longue, elle (Eugénie) va pénétrer dans le « saint des saints » cette immense cuisine aux couleurs mordorées réceptacle d’une liturgie. En effet chaque geste, chaque posture, chaque déplacement est comme théâtralisé dans une sorte de dilatation du temps. Les crépitements, les rissolements, le bouillonnement d’une marmite, la lame qui cisèle une herbe, le raclement d’une cuillère seront l’accompagnement musical et pendant presque 20 minutes nous assistons à la métamorphose des produits, à leur transformation (alchimique ?) dans une circulation d’odeurs et de regards ; seule séquence au rythme assez rapide au service d’une chorégraphie millimétrée.

Une autre séquence apparemment plus « bavarde » -où maître Dodin fait goûter une sauce à la jeune apprentie, qui doit en retrouver tous les ingrédients et à chaque élément répertorié,  voici la sauce « recomposée » à l’écran - serait comme une mise en abyme de ce film sur « l’art de la gastronomie », un « art total » (visuel sensuel, tactile, musical)

Ce sont les deux seules séquences qui auront trouvé grâce à mes yeux dans ce film librement adapté du roman de Marcel Rouff. Film soporifique par moments!! 

Quand Benoît Magimel doit identifier une recette il donne l’impression désagréable de « réciter » de même quand il doit s’exprimer en une langue assez boursouflée ou du moins pontifiante (on ne peut s’empêcher de comparer avec d’autres acteurs bien plus à l’aise en des circonstances similaires)

Quand la passion de Dodin pour l’art culinaire se double d’une passion pour Eugénie sa cuisinière depuis 20 ans, pourquoi pas ? Mais à la condition expresse que ces « deux passions » n’en fassent qu’une, l’une fonctionnant grâce à l’autre (ce serait d’ailleurs le sens du titre « la passion de Dodin Bouffant ») or la symbiose n’est pas toujours opérationnelle

Quand une poire trône voluptueuse dans une composition qui rappelle une nature morte. Soit. Mais qu’au plan suivant c’est le corps nu vu de dos qui épouse les contours du fruit, c’est du kitch, l’apothéose du mauvais goût (quand bien même ce « tableau vivant » est vu ou fantasmé  par Dodin)

Que ce film ait reçu le prix de la mise en scène au festival de Cannes 2023, on est en droit de s'interroger !!!

Serait-ce pour l’Apologie de l’artisanat, des recettes de nos terroirs et de la transmission des savoirs que ce film a été sélectionné pour les Oscars 2024 ? Images prisées - faciles à monnayer -,  à l’étranger ?

Colette Lallement-Duchoze 

documentaire de Barbet Schroeder (Suisse 2023)

avec Ricardo Cavallo

Festival de Locarno Hors Compétition

Argument: Barbet Schroeder dresse le portrait de son ami Ricardo Cavallo, qui consacre sa vie à la peinture. De Buenos Aires jusqu’au Finistère, en passant par Paris, ce film est une invitation à plonger dans l'histoire de la peinture, mais aussi à découvrir la vie de cet homme qui, avec simplicité et humilité, s’est toujours engagé entièrement, jusqu'à transmettre sa passion aux enfants de son village.

C’est une histoire de regards (avec ces jeux de miroirs quand à l’écran surgit un paysage familier et qu’au plan suivant vous le voyez transfiguré par la palette du coloriste; ou quand Ricardo commente de son œil exercé une toile de Velasquez) ; c’est une histoire d’amitié (à plusieurs reprises filmés de dos le cinéaste et le peintre -qui se connaissent depuis 40 ans- marchent côte à côte, arpentant les allées du Louvre par exemple, enserrés par ce bras protecteur qui se pose délicatement, ils sont comme en osmose ! « Attends, on va réfléchir ensemble . C’est une histoire de « transmission » (non seulement le spectateur sera à l'écoute du (des)  discours de Ricardo sur la peinture, sur sa « dette » envers ses Maîtres -Caravage Velasquez, Raphaël Goya mais nous le voyons dispenser gratuitement des cours à des enfants de l’école Blei Mor La peinture, le dessin, c'est une arme pour avancer dans la vie .

Séquence d’ouverture : harnaché de son matériel de peintre -dont la  palette, le chevalet- Ricardo descend pour ne pas dire dévale allègrement jusqu’à cette grotte, et son gabbro …En écho, au final,  le même, les mêmes lieux – la Baie de Morlaix et plus précisément les rochers de Saint Jean du Doigt -où il a élu domicile (après avoir fui Paris dont nous verrons son mini atelier, une chambre de bonne au 7^ème étage sans ascenseur où il dormait à même le sol)

Une vie érémitique (ne manger que du riz et des oranges, dormir toujours la fenêtre ouverte) qui n’est pas sans rappeler -quand il pénètre dans la grotte- les trois étapes du mythe de la caverne de Platon -illusion à l’intérieur, révélation du Vrai à la sortie et transmission

Faire un film sur la peinture, est une sacrée gageure  (B Schroeder) qu’à cela ne tienne rétorque-ra le peintre!  car l’essentiel est moins ce que je raconte, que le tableau final. Et n’y aurait-il pas des similitudes entre une toile composée de ces petits carrés — soigneusement numérotés et rangés – et ces plans qui au montage vont participer à la construction d’un film ; avec les mêmes questionnements sur le « rendu , les mêmes refus d’une œuvre imparfaite, les mêmes hésitations . J’appelle mes tableaux des « compositions » car tous ces éléments qui coexistent dans un circuit fermé demandent une résolution d’ordre « symphonique »

Voyage dans le temps (les portraits du Fayoum qui nous regardent, comme tous les disparus ; la grotte  Chauvet telle une passerelle ) Voyage dans l’espace (de Buenos Aires au Finistère en passant par le Pérou et Paris) ce film est dédié au galeriste Karl Flinker. C’est lui qui a « découvert » et fait connaître l’œuvre du peintre d’origine argentine et permis à Barbet Schroeder d’entrer en contact avec lui

Ricardo et la peinture : une œuvre « magistrale » comme ces toiles immenses de 10m de long qui se fondent en le transformant dans le paysage ? Non et on peut même déplorer une certaine complaisance (cf la longue séquence avec le collectionneur avocat et vigneron Philippe Pech de Laclause, ou avec le galeriste Pierre Astier)

Mais la sincérité du réalisateur et  son admiration pour le peintre irriguent le documentaire et font du portrait de Ricardo une œuvre tout à la fois émouvante de simplicité et dense dans sa beauté existentielle

Colette Lallement-Duchoze

d'Anna Jadowska (Pologne 2022)

avec Dorota Pomykała,  Adam Bobik,  Bogdan Koca,  Awa Wycichowska,  Piotr Gadomski

Prix d'interprétation féminine Festival Trebeca 2022

Mirka, sage-femme d'une soixantaine d'années, mène une vie irréprochable auprès de son mari et de leur fils. Pourtant, un matin, quelque chose change. Après s'être levée tôt, avoir étendu le linge et acheté de la nourriture pour ses poissons, elle tente de braquer une banque armée d'un couteau de cuisine. Son geste désespéré échoue mais l'oblige à reconsidérer sa vie.

Lent travelling latéral sur une façade de HLM (où la compacité couvre les 2/3 du cadre) puis travelling ascendant et arrêt au dernier étage : c’est là que vit Mirka, une sexagénaire dont la pâleur et la couleur pastel de son vêtement se confondent avec celles utilisées de bout en bout par la réalisatrice (quand ce n’est pas le blanc laiteux omniprésent du milieu hospitalier)  Une « trappe » permet d'accéder  au toit, un toit qui non seulement « surplombe » (vue en plongée) mais définit la « limite » (entre vie et trépas…) ; limite que les pieds nus de Mirka seraient prêts à franchir ?

Comme le film est avare en informations, que l’essentiel doit se lire (se deviner) sur un regard interrogateur, sur des gestes, sur le corps (l’actrice est de tous les plans quand elle n’envahit pas l’écran) -  le langage corporel est l’unique langage- : le spectateur devra se contenter de questionnements. Et ils pullulent.

Mirka commet un acte « délictueux » : assise face à l’employée de banque elle brandit  un couteau de cuisine et dit calmement  « c’est un hold-up »......A partir de ce geste (alors que le braquage n'a pas abouti...) , tout un mécanisme répressif va se mettre en place (convocation, interrogatoire, garde à vue, incarcération, séjour en HP, procès etc). Le mari souffre plus du qu’en dira-t-on, que de la douleur de son épouse, le fils prépare son départ pour la Grande-Bretagne. Mirka perd son emploi de sage-femme. Ô douleur non encore éprouvée ! Et pourtant !

Ce film librement inspiré d’un fait divers, et qui a été récompensé au festival du film de Tribeca 2022 (prix d’interprétation pour Dorota Pomykała) est l’histoire « d’une émancipation tardive » ; le parcours de Mirka -qui au final parviendra à « prendre de la hauteur » et ce faisant le titre acquerra une autre signification, illustre le statut de la femme sexagénaire dans la société polonaise (endettement poids des traditions soumission) Le cas d’une jeune parturiente, à la clinique où exerce Mirka, dit aussi expressément l’oppression de la femme soumise à un « devoir de maternité »

Le choix du « monochrome », de la pâleur blafarde, avec une surexposition de la lumière pourra déplaire à certains (qui contestent l’esthétisation de la rudesse et de la précarité). Or n’est-ce pas pour mettre en évidence l’invisibilité d’un personnage ? Mirka (admirable Dorota Pomykała) accomplit les gestes quotidiens routiniers, dans un silence sidéral, dans une atmosphère éthérée, sans que son entourage proche ne se rende compte de son profond mal-être. Solitude et aveuglement ! La lumière de la saison estivale est inquiétante (hormis en ces instants furtifs où le corps de Mirka allongée se confond avec la blondeur des épis)

C’est le soleil « noir », celui de l’évanouissement, de l’enfouissement avant le « sursaut » final.

Une « lueur » d’espoir après une longue marche (funèbre) ?

Colette Lallement-Duchoze

De Mona Achache (France Belgique 2023)

Avec Marion  Cotillard (Carole Achache) Mona Achache : elle-même  Marie Bunel : (Kathleen Evin) Pierre Aussedat : (Nikos Papatakis)

Festival de Cannes 2023 : sélection officielle, section « Séances Spéciales », en compétition pour L'Œil d'or

Festival La Rochelle Cinéma 2023 : sélection officielle, section « documentaires »

Festival Avant-premières des Cinémas Indépendants Parisiens 2023 : sélection officielle

Festival international du film d'Oldenbourg 2023 : sélection officielle

Sortie en salles le 15 novembre 

Argument: À la mort de sa mère, Mona Achache découvre des milliers de photos, de lettres et d'enregistrements, mais ces secrets enfouis résistent à l'énigme de sa disparition. Alors, par la puissance du cinéma et la grâce de l'incarnation, elle décide de la ressusciter pour rejouer sa vie et la comprendre

Mimétisme atavique ? La mère de la réalisatrice, Carole Achache avait écrit sur sa mère Monique Lange découvrant enfin celle qui fut une énigme « Elle rend son âme. Elle me lègue ses agendas. Je tombe sur une mine d’or. Je les lis, je les décrypte. Je vois mais c’est trop tard » (Fille de). Monique Lange avait elle-même écrit sur sa propre mère…. Mona Achache quant à elle choisit le documentaire, pour « recoller » les morceaux d’une vie, et partant, se libérer de son trauma (consécutif au suicide inexpliqué de sa mère en 2016). La création comme thérapie ? Mais son documentaire sera "particulier" : en confiant à Marion Cotillard le « rôle » de Carole, en l’affublant de ses habits « fétiches » dont le jean, en lui faisant porter une perruque, en utilisant son parfum (Marion Cotillard actrice sera la mère ressuscitée) la réalisatrice ne se départit pas de son statut de « fille » et son docu-fiction , un genre hybride,  ne saurait convaincre.

Pourquoi ? La mise en scène est constamment une mise en abyme. Le portrait de Carole est constamment phagocyté par le jeu de l’actrice qui  imite à « merveille » le « modèle » (cigarettes, dos légèrement voûté, paroles qui se superposent à celles authentiques enregistrées, avant de fusionner). Eprise du « rôle » qu’elle doit incarner, Marion Cotillard, exprime ses propres doutes, ses propres hésitations ; le portrait de Carole est ainsi sur-joué dans ses fragmentations mêmes, reléguant au second plan la relation mère/fille (hormis dans le plan final qui fait écho au plan d’ouverture mais où les deux femmes vues de dos contemplent apaisées, réconciliées,  l’ondulation des flots avant que Mona ne couvre le corps nu de sa mère/Marion de son propre lainage)

Little girl blue se présente(rait)  ainsi comme une « reconstitution » (laborieuse ?) qui aura mis en valeur le talent de l’actrice Marion Cotillard !

Cela étant, on sera sensible à la « construction » de ce film : qui rappelle le puzzle, l’installation, l’enquête « policière », à son décor stylisé théâtral, avec avant-scène, scène et coulisses (à l’instar des circonvolutions d’une mémoire qui se pense et qui en se réappropriant un passé douloureux, en vient à le « comprendre» et le transcender)

Tolérer (voire provoquer comme le fit Monique Lange) des comportements abusifs sur des «jeunes » (et Carole en fut victime) est inacceptable (ce que dénonce Mona Achache, clouant ainsi au pilori Jean Genet …adulé en tant qu'écrivain)

L’essentiel au final ne serait-il pas le propre "ressenti" de la réalisatrice ?

Présente à l’issue de la projection (jeudi 2 novembre) pour « échanger » avec le public (un public très enthousiaste au demeurant) elle a affirmé que « la réalisation de ce film fut une catharsis» (plus efficace que des séances de psychanalyse)

Je vous laisse juge

Colette Lallement-Duchoze

de Kleber Mendonça Filho (Brésil 2023)

Séance Spéciale Festival de Cannes 2023

New Zealand International Film Festival 2023

Portraits fantômes est un voyage multidimensionnel dans la ville de Recife, capitale brésilienne de Pernambuco, à travers le temps, le cinéma, le son, l'architecture et l'urbanisme. Cette visite impressionniste qui associe l'archive, la fiction, l'extrait de film, les souvenirs personnels est à la fois une cartographie de la ville et un hommage à la salle de cinéma qui tout au long du vingtième siècle a été ce lieu de convivialité, réceptacle des rêves, des espoirs et des émotions.

  Ce  film autobiographique est le fruit de 7 années de travail et de recherche 

Je me suis rappelé que quand on aime, il faut le dire 

Voici Monsieur Alexandre (Moura) ce projectionniste du cinéma Art Palacio qui a fermé son cinéma avec une clé de larmes,  mort en 2003 ; voici Joselice, la mère, morte prématurément, une historienne spécialiste de l’histoire orale ; voyez Janet Leigh et Tony Curtis main dans la main sur le pont au-dessus du fleuve Capibaribe ; voici Nico, ce chien mort depuis des années, mais dont les aboiements continuent à marquer quelques bandes son. Voici un docker qui vendait derrière le cinéma le Trianon affiches, photos et films jetés à la poubelle par les distributeurs. Voici un chauffeur de taxi Rubens Santos qui (re)joue l’homme invisible  dans la toute dernière séquence, laquelle  donne a posteriori tout son sens au film (la dialectique apparaître/disparaître ou l’inverse)

Si je fais du cinéma, c'est pour rendre visible ce que l'on ne voit plus 

Photos de famille (lui enfant adolescent, le frère Mucio) de lieux, (l’appartement labyrinthe de Setúbal qui a servi de décor à certains de ses films , le centre de Recife) des archives en noir et blanc ou couleur, des images animées, des extraits de films (les siens mais aussi d’autres cinéastes) , un tel support par la magie du montage ingénieux nous transporte à la fois dans un passé identifiable celui des années 60 par exemple et un présent barricadé face aux radicalismes, mais surtout nous fait vivre de l’intérieur (introspection) grâce à la voix off les soubresauts d’une histoire intime qui se confond avec l’Histoire

 Portraits fantômes  est structuré en trois parties distinctes mais malgré le titre qui singularise, des récurrences et des mouvements de va-et-vient tissent des liens de l’une à l’autre.

Portraits fantômes : une balade certes empreinte de nostalgie (dont témoignent des surimpressions et certains raccords) mais qui poétiquement est exhaussée en ballade

Portraits fantômes ou l’alchimie fiction/réalité car  "La vie vécue inspire les histoires racontées par les images, et les histoires servent d’appui pour imager les souvenirs"

A ne pas rater

Colette Lallement-Duchoze

ps Bacurau - Le blog de cinexpressions